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{22 noviembre, 2017}   Santa Cecilia

Santa Cecilia, de Ambrosius Benson (1495-1550), en la Weiss Gallery.
seguidor de Ambrosius Benson – http://www.weissgallery.com

 *Patrona de la música, de los poetas, de los ciegos (junto con santa Lucía de Siracusa), de los municipios de Alfafara (Comunidad Valenciana, España), y Villalán de Campos (Comunidad de Castilla y León), y de las ciudades de Albi (Francia), Omaha (Estados Unidos) y Mar del Plata (Argentina), entre otras.

Santa Cecilia

Santa Cecilia tocando el laúd (c. 1616), óleo sobre tela de Artemisia Gentileschi. Se conserva en la Galería Spada (Roma).
Artemisia Gentileschi – Web Gallery of Art: Image Info about artwork

Nicolas Poussin – Santa Cecilia
Nicolas Poussin – Galería online, Museo del Prado.

Guido Reni – Santa Cecilia
taller de Guido Reni –

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Dmitri Aleksandrovich Hvorostovsky in Vitebsk.jpg

Starsон может спокойно отдохнуть

Dmitri Aleksandrovich Hvorostovsky is a leading baritone opera singer from Russia
Fuente Imagen: Serge Serebro, Vitebsk Popular News – Trabajo propio

Dmitri Aleksandrovich Hvorostovsky PAR (en ruso: Дми́трий Алекса́ндрович Хворосто́вский; Krasnoyarsk, 16 de octubre de 1962 – Londres, 22 de noviembre de 2017) fue un barítono operístico ruso. Hvorostovsky nació en Krasnoyarsk, Siberia.

Era hijo único. Estudiό en la escuela de artes Krasnoyarsk bajo la tutorίa de Yekaterina Yofel e hizo su debut en la casa de opera Krasnoyarsk , en la función de Marullo en Rigoletto. Ganό su primer premio en competencias en la competiciόn de Glinka en 1987 y la competencia de canto de Toulouse en 1988.

Carrera
Hvorostovsky alcanzό el estrellato en 1989 cuando ganό la BBC Cardiff Singer of the World Competition, batiendo al local favorito Bryn Terfel en la ronda final. Su actuaciόn de Handel “Ombra mai fu” y “Per me giunto…O Carlo ascolta” de Verdi Don Carlos. Sus recitales de conciertos internacionales empezaron inmediatamente después de su victoria, (debut de Londres, 1989 en Nueva York 1990).

Su debut operístico en el oeste fue en The Nice Opera en la obra de Tchaikovsky La Reina de Espadas (1989). En Italia debutό en La Fenice como Eugene Onegin, fue un éxito que elevό su reputación, e hizo su debut operístico americano con la Ópera Lírica de Chicago (1993) en La traviata.

Desde entonces ha cantado básicamente en todas las casas de ópera importantes, incluyendo la Metropolitan Opera en New York (debut 1995), la Royal Opera House en Covent Garden, la Berlin State Opera, La Scala y la Vienna State Opera. Es especialmente renombrado por su retrato del carácter de título en Eugene de Chaikovski Onegin; The New York Times lo describió como “nacido para hacer esta funciόn.”

En 2002, Hvorostovsky actuó en la sociedad de Bienestar de los Niños rusos para un fondo importante llamado el “Petrushka Ball”. Es un miembro honorario de la caridad.​ Un hombre alto con cabello plateado, Hvorostovsky ha conseguido internacional aclamarse como un intérprete de ópera así como un artista de concierto. Está considerado entre las 50 personas más bonitas de la revista People, una ocurrencia rara para un músico clásico. Su alta, voz de medio peso tiene el típico timbre líquido de barítonos rusos.

Un programa de recital de arreglos nuevos de canciones de la era de Segunda Guerra mundial, Where Are You My Brothers? fue ofrecido en la primavera de 2003 delante de una audiencia de 6,000 en el Palacio de Kremlin en Moscú, y visto en la televisión rusa por encima 90 millones de espectadores. El mismo programa estuvo actuado con la Orquesta sinfόnica de San Petersburgo para sobrevivientes del Asedio de Leningrado.

En años recientes el repertorio de Hvorostovsky ha constado enteramente de obras de Verdi como por ejemplo, Un ballo en maschera, La traviata y Simon Boccanegra. En 2009 apareciό en Il trovatore en una producciόn de David McVicar en la Metropolitan Opera con Sondra Radvanovsky.

En junio de 2015 Hvorostovsky anunció que había sido diagnosticado con un tumor de cerebro y cancelό todos sus conciertos desde agosto. Los representantes familiares dicen que ha sido tratado en el hospital de cáncer de Londres Real Marsden. A pesar de su enfermedad Hvorostovky regresó a la etapa en la Metropolitan Opera en septiembre como el Conte di Luna en Il trovatore para una serie de tres actuaciones junto a Anna Netrebko.Recibiό grandes comentarios del los críticos por sus actuaciones.

Registros
Hvorostovsky ha hecho muchas grabaciones de CD, primero con Valery Gergiev para Philips y después con Constantine Orbelian para Delos, y tiene varias actuaciones que grabó en DVD.

Hvorostovsky de interés en canciones rusas clásicas y tradicional ha dirigido registros que incluyen:

Te Conocí, mi Amor 2002
Dónde están ustedes mis hermanos? 2003

Wilipedia

Referencias

“Star Power, Charisma and Ardor in Onegin by Anthony Tommasini, The New York Times (12 February 2007)

 Russian Children’s Welfare Society: Board of Directors (enlace roto disponible en Internet Archive; véase el historial y la última versión).

 “RCWS News”, Vol. 7, Fall 2002Tommasini, Anthony (18 de febrero de 2009). «Verdi’s Foundlings, Nobles and Gypsies, Transported to the Age of Goya». The New York Times. Consultado el 1 de mayo de 2010.Jorden, James.

«The Met’s Triumphant ‘Il Trovatore’ Is a Return to Opera’s Golden Age». New York Observer. New York Observer LLC. Consultado el 22 de octubre de 2015.

Tommasini, Anthony. «Review: ‘Il Trovatore’ and ‘Anna Bolena’ Showcase Courage and Command at the Met». The New York Times. The New York Times Company. Consultado el 22 de octubre de 2015.



{8 noviembre, 2017}   Portugal. The Man

 

 

File:Portugal- The man performing in Kansas City, Missouri 2013-10-18 17-32.jpgPortugal. The Man presentándose en Kansas City, Missouri.

Portugal. The Man es una banda de rock estadounidense originalmente de Wasilla, Alaska con sede en Portland, Oregón. El grupo está formado por John Gourley, Zach Carothers, Kyle O’Quin, Noah Gersh y Kane Ritchotte. Gourley y Carothers se reunieron y comenzaron a tocar juntos en la escuela secundaria en Wasilla, Alaska. Desde la formación de Portugal. The Man en el 2005, la banda ha lanzado seis álbumes de estudio y tres EPs. Sus dos primeros álbumes fueron lanzados en Fearless Records. También lanzaron el material en su propio sello Acercarse AIRballoons través de la discográfica indie Equal Vision Records. El 2 de abril de 2010, la banda firmó con Atlantic Records. Evil Friends marca su séptimo álbum de estudio de longitud completa y la primera colaboración entre Portugal. The Man y el productor Danger Mouse. Fue lanzado el 4 de junio de 2013.

Origen del nombre
Respecto a la elección del nombre, los miembros de la banda afirman que desde un principio siempre quisieron buscar un país que formara parte del nombre del grupo porque como indican: “un país, es un grupo (de gente) en sí mismo”. Y se decantaron por el primer país que les vino a la mente: Portugal. Les gustó, sonaba bien como nombre para la banda, y además consideraban que Portugal es un país que refleja fielmente la riqueza y diversidad de estilos culturales y musicales que la propia banda interpreta con sus canciones.

Videos musicales y cortometrajes
El 6 de junio de 2011 Portugal. The Man lanzó un cortometraje con los temas “Sleep Forever” y “Got It All (This Can’t Be Living Now)” de su último álbum, In The Mountain In the Cloud.1​ Producido por Richard Hutchins y dirigida por Michael Ragen, la película cuenta con 13 minutos y 16 segundos del desierto de Alaska entrelazadas con escenas de testaferro PTM, John Gourley, trineos tirados por perros antes de que se ve obligado a viajar a pie después de que sus perros lo abandonan.2​ Al final, Gourley dispara accidentalmente a sí mismo en la cara cuando se tropieza y cae en la nieve. Sus perros regresan y comen a su dueño, los muertos John Gourley.

Actualmente, Portugal. The Man también ha lanzado videos musicales de sus canciones “So American”, “People Say”, “All Your Light”, “Do You”, “The Dead Dog”, “AKA M80 The Wolf”, “Lay Me Back Down”, “The Sun,” “Evil Friends,” “Purple Yellow Red and Blue”, “Modern Jesus”, “Atomic Man”, “Noise Pollution”, “Feel It Still”, “Guns & Dogs”



{7 noviembre, 2017}   Joni Mitchell

1974 Joni Mitchell.jpg

Roberta Joan Anderson, conocida artísticamente como Joni Mitchell (Alberta, Canadá, 7 de noviembre de 1943), es una cantante y pintora canadiense. Comenzó su carrera musical en Toronto y en el oeste de Canadá, se relacionó luego con la floreciente escena de folk de Nueva York de mediados de los sesenta. A lo largo de los años 70 amplió sus horizontes musicales, dirigiendo su interés hacia el pop y el jazz, para convertirse en una de las cantantes y compositoras más respetadas de finales del siglo XX. Es la autora de la canción Woodstock. Mitchell es también una exitosa artista plástica; las portadas de casi todos sus álbumes han sido creadas por ella misma. Insiste a menudo en que la pintura era su vocación original, auto describiéndose como una “pintora descarrilada por las circunstancias”

Inicios
Desde muy joven se interesó tanto por la pintura como por instrumentos musicales como el piano, la guitarra y el ukelele. El apellido Mitchell procede de su breve matrimonio con el cantante folk Chuck Mitchell, en 1965. Comenzó su carrera musical actuando en pubs y bares, y se hizo famosa por la calidad de sus letras y su innovador estilo con la guitarra. Personales y a veces conscientemente poéticas, sus canciones se vieron reforzadas por la calidad de su voz, extraordinariamente amplia en registros (con una amplitud de tono que cubre al mismo tiempo más de cuatro octavas), y por su estilo único de guitarra, que hace un uso frecuente de afinaciones alternativas. Ha sido fumadora desde los 9 años, lo que puede explicar por qué su voz es tan singular. Esto se ha hecho especialmente evidente en sus álbumes posteriores. Ella misma dice que ha sido adicta al cigarrillo desde que tomó su primera bocanada. En la época en que abandonó su hogar en Saskatoon, Saskatchewan, quedó embarazada. Al no ver otra alternativa, dio a su hija en adopción. Mitchell mantuvo esto en secreto durante la mayor parte de su exitosa carrera musical. Una noche, tocando en un club de Nueva York, un joven David Crosby presenció su actuación y quedó impresionado por su habilidad y sus dotes como artista, y decidió tomarla bajo su protección.

Los comienzos de su éxito se debieron en gran medida al hecho de que otros intérpretes versionaran sus temas: su canción “Urge for Going” fue un éxito en las interpretaciones del cantante country George Hamilton IV, del intérprete folk Tom Rush y, muchos años después, de la banda escocesa Travis. También la irlandesa Luka Bloom grabó la canción. La versión original de este tema, grabada por Joni Mitchell en 1967, no vio la luz hasta 1972, como cara B del single de 1972 “You Turn Me On I’m A Radio”, y no fue editada en álbum hasta el recopilatorio “Hits”, en 1996.

Otros intérpretes lograron éxitos con canciones de Joni Mitchell: Judy Collins, a principios de 1968, grabó “Both Sides Now” y el grupo de folk rock británico Fairport Convention incluyó “Chelsea Morning” y “I Don’t Know Where I Stand” en su álbum de debut, grabado a finales de 1967, y “Eastern Rain” en su segundo álbum al años siguiente.

Las canciones de los primeros dos álbumes de Joni Michell, “Song To A Seagull” (de 1968, también conocido como “Joni Mitchell”), y “Clouds” (de 1969) eran arquetipos del movimiento de cantautores emergente en ese momento.

Joni Mitchell 1983.jpgJoni Mitchell, performing in 1983
Capannelle – originally posted to Flickr as Joni Mitchell

El tercer disco significó la madurez: “Ladies of the Canyon” (1970) es un disco imbuido del espíritu de la vida en California (el “cañón” del título del álbum hace referencia a Laurel Canyon,1​ en Los Ángeles, donde en esa época vivían diversos artistas como Carole King, James Taylor, Crosby, Stills & Nash, Jackson Browne, The Mamas & the Papas o John Mayall), que contenía su primer gran éxito, “Big Yellow Taxi” y su recordada canción “Woodstock”, acerca del festival (que luego sería un éxito en las voces de Crosby, Stills, Nash and Young). Mitchell escribió la canción luego de habérselo perdido y escuchar diversas historias glorificables sobre éste. Ella había cancelado su aparición en el festival por consejo de su mánager por miedo a perder una aparición en “The Dick Cavett Show”. Desde entonces ha dicho que la decisión de cancelar el concierto ha sido uno de sus más grandes arrepentimientos. “For Free” es la primera de muchas de sus canciones que hablan sobre la dicotomía entre los beneficios de su estrellato y sus costos, tanto su presión como la pérdida de libertad y privacidad que representa.


Joni Mitchell (1975).png

 

Éxito en los años 1970
El enfoque confesional de Mitchell se notó más en álbum Blue (1971), ampliamente considerado el mejor de este período. Explorando las múltiples facetas de las relaciones, desde el encaprichamiento (en “A Case of You”2​) hasta la inseguridad (en “This Flight Tonight”), las canciones se caracterizaron por un uso creciente de piano y dulcimer apalache en “Carey”, “California” y “All I Want”. Otras canciones se basaban en el piano, y algunas exhibían ritmos asociados con el Rock and roll.

Su influencia más directa con el rock fue bastante fuerte en sus siguientes dos álbumes, grabados para su nueva discográfica Asylum. “For The Roses” (1972), cuya canción titular continuó con su exploración de la temática de “For Free”, se vendió bien, gracias en parte al exitoso single “You Turn Me On, I’m A Radio”, influenciado por la música country. Pero fue “Court And Spark” (de 1974), un híbrido de pop, rock y folk con toques de jazz, el que tuvo un mayor éxito, produciendo clásicos como “Free Man In Paris” (inspirada por las historias contadas por su productor y amigo David Geffen), “Car On A Hill”, y en especial “Help Me”, que sigue siendo su single más vendido (y que llegó a los primeros 10 puestos).

Court and Spark también fue notable por los primeros ecos de la influencia de jazz en la obra de Mitchell, y quizás por el éxito comercial de ese álbum, y del siguiente álbum en vivo “Miles of Aisles”, (en el que fue acompañada por el conjunto de pop-jazz de los 70 LA Express), ella pasaría el resto de la década creando música con elementos de jazz.

El período de Jazz
El primero de esos álbumes, The Hissing of Summer Lawns (1975), marcó un cambio en cuanto a las letras, en el que su estilo confesional fue reemplazado por una serie de viñetas, desde bailarines de clubes nocturnos (“Edith and the Kingpin”) a las mujeres con maridos ricos aburridas (“The Hissing of Summer Lawns” y “Harry’s House/Centerpiece”). El álbum fue diverso estilísticamente, con complejas armonías vocales acompañadas de percusión africana (los Tambores de Burundi inventados por la fundación “The Jungle Line”). Aunque muchos fans y otros artistas consideran a Hissing… como su obra favorita de Mitchell, el álbum no fue muy bien recibido cuando fue lanzado. Rumores dicen que la revista Rolling Stone lo declaró “The Worst Album of The Year” (el “Peor Álbum del Año”); pero en realidad sólo fue denominado “el peor título” para un álbum . Mitchell y Rolling Stone no tuvieron una buena relación desde que, unos años antes, la revista publicase un “árbol” que ilustraba todos los supuestos amantes de la artista, principalmente compuesto por otros músicos.

 

Durante 1975, participó en muchos conciertos en las giras Rolling Thunder Revue, y en 1976, actuó para “The Last Waltz” de The Band.

Hejira (1976) continuó la tendencia de Mitchell con el jazz, con varias canciones lideradas por el Bajo fretless, (es decir, sin traste) de Jaco Pastorius (músico de jazz). Sin embargo, las canciones en sí presentaban letras densamente metafóricas y melodías vocales complejas que contrastaban y proveían contrapunto a los ritmos de jazz de los arreglos. Además, este álbum resaltó como nunca antes por la inusual afinación “abierta” de la guitarra de Mitchell.

Don Juan’s Reckless Daughter (1977) fue un álbum que se alejaba más del pop para adentrarse en la libertad y abstracción del jazz, un renombrado doble álbum por la larga parte improvisada “Paprika Plains”. El álbum recibió diferentes críticas: algunos disfrutaban su originalidad y experimentación, inesperados por muchas de las estrellas y celebridades del ámbito musical en ese entonces. Otros argumentaron que este estilo de música ya se había implementado, citando el hecho de que numerosas bandas de jam ya tocaban para estudiantes colegiales en un estilo similar y frecuentes veces con un similar grado de convicción. La tapa del álbum creó su propia controversia; Mitchell figuraba en muchas fotografías de la portada, incluyendo una en la que ella estaba disfrazada como un hombre negro.

El siguiente trabajo de Mitchell tuvo la colaboración del bajista Charles Mingus, que murió antes que el proyecto terminase en 1979. Mitchell terminó las canciones con una banda que incluía a Pastorius, Wayne Shorter y Herbie Hancock. Mingus fue mal recibido; las audiencias de rock no fueron receptivas, y los puristas del jazz no estaban convencidos. Sin embargo, la apreciación por este trabajo fue creciendo considerablemente al pasar los años.

La era Geffen
Los años 1980 tuvieron la menor cantidad de álbumes editados por Mitchell desde los inicios de su carrera: sólo aparecieron tres álbumes con material nuevo, y ninguno causó una gran impresión. Wild Things Run Fast (de 1982) fue un intento de volver a escribir canciones pop, e incluía la canción “Chinese Cafe/Unchained Melody” que incorporó el estribillo y partes de la melodía del éxito de los Righteous Brothers, y “(You’re So Square) Baby I Don’t Care”. Fue claramente influenciado por el matrimonio, en 1982, de Mitchell con el productor y bajista Larry Klein – Mitchell se refirió en muchas entrevistas a estas canciones como canciones “amo a Larry”. Aunque sólido compositivamente, fue lanzado en una época en que estaba de moda la música más oscura y con múltiples capas de los movimientos New Wave y New Romantic.

El productor e intérprete británico de synth pop Thomas Dolby, trabajó con ella en Dog Eat Dog (1985), pero los arreglos de sintetizador y de caja de ritmos, junto a las letras más estridentes y enojadas de Mitchell, pasaron de moda más rápidamente que sus primeras obras.

En Chalk Mark in a Rainstorm (1988) Mitchell colaboró con talentos que incluían a Willie Nelson, Billy Idol, Wendy and Lisa, Tom Petty y Don Henley. Las canciones abarcaban diversos géneros, incluyendo un dueto con Peter Gabriel en “My Secret Place” que recordaban el material “clásico” de Mitchell. Aunque había algunas transiciones discordantes de géneros (“Dancing Clown” y “Cool Water”), los sonidos sintetizados de varias capas de “My Secret Place”, “Beat of Black Wings” y “Tea Leaf Prophecy” fueron una mejor unión de la voz de Mitchell con la electrónica.

Tras el lanzamiento de Chalk Mark in a Rainstorm, Mitchell participó en The Wall Live in Berlin, el show de Roger Waters’ de The Wall en Berlín.

Los turbulentos años 1990
Night Ride Home, álbum de 1991 que Mitchell describió como “middle-aged love songs” (“canciones de amor de mediana edad”), tuvo una mejor recepción y marcó un acercamiento a sus raíces acústicas. Pero para muchos, el regreso a la forma llegó con el álbum ganador del Grammy Turbulent Indigo (1994). Para estos, “Indigo” fue el conjunto de canciones más sólido de Mitchell en años. Mitchell lanzó su último grupo de nuevas canciones ‘originales’ en Taming The Tiger (1998).

“Odio la música”: 2000-2006
Both Sides Now (2000) fue un álbum conformado en su mayor parte por versiones de canciones clásicas, ejecutadas con una orquesta. El mismo recibió críticas muy favorables y vendió una cantidad importante de copias. El álbum contenía nuevas versiones de “A Case Of You” y la pista titular “Both Sides Now,” dos éxitos tempranos ejecutados con su actual y conmovedor registro contralto. Su éxito la llevó a crear Travelogue, una colección de nuevas versiones de sus viejas canciones, acompañadas por arreglos de orquesta. Mitchell afirmó que éste sería su último álbum.

Recientemente, Joni Mitchell mencionó su descontento con el estado actual de la industria, diciendo que había caído en un gran “pozo negro”, y afirmando que “odia la música” y que quisiera recordar lo que alguna vez le gustó de ella. Expresó su aversión hacia el dominio de la industria discográfica, y su deseo de controlar su propio destino, posiblemente lanzando su propia música por internet.

En los últimos años se lanzaron una serie de compilados temáticos de canciones de sus primeros álbumes: “The Beginning Of Survival” (2004), “Dreamland” (2004) y “Songs of a Prairie Girl” (2005), que ella editó tras aceptar una invitación para participar en el concierto Saskatchewan Centennial en Saskatoon, frente a la reina. En las notas de esta última compilación, Mitchell escribió que la colección es su contribución a las celebraciones.

Su álbum “Both Sides Now” aparece en la película “Love Actually”, en la que varios de los protagonistas escuchan el disco.

2007: Regreso
En octubre de 2006, Joni Mitchell comunicó que en los últimos meses se vio componiendo y grabando material para un nuevo trabajo discográfico. En julio de 2007, luego de varias semanas de rumores, se oficializó que el flamante sello discográfico Hear Music, con el que Paul McCartney publicó su exitoso álbum Memory Almost Full en junio de ese año, estaría publicando el nuevo álbum de Joni Mitchell, titulado Shine, en septiembre de 2007. Sería este el primer álbum de nuevo material de Joni en 9 años.

En estos últimos años Mitchell vive como una reclusa, dividiendo su tiempo entre la casa que ha construido en un área remota de la British Columbia y la villa en Bel Air, California, sobre Los Angeles. És muy negativa en su juicio sobre la norteamérica actual: ‘En America todo ha sido homogeneizado. Su música ha sido homogeneizada, su cerveza está aguada, sus bellezas son todas iguales. La música és siempre la misma canción’.

El 31 de marzo de 2015 sufrió un aneurismo cerebral en su casa de Los Angeles por el cual tuvo que ser hospitalizada y del que se recuperó satisfactoriamente en unos meses pudiendo volver a caminar y a desarrollar sus actividades preferidas como la pintura.

Estilo
Casi todas las canciones que ella compuso con su guitarra usan una afinación abierta, o no estándar; ella ha escrito canciones en alrededor de 50 afinaciones diferentes. El uso de afinaciones alternativas permite una mayor variedad y complejidad de armonías que pueden ser producidas con la guitarra, sin la necesidad de combinaciones de acordes difíciles. De hecho, muchas de las canciones de Mitchell usan combinaciones muy simples, pero su uso de afinaciones alternativas y su estilo de rasgueo altamente rítmico crea un sonido rico y único. Su estilo ha evolucionado con los años, desde un estilo intrincado, tipificado por las canciones de guitarra de su primer álbum, a uno más holgado y rítmico, a veces incorporando “slaps” percusivos, como en sus más recientes álbumes.

Influencia
Mitchell puede ser considerada una “música de los músicos”; su obra ha tenido una enorme influencia en una gran cantidad de artistas; no sólo ha influenciado a cantautores similares como Sheryl Crow y Shawn Colvin, sino a un número importante de artistas en diversos géneros, como Pink Floyd, Led Zeppelin, K.D. Lang, Elvis Costello, PM Dawn, Janet Jackson, Agnes Chan, y Prince.

Por ejemplo, la canción de Prince llamada “The Ballad of Dorothy Parker” (de su álbum Sign ‘O’ the Times), debe mucho a Mitchell, tanto por sus armonías evocadoras del estilo de Mitchell como por el uso de técnicas propias de ella: como en la canción de Mitchell “This Flight Tonight”, Prince hace referencia a una canción en su letra (“Help Me”, de Joni) mientras que la música emula los acordes y melodías de esa canción.

Janet Jackson usó un sample de “Big Yellow Taxi” en un single de 1998, “Got ‘Til It’s Gone” (al parecer, a Mitchell le agradó, por lo que apareció en MTV/VH1 en un clip corto en el que aprobaba la canción). Counting Crows tuvo un hit en 2002 con una versión de “Big Yellow Taxi”. La banda norteamericana Sonic Youth, homenajeó a Mitchell en su disco Daydream Nation de 1988, dedicándole la canción “Hey Joni”. Aunque Mitchell usualmente evita hablar sobre otros artistas, en especial de aquellos a los que influyó, ella ha quedado impresionada por dos artistas de jazz que interpretaron parte de su obra, Cassandra Wilson y Diana Krall. Aunque la mayoría de los oyentes tienden a recordar los éxitos tempranos de Mitchell (de sus álbumes más comerciales), muchos músicos se inspiraron en sus trabajos más experimentales, particularmente en The Hissing of Summer Lawns y Hejira. Ella también elogió a los New Radicals.

Mitchell fue añadida al Canadian Music Hall of Fame (o “Salón de la Fama de la Música Canadiense”) en 1981 y en el Rock and Roll Hall of Fame (o “Salón de la Fama del Rock and Roll” en 1997. En 1995 recibió el “Century Award” de Billboard. El primero de mayo de 2002 recibió el nivel Companion de la Order of Canada (“Orden de Canadá”). También recibió el premio “Grammy Lifetime Achievement Award” en 2002, acompañado de una mención que la describía como “una de las artistas femeninas más importantes de la era del rock” y “una poderosa influencia en todos los artistas que adoptan la idea de la diversidad, imaginación e integridad.”

Mitchell recibió un doctorado honorario de la McGill University el 27 de octubre de 2004 (Wikipedia)

 INDIGO

Joni Mitchell in 1974.jpgJoni Mitchell – Court and Spark tour March 5, 1974 Anaheim Convention Center w/Tom Scott & The LA Express Frame 18 Crop 8000dpi slide scan (original)
Matt Gibbons – http://www.flickr.com/photos/ultomatt/3126812062/

2013 Joni Mitchell (cropped).jpgPhotograph provided by Jörn Weisbrodt’s assistant, Mark Rochford. Taken on 16 June 2013 at the Luminato Festival. SongsforLulu (talk) 09:14, 29 June 2014 (UTC)
David Leyes – Own work



{18 octubre, 2017}   Alka Yagnik

Alka Yagnik अलका याज्ञिक o अलका याज्ञनिक, es una cantante guyaratí de la India. Ha cantado en muchos idiomas, el gujaratí, el asamés, el oriya, el meitei, el nepalés, el bengalí, el bopurí, el panyabí, el maratí, el telugú, el tamil y el malayalam. Agradecimientos a Wikipedia. http://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page

a través de Alka Yagnik – Baba ki rani hoon —

Comparto a través de Kyseven Kuroi 18/10/2017







 

Se empieza nuevamente después de tocar fondo,
verás lo que soportas con todo el mundo en contra.
Te caes y te levantas hasta soñar la gloria,
esperando que mañana se escribirá otra historia.

Se empieza nuevamente como si nada fuera,
sin preguntarte en qué cosa has fallado, porqué no ha funcionado.
Y te despiertas solo, perdido en tu universo,
volando entre las nubes de tus sueños, luchando contra el tiempo.

Después de todo llegará un buen día,
nada es imposible mientras que uno vive.
La vida se ha inventado la locura
por una razón, será por amor.

Se empieza nuevamente pensando en losa errores,
porque soñar es lo más libre y justo y siempre habrá razones

para buscar la pieza que el corazón no ha hallado,
porque el amor es un rompecabezas y llueve sobre lo mojado.

Después de todo llegará un buen día,
nada es imposible mientras que uno vive.
La vida se ha inventado la locura
por una razón, será por amor.

Para vivir y renacer hay que intentarlo todo,
para intentarlo debes creerlo y decidirlo tú, tan sólo tú.

Después de todo llegará un buen día,
nada es imposible mientras que uno vive.
La vida se ha inventado la locura
por una razón, será por amor.

Después de todo llegará un buen día,
nada es imposible mientras que uno vive.
La vida se ha inventado la locura
por una razón, será por amor.




TMZ: El músico estadounidense Tom Petty "aún se aferra a la vida"Fuente: Eduardo Munoz / Reuters/RT

Se ha decidido cesar el soporte vital al músico que se encuentra en estado de muerte cerebral, informa el portal TMZ.

Origen: TMZ: El músico estadounidense Tom Petty ‘aún se aferra a la vida’




Cuando todo era nada,
era nada el principio.
y de la noche hizo luz.
Y fue el cielo
y esto que está aquí.

Hubo tierra, agua,
sangre, flores
todo eso y también tiempo.
Claramente digo que ese
fue el mundo del hombre.
Y así fue. Así.

Hombre que te miras en la aguas
para ver quién sos.
Mírame si quieres verte
porque a imagen mía sos.
Ya lo hiciste, vive sólo hoy.

Hubo pueblos y países,
y hubo hombres con memoria.
Claramente digo que éste
es el mundo del hombre.
Y se contaron todas
estas cosas.
Y así fue. Así.

Ricardo Soulé

Mandioca, la madre de los chicos fue el primer sello argentino de rock en castellano. Editó a Manal, Vox Dei, Miguel Abuelo, Moris, Tanguito, Pappo, La Pesada, entre otros. Fundado por el editor de libros Jorge Álvarez, que se sumerge en el mundo de la música para llevar la misma batalla que impulsó desde la literatura: el respeto por los artistas y la lucha contra las corporaciones. La historia de Mandioca, la madre de los chicos, es la historia del inicio del rock nacional, y es también la historia de Argentina.

Mandioca fue un sello discográfico argentino independiente que editó discos entre 1968 y 1970. Fue dirigido por Jorge Álvarez, Pedro Pujó, Rafael López Sánchez y Javier Arroyuelo y desempeñó un importante papel en la promoción y difusión del blues y rock en español en la Argentina.

Día del lanzamiento del sello Mandioca.jpg12 de noviembre de 1968, día del lanzamiento del sello Mandioca y debut del Trío Manal en el Teatro Apolo de la Av. Corrientes. Foto del archivo de Pedro Pujo.

Historia

Jorge Álvarez junto a Pedro Pujó uno de los fundadores del sello.
En 1966, Jorge Álvarez, un editor de libros políticos, históricos y culturales comprometidos, se relacionó con tres jóvenes estudiantes secundarios Javier Arroyuelo, Silvio Ramaglia y Pedro Pujó, interesados en los nuevos movimientos juveniles y los mecanismos de difusión.

Jorge Álvarez junto a Pedro Pujó uno de los fundadores del sello.
Gelpgim (Sergio Panei Pitrau) – Trabajo propio

Jorge Álvarez Biografía

Álvarez y Pujó tenían el sueño de promover en Buenos Aires un barrio como el Greenwich Village de Nueva York que se convirtiera en el centro del nuevo movimiento juvenil. De esos proyectos se concretó la creación de un sello discográfico que difundiera la música que estaban componiendo esos jóvenes, al que le pusieron el nombre de Mandioca, La Madre de los Chicos.

El nombre «Mandioca» fue elegido por tratarse de un vegetal originario de América, como símbolo de identidad cultural, a la vez que eligieron el color morado del interior de la mandioca, como fondo de las etiquetas de los discos.

A principios de 1968 Claudio Gabis, Javier Martínez (dos de los tres miembros de Manal), Emilio Kauderer y Rocky Rodríguez grabaron un demo experimental en el estudio de grabación de Jorge Tagliani.1​ Gabis reservó sesiones de grabación en el estudio para probar que frutos podía traer la banda. De lo grabado se prensó un solo disco que se perdió, no existiendo copia del mismo.

Poco después de las sesiones en el estudio de Tagliani, Martínez fue convocado para encarnar el personaje de “Paco” de la película Tiro de gracia dirigida por Ricardo Becher, basado en el libro homónimo de Sergio Mulet. En algún momento durante la filmación, Martínez le comentó a Jorge Goldemberg que tenía un conjunto musical que ya estaban grabando algunas canciones. Goldemberg se lo comentó al director, quién se apersonó a un ensayo del grupo, y allí mismo decidió que la banda se encargara de la música de su film. El grupo fue convocado gracias a las influencias de Goldemberg, a participar para tocar en el espectáculo teatral VietRock, en el teatro Payró. En esas instancias Gabis convence a su compañero Martínez de llamar al bajista Alejandro Medina para integrarse al grupo, completándose allí el trío musical de Gabis, Martínez y Medina.2​1​

La banda se integraría al sello independiente Mandioca, con quienes grabó su primer álbum editado en 1970. Pero antes de eso, a fines de 1969 se terminó de filmar la película, Becher llamó a Manal para grabar la banda sonora. La misma iba a ser realizada por un profesional de música para películas, Roberto Lear, pero terminó aceptando que el grupo registrase la música, asistiendo incluso a una de las sesiones. El tema central de la película, “Estoy en el infierno”, se había improvisado a base de experimentos en el estudio de Tagliani. La canción se volvió a grabar al igual que el resto de la música en los estudios Phonal ubicados en Santa Fe y Coronel Díaz. El trío compuso además “Tema del moderno” y “Seigmund’s Zoo”. El resto de las pistas, climas y efectos fueron producto de la improvisación y la versatilidad que tenía el conjunto, según los tiempos e indicaciones del director Becher.

Logotipo del grupo, obra de Daniel Melgarejo, apareció en el primer sencillo del grupo “Que pena me das”/”Para ser un hombre más”, 1968.
Manal entró en contacto con Jorge Álvarez3​ en una fiesta organizada en la casa de Piri Lugones (cuys hijos eran amigos de los manales) hecha con el objetivo de que la banda conociese a sus futuros productores. Fue en esa fiesta donde Claudio Gabis le enseñó a Javier Martínez un borrador con unas líneas para armar la lírica de una futura canción, y una base musical que había armado. Martínez terminó allí mismo la canción en menos de una hora, se trataba de “Avellaneda Blues”. El grupo le cantó este tema a Álvarez, quién quedó impresionado por la misma, convenciendose de que tenía que producir al grupo

Álvarez recuerda de ese momento:

En una reunión de cumpleaños [se refiere a la fiesta en casa de Piri Lugones] los conocí como tipos, no como músicos. Un mes después Pedro [Pujó] me llevó a la casa de Alejandro [Medina], donde el trío ensayaba, y cuando los escuché me caí muerto, era realmente espectacular como tocaban. Les pregunto que pensaban hacer , me dijeron que no querían entrar en el engranaje comercial, que eso era una porquería, que querían hacer las cosas con libertad y todo eso […] Hacemos el primer simple en el estudio TNT y me voy con las cintas a CBS. Se lo hago escuchar a John Lear, el presidente, y me dice que eso no sirve, que es una burda imitación de lo que sucede en Estados Unidos y que eso no venderá jamás en la Argentina, que a él no le interesa. Mando a un amigo a otra grabadora y nos patean.

Luego del fallido intento en CBS, Álvarez juntó a Pedro Pujó, Rafael López Sánchez y Javier Arroyuelo fundaron Mandioca en 1968, con el eslogan “la madre de los chicos”, primer sello del rock argentino,​ como una alternativa para aquellos grupos nacientes de rock que eran marginados por los grandes sellos discográficos.​ La idea de Álvarez era, además de que las bandas pudieran grabar su trabajo con libertad, que las mismas tocasen en teatros, ya que ese momento no existían los conciertos de rock en Argentino, los grupos tocaban únicamente en clubes para que el público pudiera bailar.

La invitación para el concierto inaugural de Mandioca era una alcancía en forma de manzana de cerámica que tenía una leyenda que decía “rompeme” y dentro contenía un mensaje. El sello Mandioca se lanzó el 12 de noviembre de 1968 con un concierto realizado en la Sala Apolo de la Calle Corrientes al 1300 (donde funcionó luego el cine Lorange), en el cual participaron Manal, Miguel Abuelo y la cantante Cristina Plate.El recital se hizo con los equipo Fender de Los Gatos,​ y al terminar el mismo subió Luis Alberto Spinetta, líder de Almendra diciendo “¿Se dan cuenta ustedes lo que empezó hoy? Hoy empezaste a terminar con la música comercial”.Durante los meses siguientes el grupo realizó varias actuaciones en clubes de los suburbios de la ciudad de Buenos Aires.

A finales de 1968, Mandioca editó su primer material al mercado, se trataba a su vez del primer sencillo de Manal: “Qué pena me das” con “Para ser un hombre más” como lado B que había sido grabado en octubre del mismo año.​ Se trataba de un corte extraño para la época, pues los temas superaban ampliamente el límite de tres minutos de duración impuesto por las radios y el sobre que lo contenía era un costoso tríptico de elaborada gráfica, cuyo autor era el dibujante Daniel Melgarejo. El sobre presentaba una tapa desplegable en tres partes con un dibujo de un obelisco y en el medio de éste el logotipo del conjunto. En el interior, hay una dedicatoria a la gente del sello Mandioca, mientras que en la otra sección esta la información correspondiente a los temas del grupo y en la tercera o la del medio, una foto plegable del grupo, que era la cubierta en sí.​ Pero este primer trabajo discográfico fue recibido por los medios con escepticismo, se difundió poco y la prensa criticó especialmente el uso del castellano en las letras. En su segundo sencillo publicado a mediados de 1969, “No pibe” con “Necesito un amor”,​ la banda logró un sonido más depurado y blusero, evidenciando una clara evolución técnica y de estilo en su interpretación.

El gran impacto fue escucharlo [a “Qué pena me das”] por primera vez en radio. El primero que lo difundió fue Hugo Guerrero Marthineitz, pasó “Qué pena me das”, en la época era una locura pasar un tema así porque duraba seis minutos. Lo habíamos hecho porque teníamos esa política totalmente anti, en el sentido que todos te pedían un tema de tres minutos para difusión. Era la plasmación de una idea por la cual yo venía luchando prácticamente desde mi adolescencia y fue una gran emoción. A partir de ahí trabajamos muchísimo y participamos en cuanto evento de rock se realizara.

Javier Martínez.
Durante el verano de 1969 Álvarez y Pujó armaron un boliche llamado Mandioca en Mar del Plata, al no existir un lugar donde las bandas pudiesen tocar. El interior del local fue pintado de negro y amarillo como un estacionamiento, y precisamente como no disponían de sillas y mesas, usaron neumáticos de autos, allí tocaron Manal con Pappo como invitado, y Los Abuelos de la Nada. También se alquiló una casa para que convivieran las bandas. Pero el lugar fue cerrado al poco tiempo por la policía.11​9​10​

La revista Panorama relataba casi con desprecio el primer recital organizado por Mandioca el 12 de noviembre de 1968, en ocasión del lanzamiento inicial del sello:

Recital de canciones por Manal, Cristina Plate y Miguel Abuelo.
Sobrevivientes de la tribu seudo-hippie de Plaza Francia, diezmada en parte hace un año por la tijera policial, numerosos jóvenes de sexos indefinidos con disfraz bohemio y algunos “notables” invitados especialmente, atestaron la sala Apolo durante la sesión inaugural de un ciclo auspiciado por “Mandioca”, nuevo sello grabador capitaneado por el ahora barbado editor Jorge Álvarez y tres adolescentes de espíritu aventurero…
Una lánguida partidaria de este tipo de eventos explicó: “Nunca haremos nada importante. Sólo nos resta destacar nuestra insignificancia”. Lo hacen tan bien, que el “arte” de aburrir tiene en ellos a sus estrellas máximas.

Producción
El sello Mandioca impulsó y difundió músicos de rock y creaciones artísticas que resultaron fundamentales en los orígenes del rock argentino, destacándose Manal y Vox Dei. De esta última banda, Mandioca promovió la creación y realizó toda la grabación de la ópera-rock La Biblia, aunque finalmente no realizó el lanzamiento debido a la quiebra, razón por la cual fue la empresa grabadora, TNT, la que efectuó la publicación (con graves defectos) para cobrarse la deuda pendiente. También fueron importantes las grabaciones que Tanguito realizó en Mandioca, que finalmente fueron publicadas por otro sello.

Salvo “No pibe” los discos de Mandioca tuvieron escaso éxito comercial. Sin embargo, entre ellos se encuentran clásicos permanentes del rock nacional, como “No Pibe”, “Jugo de tomate frío” y “Avenida Rivadavia” de Manal, “Presente (El momento en que estás)” de Vox Dei y “El oso” de Moris. El álbum Manal (llamado también La Bomba) ha sido considerado como uno de los mejores álbumes de la historia del rock argentino, al igual que La Biblia de Vox Dei, que aunque no fue lanzado por Mandioca, fue inspirado e íntegramente grabado por el sello.

El propio Jorge Álvarez, poco tiempo antes de morir, hizo una breve narración de como logró sacar a Mandioca de su lugar casi marginal dentro del mercado del disco, haciendo hincapié precisamente en el éxito obtenido por “No Pibe”.

“Nos invitaron a participar de un ciclo de bailes domingueros en la confitería “Gaugin”, que estaba en Donato Álvarez y Gaona, del barrio de Flores. El primer día actuó Manal. A la gente le costaba bailar con esta música porque estaba habituada a otras expresiones anglo sajonas y en el terreno de música nacional, les gustaban grupos como Banana, Pintura Fresca, Los Náufragos y otros. De pronto se me acerca un muchacho quien se presenta como integrante de la agencia productora del ciclo radial Música Con Thompson y Williams. Era Rodolfo Garavagno, quien se mostró maravillado con la música de Manal, y me dijo que le gustaría difundirla en ese programa. Al otro día, Pedro Pujol y yo entrabamos en la oficina de Florida 622, y nos recibió el mismo Rodolfo, quien se mostraba muy entusiasmado porque ya había puesto al tanto de todo a Fito Salinas, titular de la agencia y conductor del programa. Estaba también Ricardo “Richard” Ostuni y otros profesionales como Cesar Mermet y Cacho Carrera Villar. Rodolfo Garavagno los tenía a todos ellos expectantes. No se que les había dicho de Manal, pero lo cierto es que todos ellos estaban ahí, esperando poder escuchar “No Pibe”. Nosotros habíamos llevado otras grabaciones, pero tuvimos que entregarles el disco simple “No Pibe”. Lo escuchamos siete u ocho veces, y cuando yo los miraba, los notaba extasiados con la música de Manal. Rodolfo, iba hablando con cada uno de ellos con un convencimiento notable. Lo cierto es que ese día, Salinas y su equipo querían escuchar el catálogo completo de Mandioca. Así comenzó el lanzamiento masivo. Era nada menos que la poderosa Radio Mitre, y este programa de Salinas era el segundo en audiencia después de Modart en la Noche, que salía por Radio Libertad. Esa misma noche comenzó la difusión de Manal con “No Pibe” y los llamados del público aumentaron un sesenta por ciento. A la semana siguiente, tuvimos que acercar a otros artistas como Vox Dei, Moris y Facundo Cabral, para sumarlos a Manal. En septiembre, conjuntamente con Salinas, organizamos un lanzamiento masivo de todos estos artistas en el Club Comunicaciones y tuvo un éxito total. Años más tarde, creo que entre el setenta y dos y el setenta y tres, nos reecontramos con Rodolfo Garavagno en Microfon, cuando él vino como productor editorial y yo tenía mi oficina para atender las cosas de Talent, mi nuevo sello. Fueron los tiempos en los que junto con Billy Bond, artífice genial de sala de grabación durante casi toda mi carrera, lanzábamos a Sui Géneris. Y Rodolfo se ocupó de hacer la edición en papel del álbum Vida y Confesiones de Invierno y los catálogos de Pescado Rabioso, Raun Porcheto e Invisible.”

Mandioca también organizó recitales de rock. El mismo equipo que organizó el sello grabador, estableció una agencia de representaciones llamada Mambo Show, que se ocupaba de organizar actuaciones de Manal y Vox Dei en diversos lugares de la ciudad de Buenos Aires y sus alrededores, y a veces en otros lugares del país. Principalmente, las dos bandas iban a “bailes” organizados en clubes y grandes salones en diversos barrios, especialmente de clase trabajadora, entre cuyos miembros jóvenes el rock y el blues en castellano prendieron con mucha intensidad. La agencia estuvo gerenciada por Mario Rabey, uno de los fundadores (junto con Pipo Lernoud) del movimiento hippie en Argentina. La principal fuente de ingresos de los músicos de Mandioca -y de algunos de los miembros de su staff- fueron estas actuaciones de fin de semana.

UNA ÉPOCA EN UN ESPACIO Y UN TIEMPO DE LITERATURA, ESCRITORES DE VANGUARDIA, MODA Y MÚSICA INTELECTUAL HIPISMO Y PLANTEO FILOSÓFICO, CON UN NEXO CON EL DITELA

SI, GROSOS!

UNDERGROUND! …INTERACTUABAN MODA, CINE, TEATRO, ARTES PLÁSTICAS.

QUE MARAVILLOSO!!!

MC

 






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