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{31 enero, 2018}   Nahui Ollin

“Si queremos vivir, vivamos solamente para nuestra inteligencia, si no, muramos para ser menos animales.“
Nahui Olin (1893-1978)

Carmen Mondragón.JPG

Carmen Mondragón
Mexdoomer – Trabajo propio

María del Carmen Mondragón Valseca (también conocida como Nahui Ollin) (Tacubaya, México, 8 de julio de 1893 – 23 de enero de 1978) fue una pintora y poetisa mexicana que nació en Tacubaya, hija del general Manuel Mondragón, en el seno de una familia acaudalada del Porfiriato, a finales del siglo XIX. Rubí de María Gómez señala que pudo haberse acercado a las ideas feministas e incluso se menciona la influencia de la ideología de Mary Wollstonecraft.  La filósofa María Cecilia Rosales incluso señala que el hecho de que se autorrepresentara en su pintura corresponde con su conocimiento del feminismo mexicano y anglosajón que la impulsó a explorar su creatividad.

Uno de los temas más recurrentes en la poesía de Carmen Mondragón es la libertad corporal de las mujeres, por lo cual resultó revolucionaria para su época. Entre sus obras publicadas en vida están: Óptica cerebral, poemas dinámicos (1922), Câlinement je suis dedans (1923), Á dix ans sur mon pupitre (1924), Nahui Olin (1927) y Energía cósmica (1937).

En el año 2012 la Universidad Autónoma de Nuevo León hace una compilación de sus obras bajo el título Nahui Ollin: sin principio ni fin. Vida, obra y varia invención, donde sin embargo no se publicaron las obras inéditas: Una molécula de amor y Totalidad sexual del cosmos, además de un poemario derivado de la muerte de Eugenio Agacino

Pintura
Su obra pictórica se inscribe dentro del naíf, que se distingue por la espontaneidad y la ingenuidad. Además de hacer múltiples autorretratos, con sus característicos ojos verdes, Carmen Mondragón recreó imágenes típicas de México, como sus parques, sus mercados o las pulquerías.Otras de sus obras se caracterizan por su erotismo y su exploración de la sexualidad.

Participó en una exposición colectiva en Bellas Artes en 1945, junto con pintores como Pablo O’Higgins y José Clemente Orozco. Sin embargo, poco a poco desapareció de la escena artística.

En 1993, con motivo del centenario de su nacimiento, se organizó la exposición Nahui Olin, una mujer de los tiempos modernos en el Museo-Estudio Diego Rivera en la Ciudad de México

Infancia y juventud
Quinta hija del general porfiriano Manuel Mondragón y Mercedes Valseca, perteneció a la burguesía de fines del siglo XIX. Su mamá la enseñó a tocar el piano y a escribir desde muy temprana edad.3​ Por comisión de su padre, quien diseñaba armas, toda la familia se mudó a París, Francia cuando ella tenía cuatro años y ahí habitó por ocho años.3​ En esta ciudad estudió en un internado donde también aprendería sobre diversas artes, como la danza clásica, la pintura, la literatura y el teatro.

Al pasar a la adolescencia, Carmen Mondragón regresó a la Ciudad de México y a los pocos años conoció a Manuel Rodríguez Lozano, quien era cadete en ese momento, y con quien contraería matrimonio en 1913. Juntos se van a vivir a París donde conviven con artistas como Diego Rivera, Georges Braque, Henri Matisse y Pablo Picasso. Al estallar la Primera Guerra Mundial, la familia Mondragón se refugia en San Sebastián, España donde la pareja comienza a pintar.​ Es en ese mismo lugar donde se cree nació su único hijo, que al parecer murió por asfixia o muerte de cuna. La relación no prosperó cuando regresaron a México en 1921. Se separaron después de que ella conociera a Doctor Atl y descubrir la homosexualidad de su esposo (quien después mantuvo una relación con Antonieta Rivas Mercado), de quien se divorció en 1922.

Retorno a México
En 1921 volvió a la Ciudad de México y se sumergió en la vida artística del país, donde resaltó por sus ideas de avanzada y su actitud provocadora. Convivió con personajes como José Vasconcelos, Frida Kahlo, Xavier Villaurrutia, Dolores del Río, Guadalupe Marín, Tereza Montoya, Tina Modotti, María Izquierdo, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros, Lupe Vélez y Salvador Novo. También modeló para pinturas de Rosario Cabrera, para el mural “La creación” de Diego Rivera, donde aparece como Erato, la musa de la poesía erótica; también posó para Jean Charlot y realizó desnudos para los fotógrafos Edward Weston y Antonio Garduño. Mondragón formó parte de ese grupo de mujeres que durante las décadas de 1920 y 1930 produjeron uno de los períodos más activos de la cultura y el arte en México, y a las que Elena Poniatowska bautizó como Las siete cabritas.

Ese mismo año inició una relación que duraría cinco años con el artista plástico Gerardo Murillo, mejor conocido como Doctor Atl, con quien vivió en el ex convento de La Merced. Todavía se conservan más de doscientas cartas escritas por ella y múltiples retratos que él le hizo. Es en esa etapa que ella toma el nombre de Nahui Olin (cuatro movimiento o perpetuo movimiento en náhuatl), en relación a la renovación cíclica del calendario mexicano. Ese período fue el más prolífico en la producción poética y pictórica en la vida de la artista.

En la película La fabulosa vida de Diego Rivera se menciona a Carmen Mondragón como una de las dos únicas mujeres integrantes de la Unión Revolucionaria de Obreros, Técnicos, Pintores, Escultores y Similares difundida en 1924 por “El Machete”, al lado de Carmen Foncerrada. En 1935 también fundó la Liga Feminista de Lucha contra las Toxicomanías, que buscaba erradicar los vicios que, a su juicio, no permitían el progreso del país; con ella pronto se unió a otros grupos que buscarían el voto femenino, la igualdad de derechos frente a los hombres, acceso al trabajo con apoyos a la maternidad, derecho a poseer tierras, la integración de las mujeres indígenas y el acceso a la educación para todas las mujeres.

Tras terminar su relación con el Doctor Atl, Mondragón conoce al caricaturista Matías Santoyo, con quien viaja a Hollywood. Ahí el director Rex Ingram le ofrece aparecer en una película, pero ella no acepta porque considera que quiere explotar su imagen como símbolo sexual, argumentando que con el desnudo ella busca más una existencia estética que rompiera tabúes en cuanto al desnudo en el arte.

A los cuarenta años conoció al capitán Eugenio Agacino, quien aparece en algunos de sus cuadros. Con él viajó a Cuba, España y Francia, donde participa en una exposición y da conciertos de piano. Cuando él muere, al parecer de ingesta de marisco en mal estado o de shock anafiláctico (no está claro), Carmen Mondragón se retiró de la vida pública, dedicando más tiempo a la escritura que a la pintura. Fue entonces cuando compuso su diatriba contra la teoría de la relatividad de Einstein que tituló Energía Cósmica, su libro más extraño, mezcla de conjunto de poemas, reflexiones, y asertos científicos.

Últimos años
Durante los últimos años de su vida, Carmen Mondragón vivió en el centro de la Ciudad acompañada de sus gatos. Se sostenía siendo maestra de pintura en una escuela primaria y con una beca proporcionada por Bellas Artes.

Murió en su casa de la infancia en Tacubaya el 23 de enero de 1978.

Los restos mortales de Carmen Mondragón descansan en el Panteón Español en la Ciudad de México. En el cuartel “Y” fosa 503, junto con su hermano y su sobrina.

Pintura
Su obra pictórica se inscribe dentro del naíf, que se distingue por la espontaneidad y la ingenuidad. Además de hacer múltiples autorretratos, con sus característicos ojos verdes, Carmen Mondragón recreó imágenes típicas de México, como sus parques, sus mercados o las pulquerías.5​ Otras de sus obras se caracterizan por su erotismo y su exploración de la sexualidad.

Participó en una exposición colectiva en Bellas Artes en 1945, junto con pintores como Pablo O’Higgins y José Clemente Orozco. Sin embargo, poco a poco desapareció de la escena artística.

En 1993, con motivo del centenario de su nacimiento, se organizó la exposición Nahui Olin, una mujer de los tiempos modernos en el Museo-Estudio Diego Rivera en la Ciudad de México. (wikipedia)

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George Charles Beresford - Virginia Woolf in 1902 - Restoration.jpgVirginia Woolf signature.svgVirginia Woolf 1927.jpg

Portrait of Virginia Woolf (January 25, 1882 – March 28, 1941), a British author and feminist, with her chignon.

Fotografía de Virginia Woolf con la mano en la cara con una estola de piel (10 x 15 centímetros). Esta es una imagen de uno de los propios álbumes de Virginia Woolf en Monk’s House que fueron adquiridos en una subasta en Sotheby’s en 1982 (véase Maggie Humm, Instantáneas de Bloomsbury: The Private Lives de Virginia Woolf y Vanessa Bell , página 187 ), donado en 1983 por Frederick R. Koch a Harvard Theatre Collection, Houghton Libray, Harvard University, y luego escaneado y subido por la biblioteca. La guía publicada por la biblioteca describecolectivamente las fotografías en el álbum como “instantáneas posiblemente tomadas por Virginia Woolf o por sus amigos y familiares”. Cuando los bibliotecarios de Harvard saben quién tomó la foto, generalmente la indican (por ejemplo, Man Ray para esta ). Esta fotografía en particular se describe simplemente como “Woolf Virginia [1927]”. El reverso de la fotografía no menciona la identificación del fotógrafo, simplemente indica, levemente dibujada, que el retrato fue hecho en Londres (ver archivo: Virginia Woolf 1927 verso detail.png ). La fotografía se reproduce aquí sin ninguna indicación de copyright y en la portada de Virginia Woolf y el Discurso de la Ciencia: La Estética de la Astronomía.por Holly Henry (Cambridge University Press, 2003) con el siguiente crédito: “Fotografía de estudio de Virginia Woolf (c. 1927) reimpreso con permiso de Mortimer Rare Book Room, Smith College” ( p. XII ) [, teniendo el Smith College sido presentado por Esther Cloudman Dunn otra impresión de la misma imagen]. La fotografía era, según el sitio web de Smith College Library, ” utilizada para promoción ” por Harcourt Brace, el editor de la versión estadounidense de To the Lighthouse en 1927. En Virginia Woolf Icon (Universidad de Chicago Press, 1999), Brenda Silver describe la fotografía como una “fotografía de estudio (no identificada)” y la comenta “aparece [ed] en una serie de anuncios y artículos de Harcourt Brace sobre Woolf y / o sus obras en los Estados Unidos durante la década de 1920 y la de 1930” ( p. 132 ). En particular, fue publicado sin aviso de derechos de autor en una reseña del libro publicado por The New York Times el 8 de mayo de 1927 y otra reseña publicada por The Bookshelf Review en junio de 1927. La fotografía fue exhibida en el programa Virginia Woolf: Art, Life and Vision en la National Portrait Gallery en Londres en 2014 con el siguiente título: “por Unknown photographer, 1927. Cortesía de Mortimer Rare Book Room, Neilson Library, Smith College, Northampton, Massachusetts”.

Virginia Woolf, de nacimiento Adeline Virginia Stephen (Londres, 25 de enero de 1882-Lewes, Sussex, 28 de marzo de 1941), fue una escritora británica, considerada una de las más destacadas figuras del modernismo literario del siglo XX y del feminismo internacional.

Durante el período de entreguerras, Woolf fue una figura significativa en la sociedad literaria de Londres y un miembro del grupo de Bloomsbury. Sus obras más famosas incluyen las novelas La señora Dalloway (1925), Al faro (1927), Orlando: una biografía (1928), Las olas (1931), y su largo ensayo Una habitación propia (1929), con su famosa sentencia «Una mujer debe tener dinero y una habitación propia si va a escribir ficción». Fue redescubierta durante la década de 1970, gracias a este ensayo, uno de los textos más citados del movimiento feminista, que expone las dificultades de las mujeres para consagrarse a la escritura en un mundo dominado por los hombres.

Adeline Virginia Stephen nació en Londres en 1882. Su padre era el novelista, historiador, ensayista, biógrafo y montañero sir Leslie Stephen (1832-1904).4​ La madre, una belleza famosa, Julia Prinsep Jackson (1846-1895) era la segunda esposa de su padre; había nacido en la India, hija del Dr. John y Maria Pattle Jackson y más tarde se había trasladado a Inglaterra con su madre, donde sirvió de modelo para los pintores prerrafaelitas como Edward Burne-Jones.Sus padres habían estado casados previamente y habían enviudado, y, en consecuencia, el hogar tenía hijos de los tres matrimonios. Leslie tenía una hija de su primera esposa, Minny Thackeray: Laura Makepeace Stephen, que fue declarada mentalmente incapaz y vivió con la familia hasta que fue ingresada en un psiquiátrico en 1891. Julia tenía tres hijos de su primer marido, Herbert Duckworth: George (1868-1934), Stella (1869-1897) y Gerald Duckworth (1870-1937). Leslie y Julia tuvieron otros cuatro hijos juntos: Vanessa Stephen (1879-1961), Thoby Stephen (1880-1906), Virginia (1882-1941), y Adrian Stephen (1883-1948).

La joven Virginia fue educada por sus padres en su literario y bien relacionado hogar del número 22 de Hyde Park Gate, Kensington. Asiduos visitantes al domicilio de los Stephen fueron, por ejemplo, Alfred Tennyson, Thomas Hardy, Henry James y Edward Burne-Jones. Aunque no fue a la escuela, Woolf recibió clases de profesores particulares y de su padre. La eminencia de Sir Leslie Stephen como editor, crítico y biógrafo, y su relación con William Thackeray (era el viudo de la hija menor de Thackeray), significaba que sus hijos fueron criados en un entorno lleno de las influencias de la sociedad literaria victoriana. Henry James, George Henry Lewes, Julia Margaret Cameron (tía de Julia Stephen) y James Russell Lowell, que fue el padrino honorífico de Virginia, estaban entre los visitantes de la casa. Julia Stephen estaba igualmente bien relacionada. Descendía de una camarera de María Antonieta, provenía de una familia de famosas bellezas, que dejaron su impronta en la sociedad victoriana como modelos para los artistas prerrafaelistas y los primeros fotógrafos. Además, acompañando a estas influencias, estaba la inmensa biblioteca en la casa de los Stephen, de la que Virginia y Vanessa (a diferencia de sus hermanos, que recibieron una educación formal) aprendieron los clásicos y la literatura inglesa.

Sin embargo, según las memorias de Woolf, sus recuerdos más vívidos de la infancia no fueron de Londres sino de St Ives en Cornualles, donde la familia pasó sus vacaciones de verano entre 1882 y 1894. La casa de veraneo de los Stephen, Talland House, tenía vistas a la playa de Porthminster y al faro de Godrevy. Todavía se alza en el mismo lugar, aunque en cierta medida alterada. Recuerdos de esas vacaciones familiares e impresiones del paisaje, especialmente el faro de Godrevy, impregnaron la ficción que Woolf escribió en años posteriores, principalmente Al faro.

Pronto padeció Virginia la primera de sus depresiones, con la repentina muerte de su madre, el 5 de mayo de 1895, cuando Virginia tenía trece años de edad, y la de su medio hermana Stella dos años después, quien había tomado las riendas del hogar familiar tras la muerte de Julia Stephen, pero abandonó la casa paterna para casarse con Jack Hills y falleció durante la luna de miel, a causa de una peritonitis.

La muerte de su padre por cáncer en 1905 provocó un ataque alarmante y fue brevemente ingresada.​ Sus crisis nerviosas y posteriores períodos recurrentes de depresión, los modernos eruditos (incluido su sobrino y biógrafo, Quentin Bell) han sugerido,​ estuvieron también influidos por los abusos deshonestos que ella y su hermana Vanessa padecieron a manos de sus medio hermanos George y Gerald Duckworth​ (que Woolf recuerda en sus ensayos autobiográficos A Sketch of the Past y 22 Hyde Park Gate). Las circunstancias exactas no se conocen bien, pero se cree que contribuyeron al problema psicológico que sufrió la autora, un trastorno bipolar. En su texto autobiográfico A Sketch of the Past, la propia Virginia Woolf solo aludió a estas desdichadas experiencias de forma velada, de acuerdo con la rígida moral de la época victoriana. Su biógrafa Hermione Lee escribió que: «Las pruebas son suficientes, pero también lo bastante ambiguas como para posibilitar interpretaciones psicobiográficas contradictorias, que presentan imágenes completamente diferentes de la vida interior de Virginia Woolf».

A lo largo de su vida, Woolf se vio acosada por periódicos cambios de humor y enfermedades asociadas. Aunque esta inestabilidad a menudo influyó en su vida social, su productividad literaria continuó con pocas interrupciones hasta su suicidio.

Bloomsbury

Los Dreadnought Hoaxers con toda la parafernalia abisinia; Virginia Woolf es la figura con barba en el extremo de la izquierda.
Después de la muerte de su padre, y segunda crisis nerviosa de Virginia, Vanessa y Adrian vendieron el número 22 de Hyde Park Gate y compraron una casa en el número 46 de Gordon Square en Bloomsbury. Se estableció con su hermana Vanessa –pintora que se casaría con el crítico Clive Bell– y sus dos hermanos en el barrio londinense de Bloomsbury, que se convirtió en centro de reunión de antiguos compañeros universitarios de su hermano mayor, entre los que figuraban intelectuales de la talla del escritor E. M. Forster, el economista J. M. Keynes y los filósofos Bertrand Russell y Ludwig Wittgenstein, y que sería conocido como el grupo o círculo de Bloomsbury. Tras estudios en King’s College de Cambridge,y King’s College de Londres, Woolf conoció a Lytton Strachey, Clive Bell, Rupert Brooke, Saxon Sydney-Turner, Duncan Grant y Leonard Woolf. Varios miembros del grupo de Bloomsbury atrajeron notoriedad en 1910 con el Engaño del Dreadnought, en el que Virginia participó disfrazada de un miembro de la familia real abisinia. Su charla completa en 1940 sobre el engaño del Dreadnought ha sido descubierta recientemente y está publicada en las memorias recogidas en la versión extensa de The Platform of Time (2008). Los artistas del grupo de Bloomsbury compartían ciertos criterios estéticos. Mostraban cierto rechazo hacia la clase media alta a la que pertenecían, y se consideraban herederos de las teorías esteticistas de Walter Pater que tuvieron resonancia a finales de siglo XIX. Dentro de este grupo hubo intensas relaciones intelectuales, pero también emotivas y personales. Formaron parte de él, la pintora Dora Carrington y los escritores Gerald Brenan y Lytton Strachey, entre otros.

En 1912, cuando contaba treinta años, se casó con el escritor Leonard Woolf, economista y miembro también del grupo de Bloomsbury. A pesar de su bajo rango social y económico –Woolf se refirió a Leonard durante su compromiso como un “judío sin un céntimo”– la pareja compartió un lazo muy fuerte. De hecho, en 1937, Woolf escribió en su diario: «Hacer el amor –después de 25 años que no podemos tolerar el estar separados– … ver que es un enorme placer ser deseado: una esposa. Y nuestro matrimonio tan completo». Los dos colaboraron también profesionalmente, fundando juntos en 1917 la célebre editorial Hogarth Press, que editó la obra de la propia Virginia y la de otros relevantes escritores, como Katherine Mansfield, T. S. Eliot, Sigmund Freud, Laurens van der Post y otros.13​ La ética del grupo de Bloomsbury estaba en contra de la exclusividad sexual, y en 1922, Virginia conoció a la escritora y jardinera Vita Sackville-West, esposa de Harold Nicolson. Después de un comienzo tentativo, comenzaron una relación sexual que duró la mayor parte de los años 1920.14​ En 1928, Woolf regaló a Sackville-West la obra Orlando, una biografía fantástica en la que la vida del héroe epónimo abarca tres siglos y ambos sexos. Nigel Nicolson, hijo de Vita Sackville-West, la consideró «la carta de amor más larga y encantadora en la historia de la literatura».Después de que acabara su romance, las dos mujeres siguieron siendo amigas hasta la muerte de Woolf en 1941. Virginia Woolf también permaneció estrechamente relacionada con sus parientes supervivientes, Adrian y Vanessa; Thoby había muerto de enfermedad a los veintiséis años de edad.

Suicidio
Durante su vida, sufrió una enfermedad mental hoy conocida como trastorno bipolar. Después de acabar el manuscrito de una última novela (publicada póstumamente), Entre actos, Woolf padeció una depresión parecida a la que había tenido anteriormente. El estallido de la Segunda Guerra Mundial, la destrucción de su casa de Londres durante el Blitz y la fría acogida que tuvo su biografía sobre su amigo Roger Fry empeoraron su condición hasta que se vio incapaz de trabajar.

El 28 de marzo de 1941, Woolf se suicidó. Se puso su abrigo, llenó sus bolsillos con piedras y se lanzó al río Ouse cerca de su casa y se ahogó. Su cuerpo no fue encontrado hasta el 18 de abril.16​ Su esposo enterró sus restos incinerados bajo un árbol en Rodmell, Sussex.

En su última nota a su marido escribió:

 

feel certain I am going mad again. I feel we can’t go through another of those terrible times. And I shan’t recover this time. I begin to hear voices, and I can’t concentrate. So I am doing what seems the best thing to do. You have given me the greatest possible happiness. You have been in every way all that anyone could be. I don’t think two people could have been happier till this terrible disease came. I can’t fight any longer. I know that I am spoiling your life, that without me you could work. And you will I know. You see I can’t even write properly. I can’t read. What I want to say is I owe all the happiness of my life to you. You have been entirely patient with me and incredibly good. I want to say that everybody knows it. If anybody could have saved me it would have been you. Everything has gone from me but the certainty of your goodness. I can’t go on spoiling your life any longer. I don’t think two people could have been happier than we have been.
Siento que voy a enloquecer de nuevo. Creo que no podemos pasar otra vez por una de esas épocas terribles. Y no puedo recuperarme esta vez. Comienzo a oír voces, y no puedo concentrarme. Así que hago lo que me parece lo mejor que puedo hacer. Tú me has dado la máxima felicidad posible. Has sido en todos los sentidos todo lo que cualquiera podría ser. Creo que dos personas no pueden ser más felices hasta que vino esta terrible enfermedad. No puedo luchar más. Sé que estoy arruinando tu vida, que sin mí tú podrás trabajar. Lo harás, lo sé. Ya ves que no puedo ni siquiera escribir esto adecuadamente. No puedo leer. Lo que quiero decir es que debo toda la felicidad de mi vida a ti. Has sido totalmente paciente conmigo e increíblemente bueno. Quiero decirlo —todo el mundo lo sabe. Si alguien podía haberme salvado habrías sido tú. Todo lo he perdido excepto la certeza de tu bondad. No puedo seguir arruinando tu vida durante más tiempo. No creo que dos personas pudieran ser más felices que lo que hemos sido tú y yo. V.17​

Virginia Woolf’s suicide letter to her husband

Obra
Woolf comenzó a escribir profesionalmente en 1905, inicialmente para el Times Literary Supplement con una pieza de periodismo sobre Haworth, hogar de la familia Brontë.18​ Su primera novela, Fin de viaje, se publicó en 1915 por la editorial de su medio hermano, Gerald Duckworth and Company Ltd. En esta novela, como en Noche y día la escritora ya se muestra dispuesta a romper los esquemas narrativos precedentes, pero apenas merecieron consideración por parte de la crítica. Sólo tras la publicación de La señora Dalloway y Al faro, los críticos comenzaron a elogiar su originalidad literaria. En estas obras llaman ya la atención la maestría técnica y el afán experimental de la autora, quien introducía además en la prosa novelística un estilo y unas imágenes hasta entonces más propios de la poesía. Desaparecidas la acción y la intriga, sus narraciones se esfuerzan por captar la vida cambiante e inasible de la conciencia.​ La obra de Woolf puede entenderse como un diálogo con Bloomsbury, particularmente su tendencia (informada por G.E. Moore, entre otros) hacia el racionalismo doctrinario.​ Influida por la filosofía de Henri Bergson[cita requerida], Woolf experimentó con especial interés con el tiempo narrativo, tanto en su aspecto individual, en el flujo de variaciones en la conciencia del personaje, como en su relación con el tiempo histórico y colectivo. Así, Orlando (1928) constituye una fantasía libre, basada en algunos pasajes de la vida de Vita Sackville-West, en que la protagonista vive cinco siglos de la historia inglesa.​ Se distingue del resto de novelas al intentar representar a una persona real, hacer “Una biografía”, como dice el subtítulo. En Las olas (1931) presenta el «flujo de conciencia» de seis personajes distintos, es decir, la corriente preconsciente de ideas tal como aparece en la mente, a diferencia del lógico y bien trabado monólogo tradicional y crean un ambiente de poema en prosa.

La última obra de Woolf, Entre actos (1941) resume y magnifica sus principales preocupaciones: la transformación de la vida a través del arte, la ambivalencia sexual y la reflexión sobre temas del flujo del tiempo y de la vida. Es el más lírico de sus libros, escrito principalmente en verso.

Escribió asimismo una serie de ensayos que giraban en torno de la condición de la mujer, en los que resaltó la construcción social de la identidad femenina y reivindicó el papel de la mujer escritora. En Una habitación propia revela la evolución de su pensamiento feminista. Destacó a su vez como crítica literaria, y fue autora de dos biografías: una divertida recreación de la vida de los Browning a través de los ojos de su perro (Flush) y otra sobre el crítico R. Fry (Fry). Asimismo, junto a E. M. Forster, llegó a escribir una carta a varios periódicos ingleses sobre el efecto que la censura tenía sobre el ánimo de los escritores, a raíz del intento del Sunday Express de condenar la novela de temática lésbica El pozo de la soledad (The Well of Loneliness, en inglés), de Hall.

La obra novelística de Virginia Woolf recibe influjos de Marcel Proust, James Joyce, Dorothy Richardson, Katherine Mansfield y posiblemente Henry James. Lo que le es realmente característico, lo que la hace prominente entre sus contemporáneos es precisamente que trató de hallar un camino nuevo para la novela, apartándose y dejando de lado el realismo imperante y abandonando la convención de la historia así como la tradicional descripción de los personajes.

Woolf siguió publicando novelas y ensayos como una intelectual pública con éxito tanto de crítica como de público. Gran parte de su obra la publicó a través de la Hogarth Press. Ha sido saludada como una de las grandes novelistas del siglo XX y una de las más destacadas modernistas.

Woolf está considerada una de las grandes renovadoras del idioma inglés. En sus obras ella experimentó con la corriente de pensamiento y lo psicológico subyacente así como los motivos emocionales de los personajes. La reputación de Woolf declinó profundamente después de la Segunda Guerra Mundial, pero su eminencia fue restablecida con el auge de la crítica feminista en los años 1970.​

Su obra fue criticada por epitomar el estrecho mundo de la intelectualidad inglesa de clase media. Algunos críticos juzgaban que carecía de universalidad y hondura, sin el poder de comunicar nada de relevancia emotiva o ética al desilusionado lector medio, cansado de los estetas de los años veinte. También la criticaron por anti-semita, a pesar de estar felizmente casada con un judío. Este antisemitismo se saca del hecho de que ella a menudo escribió sobre personajes judíos en arquetipos y generalizaciones estereotípicos.​ El creciente antisemitismo de los años veinte y treinta tuvo una influencia inevitable en Virginia Woolf. Escribió en su diario, “No me gusta la voz judía; no me gusta la risa judía.” Sin embargo, en una carta de 1930 a la compositora Ethel Smyth, citada en la biografía de Nigel Nicolson, Virginia Woolf, recuerda que presumía del judaísmo de Leonard confirmando sus tendencias snob, “Cómo odié casarme con un judío – Menuda snob que era, pues ellos tienen una inmensa vitalidad.” En otra carta a su querida amiga Ethel Smyth, Virginia da una mordaz denuncia del Cristianismo, apuntando a su “egotismo” con pretensiones de superioridad moral y afirmando que “mi judío tiene más religión en la uña de un pie –más amor humano, en un pelo.”26​ Virginia y su esposo Leonard Woolf realmente odiaban y temieron al fascismo de los años treinta con su antisemitismo sabiendo que ellos estaban en la lista negra de Hitler. Su libro de 1938 Tres guineas era una censura al fascismo.

Las peculiaridades de Virginia Woolf como escritora de ficción han tendido a oscurecer su fuerza central: Woolf es sin duda la más grande novelista lírica en el idioma inglés. Sus novelas son altamente experimentales: una narrativa, frecuentemente sin acontecimientos y lugares comunes, se refracta – y a veces casi se disuelve—en la conciencia receptiva de los personajes. Un intenso lirismo y virtuosismo estilístico se funden para crear un mundo abundante con impresiones auditivas y visuales.

Interpretaciones y erudición modernas

Virginia Woolf en 1939.
Recientemente, los estudios sobre Virginia Woolf se han centrado en temas feministas y lésbicos en su obra, como en la colección de 1997 o ensayos críticos, Virginia Woolf: Lesbian Readings, edición de Eileen Barrett y Patricia Cramer. Más controvertidamente, Louise A. DeSalvo interpreta la mayor parte de la vida y carrera de Woolf a través de la lente del abuso sexual incestuoso que experimentó Woolf cuando era joven en su libro de 1989 Virginia Woolf: The Impact of Childhood Sexual Abuse on her Life and Work.

La ficción de Woolf también se estudia por su penetración en temas como neurosis de guerra, guerra, clase y la moderna sociedad británica. Sus mejores obras de no ficción, Una habitación propia (1929) y Tres guineas (1938), examinan las dificultades que las escritoras e intelectuales tienen que afrontar porque los hombres tienen un poder legal y económico desproporcionado, y el futuro de las mujeres en la educación y la sociedad.

El libro de Irene Coates Quién teme a Leonard Woolf: un caso por la cordura de Virginia Woolf asume la tesis de que el tratamiento que Leonard Woolf dio a su esposa fomentó su mala salud y al final fue el responsable de su muerte. La tesis, no aceptada por la familia de Leonard, ha sido ampliamente investigada y llena algunos de los vacíos en el relato habitual de la vida de Virginia Woolf. Por el contrario, el libro de Victoria Glendinning Leonard Woolf: A Biography, que tiene aún más amplia investigación y está apoyado en testimonios contemporáneos, argumenta que Leonard Woolf no sólo apoyó ampliamente a su esposa, sino que la permitió vivir todo ese tiempo proporcionándole la vida y la atmósfera que necesitaba para vivir y escribir. Relatos del supuesto anti-semitismo de Virginia (Leonard fue un judío secular) no sólo se toman en su contexto histórico sino gravemente exagerados. Los propios diarios de Virginia apoyan este punto de vista del matrimonio de los Woolf.

En vida de Virginia Woolf apareció al menos una biografía. El primer estudio autorizado de su vida se publicó en 1972 por su sobrino, Quentin Bell. En 1992, Thomas Caramagno publicó el libro The Flight of the Mind: Virginia Woolf’s Art and Maniac-Depressive Illness. La biografía de Hermione Lee Virginia Woolf (1996) proporciona un examen riguroso y fidedigno de la vida y obra de Woolf. En 2001 Louise DeSalvo y Mitchell A. Leaska editaron The Letters of Vita Sackville-West and Virginia Woolf. La obra de Julia Briggs, Virginia Woolf: An Inner Life, publicada en 2005, es el examen más reciente de la vida de Woolf. Se centra en los escritos de Woolf, incluyendo sus novelas y sus comentarios sobre el proceso creativo, para arrojar luz sobre su vida. El libro de Thomas Szasz My Madness Saved Me: The Madness and Marriage of Virginia Woolf (ISBN 0-7658-0321-6) se publicó en 2006.

La obra de Rita Martin Flores no me pongan (2006) considera los últimos minutos de la vida de Woolf para debatir temas polémicos como la bisexualidad, el judaísmo y la guerra. Escrito en castellano, la obra fue interpretada en Miami con dirección de la actriz Miriam Bermúdez.

En el cine
¿Quién teme a Virginia Woolf? fue una obra de teatro estadounidense (1962) de Edward Albee y una película (1966) dirigida por Mike Nichols (guion de Ernest Lehman adaptado a partir de la obra). Virginia Woolf no aparece como un personaje. Según la obra de teatro, el título de la obra — que es sobre una pareja casada universitaria alcohólica y disfuncional — se refiere a una broma académica sobre «¿Quién teme vivir la vida sin falsas ilusiones?».
Virginia Woolf es un personaje en la película Las horas (2002), dirigida por el director Stephen Daldry y basada en la novela homónima de Michael Cunningham, gira en torno al libro de Virginia Woolf titulado La señora Dalloway. Por su interpretación de la escritora, Nicole Kidman se llevó un Oscar a la mejor actriz.

Woolf Orlando.jpg

Orlando. A Biography, London, The Hogarth Press, 1928. Prima edizione
Virginia Woolf (1882-1941) –

Orlando.tif

“Orlando” es una novela que se encuentra al margen de la evolución literaria de V. Woolf. No es, como en “Mrs. Dalloway”, “The Waves” o “To the Lighthouse” para describir los cambios transitorios y continuos de la conciencia y su originalidad se extenderá durante tres siglos, Inglaterra y otros países y que la primera plan para establecer la biografía del narrador de su héroe-heroína ya que Orlando cambia de sexo en el medio de la historia. Orlando es un hombre primero, pero una vez que las mujeres se vuelvan, seguirá amando a las mujeres: “Como a Orlando nunca le han gustado las mujeres, y esa naturaleza humana siempre se está tirando del oído antes de adaptarse a nuevos acuerdos, aunque las mujeres a su vez Me encantó … “Esta mujer es en realidad la amiga Virginia Vita Sackville-West, la novelista que admira porque” se atreve a vivir abiertamente la dualidad de su naturaleza “. Pero lejos de asumir sin problemas para ambos sexos (como Vita), Orlando se desgarra por conflicto.

Noel Olivier;  Maitland Radford;  Virginia Woolf (née Stephen);  Rupert Brooke de NPG.jpg

De izquierda a derecha: Noel Olivier; Maitland Radford; Virginia Woolf (née Stephen); Rupert Brooke , por un artista desconocido. Mira la fuente del sitio para información adicional. Este conjunto de imágenes fue recopilado por el usuario: Dcoetzee de la National Portrait Gallery, sitio web de Londres, utilizando una herramienta especial. Todas las imágenes de este lote tienen un autor desconocido, pero hay pruebas contundentes de que se publicó por primera vez antes de 1923 (basado principalmente en la fecha estimada del trabajo del NPG).

Julia y los niños en las clases 1894.jpg

Thoby, Vanessa, Virginia, Julia y Adrian con su madre, Julia Stephen, dando sus lecciones en Talland House c. 1894
Anónimo – Smith College Bibliotecas

Fuente: Virginia Woolf

Homenaje de el Doodle de Google

136.º aniversario del nacimiento de Virginia Woolf

 



{16 enero, 2018}   *In blue

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Tninking in blue

in midnight blue 

is not me.

Looking inside

i find myself

awake!

opening the sky

in the blue night…I am

opening my mind

in the midnight blue…I am

MC

 

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Mahashweta devi.jpg

Raman Magsasy award
Braju wiki – Trabajo propio

Mahasweta Devi (14 de enero de 1926 – 28 de julio de 2016)1​2​ fue una escritora y activista india bengalí. Su obra literaria incluye Hajar Churashir Maa, Rudali, Aranyer Adhikar, etc. Trabajó para los derechos de los pueblos tribales (Lodha y Shabar) de los estados indios de Bengala Occidental, Bihar, Madhya Pradesh y Chhattisgarh

Primeros años
Mahasweta Devi nació en 1926 en la ciudad de Dhaka, capital de la provincia de Bengala (actual Bangladesh) en los tiempos del Raj británico, de padres escritores. Su padre, Manish Ghatak, fue un poeta y novelista muy conocido del movimiento Kallol, quien usó el seudónimo Jubanashwa.El hermano de Ghatak fue el notable cineasta Ritwik Ghatak. La madre de Mahasweta, Dharitri Devi, también fue escritora y trabajadora social cuyos hermanos se distinguieron en campos diversos, como el escultor Sankha Chaudhury y el fundador y editor de Economic and Political Weekly of India, Sachin Chaudhury. La primera escuela a la que asistió Mahasweta fue en Dhaka, pero luego de la partición de la India se trasladó a Bengala Occidental. Completó su educación inicial en la escuela secundaria de niñas Midnapore Mission en Midnapore occidental en 1935. Asistió a la Universidad Vishvabharati, fundada por Rabindranath Tagore en Santiniketan y completó su Bachelor of Arts en inglés y luego accedió a una maestría en la Universidad de Calcuta.

Carrera literaria y trabajo social
Primer novela
Mahasweta Devi escribió más de 100 novelas y más de 20 colecciones de relatos breves en idioma bengalí pero muchos de ellos traducidos a otros idiomas. Su primer novela, Jhansir Rani, basada en la vida de la reina Lakshmibai de Jhansi, fue publicada en 1956. Recorrió la región de Jhansi para recolectar información y canciones tradicionales para la novela.

Obras sobre sociedades tribales
En 1964 comenzó a enseñar en el Vijaygarh Jyotish Ray College (una universidad afiliadad al sistema de la Universidad de Calcuta). En aquellos días, esa universidad era una institución para mujeres de clase trabajadora. En ese período Mahasweta también trabajó como periodista y escritora creativa. Estudió los Lodhas y los Shabars, comunidades tribales de Bengala Occidental, mujeres y paria (casta) descastados. Visitó Bihar, Jharkhand, Madhya Pradesh en muchas oportunidades para mejorar su conocimiento de las sociedades tribales en esas regiones.

En su ficción describe la brutal opresión que sufren los pueblos tribales y los intocables por terratenientes de castas superiores, prestamistas y funcionarios corruptos.​ Devi ha señalado que estas comunidades son su fuentes de inspiración.

Siempre creí que la historia real esta hecha por la gente común. Constantemente me encuentro con la reaparición, en diversas formas, de folclore, baladas, mitos y leyendas, llevadas por la gente común a través de generaciones. … La razón y la inspración de mi escritura son esas personas que son explotadas y utilizadas, y que a pesar de ello no aceptan la derrota. Para mí, la interminable fuente de ingredientes para la escritura son estos extraordinariamente nobles y sufrientes seres humanos. ¿Por qué habría de buscar mi material crudo en otro lugar una vez que he comenzado a conocerlos? A veces parece que mi escritura es en realidad lo que hacen ellos.
Activismo
Mahasweta Devi levantó su voz en numerosas oportunidades para denunciar la discriminación de las comunidades tribales en la India.9​ En Birsa Munda Chowk, Ranchi, hay una estatua del legendario lider tribal Birsa Munda quien murió en prisión durante el dominio británico en 1900. La estatua lo muestra vistiendo turbante y dhoti, con sus manos encadenadas. Al parecer, los británicos lo han fotografiado con cadenas y esas fotografías se convirtieron en las únicas referencias para todas las representaciones de este héroe tribal que murió a los 25 años. Las cadenas también simbolizan su lucha por la libertad, suele señalarse. A pesar de ello, cada vez que Mahasweta Devi visitaba Jharkhand, reclamaba que Birsa Munda fuera desencadenado: “¿por qué se encuentra encadenado todavía si India ya es libre?”. En junio de 2016, el gobierno de Jharkhand decidió liberar a Birsa Munda de sus cadenas, 116 años después de su muerte, y muchos años después de que la escritora y activista comenzara con su reclamo.

Devi también ha encabezado la lucha contra la política industrial del Partido Comunista de la India en sus comienzos como partido gobernante de Bengala Occidental. En particular, ha reclamado enérgicamente en contra de la confiscación de grandes extensiones de tierra tradicionalmente destinada a la agricultura y la cesión de esas tierras a la industria a precios bajísimos. A partir de su liderazgo, numerosos intelectuales, artistas, escritores, y grupos de teatro se unieron para protestar contra esta controvertida política y su implementación en Singur y Nandigram.

En la Feria del Libro de Frankfurt de 2006, cuando India fue el primer país en ser huésped de la Feria por segunda vez, Devi estuvo a cargo de un emotivo discurso de apertura, en el que tomó estrofas de la famosa canción Mera Joota Hai Japani, de Raj Kapoor

Vida privada
En 1947 se casó con el renombrado dramaturgo Bijon Bhattacharya, quien fue uno de los fundadores del “Indian People’s Theatre Association (IPTA)”. En 1948 dio a luz a Nabarun Bhattacharya, quien más tarde sería novelista y crítico político.Trabajó en una oficina de correos pero fue echada por su tendencia comunista. Posteriormente realizaría varios trabajos, como vender jabones o escribir cartas en inglés para personas analfabetas. En 1962 se casó con el escritor Asit Gupta luego de divorciarse de Bhattacharya.

El 23 de julio de 2016, Devi sufrió un ataque cardíaco y fue internada en la clínica Belle Vue de Kolkata. El 28 de julio de 2016 murió a causa de fallo orgánico múltiple.​ También sufría diabetes, septicemia e infección urinaria.

Ante su muerte, Mamata Banerjee, la Primer Ministro de Bengala Occidental, publicó por medio de Twitter “India ha perdido a una gran escritora. Bengala ha perdido una madre gloriosa. Yo he perdido a una guía personal. Mahasweta Devi descansa en paz.” El Primer Ministro Narendra Modi por su parte, escribió: “Mahashweta Devi ilustró maravillosamente el poder de la pluma. Una voz de compasión, igualdad y justicia, nos deja una gran tristeza. RIP.

Obras
Las principales obras de Mahasweta Devi son:11​

Jhansir Rani (1956, biografía)
Hajar Churashir Maa (1974, novela)
Aranyer Adhikar (1979, colección de relatos breves)
Agnigarbha (1978, colección de relatos breves)
Murti (1979, colección de relatos breves)
Neerete Megh (1979, colección de relatos breves)
Stanyadayani (1980, colección de relatos breves)
Chotti Munda Evam Tar Tir (1980, colección de relatos breves)
Adaptaciones cinematográficas
Sunghursh (1968), basado en su vida.
Behula – Película de 1989
Rudaali (1993)
Hazaar Chaurasi Ki Maa (1998)
Maati Maay (2006), basado en el relato breve Daayen​
Gangor dirigida por Italo Spinelli, basada en su relato breve, Choli Ke Peeche, del libro Breast Stories

Doodle de Google

92º aniversario del nacimiento de Mahasweta Devi



{14 enero, 2018}   Florence Scovel Shinn

Las fuerzas invisibles están siempre trabajando para el hombre que siempre está “tirando las cuerdas” a sí mismo, aunque él no lo sabe. Debido al poder vibratorio de las palabras, cualquiera que sea la voz del hombre, comienza a atraer.


El Juego de Vida, Florence Scovel Shinn

Photo Florence Scovel Shinn.jpg

Florence Scovel Shinn

Florencia Scovel Shinn (24 de septiembre de 1871, Camden, Nueva Jersey – 17 de octubre de 1940) fue una artista estadounidense e ilustradora de libros que se convirtió en maestra espiritual y escritora metafísica en su mediana edad.1​2​En los círculos del Nuevo Pensamiento, es más conocida por su primer libro, The Game of Life and How to Play It (1925) (El Juego de la Vida y Cómo Jugar).

Vida temprana
Florence Scovel nació en Nueva Jersey, hija de Alden Cortlandt Scovel y Emily Hopkinson Scovel.​Fue educada en Filadelfia, donde asistió a la Academia de Bellas Artes de Pensilvania y allí conoció a su futuro esposo, el artista Everett Shinn (1876-1953). Después del matrimonio se mudaron a un estudio en el 112 Waverly Place, cerca de Washington Square, Nueva York. Everett construyó un teatro al lado, y escribió tres obras en las que Florence desempeñó un papel destacado.​ Everett Shinn se hizo conocido como miembro de la Escuela Ashcan de arte, y Florence trabajó como ilustradora de libros. Se divorciaron en 1912.

Escritos y Nuevo Pensamiento
Sus trabajos metafísicos comenzaron con su libro autopublicado “El juego de la vida y cómo jugarlo” en 1925. “Tu palabra es tu varita mágica” fue publicado en 1928 y “La puerta secreta al éxito” en 1940. Después de su muerte otros dos trabajos vieron la luz, “El poder de la palabra hablada” en 1945 por Shinn Press6​y “El camino mágico de la intuición”. Este último libro fue publicado por Louise Hay en 2013 quién aseguró haberlo recibido de un distribuidor de libros raros en un manuscrito pequeño, mecanografiado y no publicado de los últimos escritos de Florence Scovel Shinn.

 

He aquí un fragmento de la carta que recibió:

“Hace varios meses nos topamos con un artículo único de esa colección en la que creemos que usted podría estar interesada. El artículo es un manuscrito mecanografiado original de Florence Scovel Shinn, The Magic Path of Intuition. Estamos contactando para ver si usted o Hay House tienen interés en la compra de este excepcional manuscrito original orientado a compartir su contenido con el mundo,”
The Game of Life and How to Play it incluye citas de la Biblia y explicaciones anecdóticas de la comprensión de Dios y el hombre de la autora. Su filosofía se centra en el poder del pensamiento positivo y generalmente incluye instrucciones para la afirmación verbal o física.

“”Los Unitarios tienen agradables fiestas para los niños, dibujo publicado en The Century Illustrated Monthly Magazine, 1904.

La hora feliz de la niñez, de la revista Harper’s Magazine, agosto de 1903.
Florence Scovel Shinn –

 

Un consejo típico de Scovel Shinn es: “Es seguro decir que toda enfermedad e infelicidad provienen de la violación de la ley del amor. Un mandamiento nuevo os doy: ‘Amaos unos a otros’ y en el Juego de la Vida , El amor o la buena voluntad es el truco.”

 

Su consejo normalmente es acompañado por una anécdota de la vida real, como en el consejo antes señalado respecto a “amarse los unos a los otros”:

 

Una mujer que conozco, tuvo, durante años, una terrible enfermedad de la piel. Los médicos le dijeron que era incurable, y estaba desesperada. Trabajaba sobre los escenarios, y temía que pronto tuviera que renunciar a su profesión, y no tenía otros medios de apoyo. Ella, sin embargo, consiguió un buen contrato, y en la noche de estreno, tuvo una gran actuación. Recibió artículos halagadores de los críticos, y se alegró y se alegró. Al día siguiente recibió un aviso de despido. Un compañero del reparto estaba celoso de su éxito e hizo que fuera despedida. Sintió que el odio y el resentimiento tomaban posesión completa de ella, y gritó: “Oh Dios, no dejes que yo odie a ese hombre”. Esa noche ella trabajó durante horas “en el silencio”. Dijo: “Pronto entré en un silencio muy profundo, parecía estar en paz conmigo misma, con el hombre y con el mundo entero. Continué con esto durante las dos noches siguientes, y al tercer día me encontré que estaba completamente curada de la enfermedad de la piel! ” Al pedir amor, o buena voluntad, había cumplido la ley (“porque el amor es el cumplimiento de la ley”) y la enfermedad (que proviene del resentimiento subconsciente) fue aniquilada.

 
Sus libros Your Word Is Your Wand9​ y The Game of Life and How To Play It10​fueron publicados como audiolibros en 2014 y 2015 respectivamente, narrados por la actriz Hillary Hawkins.

Shinn se considera parte del movimiento del Nuevo Pensamiento, pues sus escritos están en la tradición de Phineas Quimby (1802-1866), Mary Baker Eddy (1821-1910), Emma Curtis Hopkins (1849-1925), y de Charles Fillmore (1854). -1948) y Myrtle Fillmore (1845-1931), cofundadores de la Iglesia de la Unidad.

La autora de motivación Louise Hay la reconoce como una influencia temprana. (wikipedi)

Referencias



{11 enero, 2018}   Alan Paton

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Alan Paton, writer from South Africa

Alan Stewart Paton (Pietermaritzburg, Natal; 11 de enero de 1903-Botha’s Hill, Natal; 12 de abril de 1988) fue un pedagogo, político del Partido Liberal y escritor sudafricano conocido por su activismo anti-apartheid.

Primeros años
Paton nació en Pietermaritzburg, su padre era un importante funcionario. Se graduó en ciencias en la Universidad de Natal y más tarde en educación. Trabajó como profesor en la Ixopo High School, y el Maritzburg College. Mientras estaba en Ixopo conoció a Dorrie Francis Lusted, con quien se casó en 1928 y de quien enviudó en 1967, esto aparece en su obra Kontakion for You Departed, publicada en 1969.

Director en Diepkloff
Alan Paton fue director del reformatorio Diepkloof para jóvenes africanos negros delincuentes desde 1935 a 1949, donde introdujo reformas algo controvertidas para la época,​ como políticas de dormitorios abiertos, permisos de trabajo o visitas familiares. Menos del 5% de los 10.000 jóvenes que pudieron ir a casa durante los años en que fue director traicionaron su confianza al no volver.

Cry, the Beloved Country
Paton se presentó voluntario en la Segunda Guerra Mundial, pero fue rechazado. Una vez acabada la guerra, el educador sudafricano realizó un viaje, pagado por él mismo, para visitar instalaciones correccionales de todo el mundo. Así visitó Escandinavia, Inglaterra, la Europa continental, Canadá y EEUU. En Noruega, Paton comenzó a escribir su primera novela, Cry, The Beloved Country que comprendía el transcurso de este viaje que acabó en San Francisco en 1946. Allí conoció a Aubrey y Marigold Burns, que al leer el manuscrito le encontraron un editor: Maxwell Perkins, conocido por editar a Ernest Hemingway y Thomas Wolfe. En el transcurso de la década de 1950, Paton publicó otras novelas.

Oposición al apartheid
En 1947, cuatro meses después de la publicación de Cry, The Beloved Country, el Partido Nacional llegó al poder. Con Daniel Malan como Primer Ministro, comenzando así una serie de políticas que más tarde se conocerían como apartheid. En 1953, Paton fundó el Partido Liberal, que había de luchar contra estas legislaciones apartheid. Paton fue el Presidente hasta su disolución, por parte del régimen apartheid, a finales de la década de 1960, oficialmente porque sus miembros eran blancos y negros. Paton era amigo de Bernard Friedman, fundador del Partido Progresista.

Varias personalidades de origen europeo (los blancos), como el mismo Paton, se posicionaron en contra de la nueva administración; por ejemplo, el compañero escritor de Paton, Laurens van der Post, que había marchado a Inglaterra durante los años 1930, ayudó al partido Liberal de varias maneras. Van der Post sabía que la policía secreta sudafricana tenía conocimiento de las transferencias que entregaba a Paton, pero no lo podían frenar mediante procedimientos legales.

En 1957, en el contexto del Juicio por traición contra 156 miembros del Congreso Nacional Africano, el Congreso Indio de Sudáfrica y el Partido Comunista de Sudáfrica (entre ellos Nelson Mandela), Alan Paton, Ambrose Reeves y Alex Hepple, crearon el Fondo de Ayuda a la Defensa en el Juicio por Traición, administrado por Mary Benson, y luego Freda Levson.

Paton adoptó medidas pacíficas para protestar contra el apartheid, así como otros muchos miembros del partido; aun así, algunos compañeros del Partido Liberal adoptaron medidas violentas, motivo por el cual el partido quedó estigmatizado. El pasaporte de Paton fue confiscado a su regreso de Nueva York, en 1960, tras presentar el Premio Libertad.6​ Se le devolvió al cabo de diez años.

El viernes 12 de junio de 1964, antes de anunciarse el veredicto en el juicio estatal contra Nelson Mandela; Harold Hanson y Paton, en calidad de presidente del Partido Liberal; leyeron una petición de clemencia cada uno; a pesar de que el escritor sudafricano no apoyaba personalmente la violencia, manifestó que los acusados solo habían tenido dos opciones: “agachar la cabeza y someterse, o resistirse a la fuerza”. Además, añadió que el tribunal tenía que mostrarse clemente puesto que, en caso contrario, el futuro de Sudáfrica se presentaba desolador.

Paton se jubiló en Botha’s Hill, donde vivió hasta su muerte y recibió el honor de ser incluido en la Sala de la Libertad de la Organización Internacional Liberal.

Los abusos de su padre fueron una de sus causas para odiar el autoritarismo.
Su primera novela se vendió por completo el día de su publicación y hasta su muerte vendió 15 miliones de copias.
Fue cristiano devoto toda su vida.
Odiaba la fama por el poder, y nunca perdió la fe en la decencia, la tolerancia y la humanidad de sus compatriotas.
Murió de cáncer de garganta.

Frases memorables

Cuando se nos provoca una herida profunda, nunca nos recuperamos hasta que no perdonamos.
Si escribes una novela en Sudáfrica que no trata los principales problemas, no tendría que ser publicada.
Llora, patria estimada, por el hijo nonato que es heredero de nuestro miedo. No lo dejes estimar demasiado la tierra… Por miedo a robarle todo si da demasiado.
Renunciar a la tarea de reformar la sociedad es renunciar a la responsabilidad de un hombre libre.
Lo único que tiene el poder totalmente es el amor, porque cuando un hombre ama, no busca el poder, y por lo tanto lo tiene todo.
Imagino una grande, pacífica Sudáfrica, de la cual todo el mundo estará orgulloso, una nación en la cual los diversos grupos harán su propia contribución creativa.
Dios nos perdona…, ¿quién soy para no perdonar?

El Doodle de Google

115º aniversario del nacimiento de Alan Paton







Cuando todo era nada,
era nada el principio.
y de la noche hizo luz.
Y fue el cielo
y esto que está aquí.

Hubo tierra, agua,
sangre, flores
todo eso y también tiempo.
Claramente digo que ese
fue el mundo del hombre.
Y así fue. Así.

Hombre que te miras en la aguas
para ver quién sos.
Mírame si quieres verte
porque a imagen mía sos.
Ya lo hiciste, vive sólo hoy.

Hubo pueblos y países,
y hubo hombres con memoria.
Claramente digo que éste
es el mundo del hombre.
Y se contaron todas
estas cosas.
Y así fue. Así.

Ricardo Soulé

Mandioca, la madre de los chicos fue el primer sello argentino de rock en castellano. Editó a Manal, Vox Dei, Miguel Abuelo, Moris, Tanguito, Pappo, La Pesada, entre otros. Fundado por el editor de libros Jorge Álvarez, que se sumerge en el mundo de la música para llevar la misma batalla que impulsó desde la literatura: el respeto por los artistas y la lucha contra las corporaciones. La historia de Mandioca, la madre de los chicos, es la historia del inicio del rock nacional, y es también la historia de Argentina.

Mandioca fue un sello discográfico argentino independiente que editó discos entre 1968 y 1970. Fue dirigido por Jorge Álvarez, Pedro Pujó, Rafael López Sánchez y Javier Arroyuelo y desempeñó un importante papel en la promoción y difusión del blues y rock en español en la Argentina.

Día del lanzamiento del sello Mandioca.jpg12 de noviembre de 1968, día del lanzamiento del sello Mandioca y debut del Trío Manal en el Teatro Apolo de la Av. Corrientes. Foto del archivo de Pedro Pujo.

Historia

Jorge Álvarez junto a Pedro Pujó uno de los fundadores del sello.
En 1966, Jorge Álvarez, un editor de libros políticos, históricos y culturales comprometidos, se relacionó con tres jóvenes estudiantes secundarios Javier Arroyuelo, Silvio Ramaglia y Pedro Pujó, interesados en los nuevos movimientos juveniles y los mecanismos de difusión.

Jorge Álvarez junto a Pedro Pujó uno de los fundadores del sello.
Gelpgim (Sergio Panei Pitrau) – Trabajo propio

Jorge Álvarez Biografía

Álvarez y Pujó tenían el sueño de promover en Buenos Aires un barrio como el Greenwich Village de Nueva York que se convirtiera en el centro del nuevo movimiento juvenil. De esos proyectos se concretó la creación de un sello discográfico que difundiera la música que estaban componiendo esos jóvenes, al que le pusieron el nombre de Mandioca, La Madre de los Chicos.

El nombre «Mandioca» fue elegido por tratarse de un vegetal originario de América, como símbolo de identidad cultural, a la vez que eligieron el color morado del interior de la mandioca, como fondo de las etiquetas de los discos.

A principios de 1968 Claudio Gabis, Javier Martínez (dos de los tres miembros de Manal), Emilio Kauderer y Rocky Rodríguez grabaron un demo experimental en el estudio de grabación de Jorge Tagliani.1​ Gabis reservó sesiones de grabación en el estudio para probar que frutos podía traer la banda. De lo grabado se prensó un solo disco que se perdió, no existiendo copia del mismo.

Poco después de las sesiones en el estudio de Tagliani, Martínez fue convocado para encarnar el personaje de “Paco” de la película Tiro de gracia dirigida por Ricardo Becher, basado en el libro homónimo de Sergio Mulet. En algún momento durante la filmación, Martínez le comentó a Jorge Goldemberg que tenía un conjunto musical que ya estaban grabando algunas canciones. Goldemberg se lo comentó al director, quién se apersonó a un ensayo del grupo, y allí mismo decidió que la banda se encargara de la música de su film. El grupo fue convocado gracias a las influencias de Goldemberg, a participar para tocar en el espectáculo teatral VietRock, en el teatro Payró. En esas instancias Gabis convence a su compañero Martínez de llamar al bajista Alejandro Medina para integrarse al grupo, completándose allí el trío musical de Gabis, Martínez y Medina.2​1​

La banda se integraría al sello independiente Mandioca, con quienes grabó su primer álbum editado en 1970. Pero antes de eso, a fines de 1969 se terminó de filmar la película, Becher llamó a Manal para grabar la banda sonora. La misma iba a ser realizada por un profesional de música para películas, Roberto Lear, pero terminó aceptando que el grupo registrase la música, asistiendo incluso a una de las sesiones. El tema central de la película, “Estoy en el infierno”, se había improvisado a base de experimentos en el estudio de Tagliani. La canción se volvió a grabar al igual que el resto de la música en los estudios Phonal ubicados en Santa Fe y Coronel Díaz. El trío compuso además “Tema del moderno” y “Seigmund’s Zoo”. El resto de las pistas, climas y efectos fueron producto de la improvisación y la versatilidad que tenía el conjunto, según los tiempos e indicaciones del director Becher.

Logotipo del grupo, obra de Daniel Melgarejo, apareció en el primer sencillo del grupo “Que pena me das”/”Para ser un hombre más”, 1968.
Manal entró en contacto con Jorge Álvarez3​ en una fiesta organizada en la casa de Piri Lugones (cuys hijos eran amigos de los manales) hecha con el objetivo de que la banda conociese a sus futuros productores. Fue en esa fiesta donde Claudio Gabis le enseñó a Javier Martínez un borrador con unas líneas para armar la lírica de una futura canción, y una base musical que había armado. Martínez terminó allí mismo la canción en menos de una hora, se trataba de “Avellaneda Blues”. El grupo le cantó este tema a Álvarez, quién quedó impresionado por la misma, convenciendose de que tenía que producir al grupo

Álvarez recuerda de ese momento:

En una reunión de cumpleaños [se refiere a la fiesta en casa de Piri Lugones] los conocí como tipos, no como músicos. Un mes después Pedro [Pujó] me llevó a la casa de Alejandro [Medina], donde el trío ensayaba, y cuando los escuché me caí muerto, era realmente espectacular como tocaban. Les pregunto que pensaban hacer , me dijeron que no querían entrar en el engranaje comercial, que eso era una porquería, que querían hacer las cosas con libertad y todo eso […] Hacemos el primer simple en el estudio TNT y me voy con las cintas a CBS. Se lo hago escuchar a John Lear, el presidente, y me dice que eso no sirve, que es una burda imitación de lo que sucede en Estados Unidos y que eso no venderá jamás en la Argentina, que a él no le interesa. Mando a un amigo a otra grabadora y nos patean.

Luego del fallido intento en CBS, Álvarez juntó a Pedro Pujó, Rafael López Sánchez y Javier Arroyuelo fundaron Mandioca en 1968, con el eslogan “la madre de los chicos”, primer sello del rock argentino,​ como una alternativa para aquellos grupos nacientes de rock que eran marginados por los grandes sellos discográficos.​ La idea de Álvarez era, además de que las bandas pudieran grabar su trabajo con libertad, que las mismas tocasen en teatros, ya que ese momento no existían los conciertos de rock en Argentino, los grupos tocaban únicamente en clubes para que el público pudiera bailar.

La invitación para el concierto inaugural de Mandioca era una alcancía en forma de manzana de cerámica que tenía una leyenda que decía “rompeme” y dentro contenía un mensaje. El sello Mandioca se lanzó el 12 de noviembre de 1968 con un concierto realizado en la Sala Apolo de la Calle Corrientes al 1300 (donde funcionó luego el cine Lorange), en el cual participaron Manal, Miguel Abuelo y la cantante Cristina Plate.El recital se hizo con los equipo Fender de Los Gatos,​ y al terminar el mismo subió Luis Alberto Spinetta, líder de Almendra diciendo “¿Se dan cuenta ustedes lo que empezó hoy? Hoy empezaste a terminar con la música comercial”.Durante los meses siguientes el grupo realizó varias actuaciones en clubes de los suburbios de la ciudad de Buenos Aires.

A finales de 1968, Mandioca editó su primer material al mercado, se trataba a su vez del primer sencillo de Manal: “Qué pena me das” con “Para ser un hombre más” como lado B que había sido grabado en octubre del mismo año.​ Se trataba de un corte extraño para la época, pues los temas superaban ampliamente el límite de tres minutos de duración impuesto por las radios y el sobre que lo contenía era un costoso tríptico de elaborada gráfica, cuyo autor era el dibujante Daniel Melgarejo. El sobre presentaba una tapa desplegable en tres partes con un dibujo de un obelisco y en el medio de éste el logotipo del conjunto. En el interior, hay una dedicatoria a la gente del sello Mandioca, mientras que en la otra sección esta la información correspondiente a los temas del grupo y en la tercera o la del medio, una foto plegable del grupo, que era la cubierta en sí.​ Pero este primer trabajo discográfico fue recibido por los medios con escepticismo, se difundió poco y la prensa criticó especialmente el uso del castellano en las letras. En su segundo sencillo publicado a mediados de 1969, “No pibe” con “Necesito un amor”,​ la banda logró un sonido más depurado y blusero, evidenciando una clara evolución técnica y de estilo en su interpretación.

El gran impacto fue escucharlo [a “Qué pena me das”] por primera vez en radio. El primero que lo difundió fue Hugo Guerrero Marthineitz, pasó “Qué pena me das”, en la época era una locura pasar un tema así porque duraba seis minutos. Lo habíamos hecho porque teníamos esa política totalmente anti, en el sentido que todos te pedían un tema de tres minutos para difusión. Era la plasmación de una idea por la cual yo venía luchando prácticamente desde mi adolescencia y fue una gran emoción. A partir de ahí trabajamos muchísimo y participamos en cuanto evento de rock se realizara.

Javier Martínez.
Durante el verano de 1969 Álvarez y Pujó armaron un boliche llamado Mandioca en Mar del Plata, al no existir un lugar donde las bandas pudiesen tocar. El interior del local fue pintado de negro y amarillo como un estacionamiento, y precisamente como no disponían de sillas y mesas, usaron neumáticos de autos, allí tocaron Manal con Pappo como invitado, y Los Abuelos de la Nada. También se alquiló una casa para que convivieran las bandas. Pero el lugar fue cerrado al poco tiempo por la policía.11​9​10​

La revista Panorama relataba casi con desprecio el primer recital organizado por Mandioca el 12 de noviembre de 1968, en ocasión del lanzamiento inicial del sello:

Recital de canciones por Manal, Cristina Plate y Miguel Abuelo.
Sobrevivientes de la tribu seudo-hippie de Plaza Francia, diezmada en parte hace un año por la tijera policial, numerosos jóvenes de sexos indefinidos con disfraz bohemio y algunos “notables” invitados especialmente, atestaron la sala Apolo durante la sesión inaugural de un ciclo auspiciado por “Mandioca”, nuevo sello grabador capitaneado por el ahora barbado editor Jorge Álvarez y tres adolescentes de espíritu aventurero…
Una lánguida partidaria de este tipo de eventos explicó: “Nunca haremos nada importante. Sólo nos resta destacar nuestra insignificancia”. Lo hacen tan bien, que el “arte” de aburrir tiene en ellos a sus estrellas máximas.

Producción
El sello Mandioca impulsó y difundió músicos de rock y creaciones artísticas que resultaron fundamentales en los orígenes del rock argentino, destacándose Manal y Vox Dei. De esta última banda, Mandioca promovió la creación y realizó toda la grabación de la ópera-rock La Biblia, aunque finalmente no realizó el lanzamiento debido a la quiebra, razón por la cual fue la empresa grabadora, TNT, la que efectuó la publicación (con graves defectos) para cobrarse la deuda pendiente. También fueron importantes las grabaciones que Tanguito realizó en Mandioca, que finalmente fueron publicadas por otro sello.

Salvo “No pibe” los discos de Mandioca tuvieron escaso éxito comercial. Sin embargo, entre ellos se encuentran clásicos permanentes del rock nacional, como “No Pibe”, “Jugo de tomate frío” y “Avenida Rivadavia” de Manal, “Presente (El momento en que estás)” de Vox Dei y “El oso” de Moris. El álbum Manal (llamado también La Bomba) ha sido considerado como uno de los mejores álbumes de la historia del rock argentino, al igual que La Biblia de Vox Dei, que aunque no fue lanzado por Mandioca, fue inspirado e íntegramente grabado por el sello.

El propio Jorge Álvarez, poco tiempo antes de morir, hizo una breve narración de como logró sacar a Mandioca de su lugar casi marginal dentro del mercado del disco, haciendo hincapié precisamente en el éxito obtenido por “No Pibe”.

“Nos invitaron a participar de un ciclo de bailes domingueros en la confitería “Gaugin”, que estaba en Donato Álvarez y Gaona, del barrio de Flores. El primer día actuó Manal. A la gente le costaba bailar con esta música porque estaba habituada a otras expresiones anglo sajonas y en el terreno de música nacional, les gustaban grupos como Banana, Pintura Fresca, Los Náufragos y otros. De pronto se me acerca un muchacho quien se presenta como integrante de la agencia productora del ciclo radial Música Con Thompson y Williams. Era Rodolfo Garavagno, quien se mostró maravillado con la música de Manal, y me dijo que le gustaría difundirla en ese programa. Al otro día, Pedro Pujol y yo entrabamos en la oficina de Florida 622, y nos recibió el mismo Rodolfo, quien se mostraba muy entusiasmado porque ya había puesto al tanto de todo a Fito Salinas, titular de la agencia y conductor del programa. Estaba también Ricardo “Richard” Ostuni y otros profesionales como Cesar Mermet y Cacho Carrera Villar. Rodolfo Garavagno los tenía a todos ellos expectantes. No se que les había dicho de Manal, pero lo cierto es que todos ellos estaban ahí, esperando poder escuchar “No Pibe”. Nosotros habíamos llevado otras grabaciones, pero tuvimos que entregarles el disco simple “No Pibe”. Lo escuchamos siete u ocho veces, y cuando yo los miraba, los notaba extasiados con la música de Manal. Rodolfo, iba hablando con cada uno de ellos con un convencimiento notable. Lo cierto es que ese día, Salinas y su equipo querían escuchar el catálogo completo de Mandioca. Así comenzó el lanzamiento masivo. Era nada menos que la poderosa Radio Mitre, y este programa de Salinas era el segundo en audiencia después de Modart en la Noche, que salía por Radio Libertad. Esa misma noche comenzó la difusión de Manal con “No Pibe” y los llamados del público aumentaron un sesenta por ciento. A la semana siguiente, tuvimos que acercar a otros artistas como Vox Dei, Moris y Facundo Cabral, para sumarlos a Manal. En septiembre, conjuntamente con Salinas, organizamos un lanzamiento masivo de todos estos artistas en el Club Comunicaciones y tuvo un éxito total. Años más tarde, creo que entre el setenta y dos y el setenta y tres, nos reecontramos con Rodolfo Garavagno en Microfon, cuando él vino como productor editorial y yo tenía mi oficina para atender las cosas de Talent, mi nuevo sello. Fueron los tiempos en los que junto con Billy Bond, artífice genial de sala de grabación durante casi toda mi carrera, lanzábamos a Sui Géneris. Y Rodolfo se ocupó de hacer la edición en papel del álbum Vida y Confesiones de Invierno y los catálogos de Pescado Rabioso, Raun Porcheto e Invisible.”

Mandioca también organizó recitales de rock. El mismo equipo que organizó el sello grabador, estableció una agencia de representaciones llamada Mambo Show, que se ocupaba de organizar actuaciones de Manal y Vox Dei en diversos lugares de la ciudad de Buenos Aires y sus alrededores, y a veces en otros lugares del país. Principalmente, las dos bandas iban a “bailes” organizados en clubes y grandes salones en diversos barrios, especialmente de clase trabajadora, entre cuyos miembros jóvenes el rock y el blues en castellano prendieron con mucha intensidad. La agencia estuvo gerenciada por Mario Rabey, uno de los fundadores (junto con Pipo Lernoud) del movimiento hippie en Argentina. La principal fuente de ingresos de los músicos de Mandioca -y de algunos de los miembros de su staff- fueron estas actuaciones de fin de semana.

UNA ÉPOCA EN UN ESPACIO Y UN TIEMPO DE LITERATURA, ESCRITORES DE VANGUARDIA, MODA Y MÚSICA INTELECTUAL HIPISMO Y PLANTEO FILOSÓFICO, CON UN NEXO CON EL DITELA

SI, GROSOS!

UNDERGROUND! …INTERACTUABAN MODA, CINE, TEATRO, ARTES PLÁSTICAS.

QUE MARAVILLOSO!!!

MC

 




Mariaangelicabosco.jpgMaría Angélica Bosco, escritora argentina

María Angélica Bosco (n. el 23 de agosto de 1909 en Buenos Aires y fallecida el 3 de octubre de 2006 en la misma ciudad) fue una escritora argentina. De su obra se destacan las novelas policiales, con “La muerte baja en el ascensor” ganó el Premio Emecé y fue publicada en la colección “El Séptimo Círculo”.

En el año 1925 se recibió de maestra.

En 1954 es galardonada con el Premio Emecé, por su novela policial “La muerte baja en el ascensor”. De su incursión en el género policial, relata:

Las mujeres aburren a los lectores contándoles qué malos son los hombres y qué desgraciadas son ellas. La literatura femenina era un gran pañuelo. Yo no quería hacer eso, entonces por compasión al lector, para que se distrajera, para que se divirtiera y no me secara las lágrimas, me pareció que el policial era una oportunidad.

Trabajó en prensa, como secretaria del suplemento literario del diario Clarín (entre 1959 y 1965), y colaboró con otros diarios como La Nación y La Prensa. También tuvo una columna en la revista Leoplán.

Condujo el ciclo radial “Radiografía de un bestseller” por Radio Nacional, entre 1961 y 1969. También se desempeñó como Secretaria de la SADE (Sociedad Argentina de Escritores) entre 1965 y 1969. En televisión, comentó libros para el programa “Buenas tardes, mucho gusto” y realizó libretos para División Homicidios (Canal 9).

En 1974 se filma El amor infiel, basada en su novela La trampa (1960). En 1979 se estrena Contragolpe, película dirigida por Alejandro Doria, que tiene guion de María Angélica Bosco y Marco Denevi.

En 1994 fue directora del Fondo Nacional de las Artes.

Fue además, asesora de la editorial “Compañía Fabril Editora” y tradujo autores como Gustave Flaubert, Italo Calvino, Emile Zola y Arthur Rimbaud, entre otros.

Actuó como jurado en gran cantidad de concursos literarios.

Segundo Claudia Piñeiro, “Casada en un medio social muy pacato y conservador, se enamoró de otro hombre. Su marido encontró una carta de su amante, la echó de la casa y se quedó con la tenencia de sus hijos, excepto el menor que María Angélica logró que la justicia dejara con ella. “Cuando pienso en la situación de la mujer en esos años me asombra mi inconsciencia –dijo en un reportaje–. ¿Cómo pude pensar que la situación sería entendida por nadie, ni siquiera por mi familia?”. Recién pudo recuperar a sus otros dos hijos después de la muerte de su marido, años más tarde. El ajustarse al modelo social esperado para una mujer como ella la había llevado a casarse y dejar de escribir. Patear el tablero y la necesidad de supervivencia la devolvieron a la escritura. Y gracias a eso aparecieron sus trabajos posteriores entre los que se destacan la obra reeditada, La muerte baja en el ascensor , La trampa , llevada al cine con el título El amor infiel , o el ensayo Borges y los otros.

María Angélica Bosco

 




Long Gallery-Legend white snake.JPGLong Gallery-Legend serpiente blanca

La leyenda de la serpiente blanca , también conocida como la serpiente blanca de la señora , es una leyenda china. Desde entonces se ha presentado en una serie de grandes óperas chinas , películas y series de televisión.

El primer intento de fictializar la historia en forma impresa parece ser La doncella blanca cerrada por la eternidad en la Pagoda de Leifeng (白 娘子 永 鎭 雷峰塔) en las historias de Feng Menglong para advertir al mundo ( chino : 警世通言 ), que fue escrito durante la dinastía Ming .

La historia se cuenta ahora como uno de los Cuatro Grandes Cuentos Folclóricos de China, los otros son Lady Meng Jiang , Liang Shanbo y Zhu Yingtai , y The Cowherd y la Tintorería ( Niulang Zhinü ).

Lü Dongbin , uno de los ocho inmortales , se disfraza de hombre vendiendo tangyuan en el puente roto (斷橋) cerca del lago del oeste en Hangzhou . Un niño llamado Xu Xian ( chino simplificado : 许仙 ; chino tradicional : 許仙 ; pinyin : Xǔ Xian ; Jyutping : Heoi2 sin1 ) adquiere cierta tangyuan de Lü Dongbin sin saber que en realidad son las píldoras de la inmortalidad. No se siente hambriento por los siguientes tres días después de comerlos, así que vuelve a preguntar por qué. Lü Dongbin se ríe y lleva a Xu Xian al puente, donde lo voltea boca abajo y le hace vomitar el tangyuan en el lago.

En el lago, hay un espíritu de serpiente blanca que ha estado practicando las artes mágicas taoístas con la esperanza de convertirse en un inmortal después de siglos de entrenamiento y cultivo. Ella come las píldoras y gana 500 años de poder mágico. Por lo tanto, se siente agradecida a Xu Xian y sus destinos se entrelazan. Hay otro espíritu de tortuga acuática que también entrena en el lago que no logró consumir ninguna de las píldoras; él es muy celoso de la serpiente blanca. Un día, la serpiente blanca ve un mendigo en el puente que ha cogido una serpiente verde y quiere cavar la gallina de la serpiente y venderla. La serpiente blanca se transforma en una mujer y compra la serpiente verde del mendigo, ahorrando así la vida de la serpiente verde. La serpiente verde está agradecida a la serpiente blanca y considera a la serpiente blanca como una hermana mayor.

Dieciocho años más tarde, durante el Festival Qingming , las serpientes blancas y verdes se transforman en dos mujeres jóvenes llamados Bai Suzhen ( chino : 白素貞 ; pinyin : Bái Suzhen ; Jyutping : Baak6 Sou3-zing1 ) y Xiaoqing ( chino : 小青 ; pinyin : Xiǎoqīng ; Jyutping : Siu2-cing1 ), respectivamente. Se encuentran con Xu Xian en el puente roto en Hangzhou. Xu les presta su paraguas porque está lloviendo. Xu Xian y Bai Suzhen gradualmente se enamoran y finalmente se casan. Se trasladan a Zhenjiang , donde abren una farmacia.

Mientras tanto, el espíritu de la tortuga acuática ha acumulado suficientes poderes para tomar forma humana, por lo que se transforma en un monje budista llamado Fahai ( chino : 法 海 , pinyin : Fǎhǎi ; Jyutping : Faat3-hoi2 ). Todavía enojado con Bai Suzhen, Fahai complots para romper su relación con Xu Xian. Se acerca a Xu Xian y le dice que durante el Festival de Duanwu su esposa debe beber vino realgar , un vino asociado con ese festival. Bai Suzhen bebe sin dudar el vino y revela su verdadera forma como una gran serpiente blanca. Xu Xian muere de shock después de ver que su esposa no es humana. Bai Suzhen y Xiaoqing viajan al Monte Emei , donde corren peligro de robar una hierba mágica que restaura Xu Xian a la vida.

Diorama en Haw Par Villa , Singapur, que representa la batalla entre Bai Suzhen y Fahai.
Después de volver a la vida, Xu Xian todavía mantiene su amor por Bai Suzhen a pesar de conocer su verdadera identidad. Fahai intenta separarlos nuevamente capturando a Xu Xian y encarcelándolo en el Templo Jinshan (金山 寺). Bai Suzhen y Xiaoqing pelean con Fahai para rescatar a Xu Xian. Bai usa sus poderes para inundar el templo y ahoga a muchas personas inocentes. Sin embargo, sus poderes son limitados porque ella ya está embarazada con el hijo de Xu Xian, por lo que no puede salvar a su marido. Xu Xian más tarde se las arregla para escapar del Templo Jinshan y reunirse con su esposa en Hangzhou , donde Bai Suzhen da a luz a su hijo, Xu Mengjiao ( chino : 許 夢 蛟 , pinyin : Xǔ Mèngjiāo ; Jyutping : Heoi2 Mung6-gaau1 ). Fahai los sigue, derrota a Bai Suzhen y la encarcela en la Pagoda de Leifeng . Xiaoqing huye, jurando venganza.

Veinte años más tarde, Xu Mengjiao gana el grado zhuangyuan (superior) en el examen imperial y regresa a casa en la gloria para visitar a sus padres. Al mismo tiempo, Xiaoqing, que había pasado los años intermedios refinando sus poderes, va al Templo Jinshan para enfrentar a Fahai y derrotarlo. Bai Suzhen es liberado de la Pagoda de Leifeng y se reúne con su esposo e hijo, mientras Fahai huye y se esconde dentro del estómago de un cangrejo. Hay un dicho que la grasa interna de un cangrejo es naranja porque se asemeja al color del kasaya de Fahai .

Leyenda de la serpiente blanca , largo corredor , Pekín
Desconocido- 中国北京颐和园

Óperas y obras teatrales
La historia se ha realizado numerosas veces en la ópera de Pekín , la ópera cantonesa y otras óperas chinas .
Las adaptaciones musicales de la etapa en Hong Kong incluyen:
Pai Niang Niang , creado por Joseph Koo y Wong Jim . Estrenada en 1972, marcó el inicio de la industria del teatro musical en Hong Kong.
Serpiente Blanca, Serpiente Verde (2005), creado por Christopher Wong
La leyenda de la serpiente blanca , creada por Leon Ko y Chris Shum
El Teatro de la Danza de la Puerta de la Nube de Taiwán realizó una interpretación de danza moderna de la Señora Serpiente Blanca en los años 70.
En 2010, una ópera basada en la leyenda, Madame White Snake , con música de Zhou Long y un libreto de Cerise Lim Jacobs, estrenó en una producción de Opera Boston . [2] Ganó el Premio Pulitzer 2011 en Música .
En 2012, el Festival Shakespeare de Oregón en Ashland, Oregon , realizó una adaptación de Mary Zimmerman (Wikipedia)

Películas
La leyenda de la serpiente blanca (白蛇傳), una película china de 1939 hecha por Xinhua Studio . Fue la primera adaptación de la leyenda.
La leyenda de la Serpiente Blanca (白 夫人 の 妖 恋), una película japonesa de 1956 realizada por Toho en colaboración con Shaw Brothers Studio de Hong Kong. Se destacó por ser la primera película de efectos especiales de Toho en color.
El cuento de la Serpiente Blanca (白蛇傳), el primer largometraje de anime de color lanzado en Japón en 1958. El título de la versión estadounidense fue Panda y la Serpiente Mágica . Era también uno de los casos raros donde Xiaoqing se representa como demonio de los pescados y no un demonio de la serpiente. Era también la única película conocida basada en la leyenda para ser doblada en alemán (título de lanzamiento alemán: Erzählung einer weißen Schlange ).
Madame Serpiente Blanca , una película de 1962 producida por Shaw Brothers Studio de Hong Kong. Esta versión es una ópera de Huangmei dirigida por Yueh Feng , con música de Wang Fu-ling en un libreto de Li Chun-ching.
El matrimonio de la mujer de serpiente (白蛇 大 鬧天宮), una película taiwanesa de 1975 dirigida por Sun Yang.
Green Snake (青蛇), una película de Hong Kong de 1993 dirigida por Tsui Hark , protagonizada por Maggie Cheung , Joey Wong , Vincent Zhao y Wu Hsing-kuo .
El Hechicero y la Serpiente Blanca (白蛇傳 說), una película en 3D de 2011, protagonizada por Jet Li , Huang Shengyi , Raymond Lam y Charlene Choi .
La leyenda de la serpiente blanca de la señora: Un tributo al alcohol de Alexander McQueen , cortometraje protagonizado por Daphne Guinness , dirigido por Indrani Pal-Chaudhuri , con dirección creativa / estilo de GK Reid , producido por Markus Klinko y Indrani , Daphne Guinness y GK Reid . Escrito por Indrani, inspirado en la antigua leyenda china, con un poema de Neil Gaiman , la película está ambientada en la ciudad contemporánea de Nueva York. Las presentaciones de la película se presentan en la exposición de Daphne Guinness en el museo del instituto de la manera del 16 de septiembre de 2011 al 6 de enero de 2012.

Televisión
Leifeng Pagoda (雷峰塔), una serie televisiva taiwanesa de 1977.
Leyenda de la Serpiente Blanca (白蛇傳), una serie de televisión taiwanesa de 1985.
La Serpentine Romance (奇幻 人間 世), una serie de televisión de 1990 producida por la TVB de Hong Kong , protagonizada por Maggie Chan, Maggie Siu y Hugo Ng.
Nueva leyenda de la serpiente blanca de la señora / la leyenda de la serpiente blanca (新 白 娘子 傳奇), una serie televisiva taiwanesa 1992 que starring Angie Chiu , Cecilia Yip y Maggie Chen.
La Serpiente Blanca Legendaria , una serie de televisión de Singapur 1995 protagonizada por Geoffrey Tso, Lin Yisheng, Terence Cao , Lina Ng , Lan Ding, Liu Qiulian y Wang Changli.
Mi fecha con un vampiro (我 和 殭屍 有 個 約會), una serie de televisión de Hong Kong producida por ATV . La serie hizo uso extensivo de la historia, reutilizándola en la primera temporada (1998) y una versión modificada en la segunda temporada (1999).
La serpiente blanca de la señora / la leyenda de los espíritus de la serpiente (白蛇 新 傳), una serie televisiva co-producida 2001 taiwanesa y de Singapur protagonizada por Fann Wong , Christopher Lee , Zhang Yuyan y Vincent Jiao.
Madame White Snake (白蛇傳), una serie de televisión china de 2005 protagonizada por Liu Tao , Pan Yueming, Chen Zihan y Liu Xiaofeng.
La secuela de la Serpiente Oriental (白蛇 後 傳), una secuela de 2009 de Madame White Snake (2005), protagonizada por Fu Miao, Qiu Xinzhi, Shi Zhaoqi, Chi Shuai y Cecilia Liu .
Love of the Millennium (又見 白 娘子), una próxima serie de televisión china como secuela de Nueva leyenda de Madame White Snake (1992), protagonizada por Zuo Xiaoqing, Queenie Tai, Ren Quan y Shen Xiaohai.
El destino de la serpiente blanca (2017)

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