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Long Gallery-Legend white snake.JPGLong Gallery-Legend serpiente blanca

La leyenda de la serpiente blanca , también conocida como la serpiente blanca de la señora , es una leyenda china. Desde entonces se ha presentado en una serie de grandes óperas chinas , películas y series de televisión.

El primer intento de fictializar la historia en forma impresa parece ser La doncella blanca cerrada por la eternidad en la Pagoda de Leifeng (白 娘子 永 鎭 雷峰塔) en las historias de Feng Menglong para advertir al mundo ( chino : 警世通言 ), que fue escrito durante la dinastía Ming .

La historia se cuenta ahora como uno de los Cuatro Grandes Cuentos Folclóricos de China, los otros son Lady Meng Jiang , Liang Shanbo y Zhu Yingtai , y The Cowherd y la Tintorería ( Niulang Zhinü ).

Lü Dongbin , uno de los ocho inmortales , se disfraza de hombre vendiendo tangyuan en el puente roto (斷橋) cerca del lago del oeste en Hangzhou . Un niño llamado Xu Xian ( chino simplificado : 许仙 ; chino tradicional : 許仙 ; pinyin : Xǔ Xian ; Jyutping : Heoi2 sin1 ) adquiere cierta tangyuan de Lü Dongbin sin saber que en realidad son las píldoras de la inmortalidad. No se siente hambriento por los siguientes tres días después de comerlos, así que vuelve a preguntar por qué. Lü Dongbin se ríe y lleva a Xu Xian al puente, donde lo voltea boca abajo y le hace vomitar el tangyuan en el lago.

En el lago, hay un espíritu de serpiente blanca que ha estado practicando las artes mágicas taoístas con la esperanza de convertirse en un inmortal después de siglos de entrenamiento y cultivo. Ella come las píldoras y gana 500 años de poder mágico. Por lo tanto, se siente agradecida a Xu Xian y sus destinos se entrelazan. Hay otro espíritu de tortuga acuática que también entrena en el lago que no logró consumir ninguna de las píldoras; él es muy celoso de la serpiente blanca. Un día, la serpiente blanca ve un mendigo en el puente que ha cogido una serpiente verde y quiere cavar la gallina de la serpiente y venderla. La serpiente blanca se transforma en una mujer y compra la serpiente verde del mendigo, ahorrando así la vida de la serpiente verde. La serpiente verde está agradecida a la serpiente blanca y considera a la serpiente blanca como una hermana mayor.

Dieciocho años más tarde, durante el Festival Qingming , las serpientes blancas y verdes se transforman en dos mujeres jóvenes llamados Bai Suzhen ( chino : 白素貞 ; pinyin : Bái Suzhen ; Jyutping : Baak6 Sou3-zing1 ) y Xiaoqing ( chino : 小青 ; pinyin : Xiǎoqīng ; Jyutping : Siu2-cing1 ), respectivamente. Se encuentran con Xu Xian en el puente roto en Hangzhou. Xu les presta su paraguas porque está lloviendo. Xu Xian y Bai Suzhen gradualmente se enamoran y finalmente se casan. Se trasladan a Zhenjiang , donde abren una farmacia.

Mientras tanto, el espíritu de la tortuga acuática ha acumulado suficientes poderes para tomar forma humana, por lo que se transforma en un monje budista llamado Fahai ( chino : 法 海 , pinyin : Fǎhǎi ; Jyutping : Faat3-hoi2 ). Todavía enojado con Bai Suzhen, Fahai complots para romper su relación con Xu Xian. Se acerca a Xu Xian y le dice que durante el Festival de Duanwu su esposa debe beber vino realgar , un vino asociado con ese festival. Bai Suzhen bebe sin dudar el vino y revela su verdadera forma como una gran serpiente blanca. Xu Xian muere de shock después de ver que su esposa no es humana. Bai Suzhen y Xiaoqing viajan al Monte Emei , donde corren peligro de robar una hierba mágica que restaura Xu Xian a la vida.

Diorama en Haw Par Villa , Singapur, que representa la batalla entre Bai Suzhen y Fahai.
Después de volver a la vida, Xu Xian todavía mantiene su amor por Bai Suzhen a pesar de conocer su verdadera identidad. Fahai intenta separarlos nuevamente capturando a Xu Xian y encarcelándolo en el Templo Jinshan (金山 寺). Bai Suzhen y Xiaoqing pelean con Fahai para rescatar a Xu Xian. Bai usa sus poderes para inundar el templo y ahoga a muchas personas inocentes. Sin embargo, sus poderes son limitados porque ella ya está embarazada con el hijo de Xu Xian, por lo que no puede salvar a su marido. Xu Xian más tarde se las arregla para escapar del Templo Jinshan y reunirse con su esposa en Hangzhou , donde Bai Suzhen da a luz a su hijo, Xu Mengjiao ( chino : 許 夢 蛟 , pinyin : Xǔ Mèngjiāo ; Jyutping : Heoi2 Mung6-gaau1 ). Fahai los sigue, derrota a Bai Suzhen y la encarcela en la Pagoda de Leifeng . Xiaoqing huye, jurando venganza.

Veinte años más tarde, Xu Mengjiao gana el grado zhuangyuan (superior) en el examen imperial y regresa a casa en la gloria para visitar a sus padres. Al mismo tiempo, Xiaoqing, que había pasado los años intermedios refinando sus poderes, va al Templo Jinshan para enfrentar a Fahai y derrotarlo. Bai Suzhen es liberado de la Pagoda de Leifeng y se reúne con su esposo e hijo, mientras Fahai huye y se esconde dentro del estómago de un cangrejo. Hay un dicho que la grasa interna de un cangrejo es naranja porque se asemeja al color del kasaya de Fahai .

Leyenda de la serpiente blanca , largo corredor , Pekín
Desconocido- 中国北京颐和园

Óperas y obras teatrales
La historia se ha realizado numerosas veces en la ópera de Pekín , la ópera cantonesa y otras óperas chinas .
Las adaptaciones musicales de la etapa en Hong Kong incluyen:
Pai Niang Niang , creado por Joseph Koo y Wong Jim . Estrenada en 1972, marcó el inicio de la industria del teatro musical en Hong Kong.
Serpiente Blanca, Serpiente Verde (2005), creado por Christopher Wong
La leyenda de la serpiente blanca , creada por Leon Ko y Chris Shum
El Teatro de la Danza de la Puerta de la Nube de Taiwán realizó una interpretación de danza moderna de la Señora Serpiente Blanca en los años 70.
En 2010, una ópera basada en la leyenda, Madame White Snake , con música de Zhou Long y un libreto de Cerise Lim Jacobs, estrenó en una producción de Opera Boston . [2] Ganó el Premio Pulitzer 2011 en Música .
En 2012, el Festival Shakespeare de Oregón en Ashland, Oregon , realizó una adaptación de Mary Zimmerman (Wikipedia)

Películas
La leyenda de la serpiente blanca (白蛇傳), una película china de 1939 hecha por Xinhua Studio . Fue la primera adaptación de la leyenda.
La leyenda de la Serpiente Blanca (白 夫人 の 妖 恋), una película japonesa de 1956 realizada por Toho en colaboración con Shaw Brothers Studio de Hong Kong. Se destacó por ser la primera película de efectos especiales de Toho en color.
El cuento de la Serpiente Blanca (白蛇傳), el primer largometraje de anime de color lanzado en Japón en 1958. El título de la versión estadounidense fue Panda y la Serpiente Mágica . Era también uno de los casos raros donde Xiaoqing se representa como demonio de los pescados y no un demonio de la serpiente. Era también la única película conocida basada en la leyenda para ser doblada en alemán (título de lanzamiento alemán: Erzählung einer weißen Schlange ).
Madame Serpiente Blanca , una película de 1962 producida por Shaw Brothers Studio de Hong Kong. Esta versión es una ópera de Huangmei dirigida por Yueh Feng , con música de Wang Fu-ling en un libreto de Li Chun-ching.
El matrimonio de la mujer de serpiente (白蛇 大 鬧天宮), una película taiwanesa de 1975 dirigida por Sun Yang.
Green Snake (青蛇), una película de Hong Kong de 1993 dirigida por Tsui Hark , protagonizada por Maggie Cheung , Joey Wong , Vincent Zhao y Wu Hsing-kuo .
El Hechicero y la Serpiente Blanca (白蛇傳 說), una película en 3D de 2011, protagonizada por Jet Li , Huang Shengyi , Raymond Lam y Charlene Choi .
La leyenda de la serpiente blanca de la señora: Un tributo al alcohol de Alexander McQueen , cortometraje protagonizado por Daphne Guinness , dirigido por Indrani Pal-Chaudhuri , con dirección creativa / estilo de GK Reid , producido por Markus Klinko y Indrani , Daphne Guinness y GK Reid . Escrito por Indrani, inspirado en la antigua leyenda china, con un poema de Neil Gaiman , la película está ambientada en la ciudad contemporánea de Nueva York. Las presentaciones de la película se presentan en la exposición de Daphne Guinness en el museo del instituto de la manera del 16 de septiembre de 2011 al 6 de enero de 2012.

Televisión
Leifeng Pagoda (雷峰塔), una serie televisiva taiwanesa de 1977.
Leyenda de la Serpiente Blanca (白蛇傳), una serie de televisión taiwanesa de 1985.
La Serpentine Romance (奇幻 人間 世), una serie de televisión de 1990 producida por la TVB de Hong Kong , protagonizada por Maggie Chan, Maggie Siu y Hugo Ng.
Nueva leyenda de la serpiente blanca de la señora / la leyenda de la serpiente blanca (新 白 娘子 傳奇), una serie televisiva taiwanesa 1992 que starring Angie Chiu , Cecilia Yip y Maggie Chen.
La Serpiente Blanca Legendaria , una serie de televisión de Singapur 1995 protagonizada por Geoffrey Tso, Lin Yisheng, Terence Cao , Lina Ng , Lan Ding, Liu Qiulian y Wang Changli.
Mi fecha con un vampiro (我 和 殭屍 有 個 約會), una serie de televisión de Hong Kong producida por ATV . La serie hizo uso extensivo de la historia, reutilizándola en la primera temporada (1998) y una versión modificada en la segunda temporada (1999).
La serpiente blanca de la señora / la leyenda de los espíritus de la serpiente (白蛇 新 傳), una serie televisiva co-producida 2001 taiwanesa y de Singapur protagonizada por Fann Wong , Christopher Lee , Zhang Yuyan y Vincent Jiao.
Madame White Snake (白蛇傳), una serie de televisión china de 2005 protagonizada por Liu Tao , Pan Yueming, Chen Zihan y Liu Xiaofeng.
La secuela de la Serpiente Oriental (白蛇 後 傳), una secuela de 2009 de Madame White Snake (2005), protagonizada por Fu Miao, Qiu Xinzhi, Shi Zhaoqi, Chi Shuai y Cecilia Liu .
Love of the Millennium (又見 白 娘子), una próxima serie de televisión china como secuela de Nueva leyenda de Madame White Snake (1992), protagonizada por Zuo Xiaoqing, Queenie Tai, Ren Quan y Shen Xiaohai.
El destino de la serpiente blanca (2017)

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{4 septiembre, 2017}   Mr. Trololo – Eduard Khil​

Eduard Khil.jpgEduard Khil, a Soviet / Russian singer.
Kremlin.ru

Eduard Anatolyevich Jil1​ (en ruso, Эдуард Анатольевич Хиль), también conocido por su transliteración al inglés Eduard Khil2​ (Smolensk, 4 de septiembre de 1934 – San Petersburgo, 4 de junio de 2012) y recientemente por el apodo Mr. Trololó, fue un barítono ruso. Fue nombrado Artista del pueblo de la URSS en 1974.

Después de su retiro como cantante, Jil lentamente pasó al anonimato. Sin embargo, en 2010 volvió a la fama cuando se convirtió en protagonista del fenómeno viral “Trololó” en YouTube, donde se muestra un vídeo suyo de 1976 en el que interpreta una versión vocal de la balada, “Estoy muy contento, por fin regreso a casa” (Я очень рад, ведь я, наконец, возвращаюсь домой, YA ochen’ rad, ved’ ya, nakonets, vozvrashchayus’ domoy) 

Biografía
Carrera profesional
Eduard Jil nació el 4 de septiembre de 1934 en Smolensk. Se graduó en el Conservatorio de Leningrado, donde estudió bajo la dirección de Yevgueni Oljovkski y Zoya Lodiy. Comenzó cantando como solista.

Fue el primer artista en cantar canciones como “Leñadores” (Лесорубы en ruso) y “Piedra lunar” (Лунный камень) de Arkadi Ostrovski, y “Canción sobre un amigo” (Песня о друге), “Ciudades azules” (Голубые города), “Y la gente va al mar” (А люди уходят в море) de Andréi Petrov.

Otras canciones populares interpretadas por Jil son “¿Desde dónde comienza la Patria?” (С чего начинается Родина?), “Invierno” (Зима), “Savia de abedul” (Берёзовый сок), “Amento de Alnus” (Серёжка ольховая), “Sólo necesitamos la victoria” (Нам нужна одна победа), entre otras.

Entre 1977 y 1979, Jil fue profesor en la Academia de Arte Teatral de San Petersburgo. A comienzos de la década de 1990, trabajó en París en el café Rasputin. Desde 1997, Jil ha trabajado junto a su hijo en un proyecto llamado Prepinaki.

Fenómeno de Internet

Jil actuando en el Día de la Victoria en San Petersburgo (2010).
En 2009, un vídeo de 1976 de Jil cantando una vocalización llamada “Estoy muy contento, por fin regreso a casa” (Я очень рад, ведь я, наконец, возвращаюсь домой) fue subida a YouTube y rápidamente se convirtió en un fenómeno de Internet2​ conocido como “Trololololololololololo” (o “Trololó”). Apareció en algunos sitios el 21 de febrero de 2010,5​6​ y se popularizó el 3 de marzo en The Colbert Report.7​ El video fue además parodiado por el actor Christoph Waltz en el programa Jimmy Kimmel Live!.8​ La canción fue escrita por Arkady Ostrovsky, y también fue interpretada por Valery Obodzinsky9​10​ y por Muslim Magomayev en Little Blue Light.

Esta misma canción también aparece en el videojuego Ratchet & Clank: Q Force de PlayStation 3 y PS Vita, en un momento en el que el villano de la historia “hackea” la nave de la pareja protagonista y pone la canción de Eduard Jil como fondo en el hilo musical.

Últimos años y muerte
Jil vivió sus últimos años en la Casa Tolstoy (Толстовский дом) en San Petersburgo, Rusia.

A fines de mayo de 2012 Jil sufrió un derrame cerebral, provocando un daño el cual lo llevó al coma, según informó RT.12​ Debido a esto falleció en la madrugada del 4 de junio de 2012, a la edad de 77 años.13​14​

Apellido

Eduard Jil -al centro- después de la ceremonia de entrega de premios literarios Alexander Nevsky (2011).
Aunque la transliteración más habitual del apellido Хиль es Khil, que coincide con la fonética del inglés o francés, es adecuado utilizar la ortografía española “Jil” ó “Gil” no sólo porque es la que mejor transcribe en castellano el sonido original del apellido sino porque el propio cantante admitió en una entrevista que probablemente un antepasado suyo de origen español haya llevado ese apellido.​ Sin embargo, en otra entrevista, el mismo cantante dijo que es posible que su apellido procediera de la aldea de Jili en la que había varias familias con este apellido.[cita requerida] En cualquier caso, su apellido es muy poco común en Rusia.

Ref

Эдуард Хиль: Я не открываю рот под «фанеру» – я пою

«Trololo / Russian Rickroll» (en inglés). Consultado el 4 de junio de 2012.

El fenómeno de Mr. Trololó

 Christian Science Monitor – YouTube drags reluctant Soviet star Mr. Trololo back into spotlight

«Eduard Hill, Aka Eduard Anatolyevich, Wins Russian Idol». Anorak News. Consultado el 6 de marzo de 2010.

Is This Weird Russian Guy The Best Lyricist Of All Time? No. (VIDEO)

Colbert Report – Jim Bunning Ends Filibuster

Carbone, Nick (4 de junio de 2012). «‘Trololo’ Singer Eduard Khil Dies at 77 After Suffering Stroke». Time(en inglés). Consultado el 5 de junio de 2012.Video en YouTubeВалерий ОбодзинскийVideo en YouTube

El cantante ruso Eduard Khil, ‘Mr. Trololó’, en coma por un derrame cerebralMuere Eduard Khil, Mr. TrololoMr Trololo muere, Eduard Khil deja una canción para la historia

Doodle de Google< le rinde homenaje



{28 agosto, 2017}   MTV Video Music Awards 2017



{16 agosto, 2017}   Elvis Presley

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Presley



{16 agosto, 2017}   Sabías qué es Songline?

Songline

Music

Dentro del sistema de creencias animistas de los australianos indígenas , una canción , también llamada rastro de sueño , es uno de los caminos a través de la tierra (o a veces el cielo) que marcan la ruta seguida por localizados “seres creadores” durante el Dreamtime . Los caminos de las canciones se graban en canciones tradicionales, cuentos, danza y pintura.

Tiempo de ensueño (también tiempo de ensueño , tiempo de sueño ) es un término ideado por los primeros antropólogos para referirse a una cosmovisión religio-cultural atribuida a las creencias aborígenes australianas . Originalmente fue utilizado por Francis Gillen , rápidamente adoptado por su colega Baldwin Spencer y posteriormente popularizado por AP Elkin , quien, sin embargo, más tarde revisó sus puntos de vista. El Sueño se usa para representar muchos conceptos aborígenes de “tiempo fuera de tiempo” o “cada vez que”, cuando la tierra estaba habitada por figuras ancestrales, a menudo de proporciones heroicas o con habilidades sobrenaturales. A menudo eran distintos de los “dioses”, ya que no controlaban el mundo material y no eran venerados, sino sólo reverenciados. 

El término se basa en una interpretación de la palabra indígena ( Arandic ) alcheringa , usada por el pueblo Aranda (Arunta, Arrernte) de Australia Central , aunque parece que se basa en un malentendido o una mala traducción. William Stanner comentó: “¿Por qué el negro cree que ‘soñar’ como el equivalente más cercano en inglés es un rompecabezas”. [2] Se ha argumentado que el significado de la palabra está más cerca de ” eterno, increado “En los años 80, “Dreamtime” y “The Dreaming” habían adquirido su propia moneda en la cultura popular , basada en concepciones idealizadas o ficcionadas de la mitología australiana. Desde la década de 1970, “Dreaming” y “Dream time” también han vuelto del uso académico a través de la cultura popular y el turismo y ahora son omnipresentes en el vocabulario inglés de los australianos indígenas en una especie de “profecía académica autocumplida

Una persona con conocimientos es capaz de navegar a través de la tierra mediante la repetición de las palabras de la canción, que describen la ubicación de hitos, agujeros de agua y otros fenómenos naturales. En algunos casos, se dice que los caminos de los seres creadores son evidentes por sus marcas, o petrosomatoglifos , en la tierra, tales como grandes depresiones en la tierra que se dice que son sus huellas.

Al cantar las canciones en la secuencia apropiada, los indígenas podían navegar en grandes distancias, viajando a menudo a través de los desiertos del interior de Australia. El continente de Australia contiene un extenso sistema de líneas de canciones, algunas de las cuales son de pocos kilómetros, mientras que otras atraviesan cientos de kilómetros a través de tierras de muchos pueblos indígenas diferentes, que pueden hablar lenguas marcadamente diferentes y tener diferentes tradiciones culturales.

Dado que una canción puede abarcar las tierras de varios grupos lingüísticos diferentes, se dice que diferentes partes de la canción están en esos diferentes idiomas. Los idiomas no son una barrera porque el contorno melódico de la canción describe la naturaleza de la tierra sobre la cual pasa la canción. El ritmo es lo que es crucial para entender la canción. Escuchar la canción de la tierra es lo mismo que caminar sobre esta canción y observar la tierra.

En algunos casos, una canción tiene una dirección particular, y caminar por el camino equivocado a lo largo de una canción puede ser un acto sacrílego (por ejemplo, subiendo Uluru, donde la dirección correcta es hacia abajo). Los aborígenes tradicionales consideran que toda la tierra es sagrada, y las canciones deben ser continuamente cantadas para mantener la tierra “viva”.

Molyneaux y Vitebsky señalan que los Espíritus Soñadores “también depositaron los espíritus de los niños no nacidos y determinaron las formas de la sociedad humana”, estableciendo así la ley tribal y los paradigmas totémicos .
Los yolngu gente de la tierra de Arnhem en el Territorio del Norte cuentan la historia de barnumbir , un creador-se asocia con el planeta Venus , que vino de la isla de Baralku en el Este, guiando a los primeros seres humanos en Australia, y luego voló A través de la tierra de este a oeste, nombrar y crear los animales, plantas y características naturales de la tierra.
El pueblo Yarralin del Valle del Río Victoria veneran al espíritu Walujapi como el Espíritu Soñador de la pitón de cabeza negra . Se dice que Walujapi talló una pista serpenteante a lo largo de un acantilado y depositó una impresión de sus nalgas cuando se sentó estableciendo el campamento. Ambos signos son actualmente discernibles.
La serpiente del arco iris siguió una trayectoria a través del norte de Australia, creando ríos y montañas mientras que ella iba, y parando en lugares especialmente sagrados, tales como Ubirr . Una canción, creada por ella, todavía es cantada por los australianos indígenas , y describe su viaje, y las características a lo largo de él.
El gato nativo soñando con los espíritus que se dice que han comenzado su viaje por el mar y se han trasladado hacia el norte en el desierto de Simpson , atravesando como lo hicieron las tierras de los Aranda , Kaititja , Ngalia , Kukatja y Unmatjera . Cada persona canta la parte del sueño nativo del gato referente a los songlines para los cuales están ligados en una relación territorial de la reciprocidad.
En la región de Sydney , debido a la suave arenisca de Sydney , los valles a menudo terminan en un cañón o acantilado, y por lo que viajar a lo largo de las líneas de cresta era mucho más fácil que viajar en los valles. Por lo tanto, los songlines tienden a seguir las líneas del canto, y éste es también donde mucho del arte sagrado, tal como los grabados de la roca de Sydney , se localiza. En contraste, en muchas otras partes de Australia, las líneas de canciones tienden a seguir valles, donde el agua se puede encontrar más fácilmente.
Songlines se han vinculado a los sitios de arte aborígenes en el Parque Nacional Wollemi en Nueva Gales del Sur .
Descripciones 
El antropólogo Robert Tonkinson escribió sobre Songlines entre los indígenas Mardu en su monografía de 1978 Los Aborígenes de Mardudjara – Living The Dream In Australia’s Desert .

Songlines: El canto es un elemento esencial en la mayoría de las actuaciones rituales de Mardudjara porque la canción sigue en la mayoría de los casos la dirección del viaje de los seres implicados y resalta crípticamente sus actividades notables así como mundanas. La mayoría de las canciones, por lo tanto, tienen un referente geográfico y mítico, por lo que al aprender la canción, los hombres se familiarizan literalmente con miles de sitios, aunque nunca los hayan visitado; Todos se convierten en parte de su mapa cognitivo del mundo del desierto

Music

En su libro de 1987, The Songlines , el novelista británico y escritor de viajes Bruce Chatwin describe las canciones como:

… el laberinto de caminos invisibles que serpentean por toda Australia y son conocidos por los europeos como “Dreaming-tracks” o “Songlines”; A los aborígenes como “huellas de los antepasados” o “camino del saber”.

Los mitos de la Creación aborigen dicen del legendario ser totémico que vagaba por el continente en el Tiempo del Sueño, cantando el nombre de todo lo que cruzaba su camino – aves, animales, plantas, rocas, pozos de agua – y así cantaba el mundo a la existencia. LandscapesLandscapes

Music

 

 




Sunset

“En el amor,sé como el sol,
En la amistad y hermandad, sé como un río,
Al cumplir las faltas, sé como la noche,
En la humildad, sé como la tierra,
En el enojo, como un muerto,
Cualquiera sea el momento, muéstrate como ers y sé como te muestras”.

Mawlânâ Rûmî (Poeta)

Rivers

This being human is a guest house
Every morning a new arrival

A joy, a depression, a meanness
Some momentary awareness comes
As an unexpected visitor

Welcome and entertain them all!
Be grateful for whoever comes
Because each has been sent as a guide

Welcome

HUMAN SADNESS LYRICS

beyond all ideas of right and wrong there is a field, i will be meeting you there
-Rumi

put money in my hand
and i will do the things you want me to

Vanity… overriding wisdom,
usually common sense.

should i delete it,
you said you’d read it
you promised you would never ruin it with sequels,

I wake for you… on and on

beyond all ideas of right and wrong there is a field,
i will be meeting you there.

Ahí afuera, mas allá de ideas de bien o mal, hay un lugar
Nos vemos ahí.
Cuando el alma yace sobre la yerba
El mundo esta demasiado lleno para hablar de él
Las ideas, el lenguaje, incluso la frase ‘cada uno’
No tienen sentido.  <Rumi>

Window

~

the moon’s a skull, i think it’s grinning
the room is full of people now i think it’s spinning

wanted you… didn’t ask for nothing. wait for you… on and on

and i don’t need your tie, i don’t need to, tired of saying it.
we don’t need more talk, don’t empty out your canteen on the desert floor.
…ahhh, it’s all my fault

never wanna spell it out,
i just want to say that it is all my fault,
i could never spit it out,
i don’t wanna fix your tie

never want to say we’re sad,
thankful that we got some chance,
i know you won’t get back your time,
i wish that you could take it back…

beyond all ideas of right and wrong there is a field,
i will be meeting you there.

~

he wanted it more than me, i suppose
i was in a rush to wait in a line.
now i hear echoes of my old self,
this is not the way to be.
all at once,
i lost my way…

is it not true, the things that we did?
come here at once and look what they did
come here shut down and tune in tonite,
learn the words that they teach you without you realizing it
come here sit down and watch some tv

mine all mine / wait your turn
cross my cross / slice his hand
not your son / not your friend / not your enemy

i rely on the little things to get me by,
conscience says “i’m ok”,
you don’t hear what they say.
“he’s not my son, search his home”
off to war,
it’s time to go hide inside

soft skin,

weak chin,

just walk me thru it, tell me what to do i’ll do

hurry hurry, that’s my baby
ohh, do what you can.

all the time – he waits for me.
and now we talk from time to time,

hits you on the head when nobody’s there,
then he says ‘come here could you fix my tie?’

it’s never gonna be,
to be is not the way to be.

show me where to go don’t get angry so quickly,
fuck depression…

beyond all ideas of right and wrong there is a field,
i will be meeting you there

~

understanding is more important than love,
if not money will always trump justice

all is lost,
i’ll find my way…
so i say,
to be is not to be.
to be is not the way to be.

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“Pop Up! Music Festival” anunció su primera edición en el país con un interesante line up: Abraham Mateo, Sebastián Yatra y Adexe & Nau serán los principales artistas que saldrán a escena, el 4 de noviembre, en el Luna Park, Buenos Aires, Argentina.

Abraham Mateo 3.jpg

Abraham Mateo en la plaza mayor de Valladolid en el inicio de su gira 2016
Credito imagen: Ruben Ortega – Trabajo propio

Abraham Mateo

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Credito imagen: Villalonec – Trabajo propio

Sebastián Yatra

Archivo:Adexe y Nau, el dúo canario.jpg

Adexe y Nau, es hoy en día el grupo español con más reproducciones en Youtube
Fuente imagen:
Fuente: Trabajo propio  Fecha 11 de febrero de 2017 Autor: Adexe y Nau

 

 




Makaveli75 bosquejo de tupac shakur

El hip hop1​ es un movimiento compuesto por un amplio conglomerado de formas artísticas, originadas dentro de una subcultura marginal en el Sur del Bronx y Harlem, en la ciudad de Nueva York, entre jóvenes afroamericanos e hispanos durante la década de 1970.2​3​4​5​Se caracteriza por cuatro elementos, los cuales representan las diferentes manifestaciones de la cultura: Rap (oral: recitar o cantar), turntablism o “DJing” (auditiva o musical), breaking (físico: baile) y graffiti (visual: pintura). A pesar de sus variados y contrastados métodos de ejecución, se asocian fácilmente con la pobreza y la violencia que subyace al contexto histórico que dio nacimiento a la subcultura. Para este grupo de jóvenes, ofrece rebelarse en contra de las desigualdades y penurias que se vivían en las áreas urbanas de escasos recursos de Nueva York, así que el “hip-hop” funcionó inicialmente, como una forma de auto-expresión que propondría reflexionar, proclamar una alternativa, tratar de desafiar o simplemente evocar el estado de las circunstancias de dicho entorno, favoreciendo su desarrollo artístico. Incluso mientras continúa la historia contemporánea, a nivel mundial, hay un florecimiento de diversos estilos en cada uno de los cuatro elementos, adaptándose a los nuevos contextos en los que se ha inmerso el hip-hop, sin desligarse de los principios fundamentales, los cuales proporcionan estabilidad y coherencia a la cultura.

El origen de la cultura se deriva de las fiestas callejeras por los Ghetto Brothers. Cuando se conectaban los amplificadores para sus instrumentos y altavoces en las farolas de la 163rd Street y Prospect Avenue. La misma idea de tomar energía de la calle misma colgándose a las farolas las retomó DJ Kool Herc después de sus fiestas en la sala de recreo del condominio en el 1520 de Sedgwick Avenue, en donde hizo mezcla de los intermedios percusivos breaks de los temas soul y funk para impresionar a la multitud y especialmente de algunos bailarines que buscaban esos ‘breaks’ para lucirse en sus habilidades gimnastas b-boys, mientras algún MC animaba las fiestas y rimaba al ritmo, es decir rapeaban, de los diferentes beats, al tiempo que varios bailarines competían, en ocasiones de otras pandillas. No es sorpresa que Kool Herc sea reconocido como el “padre” del hip hop. El DJ Afrika Bambaataa en conjunto con Zulu Nation, esbozó los pilares de la cultura hip hop, a la que él acuñó los términos: MCing o “Emceein”, DJing o “Deejayin”, b-boying y graffiti o aerosol writin.
Desde su evolución a lo largo del sur del Bronx, la cultura hip hop se ha extendido a diferentes culturas urbanas, suburbanas y comunidades de todo el mundo.9​ El hip-hop surgió por primera vez con Kool Herc y Disc Jockeys contemporáneos como también imitadores, todos estos experimentaron creando golpes rítmicos a través de loops breaks (pequeñas porciones de canciones que enfatizan un patrón de percusión) en dos platos. Esto más tarde fue acompañado por rap, un estilo rítmico del canto o poesía a menudo se presenta en medidas de 16 intervalos de tiempo, y beatboxing, una técnica vocal usada principalmente para proporcionar elementos de percusión de la música y diversos efectos técnicos de DJs. Una forma original de baile y particulares estilos de vestir surgió entre los fans de esta nueva música, el breaking. Estos elementos experimentaron una considerable adaptación y el desarrollo en el transcurso de la historia de la cultura, incluso hoy permanece en constante evolución al ser una cultura presente en más de 200 naciones.
El hip-hop es tanto un fenómeno moderno como también antiguo; gran parte de la cultura ha girado en torno a la idea de actualizar las grabaciones clásicas, actitudes y experiencias al público moderno en lo que se denomina “flipping”. Actualmente aún sigue arraigándose a otros géneros norteamericanos como lo son el blues, jazz y rock and roll, inspirándose mayormente en el soul, el funk y, particularmente desde el álbum “Criminal Minded” (1986) de Boogie Down Productions, con el dancehall. Compite además con el rock, el pop y con la música electrónica por el primer lugar en cifras de ventas a nivel mundial como también la influencia cultural, ya que cada uno de los anteriores cuenta con seguidores en prácticamente cada nación de los cinco continentes, dando lugar a la creación de cientos de estilos y subculturas.

La creación del término hip hop suele atribuirse a Keith ‘Cowboy’ Wiggins, rapero que colaboraba junto a Grandmaster Flash and the Furious Five.10​ No obstante, Lovebug Starski, Keith Cowboy y DJ Hollywood usaban el término como una “muletilla” verbal al improvisar al micrófono, cuando a esta música se la conocía todavía como disco rap. Se cree que Cowboy creó el término cuando bromeaba con un amigo que acababa de alistarse a las Fuerzas Armadas de EEUU, al cantar haciendo scat las palabras “hip/hop/hip/hop” de forma que imitaba la cadencia rítmica de los soldados al marchar.10​ Cowboy más tarde desarrolló la cadencia de su rima “hip hop” como parte de su actuación en directo, lo que pronto fue utilizado por otros artistas como The Sugarhill Gang en “Rapper’s Delight”.

Afrika Bambaataa, fundador de Universal Zulu Nation, está reconocido como el primero en utilizar el término para describir una subcultura a la que esta música pertenecía. Se ha sugerido también que este era un término que se utilizaba para referirse de modo peyorativo a este estilo.11​ El primer uso impreso del término fue en The Village Voice, por Steven Hager, más tarde autor de una historia del hip-hop en 1984.

Años 1970
Orígenes

DJ Kool Herc, generalmente reconocido como el padre del hip hop.Minusbaby at en.wikipedia

Grandmaster Flash.

The original uploader was NotoriousTF de Wikipedia en ingléscome and seewiz flac. – Transferido desde en.wikipedia a Commons.
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Las raíces del hip-hop pueden encontrarse en la música afroamericana y finalmente en la música africana. Los griots de África Occidental son viajeros que forman parte de una tradición oral que se remonta a cientos de años atrás. Su estilo vocal es similar al de los raperos.14​ Otras manifestaciones afroamericanas como el talking blues (tempranos ejemplos destacan ser “It’s a Good Thing” de Beale Street Sheiks de 1927 y “Whitewash Station” de The Memphis Jug Band de 1929), signifyin’, the dozens y el jazz poetry son descendientes de los griots. Destacados artistas del Jazz como Cab Calloway (“Minnie The Muncher” y “Jungle King” de 1941) y Louis Armstrong (en la película “New Orleans” y el tema de 1953 “Spooks”, por citar unos pocos), del Gospel (impresionante rima larga duración de The Jubilaires en “The Preacher and The Bear” de 1941) y del Soul/Funk (“The Clapping Song” por Shirley Ellis de 1963,”Say It Loud, I’m Black and I´m Proud” por James Brown de 1968, “Good Love 69969” por Isaac Hayes de 1971, etc) dieron muestras notables de su débito a la tradición oral africana de recitar al ritmo de música de fondo. Adicionalmente, grupos de “humor” musical como Pigmeat Markham (con su notable “Here Comes The Judge” de 1968), Rudy Ray Moore y Blowfly están considerados por algunos como los abuelos del rap.

En la ciudad de Nueva York, las interpretaciones similares a los griots de poesía hablada y música por artistas como The Last Poets, Gil Scott-Heron y Jalal Mansur Nuriddin tuvieron un importante impacto en la cultura posterior al movimiento por los derechos civiles en los años 1960 y años 1970.

Todos los ejemplos anteriores juntos pueden bien considerarse Proto-Rap, o ejemplos adelantados de Rap antes de la exposición oficial en grabaciones del género dentro de la cultura hip hop desde 1979.

El hip hop surgió durante los años 1970 en block parties, haciéndose cada vez más popular en la ciudad de Nueva York, especialmente en el Bronx, donde las influencias afroamericanas.Las block parties comenzaron a incorporar DJs que pinchaban géneros de música populares, especialmente funk y soul. Como consecuencia de la positiva acogida, los DJs comenzaron a aislar los breaks de percusión de las canciones más populares. Esta técnica era similar a lo que se intentaba hacer en los sound systems jamaicanos,.16​17​ Uno de los primeros DJs en Nueva York que utilizó esta forma de mezclar fue DJ Kool Herc (Clive Campbell), que nació en Jamaica pero emigró a Estados Unidos en 1967. La música rhythm & blues se había hecho popular en Jamaica en los 50s gracias a la influencia de los marineros estadounidenses y las transmisiones de radios de Miami y Nueva Orleans. Para satisfacer a la fanaticada joven, grandes sound systems como impresionantes “discotecas ambulantes” fueron creados por jamaicanos con pocos recursos. Como a la audiencia de Nueva York no le gustaba especialmente ni el dub ni el reggae, Herc pasó a pinchar discos de funk, soul y disco. Dado que los breaks de percusión eran cortos, Herc y otros DJs como Grandmaster Flash comenzaron a extenderlos utilizando una mesa de mezclas y dos discos iguales que iban rebobinando y turnando entre sí.

Las técnicas de turntablism, como el scratching (aparentemente inventado por un jovencísimo Grand Wizzard Theodore en 197718​19​), y beat juggling se desarrollaron en paralelo a los breaks, creando una base sobre la que se podía rapear. Esas mismas técnicas contribuyeron a la popularización de los remixes a medida que el looping, el sampling y el remixing de la música de otros músicos, muchas veces sin su conocimiento o consentimiento, se desarrollaba como una expresión “paralela” a la misma música dub jamaicana,16​17​ y terminaría por convertirse en el sello de identidad del estilo hip hop= hacer música nueva a partir de grabaciones ajenas.

1520 Sedgwick Avenue, en el Bronx, edificio utilizado por Kool Herc y que está considerado como el lugar de nacimiento del hip hop. Bigtimepeace – Trabajo propio

A parte de los proto-rap antes mencionados de la cultura afroestadounidense, los inmigrantes jamaicanos también tuvieron gran influencia sobre el estilo vocal del rap al aportar sencillos raps característicos que entonaban en las fiestas y que estaban inspirados por la tradición jamaicana del toasting.16​20​ Los DJs y MCs solían añadir cánticos de “llamada y respuesta”, frecuentemente formados por estribillos básicos, que permitiían a los intérpretes espacio para reunir sus pensamientos (por ejemplo: “one, two, three, y’all, to the beat”). Posteriormente, los MCs lograron una mayor variedad en su entrega vocal y rítmica, incorporando rimas breves, muchas veces de temática sexual o escatológica, en un esfuerzo por diferenciarse de otros MCs y de entretener a la audiencia. Estos primeros raps incorporaban the dozens, un producto típico de la cultura afroamericana. Kool DJ Herc & the Herculoids fueron el primer grupo de hip hop en lograr reconocimiento en Nueva York, pero el número de equipos de MC no dejaba de aumentar constantemente. En ocasiones estas colaboraciones tenían lugar entre antiguas pandillas, como la Universal Zulu Nation de Afrika Bambaataa (actualmente una organización cultural internacional). Melle Mel, rapero junto a The Furious Five, suele reconocerse como el primer letrista del rap en llamarse a sí mismo “MC.”(maestro de ceremonias)

Durante los primeros 1970 surgió el B-boying en las block parties, a medida que los b-boys y b-girls se situaban frente a la audiencia para bailar de un modo frenético y característico. El término “B-boy” (Break boy) fue acuñado por DJ Kool Herc para describir a los muchachos que esperaban a la sección del break en la canción, colocándose en frente de la audiencia para bailar de forma distintiva. El estilo fue documentado para la audiencia global por primera vez en documentales y películas como Style Wars, Wild Style y Beat Street.

Aunque se dieron casos de MCs que grabaron en solitario de modo significativo, como DJ Hollywood, Busy Bee y Spoonie Gee, la presencia de artistas en solitario no fue habitual hasta mucho más tarde, con la aparición de solistas como Kurtis Blow y LL Cool J. La mayor parte del primer hip hop estuvo dominada por grupos donde las colaboraciones entre miembros era una parte integral del show.​ Un ejemplo sería el grupo de hip hop temprano Funky Four Plus One, quienes actuaron de esta manera en Saturday Night Live en 1981.

La música rap era un vehículo y una voz para la juventud marginada que habitaba en las zonas con menos recursos económicos, al ser una cultura que reflejaba las realidades sociales, económica y políticas de sus vidas.

Influencia de la música disco
La música Rap fue influida tanto por la música disco como por la reacción que se produjo contra ella. De acuerdo a Kurtis Blow, los primeros días del Hip Hop estuvieron caracterizados por divisiones entre fans y detractores del disco. El Hip Hop había surgido en buena medida como “una respuesta directa a la música disco rebajada y europeizada que se había hecho con las ondas”,​ y estando el primer Hip Hop basado principalmente en loops de hard funk (James Brown, Dennis Coffey, The Jimmy Castor Bunch, etc). Sin embargo, hacia 1979, las instrumentales basadas en temas de disco se había convertido en buena parte de la base del Hip Hop. Este género adoptó el nombre de “disco Rap”. Irónicamente, la música Hip Hop tuvo un papel central en la decadencia que a continuación vivió la música disco.

DJ Pete Jones, Eddie Cheeba, DJ Hollywood y Love Bug Starski eran DJs de Hip Hop con una significativa influencia del disco. Su estilo se diferenciaba de otros músicos de Hip Hop que se centraban en rimas rápidas y en estructuras rítmicas más complejas. Los MC’s que acompañaban a los DJs del Bronx Afrika Bambaataa (entre otros Soulsonic Force y Lisa Lee) y a Grandmaster Flash (The Furious Five) pertenecían al segundo grupo. Por otro lado, empresarios independientes como Paul Winley (que hizo el primer compilatorio de ‘breaks’ en vinilo en su propio sello en 1979 llamado “Super Disco Breaks”), Bobby Robinson del sello Enjoy, y especialmente Sylvia Robinson en su sello Sugar Hill Records, dieron el primer empuje discográfico al incipiente movimiento.

En Washington, D.C. surgió el go-go como una reacción contra la monolítica música disco, incorporando en un momento dado características del Hip Hop en los primeros años 1980. La música electrónica se comportó de modo similar, pasando a convertirse más adelante en lo que se conoce como house en Chicago y techno en Detroit.

Transición hacia reputación
Se considera de modo generalizado que el primer disco de hip hop fue “Rapper’s Delight” de The Sugarhill Gang, publicado en 1979.25​ Sin embargo, existe cierta controversia en torno a esta afirmación, en cuanto a la publicación unas semanas antes del “King Tim III (Personality Jock)” de la banda funk The Fatback Band, y su consideración como un disco de rap.Hay varios otros que también reclaman el título de primer disco de hip hop de la historia.

En los primeros años de la década de los ochenta todos los principales elementos y técnicas que dan forma al hip hop se habían desarrollado ya. Aunque todavía no había llegado a tner audiencias masivas o mainstream, el hip hop había permeado más allá de Nueva York. Se podía encontrar en ciudades tan diversas como Atlanta, Los Ángeles, Washington, D.C., Baltimore, Dallas, Kansas, San Antonio, Miami, Seattle, St. Louis, Nueva Orleans, Houston y Toronto. En ese contexto, “Funk You Up” (1979) fue el primer disco de hip hop publicado por un grupo femenino. El segundo sencillo publicado por Sugar Hill Records fue interpretado por The Sequence, un grupo de Columbia, South Carolina, en el que tocaba Angie Stone.

A pesar de la creciente popularidad del género, Filadelfia fue durante muchos años la única ciudad cuya contribución podía ser considerada equivalente a la de la ciudad de Nueva York. La música hip hop se hizo popular en Filadelfia a finales de los 1970. El primer disco que se publicó allí fue “Rhythm Talk”, del discjokey de radio Jocko Henderson (quien también fue un precursor de la rima al micrófono ya en los 50s). El periódico New York Times había denominado a Filadelfia la “Capital Mundial del Grafiti” en 1971. La DJ nativa de Filadelfia Lady B grabó “To the Beat Y’All” en 1979, y se convirtió en el primer artista de hip hop femenino en grabar un disco28​ Posteriormente, Schoolly D, otro artista de Filadelfia, contribuyó a inventar lo que más adelante se conocería como gangsta rap.

Años 80
La década de 1980 dio paso a la diversificación del hip hop como género, pasando a desarrollar diferentes estilos con creciente complejidad. Las primeras muestras de este proceso de diversificación pueden identificarse en temas como “The Adventures of Grandmaster Flash on the Wheels of Steel” de Grandmaster Flash (1981), un tema completamente construido a partir de samples de otras canciones que supone un hito fundacional del turntablism. El tema “Planet Rock” de Afrika Bambaataa, con su fusión de diferentes estilos y su sonido electrónico inspirado por los alemanes Kraftwerk y los japoneses YMO, es un punto definitorio del electro que se define como el primer subgénero musical dentro del hip hop. “Beat Bop” (1983) de Rammellzee & K-Rob es una slow jam (tema de ritmo lento) con una poderosa influencia del uso típico del reverb y el eco como en el dub jamaicano, para crear estructuras y efectos de sonido. A mediados de los años 1980, el Hard rock tuvo una cierta influencia sobre el hip hop, con la publicación de álbumes como King of Rock de Run DMC y Licensed to Ill de Beastie Boys, que incluyen temas con baterías programadas pesadas y guitarras de rock.

La utilización generalizada de una generación de cajas de ritmos, como los modelos Oberheim DMX y Roland 808, es característica de muchas de las canciones y producciones discográficas de los 80. Hasta la fecha, el sonido sampleado del golpe de bombo de la TR-808 sigue siendo utilizado por los productores de hip hop. Con el tiempo la tecnología de sampling se volvió más empleada que esas cajas de ritmos. El primer álbum de Public Enemy fue creado con la ayuda de loops de cinta. Con el surgimiento de una nueva generación de samplers, como el Akai S900 y E-mu SP-12, a finales de los 1980, los productores dejaron de necesitar la ayuda de loops de cinta. El proceso de convertir un break en un loop para formar un breakbeat se hizo más sencillo y accesible con el sampler, que permitió hacer digitalemente el trabajo que antes tenía que hacer manualmente el DJ. De paso, también samplers como el E-mu SP-1200 y Akai MPC posibilitaban combinar en secuencias cortos samples de distintas fuentes creando composiciones hechas como verdaderos ‘collage sonoros’.

Afrika Bambaataa (a la izquierda)
Sean-Jin de Wikipedia en inglés – Transferido desde en.wikipedia a Commons.
Sean Wilson 2004, Afrika Bambaataa, Tokyo

El contenido lírico del hip hop también evolucionó. Los primeros estilos presentes en los años 70 pronto fueron reemplazados por letras metafóricas, sobre instrumentales cada vez más complejas. Artistas como Melle Mel, Rakim, Chuck D y KRS-One revolucionaron el hip hop al transformarlo en una forma de arte más madura. El influyente sencillo “The Message” (1982) de Grandmaster Flash and the Furious Five está ampliamente considerado como pionero del rap consciente al abandonar la temática evasiva y fiestera de los raps del comienzo para tomar letras donde se narraba la cruda realidad de la ciudad (el desempleo, la exclusión, las drogas, racismo, etc).

Durante los primeros años 1980, la música electrónica se fusionó con elementos del movimiento hip hop creando el Electro. Este proceso estuvo liderado por músicos como Cybotron, Hashim, Planet Patrol, Man Parrish y Newcleus. El pionero de esta corriente sería Afrika Bambaataa.

Algunos raperos llegaron a convertirse con el tiempo en artistas de pop mainstream. La aparición de Kurtis Blow en un anuncio de Sprite fue la primera ocasión en que un músico de hip hop representaba un producto masivo.​ La canción de 1980 “Rapture” de la banda de new wave Blondie fue una de las primeras canciones en las listas pop en usar “rapeos”; incluso su cantante, la rubia Debbie Harry, hace mención de personajes insignes del mundo hip hop neoyorquino como Grandmaster Flash y del graffitero y promotor Fab Five Freddy amigo personal de la banda.

Nacionalización e Internacionalización
Con anterioridad a los años 1980, el hip hop se limitaba básicamente al entorno geográfico de los Estados Unidos. A partir de entonces comenzó a expandirse, dando lugar a escenas propias en docenas de países diferentes. En la primera mitad de la década, el b-boying se convirtió en el primer aspecto de la cultura hip hop que llegó a países como Alemania, Japón, Australia y Sudáfrica. El músico y presentador Sidney se convirtió en el primer presentador negro de la televisión francesa con su show H.I.P. H.O.P., emitido en TF1 durante 1984. Radio Nova contribuyó a la aparición de otras estrellas francesas como Dee Nasty, cuyo álbum de 1984 Paname City Rappin’ y sus recopilatorios Rapattitude 1 y 2 contribuyeron a aumentar la conciencia sobre el hip hop en Francia.

El hip hop siempre había tenido una estrecha relación con la comunidad latina en Nueva York. DJ Disco Wiz y la Rock Steady Crew eran de Puerto Rico y estuvieron entre los primeros innovadores al combinar letras en inglés y castellano. The Mean Machine grabó su primer disco en el sello Disco Dreams en 1981, mientras que Kid Frost de Los Ángeles comenzó su carrera en 1982. Cypress Hill se formó en 1988 en el suburbio de South Gate a las afueras de Los Ángeles cuando Senen Reyes (Sen Dog) y su hermano menor Ulpiano Sergio (Mellow Man Ace) se trasladaron desde Cuba a South Gate con su familia en 1971. Se les unieron desde la banda Queens (Nueva York) Lawrence Muggerud alias DJ Muggs (ex miembro de 7A3) y Louis Freese (B-Real), un mexicano/cubano-americano nativo de Los Ángeles, y formaron un grupo de rap. Tras la marcha de “Ace” para continuar una carrera en solitario, el grupo adoptó el nombre de Cypress Hill, en honor a las dos calles que cruzaban su barrio del sur de Los Ángeles, y con ese nombre se hicieron mundialmente famosos.

Se dice que el hip hop japonés comenzó cuando Hiroshi Fujiwara volvió a Japón y comenzó a pinchar discos de hip hop a comienzos de los 1980.31​ El hip hop japonés suele estar muy influido por el old school hip hop.

New School Hip Hop
Artículos principales: Old school hip hop y New school hip hop.
La new school of hip hop (o nueva escuela de hip hop en castellano) fue la segunda ola de la música hip hop, originándose en 1983–84 con los primeros discos de Run-D.M.C. y LL Cool J. Al igual que ocurrió con el hip hop que la precedió, la nueva escuela venía predominantemente de Nueva York. La new school se caracterizaba inicialmente por el minimalismo de sus patrones rítmicos construidos mediante caja de ritmos y las influencias de la música rock. Es característico de este estilo los insultos y provocaciones sobre la forma de rapear de los demás, y la temática socio política, ambos asuntos lanzados con un estilo agresivo y autoaseverativo. Tanto en su imagen como en las canciones, los artistas proyectaban una actitud dura, cool, callejera y b-boy. Estos elementos contrastaban profundamente con la estética funk y disco, las bandas en directo, los sintetizadores y las rimas festivas de los artistas anteriores a 1984, lo que hizo a esta corriente anterior ser considerada como old school (vieja escuela). Desde 1986 la música hip hop se hizo comercialmente exitosa, cambio ejemplificado por el álbum Licensed to Ill de Beastie Boys, que fue el primer álbum de rap en alcanzar el #1 en las listas de Billboard.32​

Edad de oro del hip hop

Public Enemy.

La “edad de oro” del hip hop (o simplemente “edad dorada”) es el nombre dado a un período en la historia del hip hop, que suele considerarse comprendido entre 1987 (álbum “Paid In Full” de Eric B & Rakim y mediados de los años 1990. Se caracteriza por su diversidad, calidad, innovación e influencia.33​34​ Se desarrollaron poderosas temáticas de afrocentrismo y de militancia política, sobre una música experimental y con un sampling ecléctico.Se produjo una influencia importante del jazz. Los artistas más reconocidos habitualmente asociados con esta fase son dr dre, Public Enemy, Boogie Down Productions, Eric B. & Rakim, De La Soul, A Tribe Called Quest, Gang Starr, Big Daddy Kane y Jungle Brothers.

 

El gangsta rap es un subgénero del hip hop que refleja los estilos de vida violentos de los jóvenes, especialmente afroamericanos, de los barrios periféricos y marginales de las ciudades.37​ Gangsta es una pronunciación no rótica de la palabra gánster. Entre los precursores del género entre principios y mediados de los años 80 están raperos como Schooly D y Ice T, fue popularizado a finales de los 80 por grupos como N.W.A. Ice-T publicó en 1986 “6 in the Mornin'”, que suele ser considerado como la primera canción de gangsta rap.

N.W.A es el grupo que con más frecuencia se asocia gangsta rap, siendo considerado como uno de los pioneros del género. Sus letras eran más violentas, abiertamente confrontacionales y chocantes que aquellas de otros grupos de rap más establecidos en la escena nacional. Incluían blasfemias constantes y, de modo controvertido, el uso repetido de la palabra insultante “nigger”. Estas letras eran cantadas sobre instrumentales duras, con frecuentes riffs de guitarra de rock, lo que contribuía al sonido agresivo de su música. Su álbum Straight Outta Compton (1988) fue el primer álbum superventas del gangsta rap. Daría pie al establecimiento del west coast rap como un estilo considerado como tal, y estableció Los Ángeles como rival legítimo a la capital tradicional del hip hop, Nueva York. Straight Outta Compton disparó la primera gran controversia relacionada con las letras del hip hop cuando su canción “Fuck Tha Police” provocó una carta del Asistente del Director del FBI, Milt Ahlerich, expresando la queja y preocupación de la policía sobre ella.38​39​ A raíz de la influencia de Ice T y N.W.A, el gangsta rap suele reconocerse como un fenómeno original de la Costa Oeste, a pesar de la contribución al mismo de grupos de la Costa Este como Boogie Down Productions.

Tras la atención nacional generada por Ice-T y N.W.A, el gangsta rap se convirtió en el subgénero de rap más rentable para la industria discográfica. También influyó en marcar la imagen oscura del hip hop con que se identifica a los rappers hasta la actualidad, en contraposición a la imagen disco de la old school o la festiva y militante de la “época dorada”.

Años 1990
En 1990 MC Hammer logró un gran éxito comercial con el álbum multi platino Please Hammer Don’t Hurt ‘Em. El disco alcanzó el primer puesto y su primer sencillo, «U Can’t Touch This», entró en el Top 10 del Billboard hot 100. MC Hammer se convirtió en uno de los raperos más exitosos de los primeros noventa y uno de los primeros nombres en ser conocidos en todos los hogares. El álbum llevó al rap a un nuevo nivel de popularidad. Fue el primer álbum de hip hop en ser certificado disco de diamante por la RIAA por alcanzar ventas superior a los diez millones.Se mantiene como uno de los discos que más ventas han logrado en la historia del género. Hasta la fecha, el álbum ha vendido al menos 18 millones de unidades.

En 1992, Dr. Dre publicó The Chronic. Además de permitir que el west coast gangsta rap fuera más viable comercialmente que el east coast hip hop, este álbum creó un estilo denominado g funk, que pronto pasaría a dominar el hip hop de la Costa Oeste. El estilo fue desarrollado y popularizado por Snoop Dogg con su álbum de 1993 Doggystyle.

Wu-Tang Clan saltaron a la fama alrededor de la misma época. Siendo de Staten Island (Nueva York) Wu-Tang Clan llevó el East Coast de vuelta al mainstream en una época en la que la West coast dominaba ampliamente el rap. Otros artistas decisivos en el llamado «renacimiento del East Coast» fueron The Notorious B.I.G., Jay-Z y Nas.

Los Beastie Boys, que habían comenzado como grupo de punk pero se habían reconvertido en un atrevido e innovador grupo de rap formado por chicos blancos, continuaron con su éxito durante toda la década, cruzando líneas de raza y logrando el respeto de muchos artistas diferentes.

Alguno sellos discográficos de Atlanta, St. Louis y Nueva Orleans lograron cierta fama por su escena local. La escena del midwest rap también fue notable, gracias al rápido estilo vocal de artistas como Bone Thugs-n-Harmony, Tech N9ne y Twista. Hacia el final de la década, el hip hop era parte integral de la música popular, y muchas canciones de pop estadounidenses contaban con componentes de hip hop.

West Coast Hip Hop

Comprende a cualquier artista o música hip hop que se produzca en la Costa Oeste de los Estados Unidos, en contraposición el East Coast rap (de la Costa Este). Hacia el final de la década de 1990, el foco del hip hop volvió a dirigirse hacia la Costa Este, así como a la escena del sur que estaba en rápido crecimiento. El máximo exponente del rap de la costa oeste fue el fallecido Tupac Shakur con éxitos como Dear Mama, Me Against The World, California Love entre muchos otros. También, después de su muerte, siguió triunfando con éxitos como Changes. Tupac es toda una leyenda en el mundo y es considerado como el mejor y más importante artista de rap en la historia del hip hop.

La escena de hip hop de la Costa Oeste comenzó en 1978 con la formación de Uncle Jamm’s Army, que comenzaron bajo el nombre Unique Dreams Entertainment. El grupo estaba influenciado por Prince, east coast electro, Kraftwerk y Parliament-Funkadelic. En 1980 Uncle Jamm’s Army se convirtieron en los mayores promotores de fiestas en LA. En 1983, el líder del grupo Roger Clayton, bajo la influencia del álbum de Funkadelic “Uncle Jam Wants You” cambió el nombre del grupo. 1984 fue el año en que Uncle Jamm’s Army publicó su primer sencillo, “Dial-a-Freak”, concidiendo con la publicación por Egyptian Lover del álbum “Nile”. En la ciudad de Compton el ex bailarín Alonzo Williams formó el grupo de electro hop World Class Wreckin’ Cru junto a Dr. Dre y DJ Yella. Williams fundó Kru-Cut Records y creó un estudio de grabación en la parte trasera de su discoteca Eve’s After Dark. El club era el lugar al que solían acudir el camello local (Jibaro) Eazy-E y Jerry Heller, así como otros raperos. Dre Dre, Dj Jella y Eazy E serían más tarde integrantes del grupo N.W.A, el cual contribuyó a aumentar la fama de la coesta oeste y el gangsta rap.

El Gangsta Rap como subgénero del West Coast rap predominó durante los años 90, tanto en emisión en radio como en ventas. Después de que el grupo N.W.A se disolviera, Dr. Dre publicó The Chronic en 1992, alcanzando el #1 en las listas de éxitos de R&B/hip hop,46​ #3 en las listas de pop y #2 en los sencillos de pop con «Nuthin’ but a “G” Thang». The Chronic llevó el west coast rap en una nueva dirección, fuertemente influenciado por el P funk, fusionando sórdidos beats de funk con letras cantadas lentamente. A este estilo se le denominó g-funk y dominó el hip hop durante un buen número de años gracias a un grupo de artistas que publicaban en Death Row Records y entre los que se encontraban Tupac Shakur, cuyo sencillo «To Live & Die in LA» fue un gran éxito, y Snoop Dogg, cuyo Doggystyle incluía las canciones «What’s My Name» y «Gin and Juice», que entraron en el top 10 de Estados Unidos.

Aparte de esta escena se encontraban otros artistas como Freestyle Fellowship, The Pharcyde así como otros miembros de la escena underground como el colectivo Solesides (DJ Shadow y Blackalicious entre ellos) Jurassic 5, Ugly Duckling, People Under the Stairs, The Alkaholiks, y unos primerizos Souls of Mischief que representaban un regreso a las raíces del hip hop.

East Coast Hip Hop
Artículos principales: East Coast hip hop y Jazz rap.

Gurú, líder del dúo Gangstarr y creador de la saga Jazzmatazz.Gurú, líder del dúo Gangstarr y creador de la saga Jazzmatazz.
Barbara Mürdter – photo taken by Barbara Mürdter
Guru, le rappeur du groupe.

En los primeros años 1990 el east coast hip hop estaba dominado por el colectivo Native Tongues, compuesto de modo flexible por De La Soul junto al productor Prince Paul, A Tribe Called Quest, The Jungle Brothers, así como sus afiliados 3rd Bass, Main Source, y un menos exitoso Black Sheep & KMD. Aunque tuvo originalmente una daisy age, una etapa donde se hacía hincapié en los aspectos positivos de la vida, pronto apareció otro material musical más oscuro (como «Millie Pulled a Pistol on Santa», de De La Soul).

Artistas como Masta Ace (particularmente en SlaughtaHouse) & Brand Nubian, Public Enemy y Organized Konfusion tenían una pose más abiertamente militante, tanto en sonido como en sus formas. Biz Markie, el «príncipe payaso del hip hop», estaba causando, tanto a sí mismo como a otros productores de hip hop, un problema con su apropiación de la canción «Alone again, naturally» de Gilbert O’Sullivan.

Hacia mediados de los 1990, artistas como Wu-Tang Clan, Big L y The Notorious B.I.G. incrementaron la visibilidad de Nueva York en una época en la que el éxito del hip hop estaba mayoritariamente dominado por los artistas de la Costa Oeste. Desde mediados hasta finales de los 1990 apareció una generación de raperos como los miembros de D.I.T.C. y o Big Pun.

La producción de RZA, especialmente para Wu-Tang Clan, causo una gran influencia sobre artistas como Mobb Deep, como consecuencia de su combinación de loops instrumentales, baterías altamente procesadas y comprimidas y contenido gangsta. Algunos álbumes de los afiliados a Wu-Tang como Only Built 4 Cuban Linx de Raekwon the Chef y Liquid Swords de GZA son clásicos centrales de Wu-Tang.

Otros productores como DJ Premier (fundamentalmente para Gangstarr pero también para otros MCs como Jeru the Damaja), Pete Rock (con CL Smooth y otros), Buckwild, Large Professor, Diamond D y The 45 King, proporcionaban bases de gran calidad a un amplio número de artistas independientemente de su localizción. Álbumes como Illmatic de Nas, Reasonable Doubt de Jay-Z y Word…Life de O.C. fueron hechos a partir de beats de este conjunto de productores. Varios de ellos tuvieron una importancia capital en el desarrollo del jazz rap, como Premier con la saga Jazzmatazz, o Pete Rock.

La rivalidad entre raperos de la Costa Este y la Costa Oeste llegó a convertirse en una cuestión personal, a lo que contribuyeron en gran medida los medios de comunicación musicales.

Aunque la mayor parte del mercado del hip hop estaba comercialmente dominado por la industria musical, al final de los 1990 y comienzo de los 2000 se vio aparecer a un buen número de sellos independientes en la Costa Este que gozaron de éxito. Entre ellos están Rawkus Records (con quien Mos Def logró gran éxito) y posteriormente Def Jux.

Diversificación de estilos

A finales de los años 1999 los estilos de hip hop se diversificaron. El Southern rap se hizo popular en los primeros 90,50​ con la publicación de 3 Years, 5 Months & 2 Days in the Life Of… de Arrested Development en 1992, Soul Food de Goodie Mob’s en 1995 y ATLiens de OutKast en 1996. Los tres grupos eran de Atlanta, Georgia. Posteriormente, Master P (Ghetto D) creço un conjunto de artistas (la posse No Limit) con base en Nueva Orleans. Master P incorporó influencias de g funk y Miami bass, así como sonidos característicos del sur. St. Louis, Chicago, Washington D.C., Detroit y otros lugares también comenzaron a lograr cierta popularidad.

En los años 1990, diferentes elementos del hip hop siguieron siendo asimilados por otros géneros de música popular. El Neo soul, por ejemplo, combinaba hip hop con soul. En los 1980 y 1990, rapcore, rap rock y rap metal, fusionaron hip hop con hardcore punk, rock y heavy metal, haciéndose populars entre audiencias amplias. Rage Against the Machine y Limp Bizkit están entre los grupos más conocidos de esta área.

La publicación por Digable Planets en 1993 de Reachin’ (A New Refutation of Time and Space) causó gran impacto, siendo uno de los discos más reoconocidos del jazz rap gracias a sus sampleos de Don Cherry, Sonny Rollins, Art Blakey, Herbie Mann, Herbie Hancock, Grant Green y Rahsaan Roland Kirk. El sencillo «Rebirth of Slick (Cool Like Dat)», alcanzó el #16 en el Billboard Hot 100

Aunque algunos raperos blancos como Beastie Boys, House of Pain y 3rd Bass habían logrado cierto éxito popular o aceptación crítica dentro de la comunidad hip hop, el éxito de Eminem, que comenzó en 1999 con el disco de platino The Slim Shady LP,​sorprendió a muchos.

Joven cantando Hip-hop.
Los latinos jugaron un papel importante en el desarrollo inicial del hip hop, lo que se relaciona con la expansión del estilo por muchas zonas de Latinoamérica. En México, el hip hop comenzó con producciones como Como estas feo de Speed Fire y el éxito de Caló a principios de los 1990. En 1996 se da a conocer Control Machete, originarios de Monterrey, o Cypress Hill, que en ese año graba un disco totalmente en castellano. Países como Chile ha sido uno de los pioneros regionales con el grupo Panteras Negras, además de Argentina y Brasil. Es de destacar también a Immortal Technique, de Perú. En Colombia, se celebra el festival de hip hop al parque donde por un lapso de tiempo se celebra este festival donde diferentes cantantes y artistas se presentan para demostrar sus talentos y también hay batallas donde se enfrentan diferentes Mc’s, el 11 de octubre de 2014 se celebra el décimo octavo festival hopper.

En Sudáfrica, la crew pionera es Black Noise, que comenzó a rapear en 1989, siendo prohibidos más tarde por el Gobierno en la decadencia de la era del Apartheid. Después surgió en el país un distintivo estilo local de la fusión del house y Kwela. En otros lugares de África como en Tanzania, crews del Bongo Flava (como llaman al hip hop allí) como X-Plastaz combinan hip hop con Taarab, Filmi y otros estilos.

En Europa, el hip hop englobó indistintamente a miembros autóctonos de cada país e inmigrantes sin distinción. Gran Bretaña creó una escena propia, al tiempo que en Alemania coexiste Die Fantastischen Vier con Kartel, el primer grupo de hip hop turco, muy conocido en Alemania, Turquía y Australia. Francia también ha producido una importante escena nacional con artistas que han logrado importantes éxitos de ventas como IAM, Suprême NTM, Booba o Assassin. En EEUU, quizá el rapero francés más popular sea el senegalés de nacimiento MC Solaar. En Suecia, el hip hop emergió a mediados de los 1980 y a principios de los años 1990 con grupos como Looptroop, The Latin Kings o Infinite Mass.

En España surgieron diferentes artistas y grupos en los años ochenta como D.N.I, MC Randy & D.J. Jonco o la Zona Norte Posse. Pero fueron CPV (Club de los poetas violentos) los primeros en sacar un LP, Madrid Zona Bruta, en 1994. En la actualidad existen diferentes grupos y artistas como Violadores del Verso, 7 Notas 7 Colores, SFDK, Solo los Solo y Nach.

Años 2000

Eminem actuando en una fiesta para DJ Hero en Los Ángeles.http://www.glenjamn.com/http://picasaweb.google.com/glenjamn/HOVVsEMINEM#5342808945989633490
2Pac performing at the DJ hero party on June 1, 2009

La popularidad del hip hop continúo durante los años 2000. En esta década, el disco The Marshall Mathers LP de Eminem vendió cerca de diez millones de copias en los Estados Unidos y fue el álbum más rápidamente vendido de toda la historia.53​ El LP debut de Nelly, Country Grammar, vendió más de nueve millones de copias. En los 2000, la música crunk, un género derivado del Southern hip hop, logró considerable popularidad gracias a artistas como Lil Jon y Ying Yang Twins.

La influencia del hip hop siguió creciendo en el pop comercial durante este período, especialmente hacia mediados de la década. En la Costa Este, entre los grupos más populares se encuentran 50 Cent, cuyo álbum de 2003 Get Rich or Die Tryin’ pudo vender más copias que su socio Eminem. Debutó en el número uno del U.S. Billboard 200 charts

Además del éxito mainstream, Estados Unidos también vio alcanzar el éxito al rap alternativo de la mano de intérpretes como The Roots, Dilated Peoples, Gnarls Barkley y Mos Def, quienes logran un reconocimiento significativo. El álbum de Gnarls Barkley St. Elsewhere, que contenía una fusión de funk, neo soul y hip hop, debutó en el número 20 del Billboard 200. Adicionalmente, None Shall Pass, álbum publicado por Aesop Rock en 2007, fue muy bien recibido​ y alcanzó el #50 en las listas de Billboard charts.

Dominio del sur
En torno a 2003 y 2004, el southern rap y el dirty south, creado fundamentalmente por artistas de Atlanta, continúa avanzando terreno en el plano comercial, sumando a sus letras una temática más festiva. Artistas como Lil Jon, Young Jeezy, YoungBloodZ, Ying Yang Twins o T.I. son ejemplo de ello. Aunque Atlanta era considerada en esta época la capital del southern rap, la ciudad de Houston empezó a producir también raperos de éxito como Paul Wall, Chamillionaire, Mike Jones, Slim Thug, Lil’ Flip o Z-Ro, lo que les permitió en conjunto dominar las listas.

Crunk y Snap Music

El crunk se originó a partir del southern hip hop hacia finales de los 1990. Los precursores del estilo son artistas de Memphis, Tennessee y Atlanta, Georgia.

Suelen utilizarse ritmos desnuos y formados por loops de caja de ritmos. La Roland TR-808 y 909 están entre las más populares. Los patrones de caja de ritmos suelen acompañarse por melodías sencillas y repetitivas de sintetizador así como por pesados golpes de bajo. El tempo de la música es algo más lento que el habitual en el hip hop, aproximadamente a la misma velocidad que el reggaeton.

El punto crucial del crunk suele tener más que ver con los beats y la música que con las letras mismas. Los raperos que practican crunk rappers suelen gritar sus letras, creando un estilo duro y agresivo, casi heavy, de hip hop. Mientras que otros estilos de hip hop tratan sobre cuestiones sociopolíticas o personales, el crunk suele ser casi exlusivamente música de fiesta, favoreciendo las estructuras y los eslógans de llamada y respuesta en lugar de otros enfoques más profundos.

El snap es un subgénero de crunk que surgió en Atlanta hacia finales de los 1990. El género pronto logró popularizarse. Entre los temas más conocidos están “Lean Wit It, Rock Wit It” de “Dem Franchize Boys”, “Laffy Taffy” de D4L, “It’s Goin’ Down” de Yung Joc y “Crank That (Soulja Boy)” de Soulja Boy Tell ‘Em.

Glitch Hop y Wonky

El glitch hop es un género que fusiona el hip hop con la música glitch que se origina a comienzos de los años 2000 en Estados Unidos y Europa. Musicalmente, está basado en breakbeats irregulares y caóticos, líneas de bajo glitchy y otros efectos de sonido habituales en la música glitch, como skips. Entre los artistas de glitch hop se encuentran artistas como Prefuse 73, Dabrye y Flying Lotus.

La música wonky es un subgénero del hip hop que se originó alrededor de 2008 en buena parte del globo, aunque especialmente en Estados Unidos y entorno al sello discográfico inglés Hyperdub, bajo la influencia del glitch hop y del dubstep. La música wonky tiene glitches como el glitch hop, pero se diferencia por sus melodías, ricas en “inestables sintes de medio-rango”. Escocia se ha convertido en uno de los lugares donde más se ha desarrollado esta música, con artistas como Hudson Mohawke y Rustie. En Glasgow, Rustie ha creado un subestilo de wonky llamado “aquacrunk”, una fusión de wonky y crunk.

El glitch hop y el wonky son populares entre un limitado número de personas interesadas en hip hop alternativo y música electrónica (especialmente dubstep). Ninguno de los dos han logrado popularidad a gran escala, si bien tienen influencia sobre otras producciones mainstream.

Ventas a la baja
A partir de 2005, las ventas de discos tanto de hip hop como de otros géneros musicales en Estados Unidos comenzaron a caer de manera severa, lo que llevó incluso a la revista Time a preguntarse si el hip hop dentro de la corriente principal musical estaba comenzando a morir, afirmando que “el hip hop está colapsando debido a que ya no pueden engañar a los niños blancos, hay demasiada redundancia”58​ La revista Billboard encontró que desde el año 2000 las ventas de rap habían caído en un 44%, descendiendo en un 10% las ventas de todo tipo de música.59​ La crítica cultural Elizabeth Blair de la NPR hizo notar que “algunos expertos de la industria musical dicen que la gente joven está harta de la violencia en las canciones. Otros opinaban que la música seguía siendo tan popular como antes, pero que los aficionados a ella habían cambiado sus hábitos de consumo.”60​ Se ha argumentado también que muchos jóvenes descargan música de manera ilegal, especialmente a través de las redes P2P, en vez de comprar álbumes y sencillos en tiendas legítimas.

Para otros, la culpa es de la falta de contenido lírico en el hip hop. En álbumes modernos, además, también ha sido notable la falta de sampleo, el cual se considera que ha bajado de calidad. Por ejemplo, solo se usaron tres samples en el álbum de 2008 de T.I. llamado Paper trail, mientras que en el álbum Moment of Truth de 1998 de Gang Starr hay 35 de ellos. La disminución en el sampleo es debida en parte a que son muy caros para los productores musicales.61​ En el documental de Byron Hurt de nombre Hip Hop: Beyond Beats and Rhymes, se afirma que el hip hop ha cambiado de “rimas inteligentes y ritmos bailables” a la “promoción de la corrupción personal, social y criminal.”

Innovación y revitalización
Hacia finales de los años 2000 el rap alternativo logró finalmente hacerse un hueco en el mainstream, gracias en buena medida al declive comercial del gangsta rap así como al éxito crossover de artistas como OutKast y Gnarls Barkley.​ El disco de OutKast Speakerboxxx/The Love Below no solo tuvo buena acogida por la crítica musical, sino que además recibió la atención de oyentes de diferentes edades y gustos musicales como rap, rock, R&B, punk, jazz, indie, country, pop, electrónica y gospel. Logró dos sencillos número uno certificados por RIAA que vendieron más de once millones de copias, convirtiéndose en el álbum con más ventas de todos los tiempos y logrando el Premio Grammy al mejor álbum del año en su 46 edición, siendo el segundo álbum de rap en lograr ese honor. Diferentes observadores dentro de la industria vieron la guerra de ventas entre el álbum Graduation de Kanye West y Curtis de G-Unit como un punto de inflexión para el hip hop. West emergió como el vencedor, vendiendo cerca de un millón de copias solo en la primera semana, probando que el rap innovador podía ser tan comercialmente viable como el gangsta rap, si no más. Aunque lo diseñó como pop melancólico más que como rap, el álbum continuación de Kanye, 808s & Heartbreak, tendría un significativo efecto sobre la música hip hop. Su decisión de cantar sobre amor, soledad y dolor de corazón durante todo el álbum fue al principio duramente criticada por la audiencia musical, prediciéndose que el álbum sería un descalabro. Sin embargo, su buena acogida crítica junto al éxito comercial animaron a otros raperos mainstream a tomar más riesgos creativos en su música.

El movimiento de rap alternativo no se limita a Estados Unidos. Otros raperos como el poeta somalí-canadiense K’naan, el japonés Shing02 y la artista con origen en Sri Lanka M.I.A. han logrado considerable reconocimiento en todo el mundo. En 2009, la revista TIME sitúo a M.I.A en su lista para Time 100 de las “Personas más Influyentes del Mundo” por haber “tenido una influencia global en muchos géneros”.

Años 2010
Resurgimiento del género y aumento de ventas
En la década 2010, gracias a la aparición de nuevos artistas y otros ya con años en la música de la escena mundial como Kendrick Lamar, Wiz khalifa, Lil Wayne, Drake, Iggy Azalea y Nicki Minaj, los cuales han tenido un gran éxito de ventas durante los años siguientes, se generan nuevas corrientes de pensamiento, que en su mayoría proponen volver a lo que se considera “Real Rap”, exceptuando Rihanna, varios artistas de la considerada “New School” son criticados por este motivo, lo cual ha permitido que artistas de la denominada “Old School” como Eminem, Dr. Dre, Snoop Dogg, 50 Cent, The Game, Ice Cube, Jay-Z entre muchos otros, hayan reaparecido; lo que han aprovechado de gran manera, aumentando sus ventas de manera considerable, y por ende las del Hip Hop. Con ayuda de la tecnología en el Cochaella festival, reaparece Tupac, lo que demuestra claramente el empeño de los artistas, en traer la “Era dorada del Hip Hop” década de los 90’s, al presente sin subestimar las propuestas que trae la nueva escuela desde el 2009. El experimento no solo ha tenido éxito en Norteamérica, pues a nivel mundial el Hip Hop se ha revitalizado, lo que lo hace no solo ser una de las tres culturas más importantes en el mundo, sino disputarse el primer lugar en ventas con el Rock y el Pop.

Impacto social del hip hop
Efectos

Mapa de algunos subgéneros del Rap originados alrededor de Norte América.70​

Dlaw1979 at en.wikipedia – Transferred from en.wikipedia to Commons by User:Ainali using CommonsHelper.
El hip hop se ha tenido un considerable impacto social desde sus inicios en la década de 1970.Orlando Patterson, profesor de sociología en la Universidad de Harvard, ayuda a describir el fenómeno de la rápida propagación del Hip Hop alrededor del mundo. El profesor Patterson sostiene, que la comunicación de masas es controlada por los ricos, el gobierno y las empresas en naciones Tercer mundistas y países de todo el mundo. Él también acredita la comunicación de masas con la creación de una escena cultural del hip hop a nivel mundial. Como resultado, los jóvenes absorben y son influenciados por la escena del hip hop americano y comienzan su propia forma del mismo. Patterson cree que la revitalización de la música hip hop se producirá en todo el mundo con la mezcla de los valores tradicionales y las formas musicales del hip hop americano, y últimamente un proceso de cambio y desarrollo global de los jóvenes de todo el mundo que permite ser más influenciados por alguna de las formas musicales del hip hop. También se ha argumentado que la música rap se ha formado como una “respuesta cultural a la opresión histórica y el racismo, un sistema de comunicación entre las comunidades negras y más adelante latinas en los Estados Unidos”.​ Esto se debe al hecho de que la cultura refleja la situación social, económica y la realidad política de los jóvenes privados de sus derechos.​ En la Primavera árabe hip hop ejerció un papel importante en la provisión de un canal para que los jóvenes expresen sus ideas.

Moda
El vestuario ha sido siempre una parte importante del impacto social y cultural del hip hop, y como la popularidad del género aumentó, también lo hizo el efecto de su moda. Si bien no fueron parte dominante de los elementos del hip hop en un principio, y aunque raperos como Run-DMC demostraban afinidad con algunas marcas en este caso Adidas o igualmente la Wu-Tang Clan con Wallabees Clark’s, no fue hasta su auge comercial, que la moda hip hop se convirtió verdaderamente influyente e ineludible. Entre mediados y finales de los 90’s, la cultura hip hop abrazó algunos de los principales diseñadores y estableció una nueva relación con la manera clásica en que se vestían los raperos. Marcas como Ralph Lauren, Calvin Klein y Tommy Hilfiger ganaron un impulso económico al adentrarse ligeramente en la cultura hip hop y cedieron muy poco al cambio conservando la autenticidad. Entrando en el nuevo milenio, la moda hip hop consistió en camisas holgadas, pantalones y camisetas anchas. Hombres como Pharrell y Jay-Z dirigieron sus propias líneas de ropa y otros como Kanye West se vincularon con diseñadores como Louis Vuitton, la ropa paso a ser más ceñida al cuerpo, más clásico de lo que es moda propiamente, y aumentado su valor económico. Haciendo énfasis en la recién descubierta moda de la cultura hip hop, el diseño condujo inevitablemente a una re definición de la masculinidad en la cultura y una disminución importante en la homofobia característica del género.En la actualidad se observan raperos con un estilo clásico, pantalones holgados, en cierto caso sudadera pintadas a mano, se caracterizan por el uso excesivo de joyas, cadenas y brillos. gorra plana, trenzas por toda la cabeza y zapatillas de marca tipo bajo usualmente son tipo Vans y DC’s.

Como el hip hop expresa la masculinidad de sus artistas mediante la moda, la violencia y la intimidación, haciendo alarde de la riqueza y el espíritu empresarial, también ha sido testigo de la aparición de nuevos conceptos que permiten demostrarla mediante la humildad, y la obtención de respeto por mérito y talento.​ El artista de hip hop de hoy en día ya no se limita a la música que sirve como su única ocupación o fuente de ingresos. A comienzos de 1990, las principales compañías de ropa “habían dado cuenta del potencial económico de golpear ligeramente en la cultura hip-hop. Artistas de Hip Hop son creadores de tendencias y del gusto de las masas. Sus fanáticos van de los grupos minoritarios que pueden relacionarse con sus luchas propias a los grupos mayoritarios que no pueden realmente relacionarse pero les gusta “consumir la fantasía de vivir una vida más masculina”.Los raperos proporcionan “la imagen cool” y las empresas entregan el producto, la publicidad, y los activos financieros.

Los artistas ahora usan marcas como medio de ingreso suplementario a la música o están creando y expandiendo sus marcas propias que se convierten en su principal fuente de ingresos. Como explica Harry Elam, se ha producido un movimiento, el de la “incorporación y la re definición de las tendencias existentes en el diseño y la comercialización de productos, como sucede con la moda del hip-hop. El Hip Hop cuenta con varias tendencias hoy día en cuanto a la forma de vestir, desde la popular Old School que consiste regularmente en ropa ancha, hasta la New School, ropa más ceñida al cuerpo, o estilos alternativos como el Swag entre otros.

La expansión del Hip Hop en la sociedad moderna ha dado lugar a la creación de la figura del “toyako” o “toy”. Esta palabra usada como insulto hace referencia a un falso MC, una persona que se une al Hip Hop con la única intención de obtener dinero y popularidad generalmente por medio de tácticas mal vistas por los amantes reales del Hip Hop, como hablar mal de un MC a la espalda o en canciones para conseguir polémica entre otras cosas. Los toyakos son odiados dentro de la cultura urbana y en cientos de canciones se hace referencia a esto.

Educación
Muchas organizaciones, escuelas y universidades están ofreciendo espacios y programas para que las comunidades puedan explorar y aprender acerca del dominio hip hop. Un ejemplo son los laboratorios de la PMI en Regina, Saskatchewan, Canadá. Muchos estudios de danza y universidades ahora ofrecen lecciones de hip hop junto a las de tap y ballet, así como conferencias, KRS-ONE enseñanza acerca del hip hop en la Universidad de Harvard.

El productor de Hip hop 9th Wonder y el ex rapero y actor Christopher “Play” Martin del grupo de hip hop Kid-n-Play imparten ambos clases de historia del hip hop en la Universidad Central de Carolina del Norte​ y 9th Wonder también ha enseñado “Hip Hop Sampling Soul “en la Universidad de Duke. En 2007, la Biblioteca de la Universidad de Cornell creó la “Hip Hop Collection” para recoger y hacer accesibles documentación y artefactos históricos de la cultura hip hop y asegurar así su preservación para las generaciones futuras.

Además de que alrededor del mundo existen academias que instruyen acerca de los cuatro elementos, como también historia y temas relacionados a la cultura.

Debemos considerar la potencialidad del lenguaje tanto en la música, como singularmente en el rap y así mismo en la cultura hip hop, como un medio de retórica que puede influir la ideología de un sector de la sociedad. De este modo, la importancia como cultura y medio de difusión retórica permiten debatir el hip hop como una herramienta educativa que puede ser explorada más a fondo.

Doodle de Google nacimiento del hip hop 



{11 agosto, 2017}   Gustavo Cerati – Natalicio

Gustavo Cerati.jpgGustavo Cerati




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Mick Jagger

Mick Jagger con traje verde reptil  en Argentina

Muestra fotográfica Los Ángeles de Charly en el Palais de Glace

Recorrido de la Muestra fotográfica Palais de Glace

28º  MUESTRA ANUAL DE FOTOPERIODISMO ARGENTINO 2017 ARGRA-PALAIS DE GLACE

UN AÑO EN IMÁGENES

EN ELLA SE RESCATA EL VALOR DE UN DOCUMENTO FOTOGRÁFICO

Testimonio del compromiso de los fotoperiodistas en reflejar la realidad cotidiana que acontece en nuestro país y en el mundo.

Jpeg

 

Vicentico

 

 

Pañuelos madres de Playa de Mayo

 

Tenista

 

Ni una menos Marcha

 

La muestra se podrá visitar hasta el 12 de agosto en el Palais de Glace, Posadas 1725 (CABA). Horario: de martes a viernes, de 12 a 20, y sábados y domingos, de 10 a 20. La entrada es libre y gratuita.

La recomiendo.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 



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