Espacio de María del Carmen "sphínx" difusión de contenidos












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Cuando todo era nada,
era nada el principio.
y de la noche hizo luz.
Y fue el cielo
y esto que está aquí.

Hubo tierra, agua,
sangre, flores
todo eso y también tiempo.
Claramente digo que ese
fue el mundo del hombre.
Y así fue. Así.

Hombre que te miras en la aguas
para ver quién sos.
Mírame si quieres verte
porque a imagen mía sos.
Ya lo hiciste, vive sólo hoy.

Hubo pueblos y países,
y hubo hombres con memoria.
Claramente digo que éste
es el mundo del hombre.
Y se contaron todas
estas cosas.
Y así fue. Así.

Ricardo Soulé

Mandioca, la madre de los chicos fue el primer sello argentino de rock en castellano. Editó a Manal, Vox Dei, Miguel Abuelo, Moris, Tanguito, Pappo, La Pesada, entre otros. Fundado por el editor de libros Jorge Álvarez, que se sumerge en el mundo de la música para llevar la misma batalla que impulsó desde la literatura: el respeto por los artistas y la lucha contra las corporaciones. La historia de Mandioca, la madre de los chicos, es la historia del inicio del rock nacional, y es también la historia de Argentina.

Mandioca fue un sello discográfico argentino independiente que editó discos entre 1968 y 1970. Fue dirigido por Jorge Álvarez, Pedro Pujó, Rafael López Sánchez y Javier Arroyuelo y desempeñó un importante papel en la promoción y difusión del blues y rock en español en la Argentina.

Día del lanzamiento del sello Mandioca.jpg12 de noviembre de 1968, día del lanzamiento del sello Mandioca y debut del Trío Manal en el Teatro Apolo de la Av. Corrientes. Foto del archivo de Pedro Pujo.

Historia

Jorge Álvarez junto a Pedro Pujó uno de los fundadores del sello.
En 1966, Jorge Álvarez, un editor de libros políticos, históricos y culturales comprometidos, se relacionó con tres jóvenes estudiantes secundarios Javier Arroyuelo, Silvio Ramaglia y Pedro Pujó, interesados en los nuevos movimientos juveniles y los mecanismos de difusión.

Jorge Álvarez junto a Pedro Pujó uno de los fundadores del sello.
Gelpgim (Sergio Panei Pitrau) – Trabajo propio

Jorge Álvarez Biografía

Álvarez y Pujó tenían el sueño de promover en Buenos Aires un barrio como el Greenwich Village de Nueva York que se convirtiera en el centro del nuevo movimiento juvenil. De esos proyectos se concretó la creación de un sello discográfico que difundiera la música que estaban componiendo esos jóvenes, al que le pusieron el nombre de Mandioca, La Madre de los Chicos.

El nombre «Mandioca» fue elegido por tratarse de un vegetal originario de América, como símbolo de identidad cultural, a la vez que eligieron el color morado del interior de la mandioca, como fondo de las etiquetas de los discos.

A principios de 1968 Claudio Gabis, Javier Martínez (dos de los tres miembros de Manal), Emilio Kauderer y Rocky Rodríguez grabaron un demo experimental en el estudio de grabación de Jorge Tagliani.1​ Gabis reservó sesiones de grabación en el estudio para probar que frutos podía traer la banda. De lo grabado se prensó un solo disco que se perdió, no existiendo copia del mismo.

Poco después de las sesiones en el estudio de Tagliani, Martínez fue convocado para encarnar el personaje de “Paco” de la película Tiro de gracia dirigida por Ricardo Becher, basado en el libro homónimo de Sergio Mulet. En algún momento durante la filmación, Martínez le comentó a Jorge Goldemberg que tenía un conjunto musical que ya estaban grabando algunas canciones. Goldemberg se lo comentó al director, quién se apersonó a un ensayo del grupo, y allí mismo decidió que la banda se encargara de la música de su film. El grupo fue convocado gracias a las influencias de Goldemberg, a participar para tocar en el espectáculo teatral VietRock, en el teatro Payró. En esas instancias Gabis convence a su compañero Martínez de llamar al bajista Alejandro Medina para integrarse al grupo, completándose allí el trío musical de Gabis, Martínez y Medina.2​1​

La banda se integraría al sello independiente Mandioca, con quienes grabó su primer álbum editado en 1970. Pero antes de eso, a fines de 1969 se terminó de filmar la película, Becher llamó a Manal para grabar la banda sonora. La misma iba a ser realizada por un profesional de música para películas, Roberto Lear, pero terminó aceptando que el grupo registrase la música, asistiendo incluso a una de las sesiones. El tema central de la película, “Estoy en el infierno”, se había improvisado a base de experimentos en el estudio de Tagliani. La canción se volvió a grabar al igual que el resto de la música en los estudios Phonal ubicados en Santa Fe y Coronel Díaz. El trío compuso además “Tema del moderno” y “Seigmund’s Zoo”. El resto de las pistas, climas y efectos fueron producto de la improvisación y la versatilidad que tenía el conjunto, según los tiempos e indicaciones del director Becher.

Logotipo del grupo, obra de Daniel Melgarejo, apareció en el primer sencillo del grupo “Que pena me das”/”Para ser un hombre más”, 1968.
Manal entró en contacto con Jorge Álvarez3​ en una fiesta organizada en la casa de Piri Lugones (cuys hijos eran amigos de los manales) hecha con el objetivo de que la banda conociese a sus futuros productores. Fue en esa fiesta donde Claudio Gabis le enseñó a Javier Martínez un borrador con unas líneas para armar la lírica de una futura canción, y una base musical que había armado. Martínez terminó allí mismo la canción en menos de una hora, se trataba de “Avellaneda Blues”. El grupo le cantó este tema a Álvarez, quién quedó impresionado por la misma, convenciendose de que tenía que producir al grupo

Álvarez recuerda de ese momento:

En una reunión de cumpleaños [se refiere a la fiesta en casa de Piri Lugones] los conocí como tipos, no como músicos. Un mes después Pedro [Pujó] me llevó a la casa de Alejandro [Medina], donde el trío ensayaba, y cuando los escuché me caí muerto, era realmente espectacular como tocaban. Les pregunto que pensaban hacer , me dijeron que no querían entrar en el engranaje comercial, que eso era una porquería, que querían hacer las cosas con libertad y todo eso […] Hacemos el primer simple en el estudio TNT y me voy con las cintas a CBS. Se lo hago escuchar a John Lear, el presidente, y me dice que eso no sirve, que es una burda imitación de lo que sucede en Estados Unidos y que eso no venderá jamás en la Argentina, que a él no le interesa. Mando a un amigo a otra grabadora y nos patean.

Luego del fallido intento en CBS, Álvarez juntó a Pedro Pujó, Rafael López Sánchez y Javier Arroyuelo fundaron Mandioca en 1968, con el eslogan “la madre de los chicos”, primer sello del rock argentino,​ como una alternativa para aquellos grupos nacientes de rock que eran marginados por los grandes sellos discográficos.​ La idea de Álvarez era, además de que las bandas pudieran grabar su trabajo con libertad, que las mismas tocasen en teatros, ya que ese momento no existían los conciertos de rock en Argentino, los grupos tocaban únicamente en clubes para que el público pudiera bailar.

La invitación para el concierto inaugural de Mandioca era una alcancía en forma de manzana de cerámica que tenía una leyenda que decía “rompeme” y dentro contenía un mensaje. El sello Mandioca se lanzó el 12 de noviembre de 1968 con un concierto realizado en la Sala Apolo de la Calle Corrientes al 1300 (donde funcionó luego el cine Lorange), en el cual participaron Manal, Miguel Abuelo y la cantante Cristina Plate.El recital se hizo con los equipo Fender de Los Gatos,​ y al terminar el mismo subió Luis Alberto Spinetta, líder de Almendra diciendo “¿Se dan cuenta ustedes lo que empezó hoy? Hoy empezaste a terminar con la música comercial”.Durante los meses siguientes el grupo realizó varias actuaciones en clubes de los suburbios de la ciudad de Buenos Aires.

A finales de 1968, Mandioca editó su primer material al mercado, se trataba a su vez del primer sencillo de Manal: “Qué pena me das” con “Para ser un hombre más” como lado B que había sido grabado en octubre del mismo año.​ Se trataba de un corte extraño para la época, pues los temas superaban ampliamente el límite de tres minutos de duración impuesto por las radios y el sobre que lo contenía era un costoso tríptico de elaborada gráfica, cuyo autor era el dibujante Daniel Melgarejo. El sobre presentaba una tapa desplegable en tres partes con un dibujo de un obelisco y en el medio de éste el logotipo del conjunto. En el interior, hay una dedicatoria a la gente del sello Mandioca, mientras que en la otra sección esta la información correspondiente a los temas del grupo y en la tercera o la del medio, una foto plegable del grupo, que era la cubierta en sí.​ Pero este primer trabajo discográfico fue recibido por los medios con escepticismo, se difundió poco y la prensa criticó especialmente el uso del castellano en las letras. En su segundo sencillo publicado a mediados de 1969, “No pibe” con “Necesito un amor”,​ la banda logró un sonido más depurado y blusero, evidenciando una clara evolución técnica y de estilo en su interpretación.

El gran impacto fue escucharlo [a “Qué pena me das”] por primera vez en radio. El primero que lo difundió fue Hugo Guerrero Marthineitz, pasó “Qué pena me das”, en la época era una locura pasar un tema así porque duraba seis minutos. Lo habíamos hecho porque teníamos esa política totalmente anti, en el sentido que todos te pedían un tema de tres minutos para difusión. Era la plasmación de una idea por la cual yo venía luchando prácticamente desde mi adolescencia y fue una gran emoción. A partir de ahí trabajamos muchísimo y participamos en cuanto evento de rock se realizara.

Javier Martínez.
Durante el verano de 1969 Álvarez y Pujó armaron un boliche llamado Mandioca en Mar del Plata, al no existir un lugar donde las bandas pudiesen tocar. El interior del local fue pintado de negro y amarillo como un estacionamiento, y precisamente como no disponían de sillas y mesas, usaron neumáticos de autos, allí tocaron Manal con Pappo como invitado, y Los Abuelos de la Nada. También se alquiló una casa para que convivieran las bandas. Pero el lugar fue cerrado al poco tiempo por la policía.11​9​10​

La revista Panorama relataba casi con desprecio el primer recital organizado por Mandioca el 12 de noviembre de 1968, en ocasión del lanzamiento inicial del sello:

Recital de canciones por Manal, Cristina Plate y Miguel Abuelo.
Sobrevivientes de la tribu seudo-hippie de Plaza Francia, diezmada en parte hace un año por la tijera policial, numerosos jóvenes de sexos indefinidos con disfraz bohemio y algunos “notables” invitados especialmente, atestaron la sala Apolo durante la sesión inaugural de un ciclo auspiciado por “Mandioca”, nuevo sello grabador capitaneado por el ahora barbado editor Jorge Álvarez y tres adolescentes de espíritu aventurero…
Una lánguida partidaria de este tipo de eventos explicó: “Nunca haremos nada importante. Sólo nos resta destacar nuestra insignificancia”. Lo hacen tan bien, que el “arte” de aburrir tiene en ellos a sus estrellas máximas.

Producción
El sello Mandioca impulsó y difundió músicos de rock y creaciones artísticas que resultaron fundamentales en los orígenes del rock argentino, destacándose Manal y Vox Dei. De esta última banda, Mandioca promovió la creación y realizó toda la grabación de la ópera-rock La Biblia, aunque finalmente no realizó el lanzamiento debido a la quiebra, razón por la cual fue la empresa grabadora, TNT, la que efectuó la publicación (con graves defectos) para cobrarse la deuda pendiente. También fueron importantes las grabaciones que Tanguito realizó en Mandioca, que finalmente fueron publicadas por otro sello.

Salvo “No pibe” los discos de Mandioca tuvieron escaso éxito comercial. Sin embargo, entre ellos se encuentran clásicos permanentes del rock nacional, como “No Pibe”, “Jugo de tomate frío” y “Avenida Rivadavia” de Manal, “Presente (El momento en que estás)” de Vox Dei y “El oso” de Moris. El álbum Manal (llamado también La Bomba) ha sido considerado como uno de los mejores álbumes de la historia del rock argentino, al igual que La Biblia de Vox Dei, que aunque no fue lanzado por Mandioca, fue inspirado e íntegramente grabado por el sello.

El propio Jorge Álvarez, poco tiempo antes de morir, hizo una breve narración de como logró sacar a Mandioca de su lugar casi marginal dentro del mercado del disco, haciendo hincapié precisamente en el éxito obtenido por “No Pibe”.

“Nos invitaron a participar de un ciclo de bailes domingueros en la confitería “Gaugin”, que estaba en Donato Álvarez y Gaona, del barrio de Flores. El primer día actuó Manal. A la gente le costaba bailar con esta música porque estaba habituada a otras expresiones anglo sajonas y en el terreno de música nacional, les gustaban grupos como Banana, Pintura Fresca, Los Náufragos y otros. De pronto se me acerca un muchacho quien se presenta como integrante de la agencia productora del ciclo radial Música Con Thompson y Williams. Era Rodolfo Garavagno, quien se mostró maravillado con la música de Manal, y me dijo que le gustaría difundirla en ese programa. Al otro día, Pedro Pujol y yo entrabamos en la oficina de Florida 622, y nos recibió el mismo Rodolfo, quien se mostraba muy entusiasmado porque ya había puesto al tanto de todo a Fito Salinas, titular de la agencia y conductor del programa. Estaba también Ricardo “Richard” Ostuni y otros profesionales como Cesar Mermet y Cacho Carrera Villar. Rodolfo Garavagno los tenía a todos ellos expectantes. No se que les había dicho de Manal, pero lo cierto es que todos ellos estaban ahí, esperando poder escuchar “No Pibe”. Nosotros habíamos llevado otras grabaciones, pero tuvimos que entregarles el disco simple “No Pibe”. Lo escuchamos siete u ocho veces, y cuando yo los miraba, los notaba extasiados con la música de Manal. Rodolfo, iba hablando con cada uno de ellos con un convencimiento notable. Lo cierto es que ese día, Salinas y su equipo querían escuchar el catálogo completo de Mandioca. Así comenzó el lanzamiento masivo. Era nada menos que la poderosa Radio Mitre, y este programa de Salinas era el segundo en audiencia después de Modart en la Noche, que salía por Radio Libertad. Esa misma noche comenzó la difusión de Manal con “No Pibe” y los llamados del público aumentaron un sesenta por ciento. A la semana siguiente, tuvimos que acercar a otros artistas como Vox Dei, Moris y Facundo Cabral, para sumarlos a Manal. En septiembre, conjuntamente con Salinas, organizamos un lanzamiento masivo de todos estos artistas en el Club Comunicaciones y tuvo un éxito total. Años más tarde, creo que entre el setenta y dos y el setenta y tres, nos reecontramos con Rodolfo Garavagno en Microfon, cuando él vino como productor editorial y yo tenía mi oficina para atender las cosas de Talent, mi nuevo sello. Fueron los tiempos en los que junto con Billy Bond, artífice genial de sala de grabación durante casi toda mi carrera, lanzábamos a Sui Géneris. Y Rodolfo se ocupó de hacer la edición en papel del álbum Vida y Confesiones de Invierno y los catálogos de Pescado Rabioso, Raun Porcheto e Invisible.”

Mandioca también organizó recitales de rock. El mismo equipo que organizó el sello grabador, estableció una agencia de representaciones llamada Mambo Show, que se ocupaba de organizar actuaciones de Manal y Vox Dei en diversos lugares de la ciudad de Buenos Aires y sus alrededores, y a veces en otros lugares del país. Principalmente, las dos bandas iban a “bailes” organizados en clubes y grandes salones en diversos barrios, especialmente de clase trabajadora, entre cuyos miembros jóvenes el rock y el blues en castellano prendieron con mucha intensidad. La agencia estuvo gerenciada por Mario Rabey, uno de los fundadores (junto con Pipo Lernoud) del movimiento hippie en Argentina. La principal fuente de ingresos de los músicos de Mandioca -y de algunos de los miembros de su staff- fueron estas actuaciones de fin de semana.

UNA ÉPOCA EN UN ESPACIO Y UN TIEMPO DE LITERATURA, ESCRITORES DE VANGUARDIA, MODA Y MÚSICA INTELECTUAL HIPISMO Y PLANTEO FILOSÓFICO, CON UN NEXO CON EL DITELA

SI, GROSOS!

UNDERGROUND! …INTERACTUABAN MODA, CINE, TEATRO, ARTES PLÁSTICAS.

QUE MARAVILLOSO!!!

MC

 




Mariaangelicabosco.jpgMaría Angélica Bosco, escritora argentina

María Angélica Bosco (n. el 23 de agosto de 1909 en Buenos Aires y fallecida el 3 de octubre de 2006 en la misma ciudad) fue una escritora argentina. De su obra se destacan las novelas policiales, con “La muerte baja en el ascensor” ganó el Premio Emecé y fue publicada en la colección “El Séptimo Círculo”.

En el año 1925 se recibió de maestra.

En 1954 es galardonada con el Premio Emecé, por su novela policial “La muerte baja en el ascensor”. De su incursión en el género policial, relata:

Las mujeres aburren a los lectores contándoles qué malos son los hombres y qué desgraciadas son ellas. La literatura femenina era un gran pañuelo. Yo no quería hacer eso, entonces por compasión al lector, para que se distrajera, para que se divirtiera y no me secara las lágrimas, me pareció que el policial era una oportunidad.

Trabajó en prensa, como secretaria del suplemento literario del diario Clarín (entre 1959 y 1965), y colaboró con otros diarios como La Nación y La Prensa. También tuvo una columna en la revista Leoplán.

Condujo el ciclo radial “Radiografía de un bestseller” por Radio Nacional, entre 1961 y 1969. También se desempeñó como Secretaria de la SADE (Sociedad Argentina de Escritores) entre 1965 y 1969. En televisión, comentó libros para el programa “Buenas tardes, mucho gusto” y realizó libretos para División Homicidios (Canal 9).

En 1974 se filma El amor infiel, basada en su novela La trampa (1960). En 1979 se estrena Contragolpe, película dirigida por Alejandro Doria, que tiene guion de María Angélica Bosco y Marco Denevi.

En 1994 fue directora del Fondo Nacional de las Artes.

Fue además, asesora de la editorial “Compañía Fabril Editora” y tradujo autores como Gustave Flaubert, Italo Calvino, Emile Zola y Arthur Rimbaud, entre otros.

Actuó como jurado en gran cantidad de concursos literarios.

Segundo Claudia Piñeiro, “Casada en un medio social muy pacato y conservador, se enamoró de otro hombre. Su marido encontró una carta de su amante, la echó de la casa y se quedó con la tenencia de sus hijos, excepto el menor que María Angélica logró que la justicia dejara con ella. “Cuando pienso en la situación de la mujer en esos años me asombra mi inconsciencia –dijo en un reportaje–. ¿Cómo pude pensar que la situación sería entendida por nadie, ni siquiera por mi familia?”. Recién pudo recuperar a sus otros dos hijos después de la muerte de su marido, años más tarde. El ajustarse al modelo social esperado para una mujer como ella la había llevado a casarse y dejar de escribir. Patear el tablero y la necesidad de supervivencia la devolvieron a la escritura. Y gracias a eso aparecieron sus trabajos posteriores entre los que se destacan la obra reeditada, La muerte baja en el ascensor , La trampa , llevada al cine con el título El amor infiel , o el ensayo Borges y los otros.

María Angélica Bosco

 




Long Gallery-Legend white snake.JPGLong Gallery-Legend serpiente blanca

La leyenda de la serpiente blanca , también conocida como la serpiente blanca de la señora , es una leyenda china. Desde entonces se ha presentado en una serie de grandes óperas chinas , películas y series de televisión.

El primer intento de fictializar la historia en forma impresa parece ser La doncella blanca cerrada por la eternidad en la Pagoda de Leifeng (白 娘子 永 鎭 雷峰塔) en las historias de Feng Menglong para advertir al mundo ( chino : 警世通言 ), que fue escrito durante la dinastía Ming .

La historia se cuenta ahora como uno de los Cuatro Grandes Cuentos Folclóricos de China, los otros son Lady Meng Jiang , Liang Shanbo y Zhu Yingtai , y The Cowherd y la Tintorería ( Niulang Zhinü ).

Lü Dongbin , uno de los ocho inmortales , se disfraza de hombre vendiendo tangyuan en el puente roto (斷橋) cerca del lago del oeste en Hangzhou . Un niño llamado Xu Xian ( chino simplificado : 许仙 ; chino tradicional : 許仙 ; pinyin : Xǔ Xian ; Jyutping : Heoi2 sin1 ) adquiere cierta tangyuan de Lü Dongbin sin saber que en realidad son las píldoras de la inmortalidad. No se siente hambriento por los siguientes tres días después de comerlos, así que vuelve a preguntar por qué. Lü Dongbin se ríe y lleva a Xu Xian al puente, donde lo voltea boca abajo y le hace vomitar el tangyuan en el lago.

En el lago, hay un espíritu de serpiente blanca que ha estado practicando las artes mágicas taoístas con la esperanza de convertirse en un inmortal después de siglos de entrenamiento y cultivo. Ella come las píldoras y gana 500 años de poder mágico. Por lo tanto, se siente agradecida a Xu Xian y sus destinos se entrelazan. Hay otro espíritu de tortuga acuática que también entrena en el lago que no logró consumir ninguna de las píldoras; él es muy celoso de la serpiente blanca. Un día, la serpiente blanca ve un mendigo en el puente que ha cogido una serpiente verde y quiere cavar la gallina de la serpiente y venderla. La serpiente blanca se transforma en una mujer y compra la serpiente verde del mendigo, ahorrando así la vida de la serpiente verde. La serpiente verde está agradecida a la serpiente blanca y considera a la serpiente blanca como una hermana mayor.

Dieciocho años más tarde, durante el Festival Qingming , las serpientes blancas y verdes se transforman en dos mujeres jóvenes llamados Bai Suzhen ( chino : 白素貞 ; pinyin : Bái Suzhen ; Jyutping : Baak6 Sou3-zing1 ) y Xiaoqing ( chino : 小青 ; pinyin : Xiǎoqīng ; Jyutping : Siu2-cing1 ), respectivamente. Se encuentran con Xu Xian en el puente roto en Hangzhou. Xu les presta su paraguas porque está lloviendo. Xu Xian y Bai Suzhen gradualmente se enamoran y finalmente se casan. Se trasladan a Zhenjiang , donde abren una farmacia.

Mientras tanto, el espíritu de la tortuga acuática ha acumulado suficientes poderes para tomar forma humana, por lo que se transforma en un monje budista llamado Fahai ( chino : 法 海 , pinyin : Fǎhǎi ; Jyutping : Faat3-hoi2 ). Todavía enojado con Bai Suzhen, Fahai complots para romper su relación con Xu Xian. Se acerca a Xu Xian y le dice que durante el Festival de Duanwu su esposa debe beber vino realgar , un vino asociado con ese festival. Bai Suzhen bebe sin dudar el vino y revela su verdadera forma como una gran serpiente blanca. Xu Xian muere de shock después de ver que su esposa no es humana. Bai Suzhen y Xiaoqing viajan al Monte Emei , donde corren peligro de robar una hierba mágica que restaura Xu Xian a la vida.

Diorama en Haw Par Villa , Singapur, que representa la batalla entre Bai Suzhen y Fahai.
Después de volver a la vida, Xu Xian todavía mantiene su amor por Bai Suzhen a pesar de conocer su verdadera identidad. Fahai intenta separarlos nuevamente capturando a Xu Xian y encarcelándolo en el Templo Jinshan (金山 寺). Bai Suzhen y Xiaoqing pelean con Fahai para rescatar a Xu Xian. Bai usa sus poderes para inundar el templo y ahoga a muchas personas inocentes. Sin embargo, sus poderes son limitados porque ella ya está embarazada con el hijo de Xu Xian, por lo que no puede salvar a su marido. Xu Xian más tarde se las arregla para escapar del Templo Jinshan y reunirse con su esposa en Hangzhou , donde Bai Suzhen da a luz a su hijo, Xu Mengjiao ( chino : 許 夢 蛟 , pinyin : Xǔ Mèngjiāo ; Jyutping : Heoi2 Mung6-gaau1 ). Fahai los sigue, derrota a Bai Suzhen y la encarcela en la Pagoda de Leifeng . Xiaoqing huye, jurando venganza.

Veinte años más tarde, Xu Mengjiao gana el grado zhuangyuan (superior) en el examen imperial y regresa a casa en la gloria para visitar a sus padres. Al mismo tiempo, Xiaoqing, que había pasado los años intermedios refinando sus poderes, va al Templo Jinshan para enfrentar a Fahai y derrotarlo. Bai Suzhen es liberado de la Pagoda de Leifeng y se reúne con su esposo e hijo, mientras Fahai huye y se esconde dentro del estómago de un cangrejo. Hay un dicho que la grasa interna de un cangrejo es naranja porque se asemeja al color del kasaya de Fahai .

Leyenda de la serpiente blanca , largo corredor , Pekín
Desconocido- 中国北京颐和园

Óperas y obras teatrales
La historia se ha realizado numerosas veces en la ópera de Pekín , la ópera cantonesa y otras óperas chinas .
Las adaptaciones musicales de la etapa en Hong Kong incluyen:
Pai Niang Niang , creado por Joseph Koo y Wong Jim . Estrenada en 1972, marcó el inicio de la industria del teatro musical en Hong Kong.
Serpiente Blanca, Serpiente Verde (2005), creado por Christopher Wong
La leyenda de la serpiente blanca , creada por Leon Ko y Chris Shum
El Teatro de la Danza de la Puerta de la Nube de Taiwán realizó una interpretación de danza moderna de la Señora Serpiente Blanca en los años 70.
En 2010, una ópera basada en la leyenda, Madame White Snake , con música de Zhou Long y un libreto de Cerise Lim Jacobs, estrenó en una producción de Opera Boston . [2] Ganó el Premio Pulitzer 2011 en Música .
En 2012, el Festival Shakespeare de Oregón en Ashland, Oregon , realizó una adaptación de Mary Zimmerman (Wikipedia)

Películas
La leyenda de la serpiente blanca (白蛇傳), una película china de 1939 hecha por Xinhua Studio . Fue la primera adaptación de la leyenda.
La leyenda de la Serpiente Blanca (白 夫人 の 妖 恋), una película japonesa de 1956 realizada por Toho en colaboración con Shaw Brothers Studio de Hong Kong. Se destacó por ser la primera película de efectos especiales de Toho en color.
El cuento de la Serpiente Blanca (白蛇傳), el primer largometraje de anime de color lanzado en Japón en 1958. El título de la versión estadounidense fue Panda y la Serpiente Mágica . Era también uno de los casos raros donde Xiaoqing se representa como demonio de los pescados y no un demonio de la serpiente. Era también la única película conocida basada en la leyenda para ser doblada en alemán (título de lanzamiento alemán: Erzählung einer weißen Schlange ).
Madame Serpiente Blanca , una película de 1962 producida por Shaw Brothers Studio de Hong Kong. Esta versión es una ópera de Huangmei dirigida por Yueh Feng , con música de Wang Fu-ling en un libreto de Li Chun-ching.
El matrimonio de la mujer de serpiente (白蛇 大 鬧天宮), una película taiwanesa de 1975 dirigida por Sun Yang.
Green Snake (青蛇), una película de Hong Kong de 1993 dirigida por Tsui Hark , protagonizada por Maggie Cheung , Joey Wong , Vincent Zhao y Wu Hsing-kuo .
El Hechicero y la Serpiente Blanca (白蛇傳 說), una película en 3D de 2011, protagonizada por Jet Li , Huang Shengyi , Raymond Lam y Charlene Choi .
La leyenda de la serpiente blanca de la señora: Un tributo al alcohol de Alexander McQueen , cortometraje protagonizado por Daphne Guinness , dirigido por Indrani Pal-Chaudhuri , con dirección creativa / estilo de GK Reid , producido por Markus Klinko y Indrani , Daphne Guinness y GK Reid . Escrito por Indrani, inspirado en la antigua leyenda china, con un poema de Neil Gaiman , la película está ambientada en la ciudad contemporánea de Nueva York. Las presentaciones de la película se presentan en la exposición de Daphne Guinness en el museo del instituto de la manera del 16 de septiembre de 2011 al 6 de enero de 2012.

Televisión
Leifeng Pagoda (雷峰塔), una serie televisiva taiwanesa de 1977.
Leyenda de la Serpiente Blanca (白蛇傳), una serie de televisión taiwanesa de 1985.
La Serpentine Romance (奇幻 人間 世), una serie de televisión de 1990 producida por la TVB de Hong Kong , protagonizada por Maggie Chan, Maggie Siu y Hugo Ng.
Nueva leyenda de la serpiente blanca de la señora / la leyenda de la serpiente blanca (新 白 娘子 傳奇), una serie televisiva taiwanesa 1992 que starring Angie Chiu , Cecilia Yip y Maggie Chen.
La Serpiente Blanca Legendaria , una serie de televisión de Singapur 1995 protagonizada por Geoffrey Tso, Lin Yisheng, Terence Cao , Lina Ng , Lan Ding, Liu Qiulian y Wang Changli.
Mi fecha con un vampiro (我 和 殭屍 有 個 約會), una serie de televisión de Hong Kong producida por ATV . La serie hizo uso extensivo de la historia, reutilizándola en la primera temporada (1998) y una versión modificada en la segunda temporada (1999).
La serpiente blanca de la señora / la leyenda de los espíritus de la serpiente (白蛇 新 傳), una serie televisiva co-producida 2001 taiwanesa y de Singapur protagonizada por Fann Wong , Christopher Lee , Zhang Yuyan y Vincent Jiao.
Madame White Snake (白蛇傳), una serie de televisión china de 2005 protagonizada por Liu Tao , Pan Yueming, Chen Zihan y Liu Xiaofeng.
La secuela de la Serpiente Oriental (白蛇 後 傳), una secuela de 2009 de Madame White Snake (2005), protagonizada por Fu Miao, Qiu Xinzhi, Shi Zhaoqi, Chi Shuai y Cecilia Liu .
Love of the Millennium (又見 白 娘子), una próxima serie de televisión china como secuela de Nueva leyenda de Madame White Snake (1992), protagonizada por Zuo Xiaoqing, Queenie Tai, Ren Quan y Shen Xiaohai.
El destino de la serpiente blanca (2017)

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Desiderata by Max Ehrmann

1976 edition of The Desiderata of Happiness poetry collectionThis is the front cover art for the book The Desiderata of Happiness written by Max Ehrmann. The book cover art copyright is believed to belong to the publisher or the cover artist, Stephen Schutz.

Vayan plácidamente entre el ruido y la prisa, y recuerden qué paz puede haber en el silencio.

En la medida de lo posible, sin rendirse, estar en buenos términos con todas las personas.

Hable su verdad en voz baja y clara; y escuchar a los demás, incluso a los aburridos y los ignorantes; ellos también tienen su historia.

Evite las personas ruidosas y agresivas; son vejatorios para el espíritu. Si te comparas con otros, puedes llegar a ser vano o amargo, porque siempre habrá personas mayores y menores que tú.

Disfrute de sus logros y sus planes. Manténgase interesado en su propia carrera, por más humilde que sea; es una posesión real en las cambiantes fortunas del tiempo.

Tenga cuidado en sus asuntos comerciales, porque el mundo está lleno de trucos. Pero que esto no os cegue a la virtud que hay; muchas personas luchan por altos ideales, y en todas partes la vida está llena de heroísmo.

Ser tú mismo. En especial, no finjas el afecto. No sea cínico acerca del amor; porque ante toda aridez y desencanto es tan perenne como la hierba.

Tome amablemente el consejo de los años, entregando con gracia las cosas de la juventud.

Nutre la fuerza del espíritu para protegerte en la desgracia repentina. Pero no te angusties con fantasías. Muchos temores nacen de la fatiga y la soledad.

Más allá de una sana disciplina, sé amable contigo mismo. Usted es un niño del universo no menos que los árboles y las estrellas; tienes derecho a estar aquí.

Y sea o no claro para usted, sin duda el universo se está desarrollando como debería. Por tanto, estén en paz con Dios, todo lo que ustedes conciban que es. Y cualesquiera que sean vuestras labores y aspiraciones, en la ruidosa confusión de la vida, conservad la paz en vuestra alma. Con toda su farsa, trabajo pesado y sueños rotos, sigue siendo un mundo hermoso.

Ser alegre.

Esfuércese por ser feliz.

 

Go placidly amid the noise and the haste, and remember what peace there may be in silence. As far as possible, without surrender, be on good terms with all persons.
Speak your truth quietly and clearly; and listen to others, even to the dull and the ignorant; they too have their story.

Avoid loud and aggressive persons; they are vexatious to the spirit. If you compare yourself with others, you may become vain or bitter, for always there will be greater and lesser persons than yourself.

Enjoy your achievements as well as your plans. Keep interested in your own career, however humble; it is a real possession in the changing fortunes of time.

Exercise caution in your business affairs, for the world is full of trickery. But let this not blind you to what virtue there is; many persons strive for high ideals, and everywhere life is full of heroism.

Be yourself. Especially, do not feign affection. Neither be cynical about love; for in the face of all aridity and disenchantment it is as perennial as the grass.

Take kindly the counsel of the years, gracefully surrendering the things of youth.

Nurture strength of spirit to shield you in sudden misfortune. But do not distress yourself with dark imaginings. Many fears are born of fatigue and loneliness.

Beyond a wholesome discipline, be gentle with yourself. You are a child of the universe no less than the trees and the stars; you have a right to be here.

And whether or not it is clear to you, no doubt the universe is unfolding as it should. Therefore be at peace with God, whatever you conceive Him to be. And whatever your labors and aspirations, in the noisy confusion of life, keep peace in your soul. With all its sham, drudgery and broken dreams, it is still a beautiful world.

Be cheerful.

Strive to be happy.

” Desiderata ” (latín: “cosas deseadas”) es un poema en prosa de 1927 del escritor estadounidense Max Ehrmann . Mucho desconocido en la vida del autor, el texto se hizo extensamente conocido después de su uso en las grabaciones devocionales y de la palabra hablada en 1971 y 1972.

En 1927 el escritor estadounidense Max Ehrmann (1872-1945) escribió el poema en prosa Desiderata , que fue publicado por primera vez en los poemas de Max Ehrmann en 1948. En 1956, el reverendo Frederick Kates, rector de la iglesia de San Pablo en Baltimore, Maryland , incluyó Desiderata en una recopilación de materiales devocionales para su congregación. La compilación incluyó la fecha de fundación de la iglesia: “Iglesia de San Pablo Antiguo, Baltimore AD 1692”. En consecuencia, la fecha de la autoría del texto fue (y sigue siendo) ampliamente equivocada como 1692, el año de la fundación de la iglesia

Usos en la cultura popular
Ha habido muchos usos del poema en el canon popular:

Cuando el aspirante presidencial demócrata estadounidense Adlai Stevenson murió en 1965, un huésped en su casa encontró a Desiderata cerca de su cama y descubrió que Stevenson había planeado usarlo en sus tarjetas de Navidad . Esto contribuyó a que el poema llegara a ser ampliamente conocido. 
El texto fue ampliamente distribuido en forma de póster en los años sesenta y setenta. 
Llamándolo “pensamientos de Spock”, Leonard Nimoy recitó el poema en su álbum de 1968, dos lados de Leonard Nimoy . Esta versión también apareció en la re-edición de 1995 de Leonard Nimoy Presents Mr. Spock’s Music from Outer Space . Su interpretación no es la única que cambia la segunda frase de “Be Cheerful” a “Be Careful”.
Al concluir el 8 de enero de 1970, entrevista con David Frost , la actriz Joan Crawford recitó Desiderata .
A finales de 1971 y principios de 1972, Les Crane grabación hablada ‘s de Desiderata (la pista de plomo en su 1971 Warner Bros. álbum Desiderata ) alcanzó el puesto # 8 en la lista de Billboard , # 4 en el Canadian Revista RPM diagrama , y # 6 en el Reino Unido Melody Maker ‘s chart. Los productores de la grabación de Crane asumieron que el poema era demasiado viejo para estar en copyright , pero la publicidad que rodeaba el expediente llevó a aclarar la autoría de Ehrmann y su familia que finalmente recibía regalías. La banda británica In the Nurseryadaptó el poema a la música en su álbum de 1992 Duality . 
Un idioma español la versión de México el actor Arturo Benavides encabezó las listas de México durante seis semanas en 1972 .
En 1972, National Lampoon hizo una parodia en esta prosa titulada ” Deteriorata “, que ofreció la línea: “Usted es una casualidad del universo”.
En respuesta a que su gobierno perdió su mayoría en las elecciones federales de Canadá, el primer ministro Pierre Trudeau citó a Desiderata al asegurar a la nación que “el universo se está desarrollando como debería”. [8] También citó la estrofa final del poema al final de su discurso de la concesión después de perder la elección 1979 a Joe Clark .
En un episodio de 1980 de la serie de televisión británica Los Profesionales titulada “Descubierto en un cementerio”, parte del poema es recitada por George Cowley ( Gordon Jackson ). 
El 26 de agosto de 2010, una estatua de bronce de Ehrmann sentado en un banco del parque se dio a conocer en Terre Haute, Indiana , su ciudad natal, con la escultura hecha por Bill Wolfe. En una pasarela cercana, algunas líneas del poema están también disponibles para ser leídas por los transeúntes. [10]
El actor Morgan Freeman entrevistado en el programa de televisión Master Class de Oprah Winfrey (2012), expresó lo profundo que el poema Desiderata formó su vida. 
La banda de reggae SOJA tiene un álbum nominado al Grammy titulado Amid the Noise and Haste en referencia a este poema.
La banda de rock indie canadiense The New Pornographers ‘ You Tell Me Where hace referencia a Desiderata por nombre.
Lazyboy la banda tiene una canción ‘Desiderata’ que cita este poema en su álbum LazyBoy TV 
El horror de 2016 del director Nicolas Pesce Los ojos de mi madre presenta una escena en la que el personaje principal cita las dos primeras frases de Desiderata en portugués.
En el libro de Christian Cameron The Red Knight , una reina recibe el nombre de Desiderata.
En 2016, en la celebración del 25 aniversario de la filipina teatro serie de antología Maalaala Mo Kaya , una grabación de música de la palabra hablada del poema (grabado en tanto Inglés y filipina ) se llevó a cabo por TBUP coro y OPM cantantes Lea Salonga , Martin Nievera , Gary Valenciano , Lani Misalucha , Ogie Alcasid , Zsa Zsa Padilla y Sharon Cuneta , con una narración hablada del poema por el anfitrión del programa Charo Santos-Concio , e incluido en el álbum de compilación Life Songs con Charo Santos.

Mehrmann.jpgMax Ehrmann



{4 septiembre, 2017}   Charles Baudelaire

Retrato de Baudelaire, por Gustave Courbet.

 

Charles Pierre Baudelaire (pronunciación en inglés: /ˌ/ ( escuchar);1​ pronunciación en francés: /ʃaʁl bodlɛʁ/ ( escuchar) (9 de abril de 1821-31 de agosto de 1867) fue un poeta, ensayista, crítico de arte y traductor francés. Paul Verlaine lo incluyó entre los poetas malditos de Francia del siglo XIX, debido a su vida bohemia y de excesos, y a la visión del mal que impregna su obra. Barbey d’Aurevilly, periodista y escritor francés, dijo de él que fue el Dante de una época decadente. Fue el poeta de mayor impacto en el simbolismo francés. Las influencias más importantes sobre él fueron Théophile Gautier, Joseph de Maistre (de quien dijo que le había enseñado a pensar) y, en particular, Edgar Allan Poe, a quien tradujo extensamente. A menudo se le acredita de haber acuñado el término «modernidad» (modernité) para designar la experiencia fluctuante y efímera de la vida en la metrópolis urbana y la responsabilidad que tiene el arte de capturar esa experiencia.

Étienne Carjat, Portrait of Charles Baudelaire, circa 1862.jpg

Las flores del mal

Las flores del mal es una obra de concepción clásica en su estilo, y oscuramente romántica por su contenido, en la que los poemas se disponen de forma orgánica (aunque esto no es tan evidente en las ediciones realizadas tras la censura y el añadido de nuevos poemas). En ella, Baudelaire expone la teoría de las correspondencias y, sobre todo, la concepción del poeta moderno como un ser maldito, rechazado por la sociedad burguesa, a cuyos valores se opone. El poeta se entrega al vicio (singularmente la prostitución y la droga), pero sólo consigue el tedio (spleen, como se decía en la época), al mismo tiempo que anhela la belleza y nuevos espacios (“El viaje”). Es la “conciencia del mal”.

La publicación de Las flores del mal, en 1857, le valió una condena por inmoralidad, debido sobre todo a un insidioso artículo aparecido en Le Figaro. La sentencia lo obligó a excluir poemas de la obra, a lo que el autor argumentó que el libro debía ser “juzgado en su conjunto”, tal como él lo había concebido: un poema total, que no seguía un orden cronológico sino un orden de finalidades. Con Las flores del mal, Baudelaire dio fin al ciclo del Romanticismo para abrir paso a la Modernidad, no sólo por la temática de su obra, sino por el replanteamiento estético que en ella se hace y que consiste en el descubrimiento de la belleza en lo “no bello”.

 

Homenaje a Delacroix, Baudelaire (el último sentado del lado derecho).
Henri Fantin-Latour

Charles Baudelaire



{12 agosto, 2017}   David Rieff

David Rieff

David Rieff (Boston, 1952), es un analista político, periodista y crítico cultural estadounidense, hijo de la escritora Susan Sontag.

Licenciado en Historia en la Universidad de Princeton (1978). Es miembro de The New York Institute for the Humanities y ha colaborado como editor en el World Policy Journal (1998-2000), en The New Republic y en Harper’s Magazine. También colabora como escritor en Los Angeles Times Book Review. Es fundador y director del proyecto «Crímenes de guerra», de la Universidad Americana, en Washington D.C.. El objetivo de dicho proyecto es informar al público en general, y a los periodistas en particular, sobre la guerra y los crímenes de guerra.

Además de sus artículos publicados en diferentes revistas y periódicos en Estados Unidos, Gran Bretaña, Canadá, México, Francia, España y Alemania, ha escrito varios libros, entre los que destacan: Camino de Miami (1987), Los Angeles, Capital of the Third World (1991), The Exile: Cuba in the Heart of Miami (1993), Slaughterhouse: Bosnia and the Failure of the West (1995) y A Bed for the Night: Humanitarianism in Crisis (2003), Contra la memoria (2012).

es un escritor y no ficción americana analista de políticas . Sus libros se han centrado en cuestiones de inmigración, conflicto internacional y humanitarismo. Ha publicado numerosos artículos en The New York Times , Los Angeles Times , The Washington Post , The Wall Street Journal , El Mundo , El País , La Nueva República , Asuntos Mundiales , Harper’s , The Atlantic Monthly , Foreign Affairs , The Nation , Y otras publicaciones.

Su nuevo libro: “El elogio del olvido”

Sobre los riesgos del uso del recuerdo como imperativo moral.

Contra la dictadura de la memoria.

La memoria sus excesos y sus trampas.

Este libro es un tratado de filosofía moral…

 

«Los que no pueden recordar el pasado están condenados a repetirlo». Esta célebre frase de George Santayana podría ilustrar una de las ideas más convencionales respecto a la memoria histórica. Actualmente existe el consenso explícito y casi absoluto de que lo moralmente correcto es recordar. ¿Por qué somos tan tajantes en cuestiones tan delicadas como esta?

En esta candente y polémica obra el heterodoxo intelectual David Rieff revisita la cuestión de la memoria histórica y presenta un conmovedor alegato contra nuestra pasión por el pasado. Analizando varios de los conflictos más definitorios de la historia reciente -el conflicto de Irlanda del Norte, la Guerra Civil española, la Guerra de los Balcanes, el Holocausto y el 11S- Rieff concluye que la memoria colectiva no es tanto un imperativo moral como una opción. La memoria histórica puede ser tóxica y, a veces, lo correcto es olvidar.

Brillante y contundente, este lúcido ensayo es un tratado de filosofía moral indispensable sobre los usos y abusos de la historia colectiva.

Un brillante y  polémico ensayo sobre el culto a la memoria histórica, o sobre como la Historia, a veces, causa más daño que el bien que persigue.
«Este polémico libro es una lectura esencial para cualquiera que se interese por la ética, la política y la situación contemporánea del hombre.»
John Gray

«Un libro breve y contundente.»
Fernando Savater




Guy de Maupassant fotograferad av Félix Nadar 1888.jpgGuy de Maupassant.

René Albert Guy de Maupassant (pronunciación en francés: /ɡid(ə) mopasɑ̃/; Dieppe, 5 de agosto de 1850-París, 6 de julio de 1893) fue un escritor francés, autor principalmente de cuentos, aunque escribió seis novelas

Existe controversia acerca del lugar exacto de su nacimiento, generada por el biógrafo fecampés Georges Normandy en 1926. Según una primera hipótesis, habría nacido en Fécamp, en el Bout-Menteux, el 5 de agosto de 1850. Según la otra hipótesis habría nacido en el castillo de Miromesnil, en Tourville-sur-Arques, a ocho kilómetros de Dieppe, como establece su partida de nacimiento. No obstante, todo parece apuntar a que el auténtico lugar de nacimiento fue este último.

Tuvo una infancia como la de cualquier muchacho de su edad, si bien su madre lo introdujo a edad temprana en el estudio de las lenguas clásicas. Su madre, Laure, siempre quiso que su hijo tomara el testigo de su hermano Alfred Le Poittevin, a la sazón íntimo amigo de Flaubert, cuya prematura muerte truncó una prometedora carrera literaria. A los doce años, sus padres se separaron amistosamente. Su padre, Gustave de Maupassant, era un indolente que engañaba a su esposa con otras mujeres. La ruptura de sus padres influyó mucho en el joven Guy. La relación con su padre se enfriaría de tal modo que siempre se consideró un huérfano de padre. Su juventud, muy apegada a su madre, Laure Le Poittevin, se desarrolló primero en Étretat, y más adelante en Yvetot, antes de marchar al liceo en Ruan. Maupassant fue admirador y discípulo de Gustave Flaubert al que conoció en 1867. Flaubert, a instancias de la madre del escritor de la cual era amigo de la infancia, lo tomó bajo su protección, le abrió la puerta de algunos periódicos y le presentó a Iván Turgénev, Émile Zola y a los hermanos Goncourt. Flaubert ocupó el lugar de la figura paterna. Tanto es así, que incluso se llegó a decir en algunos mentideros parisinos que Flaubert era su padre biológico.

El escritor se trasladó a vivir a París con su padre tras la derrota francesa en la guerra franco-prusiana de 1870. Comenzó a estudiar Derecho, pero reveses económicos familiares y la mala relación con su padre le obligaron a dejar unos estudios que, de por sí, ya no le convencían y a trabajar como funcionario en varios ministerios, hasta que publicó en 1880 su primera gran obra, «Bola de sebo», en Las veladas de Médan, un volumen naturalista preparado por Émile Zola con la colaboración de Henri Céard, Paul Alexis, Joris Karl Huysmans y Léon Hennique. El relato, de corte fuertemente realista según las directrices de su maestro Flaubert, fue calificado por este como una obra maestra.

Su presencia en Las veladas de Médan y la calidad de su relato, permitió a Maupassant adquirir una súbita y repentina notoriedad en el mundo literario. Sus temas favoritos eran los campesinos normandos, los pequeños burgueses, la mediocridad de los funcionarios, la guerra franco-prusiana de 1870, las aventuras amorosas o las alucinaciones de la locura: La Casa Tellier (1881), Los cuentos de la becada (1883), El Horla (1887), a través de algunos de los cuales se transparentan los primeros síntomas de su enfermedad.

Su vida parisina y de mayor actividad creativa, transcurrió entre la mediocridad de su trabajo como funcionario y, sobre todo, practicando deporte, en particular el remo al que se entregó con denuedo en los pueblos de los alrededores de París en compañía de amistades de dudosa reputación. De vida díscola y sexualmente promiscuo, jamás se le conoció un amor verdadero; para él el amor era puro instinto animal y así lo disfrutaba. Escribió al respecto: «El individuo que se contente con una mujer toda su vida, estaría al margen de las leyes de la naturaleza como aquel que no vive más que de ensaladas».Y por añadidura, el carácter dominante de su madre lo alejó de cualquier relación que se atisbase con un mínimo de seriedad.

Su carácter pesimista, misógino y misántropo, estaba motivado por la poderosa influencia de su mentor Gustave Flaubert y las ideas de su filósofo de cabecera, Schopenhauer.​ Abominaba de cualquier atadura o vínculo social, por lo que siempre se negó a recibir la Legión de Honor o a considerarse miembro del cenáculo literario de Zola, al no querer formar parte de una escuela literaria en defensa de su total independencia​ El matrimonio le horrorizaba; suya es la frase «El matrimonio es un intercambio de malos humores durante el día y de malos olores durante la noche». No obstante, pocos años después de su muerte, un periódico francés, L’Eclair, informó de la existencia de una mujer​ con la que habría tenido tres hijos.Identificada en ocasiones por algunos biógrafos como la “mujer de gris”,​ personaje que aparece en las Memorias de su criado François Tassart,se llamaba Josephine Litzelmann, natural de Alsacia y, sin duda, judía.Los hijos se llamaban Honoré-Lucien, Jeanne-Lucienne y Marguerite. Si bien sus supuestos tres hijos reconocieron ser hijos del escritor, nunca desearon la publicidad que se les dio.

Atacado por graves problemas nerviosos, síntomas de demencia y pánico heredados —reflejados en varios de sus cuentos como el cuento Quién sabe, escrito ya en sus últimos años de vida— como consecuencia de la sífilis, intentó suicidarse el 1 de enero de 1892. El propio escritor lo confesó por escrito: «Tengo miedo de mí mismo, tengo miedo del miedo, pero, ante todo, tengo miedo de la espantosa confusión de mi espíritu, de mi razón, sobre la cual pierdo el dominio y a la cual turbia un miedo opaco y misterioso».Tras algunos intentos frustrados, en los que utilizó un abrecartas para degollarse, fue internado en la clínica parisina del Doctor Blanche,donde murió un año más tarde. Está enterrado en el cementerio de Montparnasse, en París.(wikipedia)

Sentado sobre la obra de Balzac y Flaubert
Portada de Bel-Ami

Estilo literario
Maupassant está considerado uno de los más importantes escritores de la escuela naturalista, cuyo máximo pontífice fue Émile Zola, aunque a él nunca le gustó que se le atribuyese tal militancia. Es cierto que fue un fotógrafo de su tiempo y su doctrina literaria está recogida en el prólogo que escribió para su novela Pierre et Jean, donde escribió: «La menor cosa tiene algo de desconocido. Encontrémoslo. Para descubrir un fuego que arde y un árbol en una llanura, permanezcamos frente a ese fuego y a ese árbol hasta que no se parezcan, para nosotros, a ningún otro árbol ni a ningún otro fuego». Para el historiador Rafael Llopis, Maupassant, perdido en la segunda mitad del siglo XIX, se encontraba muy lejano ya del furor del Romanticismo, fue «una figura singular, casual y solitaria».

Sentado sobre la obra de Balzac y Flaubert
Su prosa tiene la virtud de ser sencilla pero directa, sin artificios. Sus historias, variopintas, transmiten con una fidelidad absoluta la sociedad de su época. Pero lo que más lo caracteriza es lo impersonal de su narración; jamás se involucra en la historia y se manifiesta como un ser omnisciente que se limita a describir detalladamente sus observaciones. No en vano, está considerado como uno de los mayores cuentistas de la historia de la literatura. En los últimos años de su vida, e influenciado por el éxito de Paul Bourget, abandonó el relato de costumbres o realista, para experimentar con la novela psicológica, con la que tuvo bastante éxito. Es en esta etapa donde abandona su visión impersonal para profundizar más en el alma atormentada de sus personajes, probablemente un reflejo del tormento que sufría la suya. Siempre padeciendo grandes migrañas, abusó del consumo de drogas, como la cocaína y el éter, que potenciaban más su talento natural y le proporcionaban estados alterados de conciencia que lo hacían sufrir alucinaciones y otras visiones que a la postre condicionarían su narrativa fantástica o de terror.

Fue tanta la influencia que ejerció sobre otros autores que llegó a ser uno de los más plagiados. Era admirado por Chéjov, León Tolstói, Horacio Quiroga y un largo etcétera. Pero sin duda, el autor que más lo plagió fue el italiano Gabriele D’Annunzio. En su antología de narraciones Cuentos del río Pescara17​ podemos encontrar historias y pasajes copiados literalmente de algunos cuentos de Maupassant. Otro de los que plagió al autor francés fue Valle Inclán, en su primer libro Femeninas,18​ donde en el relato Octavia Santino reproduce fielmente la escena final del libro de Maupassant, Fort comme la mort.

Obra

Su extensa obra incluye seis novelas, unos trescientos cuentos, siendo el primero, «Bola de sebo» («Boule de Suif») (1880), el más aclamado, además de seis obras de teatro, tres libros de viajes, una antología de poesía y numerosas crónicas periodísticas. Escribió bajo varios seudónimos: Joseph Prunier en 1875, Guy de Valmont en 1878 y Maufrigneuse de 1881 a 1885.

En cuanto a su narrativa corta, son especialmente destacables sus cuentos de terror, género en el que es reconocido como maestro, a la altura de Edgar Allan Poe. En estos cuentos, narrados con un estilo ágil y nervioso, repleto de exclamaciones y signos de interrogación, se echa de ver la presencia obsesiva de la muerte, el desvarío y lo sobrenatural: ¿Quién sabe?, La noche, La cabellera, La mano, Mesero, una “Bock”!, El Perdón, Reina Hortensia, La aparición, El diablo o El Horla, relato perteneciente al género del horror. Según Rafael Llopis, quien cita al estudioso de lo fantástico Louis Vax, «El terror que expresa en sus cuentos es exclusivamente personal y nace en su mente enferma como presagio de su próxima desintegración. […] Sus cuentos de miedo […] expresan de algún modo la protesta desesperada de un hombre que siente cómo su razón se desintegra. Louis Vax establece una neta diferencia entre Mérimée y Maupassant. Este es un enfermo que expresa su angustia; aquel es un artista que imagina en frío cuentos para asustar. […] Este temor centrípeto es centrífugo en Maupassant. “En ‘El Horla’ -dice Vax- hay al principio una inquietud interior, luego manifestaciones sobrenaturales reveladas solo a la víctima; por último, también el mundo que la rodea es alcanzado por sus visiones. La enfermedad del alma se convierte en putrefacción del cosmos”».

Maupassant publicó novelas de corte mayormente naturalista: Una vida (1883), Bel-Ami (1885) o Fuerte como la muerte (1889), entre otras. Menos conocida es su faceta como cronista de actualidad en los periódicos de la época como Le Gaulois, Gil Blas o Le Figaro, donde escribió numerosas crónicas acerca de múltiples temas: literatura, política, sociedad, entre otros.

LA DAMA DEL COLLAR PELICULA ARGENTINA

BELLE AMI PELICULA




Jane Austen coloured version.jpgJane Austen signature from her will.svg

Jane Austen
Desconocido – Coloured version of Jane Austen] University of Texas: http://www.lib.utexas.edu/exhibits/portraits/index.php?img=23

Jane Austen (Steventon, 16 de diciembre de 1775 – Winchester, 18 de julio de 1817) fue una destacada novelista británica que vivió durante la época georgiana. La ironía que emplea para dotar de comicidad a sus novelas hace que Jane Austen sea considerada entre los «clásicos» de la novela inglesa, a la vez que su recepción va, incluso en la actualidad, más allá del interés académico, siendo sus obras leídas por un público más amplio.1​

Nació en la rectoría de Steventon (Hampshire). Su familia pertenecía a la burguesía agraria, contexto del que no salió y en el que sitúa todas sus obras, siempre en torno al matrimonio de su protagonista. La candidez de las obras de Austen, sin embargo, es meramente aparente, si bien puede interpretarse de varias maneras. Los círculos académicos siempre han considerado a Austen como una escritora conservadora, mientras que la crítica feminista más actual apunta que en su obra puede apreciarse una novelización del pensamiento de Mary Wollstonecraft sobre la educación de la mujer.

Ha sido llevada al cine en diferentes ocasiones, algunas veces reproducidas de forma fiel, como el clásico Más fuerte que el orgullo de 1940 dirigido por Robert Z. Leonard y protagonizada por Greer Garson y Laurence Olivier y en otras haciendo adaptaciones a la época actual, como es el caso de Clueless, adaptación libre de Emma, o bien Sentido y sensibilidad, de 1995; Mansfield Park, de 2000, y las versiones de Orgullo y prejuicio en 2004 (dirigida por Gurinder Chadha) y en 2005 (dirigida por Joe Wright). Sin embargo, la versión más fiel y perfecta que hasta ahora se ha hecho del libro de Orgullo y prejuicio es la serie que presentó la BBC protagonizada por Colin Firth y Jennifer Ehle. El interés que la obra de Jane Austen sigue despertando hoy en día muestra la vigencia de su pensamiento y la influencia que ha tenido en la literatura posterior. Su vida también ha sido llevada al cine con la película Becoming Jane (2007).

Jane Austen nació el 16 de diciembre de 1775 en Steventon, Hampshire, Inglaterra, siendo la séptima hija del reverendo George Austen, el párroco anglicano de la localidad, y de su esposa Cassandra (cuyo apellido de soltera era Leigh). El reverendo Austen obtenía un suplemento a los ingresos de la familia dando clases particulares a alumnos que residían en la casa de los Austen. La familia estaba formada por ocho hermanos, siendo Jane y su hermana mayor, Cassandra, las únicas mujeres. Cassandra y Jane eran confidentes, actualmente se conservan las cartas que se escribían cuando estaban separadas, así como las que Jane envió a otros familiares. Tres de los hermanos de Austen ingresan en el ejército, lo que hace que Jane tenga un amplio conocimiento de la vida en el regimiento; como así muestra en obras como Orgullo y Prejuicio. En 1783, Jane y Cassandra acudieron a la casa de la Sra. Cawley, en Southampton, para proseguir su educación bajo su tutela, pero tuvieron que regresar a causa de la propagación de una enfermedad infecciosa en Southampton. Entre 1785 y 1786 Jane y Cassandra fueron alumnas de un internado en Reading, lugar que al parecer Jane retrató en el internado de la Sra. Goddard que aparece en su novela Emma. La educación que Austen recibió ahí constituye toda la que recibió fuera del círculo familiar. Por otro lado sabemos que el reverendo Austen tenía una amplia biblioteca, y, según cuenta Jane en sus cartas, tanto ella como su familia eran “ávidos lectores de novelas, y para nada avergonzados de ello” (véase cultura en la época Georgiana). Así que Austen leía novelas de Henry Fielding y de Samuel Richardson, y leía también a Frances Burney. De hecho, tomó el título de Orgullo y prejuicio de una frase de esta autora, perteneciente a su novela Cecilia

Entre 1782 y 1784, los Austen hicieron representaciones teatrales en la rectoría de Steventon, que entre 1787-1788 se hicieron más elaboradas gracias la colaboración de su prima, Eliza de Feuillide, (a quien dedicó Love and Friendship). En los años posteriores a 1787, Jane Austen escribió, para el divertimento de su familia, su Juvenilia, que incluye diversas parodias de la literatura de la época que se recogieron posteriormente en tres volúmenes. Entre 1795 y 1799 comenzó a redactar las primeras versiones de las novelas que luego se publicarían con los nombres de Sentido y sensibilidad, Orgullo y prejuicio y La abadía de Northanger (que entonces llevaban los títulos de Elinor and Marianne, First Impressions, y Susan, respectivamente). Probablemente también escribió Lady Susan en esta época. En 1797, su padre quiso publicar Orgullo y prejuicio, pero el editor la rechazó.

No hay pruebas de que Jane fuese cortejada por ningún hombre, al margen de un ligero amor juvenil con Thomas Lefroy (pariente irlandés de una amiga de Austen), a la edad de 20 años. Sin embargo, en enero del año siguiente, 1796, escribió a su hermana diciendo que todo había terminado, pues él no podía permitirse casarse con Jane por motivos económicos. Poco después, una tía de Lefroy trató de juntar a Jane con el reverendo Samuel Blackall, pero ella no estaba interesada.

En 1800 su padre decidió retirarse a Bath, ciudad que Jane no apreciaba mucho, posiblemente a causa de sus aguas termales. Mientras residía en Bath, la familia solía ir a la costa todos los veranos, y fue en una de estas vacaciones cuando Jane conoció a un hombre que se enamoró de ella. Al partir, decidieron volver a verse, pero él murió. Lo que conocemos de esta historia no aparece en ninguna de sus cartas. Al parecer Cassandra se lo refirió a sus sobrinas, y hasta años después no fue puesto por escrito. No se sabe hasta qué punto pudo esto afectar a Austen, aunque algunos creen que pudo inspirar su obra Persuasión.

En diciembre de 1802, estando Jane y Cassandra con la familia Bigg, cerca de Steventon, Harris Bigg-Wither pidió a Jane en matrimonio, y ella dio su consentimiento. Sin embargo, al día siguiente rompió el compromiso, y junto a Cassandra, se marchó apresuradamente a Bath. Cassandra se había comprometido con Thomas Fowle, que murió de fiebre amarilla en el Caribe en 1797. Thomas Fowle no tenía suficiente dinero como para casarse, de modo que el compromiso se venía posponiendo desde 1794. Había ido allí como militar para obtener dinero. Esta puede ser la fuente del rechazo por los compromisos largos que manifiestan algunos personajes de Jane Austen. Ni Jane ni Cassandra Austen se casaron nunca.

En 1803 Jane Austen consiguió vender su novela La abadía de Northanger (entonces titulada Susan) por 10 libras esterlinas, aunque el libro no se publicaría hasta catorce años más tarde. Es posible también que fuera entonces cuando comenzó a escribir The Watsons, aunque luego abandonaría la idea.

En enero de 1805 murió su padre, dejando a su mujer y a sus hijas (que eran ya las únicas que permanecían en la casa) en situación de precariedad económica, pues sus ingresos habían venido de su posición de párroco, y una vez muerto, estos cesaron. Dependían económicamente de sus hermanos, y de la pequeña cantidad que Cassandra había heredado de su prometido.

Retrato original, por su hermana Cassandra Austen.

Jane Austen retrató con dejos de pícara ironía las costumbres de la sociedad de su época.
Hugh Thomson – mechanical reproduction of old book illustration

Jane Austen




“PODRÁN CORTAR TODAS LAS FLORES, 

PERO NO PODRÁN DETENER LA PRIMAVERA”.

                                                       PABLO NERUDAFirma Pablo Neruda.svg

Neruda durante una visita a Estados Unidos en 1966.Pablo Neruda 1963.jpgPablo Neruda en 1963.

Fotografía del joven Neruda, aún firmando como Ricardo Reyes.

Pablo Neruda, seudónimo de Ricardo Eliécer Neftalí Reyes Basoalto (Parral, Región del Maule; 12 de julio de 1904-Santiago, Región Metropolitana de Santiago; 23 de septiembre de 1973), fue un poeta chileno, considerado entre los más destacados e influyentes artistas de su siglo; «el más grande poeta del siglo XX en cualquier idioma», según Gabriel García Márquez.

Entre sus múltiples reconocimientos, destacan el Premio Nobel de Literatura en 1971 y un doctorado honoris causa por la Universidad de Oxford. «Ningún poeta del hemisferio occidental de nuestro siglo admite comparación con él», ha escrito el crítico literario Harold Bloom, quien lo considera uno de los veintiséis autores centrales del canon de la literatura occidental de todos los tiempos.

Además, fue un destacado activista político, senador, miembro del Comité Central del Partido Comunista, precandidato a la presidencia de su país y embajador en Francia.

Fue hijo de José del Carmen Reyes Morales, obrero ferroviario, y de Rosa Neftalí Basoalto Opazo, maestra de escuela fallecida de tuberculosis cuando Neruda tenía un mes de edad.​ En 1906, la familia se trasladó a Temuco, donde su padre se casó en segundas nupcias con Trinidad Candia Marverde, a quien Neruda llamaba «mamadre».

Neruda ingresó al Liceo de Hombres, donde cursó todos sus estudios hasta terminar el 6.º año de humanidades en 1920.4​ El impresionante entorno natural de Temuco, sus bosques, lagos, ríos y montañas marcaron para siempre el mundo poético de Neruda.

En 1917, publicó su primer artículo, «Entusiasmo y perseverancia», en el diario La Mañana de Temuco. En esta ciudad, escribió gran parte de los trabajos, que pasaron a integrar su primer libro de poemas: Crepusculario.​ En 1919, obtuvo el tercer lugar en los Juegos Florales del Maule con su poema «Comunión ideal» o «Nocturno ideal».4​ En 1920, comenzó a contribuir en la revista literaria Selva Austral. En ese mismo período, conoció a Gabriela Mistral, de cuyo encuentro recordó: «ella me hizo leer los primeros grandes nombres de la literatura rusa que tanta influencia tuvieron sobre mí».

Hacia 1921, con diecisiete años de edad, comenzó a firmar definitivamente sus trabajos con el seudónimo de Pablo Neruda, esencialmente con el propósito de evitar el malestar del padre por tener un hijo poeta.​ Si bien Neruda nunca aclaró el origen de su nombre artístico, nunca desmintió, e incluso apoyó, la conjetura de que lo habría escogido en honor al escritor checo Jan Neruda,[cita requerida] del cual leyó un cuento por esos años que le causó una honda impresión. Sin embargo, la obra de Jan se publicó entre 1857 y 1883, y es poco probable que Neruda haya tenido acceso a traducciones en 1921 —en lugar de esto, se presume que su apodo está inspirado más bien en un personaje de la novela de Arthur Conan Doyle titulada Estudio en escarlata (1887), donde, en el capítulo IV, el personaje Sherlock Holmes dice ir a escuchar un concierto de Norman-Neruda, una famosa violinista, Guillermina María Francisca Neruda, casada con el músico sueco Ludwig Norman, conociéndosela entonces como Wilma Norman-Neruda—.

En 1921, se radicó en Santiago y comenzó sus estudios de pedagogía en idioma francés en el Instituto Pedagógico de la Universidad de Chile, donde obtuvo el primer premio de los Juegos Florales de la Primavera con el poema «La canción de fiesta»,9​ publicado posteriormente en la revista Juventud.

En 1923, publicó Crepusculario, que es reconocido por escritores como Hernán Díaz Arrieta, Raúl Silva Castro y Pedro Prado.5​ En 1924, publicó su famoso Veinte poemas de amor y una canción desesperada, donde todavía se nota una influencia del modernismo. Posteriormente, se manifestó un propósito de renovación formal, de intención vanguardista, en tres breves libros publicados en 1926: El habitante y su esperanza, Anillos (en colaboración con Tomás Lago) y Tentativa del hombre infinito. En 1927, comenzó su larga carrera diplomática siendo cónsul en Rangún, Birmania, desde donde se desarrolla un notable epistolario con el escritor argentino Héctor Eandi. Luego fue cónsul en Sri Lanka, Java, Singapur, Buenos Aires —donde conoció a Federico García Lorca—, Barcelona —donde conoció a Rafael Alberti— y Madrid. Pregonó su concepción poética de entonces, la que llamó “poesía impura”, y experimentó el poderoso y liberador influjo del surrealismo.

El 6 de diciembre de 1930 se casó con la neerlandesa Maryka Antonieta Hagenaar Vogelzang, Maruca —se la cita como Maruca Reyes, Maruca de Reyes y Maruca Neruda—. La hija que nació en 1934 de esta unión, Malva Marina Trinidad, padecía hidrocefalia. Neruda se separó de Hagenaar en 1936 —se divorciaría de ella a distancia, en México en 1942, divorcio que no fue aceptado por la justicia chilena—.10​ Malva murió en 1943, a los ocho años, en la Holanda ocupada por los alemanes, mientras Neruda era cónsul general de Chile en Méjico.

En 1935, Manuel Altolaguirre le entregó a Neruda la dirección de la revista Caballo verde para la poesía, donde fue compañero de los poetas de la Generación del 27. Ese mismo año apareció la edición madrileña de Residencia en la tierra. Biografía (wikipedia).

Neruda junto a su esposa Delia de Carril y Erich Honecker en 1951.

Pablo Neruda



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