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{3 noviembre, 2017}   Laurel Burch

Laurel Burch (31 diciembre 1945 a 13 septiembre 2007) era un americano artista, diseñador y de negocios.

Primeros años de vida
Ella Laurel Anne Harte nació en el Valle de San Fernando , California , en la víspera de Año Nuevo de 1945. Aunque los padres de Laurel Ann y Russell Harte se divorciaron, Ann una costurera y diseñadora se encargó de sus dos hijas, Suzi y Laurel como mamá soltera. Sin embargo, una brecha creció entre Laurel y su madre cuando Laurel era adolescente. Vivió un tiempo con su padre, pero eso terminó abruptamente. Se mantuvo trabajando como cocinera, limpiadora de casas y niñera

Cuando tenía 19 años se casó con un músico de jazz, Robert Burch. Se separaron después de unos años juntos, Laurel se convirtió en madre soltera con dos hijos que cuidar. Se mantuvo a sí misma reclamando pagos de bienestar y haciendo joyas y ayuda ocasional de Ann. Al igual que su madre, también hizo muñecas excepcionales y arte cosido. El trasfondo de este regalo textil fue un aspecto curioso de la infancia de Laurel. Su madre era costurera y diseñadora de la cantante Peggy Lee y su hija. Ann describió un extraño momento en el que había pasado semanas comprando zapatos, cintas, sombrero y telas para hacer un traje de Pascua para la hija de Peggy. Ella cosió toda la noche antes de la mañana de Pascua y condujo el hermoso atuendo hasta la casa de Peggy en Beverly Hills, arrastrando a Laurel y Suzi fuera de la cama antes del amanecer. Cuando regresó al automóvil y vio a sus hijas sabiendo que no tenían ropa de Pascua esperándolas, su cabello estaba desordenado por el sueño y Ann estaba desconsolada. Uno puede reconocer que allí estaba el amor y el dolor de una madre soltera. Laurel creció con una mezcla de amor y pérdida, pero también con un brillante ojo artístico de sus padres.

Carrera
Burch continuó a lanzar su negocio, ahora llamado Laurel Burch Artworks , el 24 de febrero de 1960. Comenzó a hacer pinturas y fue encargada por restaurantes, negocios y coleccionistas privados. “Encontré metal en un depósito de chatarra y lo golpeé en la parte posterior de una sartén vieja”, afirmó durante una entrevista con el Marin Independent Journal en 2005.

Ella comenzó a hacer joyas y venderlas en las calles de San Francisco desde cajas de aparejos. Algunas tiendas locales comenzaron a almacenar sus creaciones, y un hombre de negocios, Shashi Singapuri, llevó muestras de su trabajo a China . Ella fue a China en 1971 y descubrió cloisonné , una especie de trabajo de esmalte, con el que diseñó pinturas y tenía los diseños realizados en pendientes.

Con la manufactura de respaldo financiero del Sr. Singapuri comenzó. Burch continuó trabajando en metales de fundición y madera, e incluyó productos derivados en papel, porcelana y tela. En 1979 se separó de Singapuri e inició Laurel Burch Inc. Fue presidenta y diseñadora en jefe. En la década de 1990, licenció sus diseños en una docena de empresas que ahora fabrican y distribuyen sus creaciones en todo el mundo.

Vida personal
El segundo matrimonio de Burch, con Jack Holton, también terminó en divorcio. Su tercer marido fue Rick Sara.

Ella apoyó a su madre durante los últimos años de su vida en un hogar de ancianos cerca de Carmel California.

Murió el 13 de septiembre de 2007, a los 61 años, en su casa en Novato, California por complicaciones de la osteopetrosis ,  una extraña y dolorosa enfermedad ósea que tuvo toda su vida, y como resultado sufrió más de 100 fracturas óseas. Además de Rick Sara, ella sobrevivió a su hija, Aarin; su hijo, Jay; y dos nietas, Soffiya y Karly. (wikipedia)

cloisonné  o esmalte alveolado

cloisonne

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{23 octubre, 2017}   Remo Bianchedi

Remo Bianchedi (Buenos Aires, 1950) es un artista plástico y poeta argentino.

Luz Mediterránea / Mediterranean Light – Trailer 3 min from Bonaparte Cine on Vimeo.

Año: 2011

Formato: Documental

Cantidad de capítulos: 4 x 26 min

Luz Mediterránea

Atraídos por la luz única de las sierras de Córdoba, decenas de pintores eligieron esta provincia como residencia y lugar de trabajo, transformándose con el tiempo en una de las regiones de Latinoamérica con más actividad en las artes plásticas. Luz Mediterránea se propone reflejar el rico panorama del arte plástico cordobés, a través de la palabra y la obra de 4 de sus más reconocidos pintores.

Mediterranean Light

Drawn by the unique light from the Cordoba hills, dozens of painters chose this Argentinean province as residence and workplace, becoming in time one of the regions in Latin America with most activity in painting and plastic arts.

Mediterranean Light strives to reflect the rich overview of the Cordoba plastic art, through the testimonials and work of 4 of its most prestigious painters.

Año: 2011

 Documental

 

Atraídos por la luz única de las sierras de Córdoba, decenas de pintores eligieron esta provincia como residencia y lugar de trabajo, transformándose con el tiempo en una de las regiones de Latinoamérica con más actividad en las artes plásticas. Luz Mediterránea se propone reflejar el rico panorama del arte plástico cordobés, a través de la palabra y la obra de 4 de sus más reconocidos pintores.

Mediterranean Light

Drawn by the unique light from the Cordoba hills, dozens of painters chose this Argentinean province as residence and workplace, becoming in time one of the regions in Latin America with most activity in painting and plastic arts.

Mediterranean Light strives to reflect the rich overview of the Cordoba plastic art, through the testimonials and work of 4 of its most prestigious painters.

Biografía
Vivió en Alemania, España y Buenos Aires. A partir de 1991 se radicó en Cruz Chica, Provincia de Cordoba, donde reside actualmente. Estudios y formación. 1977/81- estudiante invitado en la Escuela Superior de Artes de Kassel (Diseno Gráfico y Comunicación Visual). Durante 1977 y 1981 fue discípulo de Joseph Beuys.

Breve selección de exhibiciones personales
1972- Dibujos, Galería Lirolay, Buenos Aires 1978- Zeichnungen und Lithographien, Movie Galerie, Kassel, Alemania

1979- Zeichnungen und Lithographien, Studio Kausch, Kassel, Alemania

1980- Zeichnungen, Galerie Michels, Colonia, Alemania

1982- Acuarelas y pasteles, Galeria Jacques Martínez, Buenos Aires

1983- Retratos 1973-1983, Fundación San Telmo, Buenos Aires

1984- Pinturas, Galeria Jacques Martínez, Buenos Aires

1986- Retratos

1976-1986, Galeria Jacques Martínez, Buenos Aires

1988- Paisajes de Tilcara, Galeria Jacques Martínez, Buenos Aires

1993- Tres acciones, con motivo de la muestra de Joseph Beuys, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires

1938- La Noche de los Cristales”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires

1994- “Como un cuerpo ausente”, Palais de Glace, planta baja, Buenos Aires

1995- “De nino mi padre me comía las unas”, Centro Cultural Recoleta, Salas Cronopios, Buenos Aires

1999- “El Pintor y su Modelo”, Fundación Federico Klemm, Buenos Aires

2000- “Los Inocentes”, dibujos, Fundación Federico Klemm, Buenos Aires

2008 – Galería Isabel Anchorena

2011 – arteBA, Galería Isabel Anchorena

2012 arteBA, Galería Isabel Anchorena

2013 Galería Isabel Achorena

Breve selección de exposiciones colectivas
1967- Premio G. Braque, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires

1974- International Cultureel Centrum, Antwerpen

1975- XI International Bienal of Graphic Art, Lujbljana, Yugoeslavia

1976- The seventies, Museo de Arte Moderno, Sao Pablo Latin America

1976, Fundación Joan Miro, Barcelona Arte de Sistemas III, CAYC, Buenos Aires

1977- Bienal de Grabado de Ibiza, Islas Baleares Arte actual de Hiberoamerica, Centro Cultural Cristobal Colon, Madrid

1980- El Dibujo en Argentina, Fundación Joan Miro, Barcelona

1981- El Dibujo argentino (Colección Marcos Curi), exhibición itinerante por América Latina, Asia. Europa y Estados Unidos

1982- Feria de Arte, Arteder, Bilbao V Trienal de la India, Nueva Delhi Estampa argentina, Galería Torculo, Madrid Premio de Dibujo y Pintura Arche, Museo Nac. De Bellas Artes, Buenos Aires

1983- Confrontaciones, Museo Nac. De Bellas Artes, Buenos Aires Ex-presiones, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires

1986- Del Pop Art a la Nueva Imagen, Museo de Arte Moderno, Montevideo

1987- Homenaje a Marcel Duchamp. Galeria Jacques Martínez, Buenos Aires “Historia y ambigüedad”, con Clorindo Testa, Enio Iommi, Hernan Dompe, Galeria Jacques Martínez, Buenos Aires

1988- Beispiele Zeitgenossischer Kunst aus Lateinamerika, Galería Babel, Heilbrom, Alemania

1989- Ideas and Images from Argentina, The Bronx Museum, Nueva York

1990- Video Arte Internacional, Museo Nac. De Bellas Artes, Buenos Aires “Hasta el 2000 también”, con Osvaldo Monzo, Oscar Bony, Alfredo Prior, ICI, Buenos Aires

1991- Los 80 en el MAM, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires

1992- Los márgenes del canibalismo, Fundación Bco. Patricios, Buenos Aires 1995- 70. 80, 90, 100 anos Museo Nac de Bellas Artes, Buenos Aires

1996- “Variantes de la figuración argentina”, Berni, Alonso, Uriburu, Testa, Robirosa, Bianchedi, Museo Cuevas, prersentados por la Fundación Bco. Patricios, Mexico DF “20 anos del golpe, contra el olvido y la impunidad”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires

2002- “Celebración”, con Pablo Suárez, Osvaldo Monzo, y Alfredo Prior, Sonoridad Amarilla, Buenos Aires

Remo Bianchedi y otros artistas en pinturas animadas.

Pinturas Animadas – Luz Mediterránea from churu on Vimeo.

Short clip with a couple of animated paintings for the documentary miniseries “Luz Mediterránea”.

Breve clip de pinturas animadas hechas para la miniserie documental “Luz Mediterránea”.

Paints by / Pinturas por: Remo Bianchedi, Jorge Cuello, Raúl Díaz, Mateo Arguello Pitt

 

 



{23 octubre, 2017}   Camille Gaté

Nogent-le-Rotrou - Town Museum - Félix Charpentier - Camille Gâté.JPGFrançais : Camille Gâté

Camille Léon Gaté es un escultor y escritor francés , nacido 14 de abril de 1856 en Nogent-le-Rotrou ( Eure-et-Loir )  , y murió en esa misma ciudad  20 de agosto de 1902 .

Biografía 
Camille Gaté, junto con su cuñado, Henri Villette-Gaté , alcalde de Nogent-le-Rotrou desde 1898 hasta 1925, estuvo a cargo de la curtiduría familiar.

En 1886, se casó con Marguerite Boutet, hija del alcalde de Chartres Fundador del periódico Le Républicain de Nogent-le-Rotrou .

Yvonne , Ed. É. Gouhier-Delouche, 1891.
Obras expuestas en el Salón

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Perros de relevos se encuentra en la Plaza Rocha de la Ciudad de Mar del Plata Argentina.
1885: perros de relevos , grupo de bronce, medalla de bronce en la Feria Mundial de 1889 

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____________________________________________________________________________________

Otras Obras
1886: Perro espiral o intruso , yeso.
1890: Busto del Doctor Tournet-Desplantes , bronce.
1893: Busto de Monsieur Boutet , alcalde de Chartres de 1884 a 1892.
1894:
Ternura , grupo en yeso;
Busto de Charles Truelle , miembro del Parlamento de Eure-et-Loir.
1895:
La tentación de Cristo , grupo de mármol;
Busto del Dr. Maunoury .
1897:
Estatua de Rémy Belleau , bronce;
Busto de Émile Labiche , senador de Eure – et – Loir, yeso.
1899: Humanidad antes del infinito , alto relieve en mármol blanco y rosa, 105.5 × 58 × 81 cm .
Exposición 
Camille Gaté (1856-1900) escultura pública, escultura privada , del 4 de junio al 21 de agosto de 2016, museo del castillo de Saint-Jean , Nogent-le-Rotrou (Eure-et-Loir)

 

 




Fuente: wikipedia.org/RT

El misterio concierne a un orbe de cristal que sostiene en su mano izquierda Cristo, retratado en una obra que se tuvo por perdida y cuyo valor se estima en 100 millones de dólares.

Origen: La ‘desconcertante anomalía’ en una pintura de Leonardo da Vinci



{14 octubre, 2017}   Ámbar

Woodland inhabitans (owl) suvenir by S Tereshchenko Kaliningrad Amber Combine.jpgСувенир «Сова» (1970-1990 гг.), Из коллекции «Лесные жители». Работа художницы-модельера Янтарного комбината Светланы Алексеевны Терещенко. Материал: янтарь, прессованный янтарь. Из коллекции демонстрационного зала Калининградского Янтарного комбината.Amber Suvenir Art No 811001 Kaliningrad Amber Combine 1980s.jpg

Янтарная бабочка на цветке. 1980-е годы. Ирина Гнатенко, художник Янтарного комбината. Из собрания демонстрационного зала Калининградского Янтарного комбината.
АО «Калининградский янтарный комбинат» – http://ambercombine.ru/

Amber Suvenirs - Matryoshka (1973) and Little blackamoor Kaliningrad Amber Combine.jpg

El ámbar, árabe o succino (del latín succinum) es una piedra semipreciosa compuesta de resina vegetal fosilizada proveniente principalmente de restos de coníferas y algunas angiospermas. Etimológicamente su nombre proviene del árabe عنبر, ámbar, significando “lo que flota en el mar”, ya que éste flota sobre el agua del mar, aunque originalmente se refería al ámbar gris. Es de color marrón claro normalmente, aunque existen variedades amarillas, tono miel y verdosas.

Àmbar

Colgantes de ámbar.Amber casket (filigree) Kaliningrad Amber Combine Y T Toloknov M Belov 1959.jpg

Walker Art Gallery, Liverpool 2016 - Gabinete cubierto con piezas de ámbar y marfil 1.jpg
“Gabinete cubierto con piezas de ámbar y marfil. Hecho en Gdansk, Polonia, alrededor de 1700. WAG 2003.12”, Walker Art Gallery, Liverpool, Reino Unido.
Fotografía de Mike Peel ( http://www.mikepeel.net ). – Trabajo propioVitoria - Museo Ciencias Naturales18.JPGMuseo de Ciencias Naturales de Álava (Torre de Doña Ochanda), en Vitoria-Gasteiz. Muestras de ámbar con inclusiones biológicas
Zarateman – Trabajo propioSalzburg Haus der Natur - Bernstein 1.jpgCiudad de Salzburgo (austria) Casa de la Naturaleza – Departamento de Mineralogía: Ámbar de la República Dominicana.
Wolfgang Sauber – Trabajo propioPieza de ámbar azul dominicano
Vassil – Trabajo propio

Moser Glass Pitcher.jpgJarra de vidrio Moser con decoración de esmalte y adornos “ámbarina”. Circa 1880
Rauantiques – Trabajo propio

Yantarny Yuvelirprom Amber manufactory assortment Photo by Viktor Guseinov.jpgBernsteinladen worker.jpgBernsteinladen_worker
Isis Shen – Trabajo propioИмитация янтаря из пластмассы и янтарной пыли.jpgImitación de ámbar de plástico y polvo de ámbar. Rusia, Kaliningrad.
М. Порсина (M. Porsina) – Trabajo propio

Bronzo medio, collana in ambra dle baltico, da una torbiera tra cles e tuenno, xvi-xv secolo ac.jpgPrehistoria en el castillo de Buonconsiglio
Sailko – Trabajo propio

Gran trozo de Cedar Lake Amber (4043994224) .jpg
Cedar Lake ámbar en exhibición en el Museo de Manitoba, Winnipeg, Canadá. ¡La pieza más grande es de 2 pulgadas! o 5 cm de ancho con los restos de madera cuando / donde se encuentran típicamente. El lote a la derecha es mayor que el promedio. Quizás uno de cada diez especímenes contenga insectos. El geoetiquetado muestra mi conjetura sobre el sitio de playa original, sumergido durante décadas por una presa, con un poco de ámbar que ahora se dice que está repavimentando.
Mike Beauregard de Nunavut, Canadá – Gran trozo de Cedar Lake Amber

Baltic Amber General Structure.svg

Modelo general de la estructura del ámbar báltico
Niklitov – Trabajo propio ,

LOGO DEL FORO DE AMBAR

Kaliningrad Amber Forum 2016 Logo.svg



{10 octubre, 2017}   Jean-Antoine Watteau

Rosalba Carriera Portrait Antoine Watteau.jpg

Портрет Антуана Ватто, виконаний Карр’єра Розалюбою

Jean-Antoine Watteau (Valenciennes; 10 de octubre de 1684 – Nogent-sur-Marne; 18 de julio de 1721), pintor francés. Es uno de los grandes genios del último barroco francés y del primer rococó. Se le atribuye la creación del género de las fêtes galantes: escenas de cortejo amoroso y diversiones, con un encanto idílico y bucólico, bañadas en un aire de teatralidad. Algunos de sus temas más conocidos se inspiraron en el mundo de la comedia italiana o el ballet.

Biografía

Embarque para la isla de Citerea, versión de Charlottenburg.
Era hijo de un artesano techador de Valenciennes, ciudad flamenca que acababa de pasar a dominio francés. Comenzó su aprendizaje a los once años con el pintor decorador Jacques-Albert Guerín. Se trasladó, a la muerte de este (1706), a París.

En la capital, se unió a los pintores flamencos del barrio de Saint-Germain-des-Prés. Ingresó en el taller de Claude Gillot, gracias a cuya colaboración frecuentó los ambientes de la farándula y el teatro que le servirán como motivo de inspiración, así como la sociedad elegante. Fracasó en el concurso para el Prix de Rome, que le hubiese proporcionado una beca para estudiar en Roma.

Desencantado por sus pobres progresos, en 1709 regresa a su ciudad natal, dedicándose a la realización de escenas de posadas y soldados, inspiradas en el barroco holandés y flamenco, especialmente de Teniers.

Dos años después regresa a París, y continúa su relación con el mundo teatral, representando a diversos personajes y obtiene buenos ingresos. Se relacionó sobre todo con gentes de teatro, que le sirvieron de modelo para algunos de sus cuadros. En 1712 le nombraron agregado de la Academia, por lo que debía donar una obra a la misma: lo hizo cinco años más tarde, presentando el Embarque para la isla de Citerea. Gracias a él, se consideró como nuevo género las fêtes galantes, que serían imitadas por Nicolas Lancret y Jean-Baptiste Pater, entre otros.

En 1719 Watteau se traslada a Londres para consultar a su amigo y admirador el doctor Mead sobre la tisis que padecía. Pero regresó a París al año siguiente sin experimentar ninguna mejora. El verano de 1720 se instaló en casa de Gersaint, marchante de cuadros como su suegro Sirois. Se retiró a Norgent-sur-Marne. Murió tuberculoso a los 37 años.

Estilo

Gilles, 1721.

Capitulaciones de boda y baile campestre, c. 1711, Museo del Prado.
Watteau es el representante más antiguo y más exquisito del estilo rococó. Realizó escenas galantes y costumbristas. Con él comienza un género nuevo: las fêtes galantes («fiestas galantes»), reflejo de la vida cortesana que busca artificialmente un contacto con la naturaleza.

La colección que poseía su mecenas Crozat le permitió estudiar el estilo de los maestros renacentistas. Conoció las obras de Giorgione, Rubens y Tiziano, lo que marcaría profundamente su producción. En él se funden, pues, influencias flamencas y venecianas (en especial de Veronés), imprimiéndoles su personal gusto francés.

Son escenas impregnadas por un erotismo lírico. Sus temas son el teatro, la música, la conversación, los personajes de la comedia del arte y la mitología.

Sus cuadros están ambientados en jardines aristocráticos, llenos de personajes elegantes que muestran el ambiente social del rococó. Sus personajes son de proporciones menudas en relación con el conjunto de la tela. Están vestidos ricamente, deleitándose Watteau en mostrar las calidades de las telas satinadas. Los paisajes son umbrosos, con técnica que recuerda a la pintura flamenca.

En los cinco últimos años de su vida pintó numerosas fiestas galantes con una composición que se repite en varias de ellas. Parte el cuadro en dos mitades: una de vegetación oscura en la que están los personajes vestidos con colores claros, y otra de celaje claro. Esta fórmula se ve en la Lección de amor (h. 1716-17) de Estocolmo, El concierto conservado en el palacio de Charlottenburg (Berlín) y Los encantos de la vida en la Colección Wallace (Londres).

Virtuoso técnico y muy buen dibujante, domina en él una ejecución minuciosa. Aplicaba los colores muy diluidos en capas de extrema delgadez, lo que permite numerosas transparencias. El barniz se aplicaba transparente o ligeramente coloreado, y a veces entre capas de pintura, recurso propio de la época. Esta técnica complica actualmente la limpieza de los cuadros y puede explicar la mala conservación de muchos de ellos, bastante agrietados y oscurecidos. Algunos expertos llegan a afirmar que el arte de Watteau se aprecia mejor en sus numerosos dibujos, que subsisten en mejor estado y que solía reproducir con leves variaciones en muchas pinturas.

Murió prematuramente a causa de la tuberculosis, cuando sus temas galantes empezaban a alcanzar el éxito. Varios artistas como Nicolas Lancret y Pater siguieron explotando los mismos temas; hay ejemplos de ambos en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. François Boucher hizo grabados de sus diseños, al igual que Bernard Lépicié, Laurent Cars, etc.(wikipedia)

La canción de amor, h. 1717.

El indiferente, 1717.

Los placeres del baile (1717), Dulwich Picture Gallery, Londres.Mascarada, 1717.La muestra de Gersaint, 1720.Ceres by Antoine Watteau (1717-1718).jpgAlternative title(s): Summer
Antoine Watteau – Antoine Watteau, 1717-1718 Jean-Antoine Watteau - L’Amante inquiète - Google Art Project.jpg
Jean-Antoine Watteau – L’Amante inquiète – Google Art Project
Antoine Watteau – RMN, Gérard Blot, domaine de ChantillyJean-Antoine Watteau - The Country Dance - Google Art Project.jpgJean-Antoine Watteau – The Country Dance – Google Art Project
Antoine Watteau – pQH5jKyt5Z-pTw at Google Cultural Institute maximum zoom levelJean-Antoine Watteau - Heureux age! Age d'or (Happy Age! Golden Age) - Google Art Project.jpgJean-Antoine Watteau – Heureux age! Age d’or (Happy Age! Golden Age) – Google Art Project
Antoine Watteau – 4QHE-auEtNKqZA at Google Cultural Institute maximum zoom levelJean-Antoine Watteau - Fêtes Venitiennes - Google Art Project.jpgJean-Antoine Watteau – Fêtes Venitiennes – Google Art Project
Antoine Watteau – UAGfGLe1x0yn-g at Google Cultural Institute maximum zoom level

Jean Antoine Watteau, Le Rendezvous de chasse.jpgPicture was a model for William Blake’s engraving of 1782
Antoine Watteau – Own work, Dmitrismirnov, 2013-01-01 16:12:59Antoine Watteau, La Sainte Famille (1719) 02.JPGВыставка «Русские и немцы: 1000 лет истории, искусства и культуры»
Shakko – Own workAntoine Watteau - The Love Lesson - Google Art Project.jpgAntoine Watteau – The Love Lesson – Google Art Project
Antoine Watteau – wAHuosi_S7XV0g at Google Cultural Institute maximum zoom levelA Mezzetino
Antoine Watteau – Metropolitan Museum of Art, online collection (accession number 34.138)

Polish woman
Antoine Watteau – ftp.mnw.art.plThe Italian Comedians, 1721
Antoine Watteau – fQHyFQRBSQLiyg at Google Cultural Institute maximum zoom level




Cuando todo era nada,
era nada el principio.
y de la noche hizo luz.
Y fue el cielo
y esto que está aquí.

Hubo tierra, agua,
sangre, flores
todo eso y también tiempo.
Claramente digo que ese
fue el mundo del hombre.
Y así fue. Así.

Hombre que te miras en la aguas
para ver quién sos.
Mírame si quieres verte
porque a imagen mía sos.
Ya lo hiciste, vive sólo hoy.

Hubo pueblos y países,
y hubo hombres con memoria.
Claramente digo que éste
es el mundo del hombre.
Y se contaron todas
estas cosas.
Y así fue. Así.

Ricardo Soulé

Mandioca, la madre de los chicos fue el primer sello argentino de rock en castellano. Editó a Manal, Vox Dei, Miguel Abuelo, Moris, Tanguito, Pappo, La Pesada, entre otros. Fundado por el editor de libros Jorge Álvarez, que se sumerge en el mundo de la música para llevar la misma batalla que impulsó desde la literatura: el respeto por los artistas y la lucha contra las corporaciones. La historia de Mandioca, la madre de los chicos, es la historia del inicio del rock nacional, y es también la historia de Argentina.

Mandioca fue un sello discográfico argentino independiente que editó discos entre 1968 y 1970. Fue dirigido por Jorge Álvarez, Pedro Pujó, Rafael López Sánchez y Javier Arroyuelo y desempeñó un importante papel en la promoción y difusión del blues y rock en español en la Argentina.

Día del lanzamiento del sello Mandioca.jpg12 de noviembre de 1968, día del lanzamiento del sello Mandioca y debut del Trío Manal en el Teatro Apolo de la Av. Corrientes. Foto del archivo de Pedro Pujo.

Historia

Jorge Álvarez junto a Pedro Pujó uno de los fundadores del sello.
En 1966, Jorge Álvarez, un editor de libros políticos, históricos y culturales comprometidos, se relacionó con tres jóvenes estudiantes secundarios Javier Arroyuelo, Silvio Ramaglia y Pedro Pujó, interesados en los nuevos movimientos juveniles y los mecanismos de difusión.

Jorge Álvarez junto a Pedro Pujó uno de los fundadores del sello.
Gelpgim (Sergio Panei Pitrau) – Trabajo propio

Jorge Álvarez Biografía

Álvarez y Pujó tenían el sueño de promover en Buenos Aires un barrio como el Greenwich Village de Nueva York que se convirtiera en el centro del nuevo movimiento juvenil. De esos proyectos se concretó la creación de un sello discográfico que difundiera la música que estaban componiendo esos jóvenes, al que le pusieron el nombre de Mandioca, La Madre de los Chicos.

El nombre «Mandioca» fue elegido por tratarse de un vegetal originario de América, como símbolo de identidad cultural, a la vez que eligieron el color morado del interior de la mandioca, como fondo de las etiquetas de los discos.

A principios de 1968 Claudio Gabis, Javier Martínez (dos de los tres miembros de Manal), Emilio Kauderer y Rocky Rodríguez grabaron un demo experimental en el estudio de grabación de Jorge Tagliani.1​ Gabis reservó sesiones de grabación en el estudio para probar que frutos podía traer la banda. De lo grabado se prensó un solo disco que se perdió, no existiendo copia del mismo.

Poco después de las sesiones en el estudio de Tagliani, Martínez fue convocado para encarnar el personaje de “Paco” de la película Tiro de gracia dirigida por Ricardo Becher, basado en el libro homónimo de Sergio Mulet. En algún momento durante la filmación, Martínez le comentó a Jorge Goldemberg que tenía un conjunto musical que ya estaban grabando algunas canciones. Goldemberg se lo comentó al director, quién se apersonó a un ensayo del grupo, y allí mismo decidió que la banda se encargara de la música de su film. El grupo fue convocado gracias a las influencias de Goldemberg, a participar para tocar en el espectáculo teatral VietRock, en el teatro Payró. En esas instancias Gabis convence a su compañero Martínez de llamar al bajista Alejandro Medina para integrarse al grupo, completándose allí el trío musical de Gabis, Martínez y Medina.2​1​

La banda se integraría al sello independiente Mandioca, con quienes grabó su primer álbum editado en 1970. Pero antes de eso, a fines de 1969 se terminó de filmar la película, Becher llamó a Manal para grabar la banda sonora. La misma iba a ser realizada por un profesional de música para películas, Roberto Lear, pero terminó aceptando que el grupo registrase la música, asistiendo incluso a una de las sesiones. El tema central de la película, “Estoy en el infierno”, se había improvisado a base de experimentos en el estudio de Tagliani. La canción se volvió a grabar al igual que el resto de la música en los estudios Phonal ubicados en Santa Fe y Coronel Díaz. El trío compuso además “Tema del moderno” y “Seigmund’s Zoo”. El resto de las pistas, climas y efectos fueron producto de la improvisación y la versatilidad que tenía el conjunto, según los tiempos e indicaciones del director Becher.

Logotipo del grupo, obra de Daniel Melgarejo, apareció en el primer sencillo del grupo “Que pena me das”/”Para ser un hombre más”, 1968.
Manal entró en contacto con Jorge Álvarez3​ en una fiesta organizada en la casa de Piri Lugones (cuys hijos eran amigos de los manales) hecha con el objetivo de que la banda conociese a sus futuros productores. Fue en esa fiesta donde Claudio Gabis le enseñó a Javier Martínez un borrador con unas líneas para armar la lírica de una futura canción, y una base musical que había armado. Martínez terminó allí mismo la canción en menos de una hora, se trataba de “Avellaneda Blues”. El grupo le cantó este tema a Álvarez, quién quedó impresionado por la misma, convenciendose de que tenía que producir al grupo

Álvarez recuerda de ese momento:

En una reunión de cumpleaños [se refiere a la fiesta en casa de Piri Lugones] los conocí como tipos, no como músicos. Un mes después Pedro [Pujó] me llevó a la casa de Alejandro [Medina], donde el trío ensayaba, y cuando los escuché me caí muerto, era realmente espectacular como tocaban. Les pregunto que pensaban hacer , me dijeron que no querían entrar en el engranaje comercial, que eso era una porquería, que querían hacer las cosas con libertad y todo eso […] Hacemos el primer simple en el estudio TNT y me voy con las cintas a CBS. Se lo hago escuchar a John Lear, el presidente, y me dice que eso no sirve, que es una burda imitación de lo que sucede en Estados Unidos y que eso no venderá jamás en la Argentina, que a él no le interesa. Mando a un amigo a otra grabadora y nos patean.

Luego del fallido intento en CBS, Álvarez juntó a Pedro Pujó, Rafael López Sánchez y Javier Arroyuelo fundaron Mandioca en 1968, con el eslogan “la madre de los chicos”, primer sello del rock argentino,​ como una alternativa para aquellos grupos nacientes de rock que eran marginados por los grandes sellos discográficos.​ La idea de Álvarez era, además de que las bandas pudieran grabar su trabajo con libertad, que las mismas tocasen en teatros, ya que ese momento no existían los conciertos de rock en Argentino, los grupos tocaban únicamente en clubes para que el público pudiera bailar.

La invitación para el concierto inaugural de Mandioca era una alcancía en forma de manzana de cerámica que tenía una leyenda que decía “rompeme” y dentro contenía un mensaje. El sello Mandioca se lanzó el 12 de noviembre de 1968 con un concierto realizado en la Sala Apolo de la Calle Corrientes al 1300 (donde funcionó luego el cine Lorange), en el cual participaron Manal, Miguel Abuelo y la cantante Cristina Plate.El recital se hizo con los equipo Fender de Los Gatos,​ y al terminar el mismo subió Luis Alberto Spinetta, líder de Almendra diciendo “¿Se dan cuenta ustedes lo que empezó hoy? Hoy empezaste a terminar con la música comercial”.Durante los meses siguientes el grupo realizó varias actuaciones en clubes de los suburbios de la ciudad de Buenos Aires.

A finales de 1968, Mandioca editó su primer material al mercado, se trataba a su vez del primer sencillo de Manal: “Qué pena me das” con “Para ser un hombre más” como lado B que había sido grabado en octubre del mismo año.​ Se trataba de un corte extraño para la época, pues los temas superaban ampliamente el límite de tres minutos de duración impuesto por las radios y el sobre que lo contenía era un costoso tríptico de elaborada gráfica, cuyo autor era el dibujante Daniel Melgarejo. El sobre presentaba una tapa desplegable en tres partes con un dibujo de un obelisco y en el medio de éste el logotipo del conjunto. En el interior, hay una dedicatoria a la gente del sello Mandioca, mientras que en la otra sección esta la información correspondiente a los temas del grupo y en la tercera o la del medio, una foto plegable del grupo, que era la cubierta en sí.​ Pero este primer trabajo discográfico fue recibido por los medios con escepticismo, se difundió poco y la prensa criticó especialmente el uso del castellano en las letras. En su segundo sencillo publicado a mediados de 1969, “No pibe” con “Necesito un amor”,​ la banda logró un sonido más depurado y blusero, evidenciando una clara evolución técnica y de estilo en su interpretación.

El gran impacto fue escucharlo [a “Qué pena me das”] por primera vez en radio. El primero que lo difundió fue Hugo Guerrero Marthineitz, pasó “Qué pena me das”, en la época era una locura pasar un tema así porque duraba seis minutos. Lo habíamos hecho porque teníamos esa política totalmente anti, en el sentido que todos te pedían un tema de tres minutos para difusión. Era la plasmación de una idea por la cual yo venía luchando prácticamente desde mi adolescencia y fue una gran emoción. A partir de ahí trabajamos muchísimo y participamos en cuanto evento de rock se realizara.

Javier Martínez.
Durante el verano de 1969 Álvarez y Pujó armaron un boliche llamado Mandioca en Mar del Plata, al no existir un lugar donde las bandas pudiesen tocar. El interior del local fue pintado de negro y amarillo como un estacionamiento, y precisamente como no disponían de sillas y mesas, usaron neumáticos de autos, allí tocaron Manal con Pappo como invitado, y Los Abuelos de la Nada. También se alquiló una casa para que convivieran las bandas. Pero el lugar fue cerrado al poco tiempo por la policía.11​9​10​

La revista Panorama relataba casi con desprecio el primer recital organizado por Mandioca el 12 de noviembre de 1968, en ocasión del lanzamiento inicial del sello:

Recital de canciones por Manal, Cristina Plate y Miguel Abuelo.
Sobrevivientes de la tribu seudo-hippie de Plaza Francia, diezmada en parte hace un año por la tijera policial, numerosos jóvenes de sexos indefinidos con disfraz bohemio y algunos “notables” invitados especialmente, atestaron la sala Apolo durante la sesión inaugural de un ciclo auspiciado por “Mandioca”, nuevo sello grabador capitaneado por el ahora barbado editor Jorge Álvarez y tres adolescentes de espíritu aventurero…
Una lánguida partidaria de este tipo de eventos explicó: “Nunca haremos nada importante. Sólo nos resta destacar nuestra insignificancia”. Lo hacen tan bien, que el “arte” de aburrir tiene en ellos a sus estrellas máximas.

Producción
El sello Mandioca impulsó y difundió músicos de rock y creaciones artísticas que resultaron fundamentales en los orígenes del rock argentino, destacándose Manal y Vox Dei. De esta última banda, Mandioca promovió la creación y realizó toda la grabación de la ópera-rock La Biblia, aunque finalmente no realizó el lanzamiento debido a la quiebra, razón por la cual fue la empresa grabadora, TNT, la que efectuó la publicación (con graves defectos) para cobrarse la deuda pendiente. También fueron importantes las grabaciones que Tanguito realizó en Mandioca, que finalmente fueron publicadas por otro sello.

Salvo “No pibe” los discos de Mandioca tuvieron escaso éxito comercial. Sin embargo, entre ellos se encuentran clásicos permanentes del rock nacional, como “No Pibe”, “Jugo de tomate frío” y “Avenida Rivadavia” de Manal, “Presente (El momento en que estás)” de Vox Dei y “El oso” de Moris. El álbum Manal (llamado también La Bomba) ha sido considerado como uno de los mejores álbumes de la historia del rock argentino, al igual que La Biblia de Vox Dei, que aunque no fue lanzado por Mandioca, fue inspirado e íntegramente grabado por el sello.

El propio Jorge Álvarez, poco tiempo antes de morir, hizo una breve narración de como logró sacar a Mandioca de su lugar casi marginal dentro del mercado del disco, haciendo hincapié precisamente en el éxito obtenido por “No Pibe”.

“Nos invitaron a participar de un ciclo de bailes domingueros en la confitería “Gaugin”, que estaba en Donato Álvarez y Gaona, del barrio de Flores. El primer día actuó Manal. A la gente le costaba bailar con esta música porque estaba habituada a otras expresiones anglo sajonas y en el terreno de música nacional, les gustaban grupos como Banana, Pintura Fresca, Los Náufragos y otros. De pronto se me acerca un muchacho quien se presenta como integrante de la agencia productora del ciclo radial Música Con Thompson y Williams. Era Rodolfo Garavagno, quien se mostró maravillado con la música de Manal, y me dijo que le gustaría difundirla en ese programa. Al otro día, Pedro Pujol y yo entrabamos en la oficina de Florida 622, y nos recibió el mismo Rodolfo, quien se mostraba muy entusiasmado porque ya había puesto al tanto de todo a Fito Salinas, titular de la agencia y conductor del programa. Estaba también Ricardo “Richard” Ostuni y otros profesionales como Cesar Mermet y Cacho Carrera Villar. Rodolfo Garavagno los tenía a todos ellos expectantes. No se que les había dicho de Manal, pero lo cierto es que todos ellos estaban ahí, esperando poder escuchar “No Pibe”. Nosotros habíamos llevado otras grabaciones, pero tuvimos que entregarles el disco simple “No Pibe”. Lo escuchamos siete u ocho veces, y cuando yo los miraba, los notaba extasiados con la música de Manal. Rodolfo, iba hablando con cada uno de ellos con un convencimiento notable. Lo cierto es que ese día, Salinas y su equipo querían escuchar el catálogo completo de Mandioca. Así comenzó el lanzamiento masivo. Era nada menos que la poderosa Radio Mitre, y este programa de Salinas era el segundo en audiencia después de Modart en la Noche, que salía por Radio Libertad. Esa misma noche comenzó la difusión de Manal con “No Pibe” y los llamados del público aumentaron un sesenta por ciento. A la semana siguiente, tuvimos que acercar a otros artistas como Vox Dei, Moris y Facundo Cabral, para sumarlos a Manal. En septiembre, conjuntamente con Salinas, organizamos un lanzamiento masivo de todos estos artistas en el Club Comunicaciones y tuvo un éxito total. Años más tarde, creo que entre el setenta y dos y el setenta y tres, nos reecontramos con Rodolfo Garavagno en Microfon, cuando él vino como productor editorial y yo tenía mi oficina para atender las cosas de Talent, mi nuevo sello. Fueron los tiempos en los que junto con Billy Bond, artífice genial de sala de grabación durante casi toda mi carrera, lanzábamos a Sui Géneris. Y Rodolfo se ocupó de hacer la edición en papel del álbum Vida y Confesiones de Invierno y los catálogos de Pescado Rabioso, Raun Porcheto e Invisible.”

Mandioca también organizó recitales de rock. El mismo equipo que organizó el sello grabador, estableció una agencia de representaciones llamada Mambo Show, que se ocupaba de organizar actuaciones de Manal y Vox Dei en diversos lugares de la ciudad de Buenos Aires y sus alrededores, y a veces en otros lugares del país. Principalmente, las dos bandas iban a “bailes” organizados en clubes y grandes salones en diversos barrios, especialmente de clase trabajadora, entre cuyos miembros jóvenes el rock y el blues en castellano prendieron con mucha intensidad. La agencia estuvo gerenciada por Mario Rabey, uno de los fundadores (junto con Pipo Lernoud) del movimiento hippie en Argentina. La principal fuente de ingresos de los músicos de Mandioca -y de algunos de los miembros de su staff- fueron estas actuaciones de fin de semana.

UNA ÉPOCA EN UN ESPACIO Y UN TIEMPO DE LITERATURA, ESCRITORES DE VANGUARDIA, MODA Y MÚSICA INTELECTUAL HIPISMO Y PLANTEO FILOSÓFICO, CON UN NEXO CON EL DITELA

SI, GROSOS!

UNDERGROUND! …INTERACTUABAN MODA, CINE, TEATRO, ARTES PLÁSTICAS.

QUE MARAVILLOSO!!!

MC

 



{24 septiembre, 2017}   Musas

Atenea junto a las musas, de Frans Floris (c. 1560).
Frans Floris de Vriendt – The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH.

En la mitología griega, las musas (en griego antiguo μοῦσαι «mousai») eran, según los escritores más antiguos, las divinidades inspiradoras de la música y el arte, que presidían los diferentes tipos de poesía. Cada una de ellas estaba relacionada con ramas artísticas y del conocimiento. En la época más arcaica eran las ninfas inspiradoras de las fuentes, en las cuales eran adoradas. Finalmente, alrededor de los siglos VII-VIII a. C.1​ prevaleció en todo el territorio de la hélade la adoración de las nueve Musas, siendo entonces Calíope, Clío, Erato, Euterpe, Melpómene, Polimnia, Talía, Terpsícore y Urania, hijas de Zeus y compañeras de Apolo, dios de la música y patrón de las bellas artes. El culto a las musas era originalmente de Tracia y Beocia, y fueron de vital importancia para el desarrollo artístico en la antigua Grecia

Las nueve musas canónicas son:

 


Calíope
Giovanni Baglione – Giovanni Baglione

Calíope (Καλλιόπη, ‘la de la bella voz’); musa de la elocuencia, belleza y poesía épica o heroica (canción narrativa), representada con una corona de laurel y portando una lira. Fue madre de Orfeo y de Reso (rey que murió en la Guerra de Troya)

ClíoCamille Corot – Metropolitan Museum of Art, online collection (accession number 29.100.193)
Clío (Κλειώ, ‘la que ofrece gloria’); musa de la Historia (epopeya). Su función era mantener vivo los actos generosos y los triunfos. Se la representa con una trompeta y un libro abierto.

ÉratoFrançois Boucher – François Boucher (1703-1770) EuterpeJakob Emanuel Handmann – Trabajo propio

 

ÉratoFrançois Boucher – François Boucher (1703-1770) EuterpeJakob Emanuel Handmann – Trabajo propio

Erató (Ἐρατώ, ‘la amorosa’); musa de la poesía lírica-amorosa (canción amatoria). Coronada con rosas, se la representa portando una cítara.

EuterpeJakob Emanuel Handmann – Trabajo propio
Dominio público
Euterpe (Ευτέρπη, ‘la muy placentera’); musa de la música, especialmente del arte de tocar la flauta. Se representaba coronada de flores.

Melpómene
Artist is Edward Emerson Simmons (1852–1931). Photographed 2007 by Carol Highsmith (1946–), who explicitly placed the photograph in the public domain.
Melpómene (Μελπομένη, ‘la melodiosa’); musa de la tragedia. La tragedia como difícil arte que despierta el ingenio y la imaginación.

Polimnia Simon Vouet – ?

Polimnia (Πολυμνία, ‘la de muchos himnos’); musa de los cantos sagrados y la poesía sacra (himnos). Se representaba vestida de blanco.

M0tty (Detalle de la pintura de Jean-Marc Nattier: Thalie, musa de la comedia .
Talía (Θάλεια o Θαλία, ‘la festiva’); musa de la comedia y de la poesía bucólica. Presidía los banquetes y otras festividades, otorgando dones de abundancia.

Terpsícore
Jean-Marc Nattier – originally posted to Flickr as Terpsichore, Muse of Music and Dance, circa 1739 (Detail) by Maulleigh; 27 de diciembre de 2009
Terpsícore (Τερψιχόρη, ‘la que deleita en la danza’); musa de la danza y poesía coral. Representada con guirnaldas.

Urania Charles Meynier – Charles Meynier

Urania (Ουρανία, ‘la celestial’); musa de la astronomía, poesía didáctica y las ciencias exactas. Se la representa portando un globo terráqueo, que mide con un compás.

Homero menciona unas veces a una Musa (singular) y otras a unas Musas (plural), pero sólo una vez  dice que eran nueve. Sin embargo, no menciona ninguno de sus nombres.

En el siglo IV d. C., previo a la Edad Media, y tras la obligación de profesar el culto a un solo dios (cristianismo), la adoración de la musas, como de todas las deidades, quedaron prohibidas. En una época muy tardía se volvió a considerar a las musas (que se redujo a siete), asociándolas con las llamadas artes liberales.

 

Genealogía
La genealogía de las Musas no es la misma en todas las fuentes. La noción más común es que eran hijas de Zeus, rey de los olímpicos, y Mnemósine, diosa de la memoria, y que nacieron en Pieria (Tracia), al pie del monte Olimpo, por lo que a veces se les llamaba Piérides, pero algunos autores como Alcmán, Mimnermo y Praxila las consideraban más primordiales, hijas de Urano y Gea. Pausanias explica que había dos generaciones de Musas, siendo las primeras y más antiguas hijas de Urano y Gea y las segundas de Zeus y Mnemósine.

Otras versiones afirmaban que eran hijas:

De Píero y una ninfa pimplea (por lo que a veces se les llama Pimpleas o Pimpleides) a la que Cicerón llama Antíope;
De Apolo;
De Zeus y Plusia;
De Zeus y Moneta, probablemente una simple traducción de Mnemósine o Mneme, de donde son llamadas Mnemónides;
De Éter y Gea.
Se considera a Eufeme nodriza de las Musas y al pie del monte Helicón su estatua aparecía junto a la de Lino.

Sobre su número

Por Pausanias sabemos que originalmente se adoraba a tres Musas en el monte Helicón en Beocia: Meletea (‘meditación’), Mnemea (‘memoria’) y Aedea o Aoide (‘canto’, ‘voz’). Se decía que su culto y nombres habían sido introducidos por vez primera por Efialtes y Oto. Juntas formaban el retrato completo de las precondiciones para el arte poético en las prácticas religiosas.

También se reconocía a tres en Sición,donde una de ellas llevaba el nombre de Polimatía, y en Delfos, donde sus nombres eran idénticos a los de las tres cuerdas de la lira, es decir, Nete, Mese e Hípate, o Cefiso, Apolonis y Boristenis, que eran los nombres que las caracterizaban como hijas de Apolo.

Como hijas de Zeus y Plusia se hallan menciones a cuatro Musas: Telxínoe (‘deleite del corazón’), Aedea, Arque (‘comienzo’) y Meletea. Algunas fuentes, en las que otra vez son consideradas hijas de Píero, mencionan siete musas: Neilo, Tritone, Asopo, Heptapora, Achelois, Tipoplo y Rhodia, y por último otras mencionan ocho, que también se dice que era el número reconocido en Atenas.

Representaciones artísticas
En las obras de arte más antiguas se encuentran sólo tres Musas y sus atributos son instrumentos musicales, tales como la flauta, la lira o el barbitos.

En el arte romano, renacentista y neoclásico, cada una de las nueve Musas recibían al ser representadas en esculturas o pinturas atributos y actitudes diferentes, en función de la disciplina artística o científica con la que eran asociadas, lo que permitía distinguirlas:

En algunas representaciones las Musas aparecen con plumas sobre sus cabezas, aludiendo a la competición con las Sirenas. También aparecían en ocasiones acompañadas de Apolo.

Mitos

Las Musas con Apolo, por Peruzzi.
En los poemas homéricos se considera a las Musas diosas de la música y la poesía que viven en el Olimpo. Allí cantan alegres canciones en las comidas de los dioses, y en el funeral de Patroclo cantaron lamentos. De la estrecha relación existente en Grecia entre la música, la poesía y la danza puede también inferirse que una de las ocupaciones de las Musas era el baile. Como se las adoraba en el monte Helicón eran naturalmente asociadas con Dioniso y la poesía dramática, y por esto eran descritas como sus acompañantes, compañeras de juego o niñeras.

El poder que se les atribuye con más frecuencia es el de traer a la mente del poeta mortal los sucesos que ha de relatar, así como otorgarle el don del canto y darle elegancia a lo que recita. No hay razón para dudar de que los poetas más antiguos eran sinceros en su invocación a las Musas y que realmente se creían inspirados por ellas, pero en épocas posteriores, al igual que en la actualidad, tal invocación es una mera imitación. (Véase «Funciones en la literatura» más adelante).

Al ser diosas del canto, están naturalmente relacionadas con Apolo, el dios de la lira, quien también instruía a los bardos y era mencionado junto a ellas incluso por Homero. En épocas posteriores Apolo es situado en muy estrecha relación con ellas, pues se le describe como jefe del coro de las Musas con el epíteto Musageta (Μουσαγέτης).

Otra característica más de las Musas es su poder profético, que les pertenece en parte porque eran consideradas como ninfas inspiradoras y en parte por su relación con Apolo, el dios profético de Delfos. De ahí que instruyeran, por ejemplo, a Aristeo en el arte de la profecía.

Como los poetas y los bardos obtenían su poder de las Musas, y aunque la idea más general es que, como las demás ninfas, eran divinidades virginales, algunos eran con frecuencia llamados sus discípulos o hijos:

Lino es llamado hijo de Anfímaro y Urania, o de Apolo y Calíope, o de Terpsícore;
Jacinto, hijo de Píero y Clío;
Orfeo, de Calíope o Clío;
Tamiris, de Erato.

Tres musas en un bajorrelieve de Mantinea atribuido al taller de Praxíteles, siglo IV a. C.
Aunque las musas no tienen ciclo legendario propio, sí se les atribuyen algunos mitos menores:

Marsias era un pastor frigio (en otras versiones, un sátiro) que desafió a Apolo a un concurso de música. Había encontrado un aulos inventado por Atenea que ésta había tirado porque le hacía hinchar sus mejillas. Apolo tocó su lira y Marsias esta flauta, y ambos lo hicieron tan bien que ni Midas, al que habían invitado como juez, ni las Musas pudieron decretar un vencedor. Entonces Apolo retó a Marsias a tocar el instrumento del revés: él giró su lira y tocó, pero el aulos no podía tocarse del revés. Entonces las Musas declararon vencedor a Apolo, pero Midas objetó contra este veredicto. Las Musas estaban en mayoría y se negaron a ceder. Apolo, para castigar a Marsias por su soberbia y audacia al retar a un dios, le ató a un árbol y lo desolló vivo, dando su sangre origen al río Marsias (en otras versiones, los faunos, los sátiros y las dríades le lloraron tanto que fueron sus lágrimas las que engendraron el río). Seguidamente tocó la cabeza de Midas, y las orejas de éste crecieron hasta ser como las de un burro.
Las Piérides eran nueve doncellas hijas del rey Píero de Pieria, en Tracia, muy hábiles en el arte del canto que, orgullosas de su talento, desafiaron a las Musas. Las ninfas del Parnaso fueron nombradas como jueces, y como era de esperar fallaron a favor de las Musas. Estas castigaron a las Piérides transformándolas en urracas, tornando así sus voces en graznidos.
Tras ser asesinado por Dioniso, las Musas recogieron los trozos del cadáver de Orfeo, hijo de Calíope, y los enterraron al pie del sagrado monte Olimpo, donde se dice desde entonces que los ruiseñores cantan con más dulzura que en ningún otro lugar.
Tamiris, legendario cantor hijo de Filamón y la ninfa Argíope, desafió a las Musas, exigiendo de salir vencedor unirse sucesivamente con las nueve. Las Musas vencieron, y cegaron a Tamiris por su hibris.
Las Sirenas, que igualmente se atrevieron a competir con ellas, fueron privadas de las plumas de sus alas, que las propias Musas se pusieron como adorno.
Funciones en la sociedad

Las nueve musas canónicas: (de izquierda a derecha) Clío, Talía, Erato, Euterpe, Polimnia, Calíope, Terpsícore, Urania y Melpómene. Dibujo de un sarcófago en el Museo del Louvre.
La palabra griega mousa es un sustantivo común además de un tipo de diosa: significa literalmente ‘canción’ o ‘poema’. La palabra deriva probablemente de la raíz indoeuropea *men-, que es también el origen del griego Mnemósine, del latín Minerva, y de las palabras castellanas mente y museo. O, alternativamente, de *mont-, ‘montaña’, debido a su residencia en el monte Helicón, que es menos probable en significado, pero más probable lingüísticamente.

Las Musas eran por tanto las personificaciones y las patrocinadoras de las representaciones de discursos en verso o mousike (de donde proviene «música»), ‘arte de las Musas’. En el periodo arcaico, antes de que los libros estuviesen ampliamente disponibles, esto incluía casi todas las formas de enseñanza: el primer libro griego de astronomía, por Tales, estaba escrito en hexámetros dactílicos, igual que muchas otras obras de la filosofía presocrática. Tanto Platón con los pitagóricos incluían explícitamente la filosofía como un subgénero de mousike. Heródoto, cuyo principal medio de expresión era la recitación pública, llamó a cada uno de los nueve libros de sus Historias con el nombre de una musa diferente.

Para el poeta y legislador Solón, las Musas era «la clave de la buena vida», pues traían tanto la prosperidad como la amistad. Solón buscó la perpetuación de sus reformas políticas a través del establecimiento de la declamación de su poesía (completada con invocaciones a sus Musas prácticas) por parte de chicos atenienses en los festivales de cada año.

Funciones en la literatura
Las Musas son invocadas típicamente al principio, o cerca, de un poema épico o historia clásica griega. Servían de ayuda a un autor, o como auténtico orador del que el autor no era más que la voz. Originalmente la invocación a las musas era una indicación de que el orador se movía en la tradición poética, de acuerdo a las fórmulas establecidas.

Algunos ejemplos clásicos son:

Comencemos nuestro canto por las Musas Heliconíadas, que habitan la montaña grande y divina del Helicón, donde forman bellos y deliciosos coros en la cumbre, lanzando al viento su maravillosa voz, con himnos a Zeus, portador de la égida, a Hera, a Atenea, a Apolo, a Artemisa, a Poseidón,a Afrodita, y a la restante estirpe sagrada de sempiternos inmortales. Este mensaje a mi, en primer lugar, me dirigieron las diosas, las Musas Olímpicas, hijas nacidas del poderoso Zeus: Clío, Euterpe, Talía, Melpóneme, Terpsícore, Erato, Polimnia, Urania y Calíope (…) ¡Tan sagrado es el don de las Musas para los hombres! ¡Salud, hijas de Zeus! Otorgadme el hechizo de vuestro canto.
Hesíodo, Teogonía, siglo VII-VIII a. C.
Cuéntame, Musa, la historia del hombre de muchos senderos,
que, después de destruir la sacra ciudad de Troya,
anduvo peregrinando larguísimo tiempo
Homero, Odisea I
Cuéntame, Musa, las causas; ofendido qué numen
o dolida por qué la reina de los dioses a sufrir tantas penas
empujó a un hombre de insigne piedad, a hacer frente
a tanta fatiga. ¿Tan grande es la ira del corazón de los dioses?
Virgilio, Eneida I
¡Oh musas, oh altos genios, ayudadme!
¡Oh memoria que apunta lo que vi,
ahora se verá tu auténtica nobleza!
Dante, La Divina Comedia, Infierno II
Canta, celeste Musa, la primera desobediencia del hombre. Y el fruto de aquel árbol prohibido cuyo funesto manjar trajo la muerte al mundo y todos nuestros males con la pérdida del Edén, hasta que un Hombre, más grande, reconquistó para nosotros la mansión bienaventurada
John Milton, El paraíso perdido I
Quién me diera una musa de fuego que os transporte al cielo más brillante de la imaginación; príncipes por actores, un reino por teatro, y reyes que contemplen esta escena pomposa
William Shakespeare, prólogo de Enrique V

 

Estas que me dictó rimas sonoras, culta sí, aunque bucólica, Talía
Luis de Góngora, primeros versos de la Fábula de Polifemo y Galatea

de Luis de Góngora y Argote

 

 

(Al Conde de Niebla)

 

Estas que me dictó, rimas sonoras,
Culta sí aunque bucólica Talía,
Oh excelso Conde, en las purpúreas horas
Que es rosas la alba y rosicler el día,
Ahora que de luz tu niebla doras,
Escucha, al son de la zampoña mía,
Si ya los muros no te ven de Huelva
Peinar el viento, fatigar la selva.
Templado pula en la maestra mano
El generoso pájaro su pluma,
O tan mudo en la alcándara, que en vano
Aun desmentir el cascabel presuma;
Tascando haga el freno de oro cano
Del caballo andaluz la ociosa espuma;
Gima el lebrel en el cordón de seda,
Y al cuerno al fin la cítara suceda.
Treguas al ejercicio sean robusto,
Ocio atento, silencio dulce, en cuanto
Debajo escuchas de dosel augusto
Del músico jayán el fiero canto.
Alterna con las Musas hoy el gusto,
Que si la mía puede ofrecer tanto
Clarín -y de la Fama no segundo-,
Tu nombre oirán los términos del mundo.

 

 
Culto de las Musas

El Valle de las Musas visto desde el monte Helicón.
La adoración de las Musas señala originalmente a Tracia y Pieria sobre el monte Olimpo, desde donde fue introducido a Beocia, de tal forma que los nombres de las montañas, grutas y fuentes relacionados con su culto fueron igualmente transferidos del norte al sur. Cerca del monte Helicón, se decía que Efialtes y Oto (los Alóadas) les ofrecieron los primeros sacrificios, y en el mismo lugar había un santuario con sus estatuas, las fuentes Hipocrene y Aganipe (por la que a veces eran llamadas Aganípedas), y sobre el monte Leibethrion, que está relacionado con el Helicón, había una gruta consagrada a ellas. Se decía que Píero, un macedonio, fue uno de los primeros en introducir la adoración a las nueve Musas desde Tracia a Tespias, al pie del Helicón. Allí había un templo y estatuas, y los tespios celebraban un solemne festival de las Musas en el Helicón, llamado Museia (Μουσεἲα). El monte Parnaso estaba de igual forma consagrado a ellas, con la fuente de Castalia, cerca de la cual tenían un templo, y la cueva Coricia, por las que eran a veces llamadas Castálidas, Corícides o Coricianas.

Desde Beocia, que se convirtió por tanto en el centro de adoración de las nueve Musas, se extendió más tarde en las regiones adyacentes y más distantes de Grecia. Por esto se encuentra un templo de las Musas en la Academia de Atenas; se les ofrecían sacrificios en Esparta antes de ir a la batalla; en Trecén, donde su culto fue introducido por Ardalo, se les ofrecían sacrificios junto con Hipnos, el dios del sueño; en Corinto tenían consagrada la fuente Pirene, la fuente de Pegaso; en Roma tenían un altar en común con Hércules, quien también era considerado un Musageta, y poseían un templo en Ambracia adornado con sus estatuas.

La adoración a las Musas solía estar también relacionado con el culto heroico de poetas: tanto la tumba de Arquíloco en Paros como las de Hesíodo y Tamiris en Beocia albergaban festivales en los que las declamaciones poéticas eran acompañadas de sacrificios a las Musas.

Los sacrificios que se les ofrecían consistían en libaciones de agua o leche y de miel. Las diversos epítetos con las que eran designadas por los poetas proceden en su mayor parte de los lugares que les estaban consagrados o en los que eran adoradas, aunque algunos aluden a la dulzura de sus canciones.

Cuando Pitágoras llegó a Crotona, su primer consejo a los crotonienses fue construir un altar a las Musas en el centro de la ciudad, para impulsar la armonía cívica y el aprendizaje.

La biblioteca de Alejandría y su círculo de investigadores se formaron alrededor de un mousaion (‘museo’ o altar de las Musas) cercano a la tumba de Alejandro Magno.

Muchas figuras de la Ilustración buscaron restablecer un «Culto a las Musas» en el siglo XVIII. Una famosa logia masónica en el París prerrevolucionario era llamada Les Neuf Sœurs (‘nueve hermanas’, es decir, nueve Musas), y a ella asistieron Voltaire, Benjamin Franklin, Danton y otros personajes influyentes de la época. Un efecto secundario de este movimiento fue el uso de la palabra museo (originalmente, ‘lugar de culto a las Musas’) para referirse a un lugar destinado a la exhibición pública de conocimiento.

Culto en la actualidad
En los últimos años se ha dado un fenómeno conocido como neohelenismo o dodecateísmo, en Grecia y otras partes del mundo, que practican el culto a las divinidades olímpicas y refutan las escrituras antiguas, como las de Hesíodo y Homero.

Miscelánea
La poetisa Safo de Lesbos fue recompensada con el cumplido de ser llamada «la décima Musa» por Platón.
Actualmente, las Ciencias rinden honor a las musas, nombrando a su mayoría en especies de mariposas y plantas.
La Constitución de 1920 de Gabriele D’Annunzio para el Estado libre de Fiume estaba basado en torno a las 9 musas e invocaba a Energeia (‘energía’) como «la décima Musa».
En Nueva Orleans hay nueve calles llamadas en honor de las Musas.
En la Ciudad de Guadalajara en México existen nueve calles llamadas en honor de las Musas en la colonia Lomas de Independencia.
Las musas tienen su equivalencia en la mitología romana, «camenas» (aunque estas tenían otro significado).(wikipedia)




Stars

Se llevó a cabo el 14 de Septiembre próximo pasado el cierre de la muestra Horizonte de Eventos de Tomas Saraceno en la Galería de Arte Ruth Benzacar, con una charla verdaderamente enriquecedora. Un aracnólogo y un ingeniero fueron los ponentes y nos explicaron cómo surgió la unión de ellos con Tomás Saraceno, cómo surgió la idea, para llevar adelante y plasmar el proyecto de los globos que en un primer momento parecía que no iban a volar pero volaron en el salar de Uyuni, Impulsado por la Aerocene Foundation y el CCK, nos contaron sus experiencias.

Una nueva era geológica? Si, se trata de encontrar nuevas formas de habitar la tierra en el aire.

Horizonte de eventos coincide en Buenos Aires hasta fin de mes con otra gran muestra de Saraceno en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, que incluye una gigantesca telaraña -la más grande construida y exhibida hasta el momento- construida por 7000 arañas durante seis meses.

Los problemas ambientales, su exploración científica y artística y la posibilidad de posicionar a la Argentina en pionera en el mundo en una legislación aérea que permita el vuelo libre de los combustibles fósiles.

Se unen arquitectos, ingenieros y aracnólogos especialistas en webs.

Paisajes surrealistas “En Órbita”

Todo tiene sentido, nada sucede al azar aquí en la tierra, las especies, y allí en el universo infinito, redes, telarañas, webs, galaxias, la gravedad, mundos y submundos, espirales, lo fractal, la interconexión,  la comunicación…el comportamiento de las arañas.

El mundo del Arte, la Astrofísica, las Ciencias Sociales y Naturales, la Arquitecturase unen y entralazan  para hallar Caminos Constelaciones, lo Global, las Redes, la Comunicación. la Organización Social su clave, lo Híbrido, la Cooperación; proyectado en “Ciudades Nube”

https://es.wikipedia.org/wiki/Horizonte_de_sucesos

Ciudades flotantes 

Ciudades futuristas

Aeroceno

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Tomás Saraceno:

Biografía
Después de pasar los primeros años de su infancia en Italia, regresó a Argentina donde estudió arte y arquitectura de 1992 a 1999 en la Universidad de Buenos Aires. De 1999 a 2000 realizó estudios de postgrado en la Escuela Superior de Bellas Artes de la Nación Ernesto de la Cárcova, en Buenos Aires. En 2001 se inscribió en un postgrado en la Escuela Estatal de Bellas Artes de Frankfurt del Meno en Alemania, dirigida en ese entonces por Daniel Birnbaum (curador de la 53 Bienal de Venecia), y luego en 2003 en la IUAV de Venecia. De 2003 a 2004 asistió al curso “Progettazione e Produzione delle Arti Visive” en la Universidad de Venecia, con los profesores Hans Ulrich Obrist y Olafur Eliasson. En el verano de 2009, participó en el Programa Internacional de Estudios Espaciales del Ames Research Center de la NASA en Silicon Valley, California.

Influenciado por https://es.wikipedia.org/wiki/Gyula_Kosice

 

Ha participado con sus instalaciones en la Bienal de Venecia en las ediciones del 2001, 2003 y 2009 y la Bienal de Sao Paulo en 2006.

Obra
Entre los temas abordados en su trabajo están la voluntad de superar las barreras geográficas, conductuales y sociales; el uso de la tecnología para encontrar formas de vida sostenibles para los humanos y el planeta; la superación de los límites entre disciplinas; el modelo de colaboración de investigación y producción aplicada a todos los campos del saber. Profundamente influenciado por la arquitectura de los utópicos años 60, la obra de Saraceno gira en torno a la búsqueda incesante de soluciones técnicas, visuales y de diseño para la creación de estructuras flotantes y en suspensión que pueden hacer posibles formas de vida de bajo impacto ambiental y alto potencial para la movilidad y la interacción social.

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Insects

El mundo del Arte, la Astrofísica, las Ciencias Sociales y Naturales, la Arquitecturase unen y entralazan  para hallar Caminos Constelaciones, lo Global, las Redes, la Comunicación. la Organización Social su clave, lo Híbrido, la Cooperación; proyectado en “Ciudades Nube”

A cerca del tema:

Tarantula Nebula TRAPPIST.jpg

La nebulosa de la Tarántula o NGC 2070, la mayor nebulosa conocida en nuestro cielo. El hidrógeno de la nebulosa se muestra en rojo y rosa, mientras que el oxígeno es verde y azul. El gas rojo y rosa indica que se trata de una nebulosa de emisión masiva. El área más brillante de las estrellas a la izquierda del centro se llama R136a y contiene muchas estrellas masivas, estas estrellas son las más calientes y más brillantes conocidas.

Telaraña cósmica (2014)

Expertos de la Universidad de California, en Santa Cruz, Estados Unidos, han descubierto un quásar distante que ilumina una gran nebulosa de gas difusa, revelando por primera vez parte de la malla de filamentos que se cree que conecta las galaxias en una red cósmica.

Pluto Orbit.gifPluto’s orbital period is 248 Earth years. Its orbital characteristics are substantially different from those of the planets, which follow nearly circular orbits around the Sun close to a flat reference plane called the ecliptic. In contrast, Pluto’s orbit is highly inclined relative to the ecliptic (over 17°) and highly eccentric (elliptical).Simulation = Francisco Esquembre – Trabajo propio

Onda tridimensional o esférica

Ondes compression 2d 20 petit.gif

Insects

Parawixia bistriata especie

Por las características fenotípicas de las arañas observadas en Brasil, la entomóloga Deborah Smith, de la Universidad de Kansas, cree que se trata de la especie Parawixia bistriata, una araña colonial grande y robusta que construye telarañas espirales.

Formar colonias le permite a la Parawixia bistriata capturar más presas ya que la telaraña comunal abarca un área mucho más amplia que una telaraña individual. Así mismo, reduce la cantidad de seda que cada araña debe aportar para conformar su propia red. Las colonias suelen mantenerse hasta que las arañas llegan a su edad reproductiva, cuando éstas se dispersan.

Spiders Diversity.jpg

InsectsInsects

Arañas sociales


Artículo principal: Araña social
Unas pocas especies de arañas que construyen telarañas viven juntas en grandes colonias y muestran comportamientos sociales, aunque no tan complejos como en insectos sociales . Anelosimus eximius (en la familia Theridiidae ) puede formar colonias de hasta 50.000 individuos.  El género Anelosimus tiene una fuerte tendencia hacia la socialidad: todas las especies americanas conocidas son sociales, y las especies en Madagascar son por lo menos algo sociales.  Los miembros de otras especies de la misma familia, pero varios géneros diferentes han desarrollado de forma independiente el comportamiento social. Por ejemplo, aunque Theridion nigroannulatum pertenece a un género sin otras especies sociales, T. nigroannulatum construye colonias que pueden contener varios miles de individuos que cooperan en la captura de presas y comparten alimentos. Otras arañas comunales incluyen varias especies de Philoponella (familia Uloboridae ), Agelena consociata (familia Agelenidae ) y Mallos gregalis (familia Dictynidae ). Las arañas depredadoras sociales necesitan defender su presa contra los cleptoparásitos (“ladrones”), y las colonias más grandes son más exitosas en esto. La araña herbívora Bagheera kiplingi vive en pequeñas colonias que ayudan a proteger los huevos y las arañas.  Incluso las arañas viudas (género Latrodectus ), que son notoriamente caníbales, han formado pequeñas colonias en cautiverio, compartiendo telas y alimentándose juntos.

Tipos de Red

Insects

La red de orbe grande de Araneus diadematus (araña de jardín europea).

No existe una relación consistente entre la clasificación de las arañas y los tipos de tela que construyen: las especies del mismo género pueden construir telas muy similares o significativamente diferentes. Tampoco hay mucha correspondencia entre la clasificación de las arañas y la composición química de sus sedas. La evolución convergente en la construcción de la tela, es decir el uso de técnicas similares por especies remotamente relacionadas, es rampante. Orb diseños web y los comportamientos de hilado que los producen son los mejores comprendidos. La secuencia radial-luego-espiral básica visible en las telas de la esfera y el sentido de dirección requerido para construirlas pueden haber sido heredadas de los antepasados ​​comunes de la mayoría de los grupos de la araña. Sin embargo, la mayoría de las arañas construyen telas sin orbe. Solía ​​pensarse que la banda de orbe pegajosa era una innovación evolutiva que daba lugar a la diversificación de las Orbiculariae. Ahora, sin embargo, parece que las arañas que no son orbes son un subgrupo que evolucionó a partir de las arañas orb-web, y las arañas que no son orbes tienen más del 40% de especies y son cuatro veces más abundantes que las arañas orb-web. Su mayor éxito puede ser porque las avispas sphecid, que son a menudo los depredadores dominantes de las arañas, prefieren atacar a las arañas que tienen telas planas.

Redes de orbe

Nephila clavata, un tejedor de orbe de oro
Aproximadamente la mitad de la presa potencial que golpeó las telas de la orbe escapan. Una red tiene que realizar tres funciones: interceptar la presa (intersección), absorber su momento sin romper (detenerse) y atrapar a la presa enredándola o pegándola (retención). Ningún diseño es el mejor para todas las presas. Por ejemplo: un espaciamiento más amplio de las líneas aumentará el área de la tela y por lo tanto su capacidad de interceptar a la presa, pero reduce su poder de detención y retención; un espaciamiento más estrecho, gotas pegajosas más gruesas y líneas más gruesas mejorarían la retención, pero haría más fácil para la presa potencial ver y evitar la tela, al menos durante el día. Sin embargo, no hay diferencias consistentes entre las redes orbe construidas para su uso durante el día y las construidas para su uso por la noche. De hecho, no hay una relación sencilla entre las características de diseño red  de orbe y las presas que capturan, ya que cada especie de tejer orbe tiene una amplia gama de presas.

Los centros de las telas de orbe, donde las arañas se esconden, suelen estar por encima del centro, como las arañas pueden moverse hacia abajo más rápido que hacia arriba. Si hay una dirección obvia en la que la araña puede retirarse para evitar sus propios depredadores, el cubo es usualmente desplazado hacia esa dirección.

Las telas orbitales horizontales son bastante comunes, a pesar de ser menos eficaces para interceptar y retener a las presas y más vulnerables a los daños causados ​​por la lluvia y la caída de escombros. Varios investigadores han sugerido que las bandas horizontales ofrecen ventajas compensadoras, como la reducción de la vulnerabilidad al daño causado por el viento; redujo la visibilidad a las presas volando hacia arriba, debido a la iluminación posterior del cielo; permitiendo que las oscilaciones capturen insectos en vuelo horizontal lento. Sin embargo, no hay una sola explicación para el uso común de redes de orbe horizontal.

Las arañas suelen fijar bandas de seda muy visibles, llamadas decoraciones o estabilidades, a sus telas. Las investigaciones de campo sugieren que las bandas con bandas más decorativas capturaron más presas por hora.  Sin embargo, un estudio de laboratorio demostró que las arañas reducen la construcción de estas decoraciones si perciben la presencia de depredadores.

Existen varias variantes inusuales de la banda de orbe, muchas de ellas convergentemente evolucionadas, incluyendo: la unión de líneas a la superficie del agua, posiblemente para atrapar insectos en o sobre la superficie; telas con ramas a través de sus centros, posiblemente para ocultar las arañas de los depredadores; “escalera-como” telas que parecen más eficaces en la captura de polillas. Sin embargo, el significado de muchas variaciones no está claro.

En 1973, Skylab 3 tomó dos arañas orb-web en el espacio para probar sus capacidades de hilado de la web en gravedad cero. Al principio, ambos produjeron telarañas bastante descuidadas, pero se adaptaron rápidamente..

Arañas de Tangleweb (arañas de telaraña)

Una red de embudo.
Los miembros de la familia Theridiidae tejen telarañas irregulares, enmarañadas y tridimensionales, popularmente conocidas como telarañas. Parece haber una tendencia evolutiva hacia una reducción en la cantidad de seda pegajosa utilizada, lo que lleva a su ausencia total en algunas especies. La construcción de telarañas es menos estereotipada que la de las telarañas, y puede tomar varios días.

Otros tipos de telas
Los Linyphiidae hacen generalmente hojas horizontales pero desiguales, con los enredos de los hilos de detención arriba. Los insectos que golpean los hilos de detención caen sobre la hoja o son sacudidos por la araña y son sujetados por hilos pegajosos en la hoja hasta que la araña puede atacar desde abajo.

Insects

Araña Spyder

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{10 septiembre, 2017}   Relax, poemas, arte…

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XLI

Tú eras el huracán y yo la alta
torre que desafía su poder:
¡tenías que estrellarte o que abatirme!…
¡No pudo ser!
Tú eras el océano y yo la enhiesta
roca que firme aguarda su vaivén:
¡tenías que romperte o que arrancarme!…
¡No pudo ser!
Hermosa tú, yo altivo: acostumbrados
uno a arrollar, el otro a no ceder;
la senda estrecha, inevitable el choque…
¡No pudo ser!

Gustavo Adolfo Bécquer

 

LII
Olas gigantes que os rompéis bramando
en las playas desiertas y remotas,
envuelto entre la sábana de espumas,
¡llevadme con vosotras!
Ráfagas de huracán que arrebatáis
del alto bosque las marchitas hojas,
arrastrado en el ciego torbellino,
¡llevadme con vosotras!
Nubes de tempestad que rompe el rayo
y en fuego ornáis las desprendidas orlas,
arrebatado entre la niebla oscura,
¡llevadme con vosotras!
Llevadme por piedad a donde el vértigo
con la razón me arranque la memoria.
¡Por piedad! ¡Tengo miedo de quedarme
con mi dolor a solas!  

Gustavo Adolfo Bécquer

 

III
Sacudimiento extraño
que agita las ideas
como huracán que empuja
las olas en tropel.
Murmullo que en el alma
se eleva y va creciendo
como volcán que sordo
anuncia que va a arder.
Deformes siluetas
de seres imposibles,
paisajes que aparecen
como al través de un tul.
Colores que fundiéndose
remedan en el aire
los átomos del iris
que nadan en la luz.
Ideas sin palabras,
palabras sin sentido,
cadencias que no tienen
ni ritmo ni compás.
Memorias y deseos
de cosas que no existen,
accesos de alegría,
impulsos de llorar.
Actividad nerviosa
que no halla en qué emplearse,
sin riendas que le guíen
caballo volador.
Locura que el espíritu
exalta y desfallece,
embriaguez divina
del genio creador.
Tal es la inspiración.
Gigante voz que el caos
ordena en el cerebro
y entre las sombras hace
la luz aparecer.
Brillante rienda de oro
que poderosa enfrena
de la exaltada mente
el volador corcel.
Hilo de luz que en haces
los pensamientos ata,
sol que las nubes rompe
y toca en el cenit.
Inteligente mano
que en un collar de perlas
consigue las indóciles
palabras reunir.
Armonioso ritmo
que con cadencia y número
las fugitivas notas
encierra en el compás.
Cincel que el bloque muerde
la estatua modelando,
y la belleza plástica
añade a la ideal.
Atmósfera en que giran
con orden las ideas,
cual átomos que agrupa
recóndita atracción.
Raudal en cuyas ondas
su sed la fiebre apaga,
oasis que al espíritu
devuelve con vigor.
Tal es nuestra razón.
Con ambas siempre en lucha,
y de ambas vencedor,
tan sólo el genio es dado
a un yugo atar las dos.

Gustavo Adolfo Bécquer

Monet - Regen bei Eretat.jpg

Rain at Eretat
Claude Monet – repro from art book

Claude Monet - Rough weather at Étretat - Google Art Project.jpgClaude Monet – Rough weather at Étretat – Google Art Project
Claude Monet



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