Zaha hadid

 

zaha hadid
Knight Foundation – zaha hadid

El homenaje del Doodle de hoy el arquitecto Zaha Hadid, que capturó la atención del mundo y techos de cristal rotos (además de diseñar algunos) al convertirse en la primera mujer en ganar el Premio Pritzker de Arquitectura en este día en 2004. Fue también la primera mujer galardonada con el Royal Gold Medalla por el Royal Institute of British Architects.

Nacido en Irak en 1950, Hadid aprendió sobre el arte abstracto y arquitectura en la Architectural Association de Londres. Allí, encontró la inspiración en formas no convencionales. Antes de las computadoras hicieron sus diseños más fáciles en papel, el estudio de Hadid se conoce el uso de la fotocopiadora de forma creativa para doblar las líneas y crear nuevas formas. El tipo de Doodle de hoy se inspira en bocetos energéticos de Hadid, que exploraron la forma y función.

Hadid abrió un nuevo camino en la arquitectura moderna con el paisaje circundante para la construcción de la inspiración. Las líneas rectas y ángulos agudos de la estación de bomberos de Vitra en Alemania fueron inspirados por viñedos y tierras de cultivo cercanas, mientras que el techo del Centro Acuático de Londres forma la forma de una onda. Se puede ver el Centro Acuático de Londres y algunas de otra impresionante obra de Hadid en exhibición interactiva de Google Earth .

El Centro de Heydar Aliyev, en la foto en el doodle de hoy, se erige en contraste con las estructuras similares a bloques que lo rodean en Bakú, Azerbaiyán. Al mismo tiempo, este centro cultural se inspira en diseños históricos islámicos que se encuentran en los patrones de caligrafía y geométricos para crear algo totalmente nuevo. El edificio tiene una forma abierta para invitar al público en su espacio. El centro ha sido anfitrión de arte moderno de Andy Warhol y Tony Cragg, y las actuaciones de clase mundial de Kitaro y Alessandro Safina.

En sus primeros trabajos, Hadid visualiza sus proyectos a través de pinturas que se asemejaban arte moderno abstracto. Ella dijo la famosa frase, «Hay 360 grados, así que por qué se adhieren a uno?» Usted puede explorar algunos de estos primeros conceptos – incluso a través de la realidad virtual – en el Instituto Cultural de Google .

Hoy celebramos las contribuciones de Dame Zaha Hadid largo de su vida al mundo de la arquitectura. Gracias, Dame Zaha Hadid, por todo lo que has hecho para unir a la gente en el servicio del arte y la cultura!

Biografía
Nació en Bagdad (Irak) en 1950 en una familia de clase alta árabe suní. Su padre Muhammad Hadid era un industrial acaudalado de Mosul que fundó el grupo al-Ahali en 1932, situado en la izquierda liberal. Posteriormente, fue vicepresidente del Partido Nacional Democrático entre 1946 y 1960 y ocupó el puesto de Ministro de Finanzas en el gobierno del general Abd al-Karim Qasim después del golpe de estado de 1958. La madre de Zaha Hadid, Wajiha al-Sabunji, también provenía de una familia adinerada de Mosul.

Zaha fue educada en Bagdad, en una escuela regentada por monjas católicas francesas, y continuó parte de su educación secundaria en Suiza y Gran Bretaña. Regresó a Oriente Medio para estudiar Matemáticas en la Universidad Americana de Beirut entre 1968 y 1971. Después de obtener su título regresó a Londres para estudiar en la Architectural Association de Londres donde obtuvo su diploma en 1977. En la AA fue alumna de Rem Koolhaas y de Elia Zenghelis, de los que posteriormente sería socia en Office for Metropolitan Architecture. En 1979, estableció su propio estudio en Londres. También dio clases hasta 1987 en la Architectural Association.

Falleció el 31 de marzo de 2016 a la edad de 65 años a causa de un ataque cardíaco en un hospital de Miami, donde estaba siendo tratada por una bronquitis.

Löwenhaus station of Hungerburgbahn funicular in Innsbruck
Hafelekar – Trabajo propio Estaciones Hungerburgbahn Innsbruck Flag of Austria.svg Austria

Expo Zaragoza 2008 : Pabellón-Puente visto de la Torre del Agua
Grez – Trabajo propio

Palacio de la Ópera de Cantón Cantón Bandera de República Popular China ChinaGuangzhou Opera House(Near).JPG
A near and front view of Guangzhou Opera House.
Mr a – Trabajo propio

2007-2010 Sheikh Zayed Bridge Abu Dhabi Flag of the United Arab Emirates.svg Emiratos Árabes UnidosSheikh Zayed Bridge – Abu Dhabi, UAE
Mohannad Khatib – Flickr: Sheikh Zayed Bridge – Abu Dhabi, UAE

2008-2011 Centro Acuático de Londres Londres Bandera de Reino Unido Reino UnidoLondon Aquatics Centre, 16 April 2012.jpg
Aerial view of the Olympic Park showing the Aquatics Centre and the Water Polo Arena. Picture taken on 16 April 2012.
EG Focus – 120416 LOCOG Aerials_013 Uploaded by BaldBoris

2007-2012 Heydar Aliyev Cultural Center Bakú, Azerbaiyán Bandera de Azerbaiyán Azerbaiyán “Arşın mal alan” filminin rəngli formatda premyerası
Khalilov – Trabajo propio

2007-2013 Dongdaemun Design Plaza & Park Dongdaemun, Seúl Bandera de Corea del Sur Corea del Sur En curso  Dongdaemun Design Plaza.jpg
Dongdaemun Design Plaza at night, Central Seoul
Warren Whyte – Trabajo propio

Zaha Hadid

Muere a los 101 años Jacque Fresco

Photo of Jacque Fresco
Roxanne Meadows – Roxanne Meadows

Ideas: Economía basada en recursos

Uno de los temas principales en los que trabaja Fresco, es el concepto de una economía basada en recursos, que reemplace a la necesidad de la economía monetaria, orientada a la escasez, que utilizamos hoy en día. Fresco argumenta que el mundo es lo suficientemente rico en recursos naturales y en energía, y, de ser gestionados en forma eficiente e inteligente (no a través del sistema de mercado), junto a la tecnología y la aplicación del método científico, las necesidades básicas de la población mundial, pueden suplirse con abundancia; a la vez que se eliminarían las limitaciones actuales, de lo que se considera posible, de acuerdo a nociones de viabilidad económica.

Jacque Fresco (Brooklyn, Nueva York; 13 de marzo de 1916-Sebring, Florida; 18 de mayo de 2017)2 3 fue un autodidacta, diseñador industrial, futurista e ingeniero social, autor, conferencista, inventor y pionero en la ingeniería de los factores humanos; residente en Venus, Florida, Estados Unidos. Fresco ha trabajado como diseñador e inventor, abarcando desde las innovaciones biomédicas a sistemas sociales totalmente integrados. Su visión optimista y su deseo de crear soluciones que beneficien al máximo a la mayor cantidad de gente posible provienen de su experiencia durante la Gran Depresión de 1929.

En 1995 fundó The Venus Project (Proyecto Venus) y la organización sin fines de lucro Future by Design junto a Roxanne Meadows, lo cual refleja la culminación de vida de trabajo de Fresco. Escribió y presentó conferencias sobre temas que abarcan desde el diseño holístico de ciudades sostenibles, hasta eficiencia energética, gestión de recursos naturales y automatización avanzada, enfocándose en los beneficios que esto traerá a la sociedad.

Vida personal y familiar
Nacido de padres judíos inmigrantes a EE. UU. Su padre Isaac nació en 1880 y alrededor de 1905 emigró desde Estambul a Nueva York donde trabajó como horticultor. Él murió en 1963. Su madre Lena nació en 1887 en Jerusalén y también emigró a Nueva York alrededor de 1904. Ella murió en 1988. Jacque tuvo dos hermanos: una hermana llamada Freda, y un hermano, David. David era dibujante y se convirtió en actor de teatro y de Hollywood.4 Después de haber sido incluido en la lista negra de Hollywood en los años 1950 por no cooperar con el Comité de Actividades Antiamericanas, resucitó su carrera en la década de 1960, apareciendo en muchas películas y programas de televisión. Él murió en 1997 a los 87 años.

Fresco tuvo dos matrimonios. Se divorció por segunda vez en julio de 1957.5 Su segunda esposa, Patricia, dio a luz un hijo, Richard, en 1953, y una hija, Bambi, en 1956. Richard entró al ejército en 1973 y murió en 1976. Bambi murió de cáncer en 2010.6 Roxanne Meadows ayudó a Fresco desde 1976. Convivió con él siendo su colega, supervisando gran parte de la gestión del Proyecto Venus y cuidándole tras ser diagnosticado con Parkinson.

Su trayectoria

En la Marina estadounidense
Jacque Fresco comenzó su carrera profesional como consultor de diseño para la compañía Rotor Craft Helicopter. Trabajó en la Unidad de Diseño y Desarrollo de la Marina estadounidense, en la base de la Fuerza Aérea Wright-Patterson en Dayton, Ohio, y trabajó para la corporación Raymond De-Icer con base en Los Ángeles, como ingeniero de investigación.

Trabajó también para muchas compañías en varios campos como consultor y consejero técnico para la Industria Motion Picture, y como instructor de diseño industrial en la Art Center School en Hollywood, California. En Los Ángeles, fue colega y empleado asociado del psicólogo Donald Powell Wilson.

En 1943, Fresco fundó la Compañía Revell Plastics (ahora Revell-Monogram) con Lou Glaser, aunque más tarde la dejó en persecución de otras de sus ideas, trabajando alternadamente en investigación aeroespacial y desarrollo, arquitectura, diseño eficiente de automóviles, métodos de proyección cinemático 3D y diseño de equipos médicos, durante lo cual desarrolló una unidad de rayos X tridimensional, entre otras cosas.

Trabajando en su estudio
Jacque Fresco fue el fundador de Sociocyberneering, Inc., hoy conocido como el Proyecto Venus. Con su asociada Roxanne Meadows, ha diseñado y construido un complejo de investigación de 25 acres en Venus, Florida. La función de este proyecto es preparar enfoques y soluciones a los mayores problemas al que se enfrenta el mundo en la actualidad. La cobertura televisiva y en revistas sobre el proyecto ha sido a nivel mundial.

Ideas: Economía basada en recursos
Uno de los temas principales en los que trabaja Fresco, es el concepto de una economía basada en recursos, que reemplace a la necesidad de la economía monetaria, orientada a la escasez, que utilizamos hoy en día. Fresco argumenta que el mundo es lo suficientemente rico en recursos naturales y en energía, y, de ser gestionados en forma eficiente e inteligente (no a través del sistema de mercado), junto a la tecnología y la aplicación del método científico, las necesidades básicas de la población mundial, pueden suplirse con abundancia; a la vez que se eliminarían las limitaciones actuales, de lo que se considera posible, de acuerdo a nociones de viabilidad económica.

Experiencia profesional
Consultor en diseño para la Compañía de Helicópteros Rotor Craf
Sirvió en el Ejército, en la Unidad de Diseño y Desarrollo, Wright Field Dayton, Ohio
Ingeniero de Investigación. Raymond De-Icer Corp., Los Angeles, California
Colega y socio de Donal Powell Wilson, el prestigioso psicólogo de Los Angeles que escribió «Mis seis convictos»
Instructor de Diseño Industrial en la Art Center School en Hollywood, California
Fundador de la compañía Revell Plastics (ahora Revell-Monogram) con Lou Glaser (1943)
Consultor Técnico para la industria cinematográfica, incluyendo Consejero Técnico para Camera Eye Pictures, Inc., y el film, The Magic Eye, que ganó el Premio Robert J. Flaherty al documental más creativo
Investigaciones y diseños
Sistemas para aviones sin ruido ni contaminación.
Un nuevo sistema estructural de alas de avión, patentado por la Fuerza aérea de Estados Unidos.
Un sistema electroestático para la eliminación de explosiones sónicas para Raymond De-Icer.
Control de capa límite y métodos electrodinámicos para el control de aviones que prescinde de alerones, elevadores, timones y tapa.
Un automóvil de tres ruedas constituido por solo 32 partes.
«The Aluminum Trend House», una casa prefabricada diseñada y desarrollada para Mike Shore y Earl «Madman» Muntz (1945).
Diseñó y desarrolló otra casa de aluminio prefabricada para Major Realty en colaboración con Aluminium Company of America.
Desarrolló varios componentes y sistemas para construcción arquitectónica.
Desarrolló equipamientos desde unidades de rayos-x tridimensionales a instrumentos quirúrgicos para el campo de la medicina.
Desarrolló un método para ver películas de 3D sin el uso de gafas (1949).
Diseñó y construyó una amplia gama de estructuras reforzadas de hormigón.

Proyecto Venus

Piscinas naturales – Pamukkale, Turquía

Pamukkale (castillo de algodón en turco) es una zona natural dentro de Hierápolis, la antigua ciudad helenística.
Antoine Taveneaux – Trabajo propio
Pamukkale

El agua contiene grandes cantidades de bicarbonatos y calcio.
Antoine Taveneaux – Trabajo propio
Pamukkale

Panoramic view of Pamukkale, Turkey
CherryX per Wikimedia Commons

Pamukkale («castillo de algodón» en turco) es una zona natural y al mismo tiempo una famosa atracción turística al sudoeste de Turquía, concretamente en el valle del río Menderes, en la provincia de Denizli, donde se disfruta de un clima templado la mayor parte del año.
. El agua contiene grandes cantidades de bicarbonatos y calcio.
La antigua ciudad de Hierápolis se construyó en lo alto del ‘castillo’ blanco, que en total tiene 2700 m de longitud y 160 m de altura. Puede ser divisado a gran distancia, por ejemplo, si vamos conduciendo por las colinas del lado opuesto del valle hacia la ciudad de Denizli, que está a 20 km, o viajando desde la costa de Antalya y el mar Egeo.

Los movimientos tectónicos que tuvieron lugar en la depresión de la falla de la cuenca del río Menderes no sólo causaron frecuentes terremotos sino que también ocasionaron la aparición de numerosas fuentes de aguas termales. Fueron esas aguas, con su alto contenido en minerales — creta en particular — las que crearon Pamukkale.

Además de algún material radioactivo, el agua contiene grandes cantidades de bicarbonatos y calcio que producen la precipitación de bicarbonato de calcio. Cada segundo brotan de estas fuentes 250 l de agua, dando lugar a la precipitación de 2,2 g de creta por cada litro de agua o 0,55 kg de creta por segundo. Con el paso del tiempo algunas fuentes se secaron debido a los terremotos, mientras que otras nuevas surgieron en los alrededores.

Este fenómeno natural produce gruesas capas blancas de piedra caliza y travertino que bajan en forma de cascadas por la ladera de la montaña, lo que da la sensación de estar ante una catarata congelada. Estas formaciones también adquieren el aspecto de terrazas de travertino en forma de medialuna que contienen una capa de agua poco profunda dispuestas en el tercio superior de la ladera formando escalones, que oscilan de 1 a 6 metros de altura, o estalactitas que sostienen y unen estas terrazas.

Entre las rocas más antiguas se pueden encontrar mármoles cristalinos, cuarcitas y esquistos, que datan del periodo del Plioceno, mientras que la capa superior es de la era Cuaternaria. Los depósitos más recientes de carbonato de calcio le dan al lugar un aspecto blanco deslumbrante.
Piscina de Cleopatra en Hierápolis.
Estas fuentes, muy conocidas en la Antigüedad, fueron descritas por el arquitecto romano Vitruvio. Los griegos frigios atribuyeron a sus aguas propiedades terapéuticas, otorgadas por los dioses, especialmente Asclepio (semidios de la medicina) y su hija Hygieia (diosa de la salud, la higiene y la sanación), bajo la protección de Apolo (dios de la medicina y la curación).

Junto con Hierápolis, Pamukkale, está declarado Patrimonio de la Humanidad desde 1988.1 Sólo unos pocos lugares en el mundo se le parecen, como las fuentes termales de Mammoth, en el Parque nacional de Yellowstone, en los Estados Unidos, y Egerszalók en Hungría, y Huanglong en la provincia china de Sichuan, (otro lugar declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco). Otra cascada similar es la de Hierve el Agua en San Isidro Roaguía en el estado de Oaxaca, México, en Norteamérica, según los expertos Hierve el agua y Pamukkale son las únicas dos joyas de este tipo en todo el mundo.

Antes de ser declarado Patrimonio de la Humanidad, Pamukkale estuvo muy descuidado durante las últimas décadas del siglo XX, época en la que se construyeron hoteles en lo alto del lugar que destruyeron parte de los restos de Hierápolis. Las aguas termales de las fuentes se utilizaron para llenar las piscinas de los hoteles y se vertieron aguas residuales justo sobre el monumento, de ahí que adquiriera un tono parduzco; además, se construyó una rampa de asfalto para acceder a la parte principal. Los turistas se paseaban con los zapatos puestos, se lavaban con jabón y champú en las pozas, subían y bajaban por las laderas montados en bicicletas y motocicletas. Para cuando la Unesco dirigió su atención hacia Pamukkale, el lugar estaba perdiendo su atractivo. Entonces se intentó restaurar: se demolieron los hoteles y la rampa se cubrió con pozas artificiales a las que hoy los turistas pueden acceder sin zapatos (a diferencia de lo que ocurre en otras zonas del lugar), y donde se pueden encontrar renacuajos; se realizó un canal alrededor de la rampa para recoger el agua e impedir que se derramara; se dejó que las zonas de color parduzco se blanquearan al sol y se evitó que estuvieran cubiertas de agua para atenuar el problema, razón por la cual muchas pozas permanecen vacías. Siguiendo un programa establecido, otras zonas de la parte superior de la colina se llenan de agua y se abren al público durante una o dos horas.

La actividad volcánica subterránea que causa las fuentes termales también causó que se filtrara dióxido de carbono en una cueva de Hierápolis a la que se llamó cueva de Plutón. Fue bautizada con ese nombre porque la gente que entraba allí moría a causa del gas y se pensaba que era Plutón, dios de los infiernos, el que enviaba ese gas.

Travertinos con colores.
Denverbabushka – Trabajo propio
Travertine hot spring formations at Pamukkale, Hieropolis, Turkey

Piscina de Cleopatra en Hierápolis. Radomil

Ikebana

Rinpa

Moribana kōseitai (hidarigatte)
Gryffindor – Own work

Moribana/Ellywa

Arreglo floral de ikebana.Pixeltoo (talk | contribs) Ikebana: Bunjin form

Moribana useitai
Gryffindor – Own work

Ikebana (生け花? «Flor viviente») es el nombre usado para denominar el arte japonés de arreglo floral. También conocida como kadō (華道 ó 花道?) «el camino de las flores».

Historia
Con la introducción del budismo en Japón a través de Corea y China en el siglo VI, llegó también la costumbre del kuge, u ofrendas de flores en el altar. Un sacerdote budista de nombre Ono-No-Imoko insatisfecho con la forma despreocupada con la que los sacerdotes hacían las ofrendas florales en el altar de Buda, experimentó con arreglos que simbolizaban todo el universo. En sus diseños, las flores y las ramas se dirigían hacia arriba (nunca hacia abajo), y se disponían en grupos de tres para representar la armoniosa relación entre el cielo, hombre y tierra.

Los sacerdotes continuaron haciendo arreglos florales durante cientos de años, pero no hay constancia de ninguna forma o diseño que siguiera un sistema particular hasta finales del s. XV. En esta época, simultáneamente al Renacimiento italiano, Japón experimentó una explosión de desarrollo artístico, y se creó la arquitectura tradicional japonesa, tal y como la conocemos hoy en día, la poesía haiku, el teatro noh, la jardinería y se inició la formación de distintas Escuelas de Ikebana que han ido evolucionando y definiendo sus arreglos desde un punto de vista más tradicional o innovador, fluctuando siempre entre estilos más formales o informales.

En el siglo XIV, durante el mes de julio, muchos festivales (p.ej. el de Tanabata) se celebraban en los más importantes templos y santuarios. Tales eventos se conocían con el nombre de: Shichiseki-Horaku-no-Hana. Más adelante en el período Kamakura (1192-1333) se puso de moda construir dentro de un cuarto (zashiki) una especie de nicho (Tokonoma) donde se colocaban un arreglo floral, incienso y una vela. Debido a la estrechez del Tokonoma, los arreglos florales se hicieron para ser vistos sólo de frente.

Arreglo de Ikebana.Ellywa (talk | contribs/Paesaggio acquatico)
En dicha época el concurso de flores Hana-Awase llegó a formar parte del concurso de poesía ya existente muchos años atrás: Uta-Awase. Con motivo de estos concursos no solamente se combinaban los dos artes, sino que se exhibían vasijas, contenedores y floreros. Los cortesanos, samuráis y monjes competían por el mejor premio, concursando con flores exóticas o vasijas de delicada belleza traídas de China.

Es la creación del primer arreglo floral, de línea muy estricta, con muchas reglas y restricciones llamado Tatebana (flor de pie/vertical) que se puede considerar como primer estilo que se puede llamar Ikebana. Las ramas y flores se colocó en un florero alto y estrecho. En el libro más antiguo de Ikebana «Kaoirai no Kadensho» (1499) presenta ilustraciones sobre estos arreglos florales realizados en vasijas, con fondo de arena.

En esa época, el principal maestro de arreglos florales se llamaba Ikenobo Sengyo. Luego, en el siglo XVI, se crearon reglas precisas y complicadas para los arreglos florales. Este daría paso al estilo Rikka establecido por la escuela de Ikenobo.

El estilo Rikka era usado para ocasiones ceremoniales. Surgió un estilo menos formal y complicado llamado Nageire, preferido por la gente común. Muchas escuelas de Ikebana aparecieron durante el período Edo (1603-1868). En 1820, la escuela de Ikenobo, a partir del estilo Nagerie estableció el estilo Shoka que era de nuevo un estilo ortodoxo.

Durante el período Meiji (1868-1912), los estilos de la escuela Ikenobo se consideraron muy estáticos y conservadores. Muchos maestros de Ikebana, influenciados por la cultura occidental, trataron de modernizar el arte del arreglo floral. Surgieron estilos modernos de arreglos florales como el Moribana, principalmente durante el período Taisho (1912-1926). Después de la segunda guerra mundial apareció el estilo libre de Ikebana.

La academia «Sanguetsu» fue creada en junio de 1972 de Mokichi Okada (岡田茂吉), como otra escuela de Ikebana. Se caracteriza por un estilo sencillo y estricto.

En 1977, el director de la escuela Ikenobo dividió el estilo Shoka en dos: el Shofutai que es tradicional y el Shimputai que es más libre y expresivo. Igualmente, el estilo de Ikebana más formal y tradicional, el Rikka, fue dividido en dos estilos en 1999.

Actualmente en Occidente, a pesar del creciente interés por el arte y la arquitectura japonesa, el Ikebana, desafortunadamente, es a veces definido simplemente como unas normas para colocar flores en un recipiente y lograr un efecto decorativo, muy de moda con los gustos estéticos actuales, omitiendo las sutilezas, la riqueza y la profundidad de esta antigua disciplina. Sin embargo, no hay porque adoptar todas las respuestas culturales japonesas acerca de la naturaleza para poder disfrutar y practicar ikebana. Todo lo que se necesita es observar atentamente la forma y fases de crecimiento de las flores y otros elementos vegetales y su desarrollo a lo largo de las estaciones. Los medios de autoexpresión de la naturaleza son muy poderosos y ayudan a desarrollar nuestra habilidad para ver nuevas formas, acentuando la singular belleza de cada elemento, trabajar con la esencia del modelo en la naturaleza permite a la composición expresar mucho con muy poco y expresar con belleza la naturaleza cambiante de todas las cosas.

Arreglo floral
En la cultura japonesa surgió el ikebana, que desde Occidente puede interpretarse como unas normas para realizar arreglos florales con una estética distinta a la occidental. Pero el ikebana es algo más, es un antiguo arte que emerge de un respeto hacia la naturaleza profundamente arraigado en la cultura japonesa, como otras muchas formas de arte japonés, tales como la caligrafía, la ceremonia del té y la poesía haiku. El ikebana es una disciplina basada en una forma de vivir en comunicación con la naturaleza– un do o filosofía.

El poeta japonés de Haikai, Matsuo Basho (1644-1694), escribió en uno de sus diarios,

“Todos los que logran sobresalir en el arte poseen una cosa en común: una mente en comunión con la naturaleza a lo largo de las estaciones… y todo lo que ve una mente así es una flor y todo lo que una mente así sueña es la luna…”

Se trata de la composición de motivos decorativos mediante flores, aunque también ramas, hojas, frutos y semillas. Además de su propósito estético, también se utiliza como método de meditación, ya que está conectado con el flujo de las estaciones y ciclos de la vida.

El hecho de que las obras sean efímeras, debido al material de que están hechas, lo convierte en un acto de reflexión sobre el paso del tiempo.

El origen de este arte, de más de 500 años de historia, fue religioso, pero actualmente se ha exportado a todo el mundo, y se ha convertido en un hobby de la clase alta europea y norteamericana.

Más que simplemente poner las flores en un recipiente, el ikebana es un arte disciplinado en el que la naturaleza y la humanidad se unen. Contrariamente a la idea del arreglo floral como una colección de acuerdo multicolor de flores, a menudo se hace hincapié en otras áreas de la planta, tales como tallos y hojas, y llama la atención hacia la forma, línea, etc. Aunque ikebana es una expresión creativa, tiene ciertas reglas que rigen su forma. La principal regla es que todos los elementos utilizados en la construcción deben ser de origen orgánico, ya sea ramas, hojas, hierbas, o flores. La intención del artista detrás de cada disposición se ilustra a través de combinaciones de colores de una pieza, las formas naturales, líneas elegantes y generalmente implica el sentido de la disposición.

Otro aspecto en el presente ikebana es su empleo del minimalismo. Es decir, un arreglo puede consistir en sólo un número mínimo de flores esparcidas entre los tallos y hojas. La estructura de un arreglo floral japonés se basa en un triángulo escaleno definida por tres puntos principales, por lo general ramas, considerada en algunas escuelas para simbolizar el cielo, la tierra y el hombre, y en otros, el sol, la luna, y la tierra. El contenedor también es un elemento clave de la composición, y varios estilos de la cerámica pueden ser utilizados en su construcción.

Aspecto espiritual del Ikebana
El aspecto espiritual de Ikebana se considera muy importante para sus practicantes. El silencio es una necesidad durante las prácticas de ikebana. Es un tiempo para apreciar las cosas en la naturaleza que las personas suelen pasar por alto debido a sus ocupadas vidas. Uno llega a ser más paciente y tolerante hacia las diferencias, no sólo en la naturaleza, sino también en general. Ikebana puede inspirar a identificar con la belleza en todas las formas de arte. Este es también el momento en que uno siente la cercanía a la naturaleza que ofrece la relajación de la mente, cuerpo y alma.

Ikebana Internacional
Ikebana Internacional es una asociación cultural, sin ánimo de lucro, dedicada a la divulgación y conocimiento del IKEBANA, fundada en 1956 y que hoy en día se encuentra presente en más de 60 países y reúne a un número aproximado de 8.500 personas que se organizan a través de chapters o delegaciones.[cita requerida] La sede de Ikebana Internacional se encuentra en Tokio.

Kenzan

Kenzan (剣山 significa literalmente » espada montaña») es una pieza plana de plomo, de formas diversas, con decenas de pinchos de bronce en los que se clavan las flores, hojas o ramas.

enzan
Cyfal – Trabajo propio

Kenzan

Arreglo de Ikebana.
Kenzan (剣山 significa literalmente » espada montaña») es una pieza plana de plomo, de formas diversas, con decenas de pinchos de bronce en los que se clavan las flores, hojas o ramas.

Uso
El kenzan está sumergido en el agua del florero o plato, con los pinchos hacia arriba, y sirve de soporte al arreglo floral. El kenzan, como el «púrpura de abejas», no se ve. Pero gran parte de la espiritualidad que sugiere el arreglo floral japonés depende del kenzan.

En el arreglo floral japonés, en el ikebana o Kadō, asombra muchas veces ver las flores y otros componentes enhiestos, sin apoyo en las paredes del florero, o sencillamente «naciendo» de un plato con agua. El kenzan explica el truco. (wikipedia)

• Dō
• Kenzan

Ref

Ikebana.

INFO:

El 4 de Junio, se festejan 50 años del Jardín Japonés (Av. Casares 2966. CABA) entrada al jardín será libre y gratuita y ampliaremos el festejo convirtiendo en peatonal a la Av. Berro, donde podrán recorrer un camino de stands gastronómicos, de artesanias y disciplinas japonesas. También se podrán deleitar con shows y espectáculos .

Prevenir incidentes de ciberseguridad

Björk – OceaniaHola: Una infografía que nos dice: “Utiliza los 5 sentidos para prevenir incidentes de ciberseguridad”. Vía Un saludo

a través de Utiliza los 5 sentidos para prevenir incidentes de ciberseguridad #infografia #infographic — TICs y Formación

Comparto a través de TICs y Formación

Jornada mundial de las comunicaciones sociales 2017

El Papa Francisco habla a los fieles congregados en el Vaticano. Foto: Miguel Pérez / ACI Prensa

Con motivo de la Jornada Mundial de las Comunicaciones Sociales, que se celebra este domingo 28, el Papa Francisco animó a los medios de comunicación social a “estar al servicio de la verdad rechazando los prejuicios, y difundir esperanza y confianza en nuestro tiempo”.

En su mensaje, pronunciado tras el rezo del Regina Coeli en la Plaza de San Pedro, el Santo Padre destacó la importante función que ejercen los medios de comunicación en nuestra sociedad: “Los medios de comunicación social ofrecen la posibilidad de compartir y de difundir al instante las noticias de forma directa; estas noticias pueden ser bellas o feas, verdaderas o falsas”.

“Rezamos para que las comunicaciones, cualquiera que sea su forma, sean efectivamente constructivas”, indicó.
En el mensaje que el 24 de enero de 2017 publicó con motivo de esta Jornada Mundial de las Comunicaciones Sociales, que en esta edición tiene por título “No temas, que yo estoy contigo”, Francisco animó a los comunicadores a ejercer su labor “de forma constructiva rechazando los prejuicios contra los demás”, y siguiendo un modelo que “fomente una cultura del encuentro que ayude a mirar la realidad con auténtica confianza”.

En aquel mensaje, el Pontífice reconoció el gran reto al que se enfrenta el sector de la comunicación con las nuevas tecnologías e invitó a evitar la desinformación, pero también a evitar transmitir una imagen negativa del mundo.

La Iglesia Católica celebra la Jornada de las Comunicaciones Sociales desde 1967. Instituida por los padres conciliares durante la celebración del Concilio Vaticano II, se celebra en diversos países del mundo a instancia de los Obispos de cada Diócesis el domingo previo a Pentecostés.

Entre sus objetivos está la concienciación de las responsabilidades que todo individuo o grupos social tiene ante los medios de comunicación; la invitación a rezar para un uso responsable de la comunicación por parte de los responsables de los medios, promover entre os católicos la ayuda para el ejercicio correcto de esa responsabilidad comunicativa, y la puesta en valor del trabajo de los periodistas y empresarios del periodismo.

Fuente ACI Prensa

Muere Guillermo Sánchez bajista de Rata Blanca

Guillermo Sánchez.
Fuente imagen:Paula–AR – 

Guillermo Sánchez (Buenos Aires, 22 de diciembre de 1964 – Buenos Aires, 27 de Mayo de 2017) fue un bajista y cantante argentino de heavy metal y hard rock. Perteneció a Rata Blanca y Mala Medicina.

 

Biografía
En la adolescencia empezó tocando la guitarra. Fue a partir de los 17 años que comenzó a tocar el bajo y al poco tiempo formó algunas bandas de barrio que tocaban principalmente en reuniones y en festivales de los colegios.

La primera agrupación importante de la que formó parte se llamó 6L6. Junto a ella recorrió el circuito under sin llegar a grabar ningún disco, pero en el camino fue acumulando experiencia, la cual solo se adquiere tocando frente al público. Por aquella época el vocalista de 6L6 era Billy, el cual gozaba de cierta fama porque había grabado un LP junto a Bloke, una de las bandas pioneras del heavy nacional. Lo más importante que hizo 6L6 durante la etapa de Sánchez fue un Teatro Lasalle.

Más tarde, a pedido del guitarrista Julio Morano, reemplazó al bajista de WC por un par de actuaciones. Allí conoció a Sergio Berdichevsky y Saúl Blanch. En uno de esos shows de WC compartió cartel con Rompecabezas, la banda de Adrián Barilari.

Llegó a Rata Blanca por intermedio de Sergio Berdichevsky. Yulie Ruth, bajista de Alakrán, había grabado con Giardino, Rowek y Cava el demo que dio origen a Rata Blanca y también estuvo en los primeros ensayos cuando se incorporó Sergio, pero no continuó con el proyecto porque desde un principio estaba a préstamo. Así fue que una noche Walter y Sergio se encontraron en un boliche de casualidad con Guillermo y le ofrecieron sumarse a la nueva banda.

Los primeros shows de Rata no dejaban ganancias, razón por la cual alquilaban todo de palabra a pagar después del concierto, apostando a que les iba a ir bien. Esto lo hacían tanto con los teatros, como con los carteles, las luces y los plomos.

En 1999, durante un impase de la banda, audicionó para ser bajista de la banda tropical Ráfaga. Puesto que finalmente obtuvo aunque nunca llegó a tocar ya que desistió de participar por pedido expreso de Adrián Barilari.

En los panfletos figuraba que la dirección general estaba a cargo de Federico Rowek, el padre de Gustavo, porque trabajaba en teatros y sabía sobre puestas en escena.

Fue el único bajista de Rata Blanca. Junto a la agrupación recorrió Latinoamérica y Europa en una serie de conciertos.2

Luego de la separación de Rata Blanca, mantuvo una estrecha amistad con Gustavo Rowek y Sergio Berdichevsky, pero no se incorporó a la formación de Nativo. En Consumo, el disco de la banda, todos los integrantes le agradecieron la amistad que los une y la ayuda prestada.

Armó una banda que se llamó Revólver, muy dentro del estilo Aerosmith, y junto a ella hizo alrededor de 10 presentaciones. Luego el vocalista decidió dejar el proyecto y harto de buscar otro cantante decidió formar otro grupo.

La banda se llama Santería, y musicalmente está dentro del estilo de los Red Hot Chilli Peppers.

Con la vuelta de Rata Blanca, Giardino lo convocó para reemplazar a Daniel Leonetti en el bajo. El 2 de septiembre se presentó en la ciudad de Santa Cruz, Bolivia junto a Adrián Barilari, Walter Giardino, Miguel De Ipolla y Fernando Scarcella en lo que fue la primera presentación de La Rata en tres años.

Mala Medicina
Mala Medicina surge de la idea de Guillermo Sánchez de hacer un trabajo paralelo. Para el proyecto convoca a Gabriel Marian (cantante de Rata Blanca en el disco Rata Blanca VII), Javier Retamozo (tecladista de Rata Blanca en los discos Entre el cielo y el infierno y Rata Blanca vII), para grabar su primer disco también convocan al baterista Pablo Naydon (Alakrán, O’Connor) y los guitarristas Fernando Cosenza (Devenir), Santiago Bernasconi.

Mala Medicina se publica en 2004. Luego de algunas diferencias Gabriel Marian se aleja de la banda y de inmediato llaman a Norberto Rodriguez (excantante de Walter Giardino Temple) y comienzan a trabajar en el nuevo material con la renovada formación: Rodriguez en voz, Sánchez en bajo;Retamozo en teclados, y el nuevo guitarrista Lucio Antolini… Rápidamente surge la posibilidad de grabar un nuevo disco y para este Guillermo decide invitar a su compañero en Rata Blanca, Fernando Scarcella. Con esta formación graban el segundo disco, A pura sangre, siguiendo la línea musical del hard rock.

Desde entonces la banda ha realizado numerosas presentaciones en distintos locales de Buenos Aires y en la provincia de Córboba (Argentina) en 2010.

La banda ha pasado por varios cambios de formación incluyendo el puesto de cantante que actualmente cubre el propio Sánchez.

Band Dean
Es un mix de cuatro músicos de bandas clásicas que unieron para hacer Dean Band. Grabando su primer demo el 8 de enero de 2011 en estudio CICLO.

Integrantes

• Walter Meza (de Horcas): voz
• Guillermo Sánchez (de Rata Blanca): bajo
• Sebastián Coria (de Horcas): guitarra
• Sergio Vall (de Los Violadores): batería

Muerte
En Mayo de 2017 a través de las redes sociales se conoció que eran necesarios donantes de sangre de cualquier tipo, ya que Guillermo se encontraba hospitalizado en la ciudad de Buenos Aires debido a una septicemia, producto de una bacteria, Adrián Barilari colgó en las redes sociales un cinto de luto, confirmado así la trágica noticia de su fallecimiento, el día 27 de Mayo de 2017.

Discografía
Con Rata Blanca
1988: Rata blanca
1990: Magos, espadas y rosas
1992: Guerrero del arco iris
1993: El libro oculto
1994: Entre el cielo y el infierno
1996: En vivo en Buenos Aires (con la Orquesta de Cámara Solistas Bach).
1997: Rata Blanca VII
2000: Grandes canciones (recopilatorio).
2002: El camino del fuego
2003: La leyenda continúa (tributo con la participación de todos los integrantes de la historia de Rata Blanca).
2003: Poder vivo (en vivo).
2005: La llave de la puerta secreta
2008: El reino olvidado
2009: The Forgotten Kingdom
2015: Tormenta Eléctrica
Con Mala Medicina
2004: Mala Medicina
2007: A pura sangre
2014: Ave Fénix
Bandas anteriores
1982: WC
1983-1985: 6L6hh
1998: Revólver
1999: Santería
2002-2017: Mala Medicina.

wikipedia

Referencias

1.  «Rata Blanca». Rock.com.ar. Consultado el 27 de diciembre de 2014.
2. «“Después de 25 años tenemos metas que queremos cumplir”». Territorio Digital. 23 de octubre de 2013. Consultado el 27 de diciembre de 2014.
3.  «Entrevista a Guillermo Sánchez». Rockersgear. Consultado el 27 de diciembre de 2014.

Descubren en Rusia un ‘monstruo’ marino del tamaño de un autobús (FOTO)

Fuente: Andrey Atuchin /RT

En el río Volga, donde se ha hecho el hallazgo, se encuentran restos de especies de hace unos 130 millones de años.

Origen: Descubren en Rusia un ‘monstruo’ marino del tamaño de un autobús (FOTO)

Arte naíf

Retrato de Sarah Elizabether Ball, por Erastus Salisbury Field, c. 1835.
Erastus Salisbury Field – Trabajo propio

La denominación naif (del francés naïf, ‘ingenuo’) se aplica a la corriente artística caracterizada por la ingenuidad y espontaneidad, el autodidactismo de los artistas, los colores brillantes y contrastados y la perspectiva acientífica captada por intuición. En muchos aspectos, recuerda (o se inspira en) el arte infantil, muchas veces ajeno al aprendizaje académico.

Historia
El interés por la frescura y el lirismo, se desarrolla primero mayormente en Francia a fines del siglo XIX, de la mano de artistas como «El Aduanero» Henri Rousseau (Le Douanier Rousseau), que influye en la pintura presuntamente naíf de Grandma Moses en Estados Unidos y Alfred Wallis en Inglaterra. En Argentina, coetáneo al francés Rousseau, Cándido López llegó a una expresión formal muy próxima al naíf aunque ambos pintores jamás tuvieron conocimiento de sus respectivas vidas y obras, y por ende no hubo influjo mutuo. Otro ilustrador argentino que ha sido incluido frecuentemente en este estilo es Florencio Molina Campos.

El naíf propiamente dicho se suele encontrar en ciertas pinturas populares o folclóricas. De estas las más conocidas durante el siglo XX se han producido en Haití, incluyendo figuras como Hector Hyppolite y Wilson Bigaud y en Croacia, siendo en Croacia conocidos sus autores, destacando Ivan Generalić.1 En Bulgaria, Radi Nedelchev se ha conocido como el representante del arte naíf.

En la actualidad ilustradores como Ricardo Cavolo o Jesu Medina utilizan esta técnica en sus creaciones.

Motivo
Aunque el genuino naíf por definición no puede tener motivos predeterminados, suelen darse (debido al ambiente cultural en que surge) temáticas relacionadas con la vida campesina, la vida familiar, las costumbres, las tradiciones y la religión, representados siempre con gran imaginación y vivacidad. Por extensión suele darse impropiamente el nombre de «arte naíf» a aquel en que intencionadamente se emulan aspectos del arte naíf propiamente dicho (el arte espontáneamente ingenuo).

Yo mismo: Retrato-Paisaje, de Henri Rousseau.

Concepto
El concepto naíf alude no solo a cierto estilo, aplicado en el arte, sino que se formaliza en una graciosa falta de conocimientos técnicos y teóricos: en algunos casos suele faltar un sistema de perspectiva o una línea de fuga, así como un ajustado criterio de las proporciones o un elaborado trabajo cromático, por lo que podríamos decir que los autores pintaban lo que ellos deseaban o les parecía más adecuado sin atenerse a ninguna norma. En este sentido lo naíf puede estar dado por dos motivos distintos aunque no excluyentes: en primer lugar una ignorancia («ingenuidad») respecto a las técnicas y teorías para realizar obras de arte y, en segundo lugar, una búsqueda (consciente o no) de formas de expresión que evocan a la infancia. En el primer caso, la sencillez aparente es un elaborado esfuerzo de evocaciones; en el segundo, para que el naíf sea auténtico, la intención prístina ha de ser precisamente expresar formalmente lo que evoque a una infancia supuesta mente ingenua. Este punto es clave: un arte pseudonaíf revela un objetivo materialista comercial dedicado a un público-meta que puede ser potencial comprador Oxford Reference

Enlaces externos

• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Arte naíf.
• Galería naïf online, destinada a la exhibición de obras de artistas naif de todo el mundo. Autor: Pilar Sala http://www.artenaif.com
• Ángeles Violán: Guía naïf de costumbres canarias
• Reconocimiento regional a escultor y artesano mapuche de la comuna de Negrete, región y provincia del Bio-Bio, Chile
• Naïf on line, noticia, evento y obra . Autor: Marisa Norniella
• Arte Primitivista/Naive/Naif de Nicaragua

Leopardo de las nieves

 A snow leopard (Uncia uncia).
Bernard Landgraf – Trabajo propio

Leopardo de las nieves en el zoo de Amnéville, Francia, mostrando el grosor característico de la cola de la especie.
Vassil – Trabajo propio

El leopardo de las nieves o irbis (Panthera uncia) es una especie de mamífero carnívoro de la familia Felidae propia de las montañas de Asia Central.

Viven en montañas remotas a altitudes de hasta 6000 m, motivo por el cual es poco lo que se sabe de ellos. Su pelo es gris, suave y excepcionalmente denso, y tiene una cola también de longitud excepcional que enrolla alrededor del cuerpo para abrigarse.

Caza de día y ataca a todo tipo de animales salvajes, así como al ganado. Son a veces matados por granjeros, pero también cazados por su piel.

Se desconoce la cantidad de ejemplares que quedan en estado salvaje, aunque se estima que habrá apenas 5000 ejemplares; por lo tanto, se trata de una especie en peligro de extinción.

El período de gestación es de aproximadamente 100 días, teniendo normalmente dos cachorros, aunque puede tener un máximo de cinco crías. Se consideran adultos a los dos años.

Leopardo de las nieves en el zoológico de San Diego. Photo by Aaron Logan [http://www.lightmatter.net/ source] {{cc-by-2.0}

El irbis es un predador muy fuerte, capaz de cazar animales que triplican su tamaño. Tiene uno de los saltos más largos entre los felinos. Está acostumbrado a caminar por montañas rocosas y aprovecha esto para camuflarse y así acechar a sus presas. Posee un instinto territorial muy fuerte, por lo que puede ser muy agresivo. Sus patas acolchadas por piel actúan como zapatos para la nieve, lo que le ayuda a caminar sobre ella con facilidad.

Incluye entre sus presas diversas especies tales como conejos, ardillas, cabras salvajes, venados, pájaros como el pinzón, chovas de montaña, tares del Himalaya, musarañas, marmotas, íbices siberianos y marjores. Con las bajas temperaturas la comida tarda en descomponerse, de manera que no es extraño que los leopardos de las nieves coman restos de animales que no han cazado.

Son, como la mayoría de las especies de su familia, animales solitarios, salvo en época de reproducción, cuando macho y hembra colaboran para cazar presas mucho más grandes que las usuales.

El leopardo de las nieves es la única especie de su género que no ruge; sin embargo, su aparato fonador posee casi todas las características que permiten rugir. Al igual que las demás especies de Pantherinae, posee el hueso hioides parcialmente osificado y con cierto grado de movilidad, y, al igual que las demás especies de su género, los llamados felinos rugidores (león, leopardo, tigre y jaguar), posee un ligamento que le permite alargar la cavidad acústica entre la laringe y la faringe, aunque más corto que en aquellos. La limitación al rugido parece estar condicionada por unas cuerdas vocales más pequeñas y por la ausencia de un tejido fibroso y elástico desarrollado en las mismas, que es el que permite la vibración en bajas frecuencias de los rugidos.

El leopardo de las nieves generalmente habita en alturas entre los 2000 y los 4000 metros, aunque en el Himalaya ha sido encontrado hasta a 6000 metros. Estos animales muy pocas veces llegan a encontrarse con un ser humano, y en tales casos se oculta ayudado de su excelente camuflaje. Esto hace difícil a los naturalistas encontrarlos y estudiarlos provocando así una escasa información sobre el animal.

Leopardo de las nieves en la cultura popular
El Leopardo de las Nieves (nombre oficial: Conquistador de los Picos Más Altos de la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas) fue un premio soviético de montañismo que se concedía a los montañistas que ascendían las cimas más altas de la Unión Soviética: Pico Lenin, Khan Tengri, Pico Korzhenevskaya y Pico Ismail Samani (Monte Comunismo). En 1990 fue añadido a la lista el Pico Pobeda, fronterizo con China, que había sido retirado por tensiones políticas entre China y la URSS. Actualmente se mantiene como reconocimiento en la Comunidad de Estados Independientes.

Lord Asriel, personaje de la trilogía La materia oscura, de Philip Pullman, tiene como daimonion —representación de su alma— a un irbis.

El villano principal de la película Kung Fu Panda, Tai Lung, es un leopardo de las nieves.

La versión 10.6 de Mac OS X, el sistema operativo de Apple, lleva por nombre «Snow Leopard».

En la película de 2013, La increíble vida de Walter Mitty, el foto periodista Sean O’Connell (interpretado por Sean Penn), es mostrado fotografiando leopardos de las nieves en Afganistán.

Fuente: wikipedia

Bios – Zoe

ζωη(zoè) (del griego) de donde
deriva la palabra «zoología» y Βιοζ (bíos) de donde deriva la palabra
«biología». Originalmente, ζωη(zoè) se refería a la vida en general,
como característica común de todos los seres vivientes, y por lo tanto
no se empleaba en plural. Para referirse a las vidas concretas, se
utilizaba la palabra Βιοζ (bíos) Sin embargo, con el tiempo las
diferencias entre ζωη(zoè) y Βιοζ (bíos) fueron atenuándose. En todo
caso, para los griegos, la vida —tanto si la llamaban ζωη(zoè) como si
la llamaban Βιοζ (bíos)_ era siempre una realidad natural.

La Biblia sabe, en efecto, que, por mucho que cuidemos la vida
humana, algún día llegará a su fin: «Los días del hombre duran lo que
la hierba, florecen como flor del campo, que el viento la roza, y ya no
existe» (Sal 103, 15-16). Pero la fuerza vivificadora de Dios es tan
grande que llega hasta el , la morada de los muertos, para
arrancarlos de las garras del abismo, como hizo con Jesús. Fue en los
últimos escritos del Antiguo Testamento —concretamente en el Segundo
Libro de los Macabeos (7, 9.11.14.23.29.36), escrito hacia el año 120
a.C.— cuando empezó a abrirse camino la fe en una vida después de la
muerte, valorar mucho la vida humana (el Βιοζ (bíos) y demostrarlo viviendo felices, pero exige también valorar todavía mucho más la vida divina que nos ha comunicado Cristo  (la, ζωη(zoè), y por tanto recibir con gozo «la hermana muerte» que lleva a la plenitud de la Vida.

No sólo el Βιοζ (bíos), la vida humana, es una realidad frágil y amenazada que necesita ser cuidada. También la ζωη(zoè) la vida divina comunicada al cristiano, es «un tesoro que llevamos en vasos de barro»

Esto resulta importante en nuestros días, porque no es fácil vivir la fe en tiempos de increencia.

La Iglesia,
«como todos saben, no está separada del mundo, sino que vive en él.
Por esto los miembros de la Iglesia sufren su influencia, respiran su
cultura, aceptan sus leyes, se apropian sus maneras de proceder»

De hecho, hoy es frecuente admitir la posibilidad de una increencia solapada en el interior de los propios creyentes, incluso entre quienes pertenecéis a un Instituto Secular.

la-vida