Espacio de María del Carmen "sphínx" difusión de contenidos

















{21 junio, 2019}   Fiesta de la música!!!

La Fiesta de la Música (originalmente Fête de la Musique, en francés) es una celebración internacional que se realiza el 21 de junio. Su objetivo es promocionar la música de dos maneras: la primera, que los músicos aficionados salgan voluntariamente a tocar a la calle y la segunda, la organización de conciertos gratuitos en los que el público tenga la oportunidad de presenciar a sus artistas preferidos sin importar el estilo ni origen.

En el extranjero, la Fiesta de la Música tomó una amplitud considerable haciéndose un acontecimiento nacional en varios países (como Luxemburgo, Italia, Grecia, Perú o Ecuador) también ha sido llevada a grandes metrópolis como Nueva York, Berlín y Ciudad de México. Adaptándose a las especificidades culturales de cada país, la Fête de la Musique supo inventarse, reinventarse y hacerse una manifestación musical internacional emblemática. En 2016, se celebró en más de más de 120 países.

Valores de la Fiesta de la Música
La Fiesta de la Música es un evento al aire libre, sin ánimo lucrativo, que se celebra en las calles, las plazas, los parques públicos, los edificios, los vestíbulos de algunas estaciones, etc. Todos los músicos son invitados a tocar voluntariamente y todas las interpretaciones son gratuitas para el público. El festival tiene la intención de transformar o abrir excepcionalmente algunos lugares que tradicionalmente no serían utilizados como sedes musicales, por ejemplo: museos, hospitales, edificios públicos, etc.

La gratuidad de los conciertos, el apoyo de SACEM, el interés de los medios de comunicación, el apoyo de las entidades gubernamentales y el incremento del interés por parte del público, hicieron que, en algunos años, la Fête de la Musique se hiciera una de las más grandes manifestaciones culturales francesas.

Historia
Origen
La idea de la fiesta de la música fue previamente imaginada por el músico estadounidense Joel Cohen, en 1976, quien trabajaba entonces para Radio France/France Musique (Francia Música). Cohen proponía para este canal los “Saturnales de la Musique” el 21 día de junio y el 21 de diciembre durante los dos solsticios. Quería que los grupos de música tocaran el 21 de junio en la noche.

Después de las elecciones presidenciales de 1981, Jack Lang, ministro de la cultura, nombra a Maurice Fleuret como director de la música y del baile. Maurice Fleuret comparte sus reflexiones sobre la práctica musical y su desarrollo y establece los fundamentos de una nueva concepción: “la música es una manifestación popular y tiene que estar abierta a todo el mundo”. Evoca una “revolución” en el ámbito de la música, que reúne todos los estilos musicales —sin jerarquía de género u origen— en “un consejo de búsqueda” de lo que llamaba “una liberación sonora, una embriaguez, un vértigo, que son más auténticos, más íntimos, más expresivos que el arte”.3​

La Fiesta de la Música fue creada oficialmente en 1982. Su primera edición fue el 21 de junio de 1982, la idea fue adoptada por Maurice Fleuret y organizada por primera vez el 21 de junio de 1982, por la iniciativa de Jack Lang, quien era entonces ministro de la cultura. Los músicos fueron invitados a salir a las calles del país para a tocar entre las 20:30 y las 21:00

Jack Lang estipuló que la Fête de la Musique sería gratuita, abierta a todo el tipo de música “sin jerarquía de géneros y de prácticas” y estaría abierta a todos los franceses.

La Fête de la Musique también porta las nuevas tendencias musicales: renovación de las músicas tradicionales, la globalización de las músicas del mundo, el desarrollo de nuevos géneros, la aparición del rap, la música techno, la música urbana, etc.

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La Fiesta de la Música favorece la visibilidad y el acceso a las prácticas artísticas y culturales. Cada año manifiesta su capacidad de evolucionar y de perpetuarse. Procedente del ministerio de la Cultura y de la Comunicación, la Fiesta de la Música se abre y se difunde en el espacio público, con público y para el público.

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La Fiesta Europea de la Música
La Fiesta de la Música comienza a exportarse en 1985, con ocasión del Año europeo de la Música y se desarrolla desde ahora en adelante en el marco de la carta, «La Fête Européenne de la Musique», firmada en Budapest el año de 1997. Los principios de esta carta se aplican en lo sucesivo a todos los países, incluido fuera de Europa, que desean asociarse con la Fête de la Musique.​ Y en menos de diez años, la Fiesta de la Música es repetida en ochenta y cinco países, sobre los cinco continentes.

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La Fiesta europea de la Música se celebra cada año, el 21 de junio, día del solsticio de verano.
La Fiesta europea de la Música es una celebración de la música viva destinada a valorizar la amplitud y la diversidad de las prácticas musicales, en todos los géneros musicales.
La Fiesta europea de la Música es una llamada a la participación espontánea y gratuita que se dirige a todos los individuos o los conjuntos musicales que practican el canto o la interpretación instrumental, con el fin de incluir tanto a los aficionados como a los músicos profesionales.
Todos los conciertos son gratuitos para el público.
La Fiesta europea de la Música una manifestación que se lleva a cabo mayoritariamente al aire libre en espacios públicos.
Lugares cerrados también pueden asociarse si se practica la regla del acceso gratuito al público.
La Fiesta europea de la Música es un día excepcional para toda la músicas y todos los públicos. Los co-organizadores se comprometen en promover la práctica musical y la música, sin fin lucrativo.
Los co-organizadores se comprometen en respetar el espíritu y los principios fundadores de la Fiesta europea de la Música tales como están enunciados en esta carta.

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Elección del día 21 de junio
El 21 de junio fue elegido porque coincide con el solsticio de verano. La coincidencia con el solsticio de verano simboliza el triunfo de la naturaleza a través de este día festivo, a la imagen de las fiestas paganas dedicadas a la naturaleza o a las cosechas desde la Antigüedad (entre las cuales las fiestas de San Juan y otras fiestas populares, donde un gran fuego era encendido toda la noche del 21 de junio).

Fiesta de la Música en el Mundo
Alemania
La idea de adaptar la fiesta de la música a Alemania, fue evocada primero en Múnich. Por lo tanto, es en la ciudad de Berlín, en 1995 que se organizaron los primeros conciertos sobre el modelo de esta fiesta. Desde 2001, cada vez más ciudades la celebran con regularidad.

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Canadá
A partir de 2008, la ciudad de Quebec adopta la fiesta de la música bajo la égida de art dans la ville (‘arte en la ciudad’) y adopta el mismo modelo de la fiesta francesa.

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Estados Unidos
En Nueva York, la primera Fiesta de la Música fue organizada en 2006, fue llevada a cabo por Aaron Friedman. La edición del 2009 tuvo alrededor de 900 grupos inscritos que tocaron en diferentes distritos alrededor de la Gran Manzana.

México
En México, la Fiesta de la Música se organiza desde el 2003. La Fiesta de la Música ha tenido un lugar gracias a la Alianza Francesa, institución que promueve el idioma y la cultura francesa, que cada año gestiona en su mayoría los festivales en algunos estados de la república como Puebla, Ciudad de México. En el caso de Guadalajara se realiza en colaboración de Alianza Francesa, Universidad Libre de Música, con inversión y programación de la Dirección de Cultura del Ayuntamiento de Guadalajara (donde la sede ha sido el Paseo Chapultepec y el Parque Agua Azul).​ La edición 2018 se llevará a cabo en Guadalajara, dentro del Parque Agua Azul con 3 escenarios abarcando variedad de géneros y la emblemática Concha Acústica será la sede del escenario principal, todo esto el día 02 de Junio.

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Chile
En Chile, esta fiesta se denomino “Día de la música chilena”, se celebra en el mes de octubre y desde 2015 que se añade el natalicio de Violeta Parra. Esta conmemoración invita a celebrar a los creadores que han contribuido a la música chilena, además, es una instancia para reflexionar respecto al presente y futuro de la música y la cultura nacional.




373.° aniversario del nacimiento de Elena Cornaro

Doodle de Google homenaje

Today’s Doodle celebra a la distinguida filósofa y teóloga italiana Elena Cornaro Piscopia. Nacida en Venecia en este día en 1646, Elena fue también la primera mujer en obtener un Ph.D.

Cuando Elena tenía siete años, sus padres habían reconocido su talento. Una amiga de la familia los alentó a que le diera clases de griego y latín. También dominó el hebreo, el español, el francés y el árabe, mientras estudiaba el clave, el clavicordio, el arpa y el violín. Los estudios posteriores de Elena también incluían matemáticas y astronomía, pero su mayor interés era la filosofía y la teología. Después de convertirse en presidenta de la sociedad veneciana Accademia dei Pacifici, se matriculó en la Universidad de Padua en 1672.

Aunque se le permitió estudiar allí, la solicitud de Elena para obtener un Doctorado en Teología fue rechazada porque los funcionarios de la iglesia no otorgaron el título a una mujer. Con el apoyo de su padre, ella solicitó un Doctorado en Filosofía. Su examen oral en 1678 atrajo tanto interés que la ceremonia tuvo que trasladarse de la universidad a la catedral de Padua para acomodar a una audiencia que incluía profesores, estudiantes, senadores e invitados de universidades de toda Italia.

Elena habló en latín, explicando pasajes difíciles seleccionados al azar de los escritos de Aristóteles. Su elocuencia impresionó tanto al comité que expresaron su aprobación viva en lugar de una votación secreta. Se colocó una corona de laurel sobre su cabeza, un anillo de oro en su dedo, un libro de filosofía en su mano y una capa de armiño sobre sus hombros.

A la edad de treinta y dos años, Elena se convirtió en la primera mujer con un doctorado universitario, abriendo un camino para que generaciones de mujeres siguieran sus pasos hacia los niveles académicos más altos.




La actuación de Madonna en la final de Eurovisión 'incendia' las redes sociales

Madonna durante su actuación en Eurovisión, Tel Aviv, Israel, el 19 de mayo de 2019.
Fuente: Orit Pnini for KAN / Handout / Reuters / RT

Los usuarios se burlaron tanto de la interpretación de la cantante, como de su vestimenta, pero la reacción ante la aparición de banderas de Palestina y de Israel en el escenario fue positiva.

Origen: La actuación de Madonna en la final de Eurovisión ‘incendia’ las redes sociales






{27 abril, 2019}   Madonna, Maluma – Medellín







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José Alberto García Gallo (Rancul, La Pampa, 11 de marzo de 1940-Móstoles, Madrid, España, 4 de abril de 2019),​ más conocido como Alberto Cortez, fue un cantautor y poeta argentino.Considerado uno de los cantaautores más importantes de Latinoamerica.

Biografía
José Alberto García Gallo, nombre real de uno de los más destacados autores contemporáneos, con canciones basadas en hechos y personajes reales, así como en sentimientos y adversidades de su vida, nació el 11 de marzo de 1940 en Rancul, provincia de La Pampa (Argentina).

A los 12 años compuso una de sus primeras piezas, la cual se titula “Un cigarrillo, la lluvia y tú”. En Mendoza realizó sus estudios de secundaria e ingresó al Conservatorio Chopin de San Rafael, donde se integró como cantante a la orquesta Arizona, dirigida por Ricardo Ortiz y Luis Pasquier.

En 1957 se da a conocer en aquella ciudad como “Chiquito García”, y es invitado a formar parte del conjunto folclórico Los Andariegos, pero su padre le niega el permiso por sus malas calificaciones en el colegio.

Un año después ingresó a la Facultad de Derecho y Ciencias Sociales, en tanto cantaba con su guitarra en lugares de moda para ayudarse económicamente. Por esas fechas, la Orquesta de Jazz San Francisco lo contrató como vocalista e inició una gira por el país.

En Santiago del Estero conoció a Hugo Díaz, quien le propuso integrarse a su grupo y viajar a Europa con un contrato de seis meses, motivo por el que termina su relación con la orquesta y deja por completo la universidad.

Años más tarde, luego de que en 1960 fracasó en Génova con el espectáculo “Argentino International Ballet Show”, Alberto visitó Bélgica, donde colocó el disco “Sucu sucu” como número uno.

Su éxito lo llevó por Canadá y Estados Unidos para cosechar más triunfos con temas como “Renata” y “La escalera”, este último lo grabó en francés bajo la dirección de Paul Muriat. Además, realizó su primer disco acompañado por Waldo de los Ríos y su orquesta.

Asimismo, participó como autor en el Festival de Mallorca con la canción “Me lo dijo Pérez”, y aunque no ganó, el tema interpretado por cantantes como Karina, Micky o Los Tres Sudamericanos, se convirtió en un éxito universal.

El 2 de junio de 1964 contrajo matrimonio con Renée Govaerts, en Aarschot, Bélgica, ciudad natal de la novia. La pareja se instaló en Madrid. España.

Posteriormente, editó dos discos con el repertorio que interpretó en los dos recitales del Teatro de la Zarzuela, Madrid, titulados “Poemas y canciones, vol. 1 y 2”. Compuso y grabó el disco “El compositor, el cantante”, con temas que también fueron grandes éxitos como “Cuando un amigo se va”, “El abuelo” y “Hay un Madrid”.

Después viajó por primera vez a México, donde se presentó en algunos programas de televisión, entre ellos “Siempre en Domingo” de Raúl Velasco. Fue aclamado en diversos foros y recibió el apodo “La Voz de la Amistad”, y en 1973 recibió su primer Disco de Oro por “Mi árbol y yo”, que se sumaría a muchos otros premios.

De 1982 a 1992 realizó giras por América Latina. Actuó en Chile, Perú, Colombia, Venezuela, Costa Rica, El Salvador, Guatemala y, por supuesto, México y Estados Unidos. En Nueva York se presentó por primera vez en el Carnegie Hall (1992). Ese mismo año grabó en Los Ángeles, California, su disco “Aromas”, bajo la dirección de Bebú Silvetti.

En 1994 con Facundo Cabral inició una temporada con un espectáculo creado para ambos artistas llamado “Lo Cortez no quita lo Cabral”. Se estrenó en México en el Teatro de la Ciudad, donde cumplieron con éxito 100 representaciones.

En el verano de 1996 en Mar del Plata, Argentina, sufrió un ataque cerebral y el 18 de enero fue operado de una obstrucción de la carótida. Salió airoso de la intervención, pero le quedan secuelas que no le permiten volver a tocar la guitarra.

En 1998 grabó en su estudio de Madrid una colección de 70 de sus canciones con el pianista Ricardo Miralles. Obra única por su alto valor artístico, editada en México por Azteca Music con el título “Cortez al desnudo”.

En 2000, su trascendencia en el ámbito musical es constatada una vez más con las canciones “Cuando un amigo se va”, “Alfonsina y el mar” y “Gracias a la vida”, las cuales son consideradas, según una encuesta de un periódico chileno, como las tres mejores canciones en castellano del siglo XX.

Un año después volvió a México y se presentó en diversos teatros del país llevando como invitados a Estela Raval y Los 5 Latinos, con el espectáculo “En un rincón del alma”, durante esos conciertos se grabó en vivo un disco doble, a manera de documento, bajo ese título.

En 2004 salió a la venta “Alberto Cortez sinfónico”, grabado en directo con la Orquesta Sinfónica de Houston, y un año después lanzó su trabajo discográfico “Identidad”, con el que recorrió el mundo.

En 2007, recibió el premio Emmy a la Excelencia Musical, y dos años más tarde puso a la venta en España su biografía “Alberto Cortez: La vida”. Un año después, participó en el homenaje que el mundo del futbol le rindió al ex jugador Alfredo Di Stéfano en la ciudad deportiva del Real Madrid.

Además, presentó sus libros “Cortez por los cuatro costados”, en el Salón de la Ciudad de Guayaquil, y “Alberto Cortez. La vida”, en la Ciudad de México.

En 2009, lanzó “Alberto Cortez. Íntimo”, un disco doble con 32 canciones grabadas en vivo en diferentes teatros de España y América Latina.

Asimismo, en noviembre del mismo año brindó el espectáculo “Alberto Cortez Sinfónico”, en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, acompañado por la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de Veracruz (OSJEV), el cual fue grabado y cuyas ventas fueron destinadas a la Fundación Hermes Music, que ayuda a niños desamparados de México.

El año pasado realizó una extensa gira por México, con actuaciones en Chihuahua, Tamaulipas, Sinaloa, Jalisco, Michoacán, Guanajuato, Querétaro, Puebla y Distrito Federal.

En 2011 emprendió una gira por su país natal donde dio a conocer en vivo los temas de “Tener en cuenta” producción que incluye temas inéditos y una nueva versión del clásico “Mi árbol y yo”, que grabó junto al cantante guatemalteco Ricardo Arjona.

En marzo de 2012 se presenta en escenarios españoles con el espectáculo “Alberto Cortez en estado puro”, mientras que en abril participa en el Festival Cultural de Zacatecas, en México.

Después regresa a España, y durante mayo se presenta en Bilbao, en el Teatro Fernando Fernán Gómez de Madrid y el Teatro Rojas de la ciudad de Toledo.

En julio, el intérprete viaja a Ecuador, para presentar en el Centro Cívico de Guayaquil su espectáculo “Alberto Cortez Sinfónico”.

Su exitosa carrera musical lo llevó a recibir varios reconocimientos, como la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes, en España, en la modalidad de música, en 2015, y dos años después obtuvo la Gramola de Oro, en el Primer Festival Internacional de bolero “Ciudad de Madrid”.

Entre sus más grandes éxitos se encuentran “Cuando un amigo se va”, “En un rincón del alma”, “No soy de aquí”, “Callejero”, “Mi árbol y yo”, “A partir de mañana”, “Te llegará una rosa”, “Castillos en el aire” “Camina siempre adelante” y “El abuelo”.

Alberto Cortez construyó poemas de lo cotidiano en su música

La amistad, la vida de los perros callejeros, la muerte de un amigo, cómo los adolescentes dejan sus hogares y la añoranza hacia sus orígenes, fueron entre otros los temas cotidianos que el poeta Alberto Cortez convirtió en himnos.

Aunque comenzó a escribir canciones desde los 12 años, fue hasta 1961 cuando publicó su primer disco “Welcome to the Latin Club”, que incluyó 12 temas tanto en inglés como en español. Destacan “Mañana”, “Amapola”, “April in Portugal”, “La paloma” y “Oh – Mari”.

En su larga trayectoria, Cortez, quien falleció este jueves a los 79 años, grabó cerca de 40 álbumes de estudio, logrando cuatro Discos de Oro.

Conocido como “el cantor de las cosas simples”, Alberto Cortez destacó por su estilo desgarrado, intenso y belleza poética.

De una sensibilidad envidiable, tocó corazones con temas como “Carta a mi viejo”, en la que le cuenta a su padre las cosas que le habían pasado en el tiempo que había estado lejos de casa, y “Callejero”, canción que se basa en la vida de un perro de la calle.

Pero no sólo los perros fueron su inspiración, también las cigarras, insectos que fueron motivo para la creación de “La canción de las cigarras” y “A partir de mañana”.

Como buen poeta que retrata la cotidianidad de la vida, también añadió contenido social a sus temas, como en el caso de “Instrucciones para ser un pequeño burgués”.

Otros de sus temas más emblemáticos son “Mi árbol y yo”, “A partir de mañana”, “Te llegará una rosa”, “Castillos en el aire” y “El abuelo”, los cuales están basados en hechos y personajes reales, que le ocurrieron a él mismo o a gente cercana a él.

Falleció por causa de una hemorragia gastrointestinal, el 4 de abril de 2019, en el Hospital Universitario HM Puerta del Sur, en Móstoles, en la Comunidad de Madrid, España, a los 79 años de edad

Alberto Cortez



{4 abril, 2019}   Hug Masekela 80º natalicio

80.º aniversario del nacimiento de Hugh Masekela

Homenaje Doodle de Google

80.º aniversario del nacimiento de Hugo Masekela

” Mi mayor obsesión es mostrar a los africanos y al mundo quiénes son realmente los pueblos de África”.
—Hugh Masekela

Today’s Doodle celebra al mundialmente famoso trompetista, cantante, director de orquesta, compositor y defensor de los derechos humanos, Hugh Masekela, de renombre mundial. Nacido hace 80 años en la ciudad minera del carbón de Witbank, Sudáfrica, Masakela obtuvo su primer cuerno a los 14 años. Luego pasó a tocar con un grupo muy popular conocido como Jazz Epistles , la primera banda de jazz completamente negra en Grabar un disco en la historia sudafricana. Sin embargo, en el transcurso del año, sus miembros fueron expulsados ​​del país por el gobierno del apartheid.

A la edad de 21 años, Masakela comenzó un exilio de 30 años, viajando a Nueva York donde se inscribió en la Manhattan School of Music y se sumergió en la escena de jazz de la ciudad, observando a gigantes del jazz como John Coltrane, Thelonious Monk, Charlie Mingus y Max. Cucarachas todas las noches. “Sólo vas a ser una estadística si tocas jazz”, le aconsejó Miles Davis, “pero si pones algunas de las cosas que recuerdas de Sudáfrica, serás diferente a todos”.

Animada por artistas como Dizzy Gillespie y Louis Armstrong, Masakela profundizó en sus propias influencias únicas para crear su álbum debut de 1963, titulado Trumpet Africaine . A fines de los años 60, se mudó a Los Ángeles y actuó en el Festival Pop de Monterrey con un proyecto de ley que incluía a Jimi Hendrix, Ravi Shankar y The Who. Su single de 1968 “Grazin ‘in the Grass” llegó al número 1 en las listas de éxitos estadounidenses.

Masakela continuaría colaborando con personas como Fela Kuti, Bob Marley, Marvin Gaye, Paul Simon y Stevie Wonder. En 1990, “Bra Hugh” regresó a Sudáfrica a tiempo para ver su canción “Bring Him Back Home (Nelson Mandela)” hecha realidad. Cuando el líder del ANC fue liberado de la prisión y eligió al primer presidente negro de Sudáfrica, la música de Masakela fue la banda sonora.

 

Biografía
Empezó su carrera musical como miembro de la Huddleston Jazz Band. Masekela abandonó Sudáfrica en 1961 instalándose en Estados Unidos, donde su carrera profesional despegó. Allí, su estilo musical, mezcla de pop y jazz africano, tuvo buena acogida, llegando a fundar su propio sello discográfico con el nombre de Chisa. A finales de los años sesenta, su canción «Grazing in the Grass» de su disco The Promise of a Future tuvo gran éxito y difusión, llegando al número uno de la lista estadounidense de Billboard en julio de 1968 y siendo nominado a los Premios Grammy.

Masekela colaboró, entre otros, con Fela Kuti y Paul Simon.

Casado entre 1964 y 1966 con Miriam Makeba (1932-2008), la legendaria cantante, actriz y activista, una de las más importantes representantes de la lucha contra el régimen del apartheid fuera de Sudáfrica. Masekela, también lucho contra el apartheid. De hecho, uno de sus éxitos más conocidos, “Bring Him Back Home” (Traedlo de vuelta a casa), aparecido en 1987, se convirtió en la canción utilizada por Nelson Mandela, durante la gira mundial que realizó tras su salida de prisión.

Masekeba falleció tras una larga batalla contra el cáncer de próstata



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