Espacio de María del Carmen "sphínx" difusión de contenidos












Freddy Mamani Silvestre (Catavi, departamento de La Paz, Bolivia, 1 de noviembre de 1971) es un ingeniero, albañil y arquitecto autodidacta boliviano,1​ reconocido por su trabajo conocido como Nueva arquitectura andina2​1​ o Arquitectura Transformer,3​ con más de 60 proyectos construidos en la ciudad boliviana de El Alto.

Biografía
Mamani nació en una pequeña comunidad aimara llamada Catavi, ubicada en el cantón Konani, en el municipio de Sica Sica de la provincia de Aroma del departamento de La Paz.

Comenzó a trabajar como asistente de albañil. En 1986 realizó sus estudios en la Facultad Tecnológica de Construcciones Civiles en la Universidad Mayor de San Andrés. Luego, cursó la carrera de Ingeniería Civil en la UBI.

Es reconocido a nivel nacional por su estilo denominado cholet.

Publicaciones
Arquitectura andina de Bolivia: la obra de Freddy Mamani Silvestre. La Paz, 2014

Cholet en El Alto.
Fuente imagen: Grullab – Trabajo propio
La arquitectura boliviana de “Cholet” en El Alto, La Paz, Bolivia (2014).

Cholet (arquitectura)

Cholet en El Alto.
Cholet es la denominación de los edificios pertenecientes a un estilo arquitectónico andino desarrollado en Bolivia, este estilo es denominado: Nueva arquitectura andina, arquitectura cohetillo y otras denominaciones.

El término fue originado por la combinación de las palabras “cholo” y chalet.

Es una construcción con las características de un edificio de 3 a 7 niveles destinados a usos comerciales o viviendas y en la última planta es construido un chalet. El cholet es generalmente habitado por el propietario del inmueble.

Este tipo de construcción comenzó a aparecer en la zona norte de La Paz, y en Cochabamba, haciéndose muy frecuente en la ciudad de El Alto, siendo muchos de ellos diseño del arquitecto Freddy Mamani.




Stars Glitter gifs Q.E.P.D. Marcos Mundstock

 

Marcos Mundstock (Santa Fe, 25 de mayo de 1942-Buenos Aires, 22 de abril de 2020)1​ fue un locutor profesional, redactor publicitario, actor y humorista argentino, integrante del grupo de música y humor Les Luthiers.

 

Mundstock era hijo de inmigrantes judíos asquenazíes procedentes de Rava-Ruska, una ciudad de la región de Galitzia, en Europa Oriental, actualmente perteneciente a Ucrania. La ciudad formó parte de Polonia luego de la Primera Guerra Mundial, por lo cual los padres de Mundstock emigraron a la Argentina con pasaporte polaco.2​

En cuanto a su historia familiar, Mundstock contaba:

Mi papá, que era relojero, y me llegó a enseñar algo de su oficio, vino a la Argentina solo en 1930 (aquí tenía una hermana) y se instaló en la ciudad de Rosario. Mi mamá había llegado con su familia un año antes y vivía en Santa Fe.

Alguien que los conocía los contactó. Más adelante se casaron, y se fueron a vivir a Rosario, donde nació mi hermana. Luego se trasladaron a la ciudad de Santa Fe, donde nací yo en 1942. Siete años más tarde, nos mudamos a Buenos Aires. Mi familia hablaba en idish. Yo lo hablo bien, aunque nunca llegué a hablar tan fluidamente como ellos.

Desde pequeño, Mundstock estuvo expuesto a distintas influencias musicales, según él mismo cuenta:

En mi casa siempre se escuchaba música, a mi papá le encantaba. Cuando yo era chico, escuchábamos programas de radio de la colectividad italiana. Así conocí a varios tenores famosos, como Beniamino Gigli y Tito Schipa. Escuchábamos muchas canciones napolitanas, y también arias de ópera. Aquello fue para mí una primera aproximación a la música, con un gran disfrute.

Por supuesto que también escuchábamos programas judíos. Los cantantes litúrgicos de sinagoga tenían una voz muy operística. Algunos eran fantásticos y a mi padre le encantaban. Durante mi infancia tuvimos algunos problemas económicos.

Tras mudarse de Santa Fe a Buenos Aires, mi padre estuvo algunos años sin tener un trabajo estable. Tal vez por eso nunca me mandó a tomar clases de música, y por la misma razón, a mí tampoco se me ocurrió pedírselo.

Al comienzo de su participación en Les Luthiers realizó trabajos en radio y publicidad, aunque pronto pasó a dedicarse en exclusiva a las actuaciones del grupo. Junto con el fundador del conjunto, Gerardo Masana, creó el personaje del ficticio compositor Johann Sebastian Mastropiero, en cuya supuesta vida y obra se basan muchas de las piezas musicales que interpretan, así como los textos introductorios de las mismas. Si bien con Les Luthiers ocasionalmente interpreta algún instrumento, como el gom-horn, Mundstock reconoce ser el miembro del conjunto con menores cualidades para la interpretación musical. Según su propio relato, a los 24 años se compró un piano e intentó aprender:

Pero tenía una especie de bloqueo. No era que no tuviera capacidad, sino que carecía de la constancia y la paciencia necesaria para sentarme a practicar. Quería aprender todo muy rápidamente. Y en la música, los tiempos de aprendizaje son muy difíciles de modificar.

Mis intentos de aprender piano no prosperaron. La música es una asignatura pendiente en mi vida.

Más adelante tomé clases de canto con un profesor. Ya había estudiado canto anteriormente, y siempre tuve la fantasía de ser cantante

Reconocido por su voz de bajo, se destacaba por relatar los textos introductorios de la mayoría de las obras de cada espectáculo. Para eso usaba sus dotes de locutor profesional, a las que añadía su toque humorístico personal.

En Mar del Plata, el 8 de febrero de 1971, en medio de una discusión después de actuar en un espectáculo donde trabajaban juntos, sufrió una agresión por parte de Nacha Guevara quien le arrojó un vaso de vidrio en la cara provocándole una cortadura por la que tuvieron que darle varios puntos de sutura. Guevara fue sentenciada a dos meses de prisión, sentencia que quedó en suspenso por falta de antecedentes.

Entre los premios que el grupo cómico ha recibido a lo largo de su carrera destacan el Premio Max de las Artes Escénicas (2001), que otorga la SGAE, el Grammy Latino a la excelencia musical (2011), el Premio Princesa de Asturias de Comunicación, además el Gobierno español les ha concedido la Encomienda de Número de la Orden de Isabel la Católica (2007) y, en 2012, la nacionalidad española por carta de naturaleza.

En los últimos años ha unido a algunas apariciones anteriores en televisión la interpretación de papeles secundarios en películas argentinas para cine (por ejemplo No sos vos, soy yo o Roma), y en una española (Torrente 3).

En 2011 participó de la película Mi primera boda con el papel del Padre Patricio. También locutó la voz del ermitaño en Metegol y actuó en El cuento de las comadrejas, una remake de Los muchachos de antes no usaban arsénico dirigida por Juan José Campanella.

En enero de 2020 anunció su retirada temporal de los escenarios por indicación médica debido a un problema de salud que venía padeciendo desde 2019. Finalmente falleció a los setenta y siete años el 22 de abril del mismo año en Buenos Aires.

Marcos Mundstock falleció el 22 de abril de 2020, a los 77 años de edad, a consecuencia de complicaciones derivadas de un tumor cerebral.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Marcos_Mundstock

 

 



{16 abril, 2020}   *Día mundial del arte.

La fecha se eligió en honor al día del nacimiento de Leonardo da Vinci. Da Vinci fue seleccionado como un símbolo mundial de paz, libertad de expresión, tolerancia, fraternidad y multiculturalismo, así como el arte también es importante en otros campos

Una propuesta fue presentada en la décimo séptima Asamblea General de la Asociación Internacional de Arte en Guadalajara para declarar el 15 de abril como el Día Mundial del Arte, con su primera celebración la cual tuvo lugar en el 2012. Esta propuesta fue patrocinada por Bedri Baykam de Turquía y co-firmado por Rosa María Burillo Velasco de México, Anne Pourny de Francia, Liu Dawei de China, Christos Symeonides de Chipre, Anders Liden de Suecia, Kan Irie de Japón, Pavel Kral de Eslovaquia, Dev Chooramun de Mauricio, y Hilde Rognskog de Noruega. Dicha propuesta fue aceptada por unanimidad por la Asamblea General. (Wikipedia)



{11 abril, 2020}   *Sábado santo

Michelangelo's Pieta 5450 cropncleaned.jpg

Imagen de La Piedad de Miguel Ángel que representa a Jesús descendido de la Cruz en los brazos de su madre.

El Sábado Santo es un día de luto, pues se trata de un día de silencio, no hay celebración eucarística. En la Iglesia católica también se conmemora la Soledad de María después de llevar al sepulcro a Cristo, quedando en compañía del Apóstol Juan. Pueden ser expuestas en la Iglesia, a la veneración de los fieles, la imagen de Cristo crucificado, o en el sepulcro, o descendiendo a los Infiernos, ya que ilustran el misterio del Sábado Santo. Hoy la Iglesia se abstiene absolutamente del sacrificio de la Misa, al igual que el Viernes Santo. La Sagrada Comunión puede darse solamente como viático. No se conceda celebrar el Matrimonio, ni administrar otros sacramentos, a excepción de la Penitencia y la Unción de los Enfermos. En algunos lugares durante la noche de vigilia pascual, se realiza de forma simbólica la bendición del fuego y el agua

 

Hasta la reforma litúrgica de la Semana Santa acometida por el papa Pío XII (encargada en 1955 a Monseñor Annibal Bugnini) se llamaba a este día Sábado de Gloria, pues la celebración de la Resurrección (la Vigilia Pascual) tenía lugar ya en la mañana del sábado, debido a la norma del ayuno preparatorio a la Comunión sacramental desde la medianoche precedente.




Roermondse passie.jpg

Tres filas, cada una con seis escenas, en la fila superior: la Anunciación, el Nacimiento de Cristo, la Circuncisión, la Adoración de los Magos, la Presentación en el Templo y la entrada a Jerusalén. En la fila del medio: la Última Cena, Cristo en el Monte de los Olivos, la traición de Judas, Cristo ante Pilato, Cristo coronado de espinas y la Bandera. En la fila inferior: Cristo llevando la cruz, la crucifixión, la lamentación, la resurección, la ascensión y el Pentecostés






{31 marzo, 2020}   *Fragmento




A Christmas Carol between 1857 and 1858 . watercolor on paper. 36.5 × 36.5 cm (14.3 × 14.3 ″). Cambridge, Massachusetts, Fogg Art Museum, Harvard University.
Dante Gabriel Rossetti – http://www.harvardartmuseums.org/collections/object/298155

A Christmas Carol 1867. oil on panel. 45.5 × 38 cm (17.9 × 14.9 ″). Private collection.
Dante Gabriel Rossetti – Sotheby’s, London, 4 December 2013, lot 48 – with frame
Dantis Amor – Finished Study circa 1859-1860. Brown pen, ink and wash on paper. 25 × 24 cm (9.8 × 9.4 ″). Birmingham Museum and Art Gallery.
Dante Gabriel Rossetti – ewFm3YX_4Xm86g at Google Cultural Institute, zoom level maximum
Dante Gabriel Rossetti by George Frederic Watts.jpg

Dante Gabriel Rossetti (Londres; 12 de mayo de 1828 – Birchington-on-Sea, Kent; 9 de abril de 1882) fue un poeta, ilustrador, pintor y traductor inglés.

La juventud de la Virgen María (1849). Las modelos fueron: la madre del artista para Santa Ana y su hermana Christina para la Virgen.1​
Dante Gabriel Rossetti – una o más terceras partes han hecho reclamaciones de derechos de autor contra Wikimedia Commons en relación con la obra de la que se ha extraído esta o una reproducción puramente mecánica de la misma. Esto puede ser debido al reconocimiento de la doctrina sweat of the brow (sudor de la frente), permitiendo que los trabajos puedan acogerse a la protección a través de la habilidad y el esfuerzo, y no meramente por su originalidad como es el caso de los Estados Unidos (donde se encuentra alojado este sitio web). Estas afirmaciones pueden o no ser válidas en todas las jurisdicciones. Como tal, el uso de esta imagen en la jurisdicción del país reclamante u otros países puede ser considerado como una infracción de copyright. Véase Commons:Cuándo usar la etiqueta PD-Art para más información.

Ecce Ancilla Domini (1850), Tate Britain, Londres.
Dante Gabriel Rossetti – Dante Gabriel Rossetti
La melodía de las Siete Torres (1857), acuarela, Tate Britain.
Dante Gabriel Rossetti –
Más detalles
El Santo Grial, 1860.
Dante Gabriel Rossetti

Biografía

https://es.wikipedia.org/wiki/Dante_Gabriel_Rossetti

Autorretrato, 1847, National Portrait Gallery, Londres.
Hijo de un erudito emigrado italiano, Gabriele Rossetti, D. G. Rossetti nació en Londres, Inglaterra y recibió el nombre de Gabriel Charles Dante Rossetti. Su familia y amigos lo llamaban “Gabriel”, pero en sus publicaciones ponía primero el nombre de Dante, debido a sus resonancias literarias. Era hermano de la poetisa Christina Rossetti y del crítico William Michael Rossetti, y fue uno de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita, junto con John Everett Millais y William Holman Hunt.

Desde muy temprana edad, mostró un gran interés en la literatura. Como todos sus hermanos, aspiraba a ser poeta. Sin embargo, también deseaba pintar, habiendo mostrado un gran interés en el arte italiano medieval. Estudió con Ford Madox Brown, con quien mantuvo una estrecha relación a lo largo de su vida. Estudió idiomas en el King’s College y posteriormente en la Royal Academy.

Después de la exposición de la obra de Holman Hunt La víspera de Santa Inés, Rossetti buscó la amistad de Hunt. La pintura ilustraba un poema de un autor por entonces poco conocido, John Keats. El primer poema de Rossetti, The Blessed Damozel era una imitación de Keats, así que creyó que Hunt podría compartir sus ideales artísticos y literarios. Juntos desarrollaron la filosofía de la Hermandad de los prerrafaelitas. Rossetti estuvo siempre más interesado en la parte medieval del movimiento que en la moderna. Estaba publicando traducciones de Dante y otros poetas italianos medievales, y su arte también buscaba adoptar el estilo de los primitivos renacentistas italianos.

La juventud de la Virgen María (1849). Las modelos fueron: la madre del artista para Santa Ana y su hermana Christina para la Virgen.1​
Las primeras grandes pinturas de Rossetti muestran algunas de las cualidades realistas del movimiento prerrafaelita temprano. En 1849 pinta su primer lienzo inspirado en los antiguos pintores italianos, La infancia de la Virgen. Al año siguiente pinta Ecce ancilla Domini!, una representación de la Anunciación que exaltaba la pureza. Es una interpretación moderna de la Virgen María y de la Anunciación, en la que María es representada como una adolescente indiferente y atemorizada, pálida no tanto por candor espiritual cuanto por consunción. Destaca el uso del cabello pelirrojo, señal de sensualidad para el decadentismo y el simbolismo. La presencia del lirio y de la cortina azul entre los tonos blancos son elementos ulteriores que añaden contenido simbólico a la pintura. Su obra es intensamente mística y primitiva, acercándose al eclecticismo de los nazarenos alemanes. Su pintura incompleta Encontrada (Found; 1854) fue la única dedicada a la vida moderna. Representaba a una prostituta, sacada de la calle por un pastor que era su antiguo enamorado. Sin embargo, Rossetti progresivamente prefirió imágenes simbólicas y mitológicas a las realistas. Esto también puede predicarse de su poesía posterior.

Aunque lo apoyó John Ruskin, las críticas que en el año 1850 recibieron sus pinturas hicieron que se retirara de las exposiciones públicas y se dedicara sobre todo a las acuarelas, que podían venderse en privado. Tomaba como asunto preferido los textos de Dante, en particular de laVida nueva, que había traducido al inglés, y de la La muerte de Arturo de sir Thomas Malory. Sus visiones de las historias artúricas y del diseño medieval también inspiraron a sus nuevos amigos de aquel tiempo, como William Morris y Edward Burne-Jones.

Ecce Ancilla Domini (1850), Tate Britain, Londres.
Estas tendencias se acrecentaron debido a ciertos acontecimientos de su vida privada, en particular por la muerte de su esposa, Elizabeth Siddal, quien se suicidó ingiriendo láudano después de dar a luz a un niño muerto. Rossetti cayó en la depresión y enterró la mayor parte de sus poemas inéditos en la tumba de su esposa, en el cementerio de Highgate. Idealizó su imagen como la Beatriz de Dante en un buen número de pinturas, como El sueño de Dante ante la muerte de su amada (1856) y en Beata Beatrix (1863), obra que marca el camino del pintor hacia una mayor ornamentación y simbolismo; esta pintura alegórica alude a la muerte de su mujer. Representa a Elizabeth en una pose lánguida y sensual, con su cabello rojo natural recogido en un peinado deshecho; sobre sus manos se está posando una paloma roja, símbolo de espiritualidad, que porta en el pico una ramita alusiva al láudano. A sus espaldas, una escena difusa representa a dos personajes, quizá Dante y Virgilio. El complejo simbolismo del retrato es aún fuente de debate entre los críticos.

Dejó la Hermandad Prerrafaelita en 1863, pero mantuvo su mismo estilo pictórico en obras posteriores: La novia (1865), La mujer de la ventana, El vestido de seda azul (1868), May Morris (1872), La doncella herida (1879), Ensueño (1880), La pía (1881) y Juana de Arco (1882). Monna Vana (1866) es el arquetipo de la feminidad decadente, el sujeto de la pintura es una mujer de belleza sensual y andrógina que se cepilla el pelo rojo rodeada de composiciones florales. La rosa es la flor decadentista por excelencia. Pintó varias veces el mito de Proserpina o Perséfone, raptada por el Hades, dios de los infiernos y que tuvo que liberarla, pero con la condición de que no comiera nada en el regreso; Hades la engañó para que comiese seis semillas de granada, fruto de los muertos, que la obligaban a volver seis meses cada año, uno por cada semilla. La diosa es representada según un canon común al romanticismo y al simbolismo: la mezcla de belleza y muerte se indica con el pelo negro y una pose sensual de mujer fatal. En su mano, la granada alude al mito y también, en clave simbólica, a la muerte y la sangre.

Bocca Baciata (1859) marcó una nueva dirección en la obra de Rossetti. La modelo para esta pintura fue Fanny Cornforth.
Su pintura influyó en el desarrollo del movimiento simbolista europeo. Rossetti representaba a las mujeres obsesivamente estilizadas. Tendía a retratar a su nueva amante, Fanny Cornforth como el epitome del erotismo físico, mientras que otra de sus amantes, Jane Burden, esposa de su socio de negocios William Morris, la idealizaba como una diosa etérea.

Durante este tiempo, Rossetti empezó a obsesionarse con animales exóticos, y en particular con los wombats. Con frecuencia pedía a sus amigos que se encontraran con él en la “Guarida del wombat”, en el zoo de Londres en Regent’s Park, y allí pasaría muchas horas. Finalmente, en septiembre de 1869 adquirió su primera mascota de wombat. Este, que vivió poco tiempo y al que llamó “Top”, a menudo lo llevaba a la mesa, y se le permitía dormir en el centro de la mesa durante las comidas. De hecho, se dice que inspiró al lirón de Alicia en el país de las maravillas, de Lewis Carroll.

Los amigos de Rossetti consiguieron que exhumara los poemas de la tumba de su esposa y los publicara: Poems (Poemas, 1870); fueron muy controvertidos y atacados como el epítome de la “escuela de la poesía carnal”. Ofendía su erotismo y sensualidad. Un poema, Nuptial Sleep (Sueño nupcial), describía a una pareja que se quedaba dormida después de hacer el amor. Esta era parte de la secuencia de sonetos de Rossetti The House of Life (La casa de la vida), una serie de poemas que trazaban el desarrollo físico y espiritual de una relación íntima. Rossetti describe la forma de soneto como el “monumento al momento”, pues busca contener los sentimientos de un momento fugaz, y reflejar su significado. Este fue el mayor logro literario de Rossetti. En 1881 publicó Ballads and Sonnets (Baladas y sonetos).

Rossetti también típicamente escribió sonetos para sus pinturas, tales como Astarte Syriaca. Como diseñador, trabajó con William Morris para producir imágenes para vidrieras y otros elementos decorativos.

Hacia el final de su vida, Rossetti cayó en estado mórbido, oscurecido por su drogadicción y su creciente inestabilidad mental, posiblemente empeorada por su reacción a los salvajes ataques de la crítica sobre su poesía desenterrada (1869). Pasó sus últimos años retirado, como un recluso. Murió en Birchington-on-Sea, Kent, Inglaterra. El pintor, Rossetti, fue uno de los más conocidos en su época, y su producción fue muy abundante gracias a la magia de sus pinceles.



{19 noviembre, 2019}   200º aniversario del Museo Prado




Hasta el 6 de octubre, el Teatro Colón presenta la obra de Julio Le Parc “Mobile Rombo Colón”, en el marco de los homenajes nacionales que celebran al pionero del arte cinético, quien nos cuenta más en este video.
La muestra se puede visitar de manera gratuita en la sala del Centro de Experimentación, de martes a domingos de 12 a 20 horas, previo retiro de localidades en la boletería del Teatro Colón, Tucumán 1171.

Disfrutá una experiencia única. Disfrutá la Experiencia Colón.

Biografía Julio Le Parc


Nació en la localidad de Palmira (departamento de San Martín, provincia de Mendoza) en 1928. Durante el año 1942 se mudó junto a su familia a la ciudad de Buenos Aires, en 1943 ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón aunque la abandonó al año siguiente; en el interín pudo observar los murales que Antonio Berni, Juan Carlos Castagnino, Manuel Colmeiro Guimaraes, Lino Enea Spilimbergo y Demetrio Urruchúa realizaban para las Galerías Pacífico en pleno microcentro de la ciudad porteña, por el planteo de tales murales llegó a la intuición de la importancia del “espectador”.

Reanudó sus estudios de bellas artes recién en 1955. En esta segunda etapa formativa fue presidente del Centro de Estudiantes de Artes Plásticas y miembro del Consejo Directivo de la Escuela Nacional de Bellas Artes. Se recibe de la Escuela Prilidiano Pueyrredon junto con Luis Wells y Rogelio Polesello

En 1957 se inicia en la realización de una pintura abstractizante. En 1958 resulta becado por el gobierno francés y se instala en París en donde, en 1960 fundó el GRAV (Groupe de Recherche d’Art Visuel [Grupo de Investigación de Arte Visual]) al mismo tiempo que se cuenta entre los integrantes del grupo llamado Nueva Tendencia.

En 1966 realizó su primera exposición privada en la galería de arte Sage de Howard (Nueva York) pocos meses después, en el mismo año, obtuvo el primer premio de la Bienal de Venecia; en 1967 expuso una de sus principales obras (Desplazamientos) en el Instituto Di Tella de la ciudad de Buenos Aires y participó exitosamente en la exposición Luz y Movimiento realizada por el Museo de Arte Moderno de París.

En mayo de 1968 participó de los llamados “ateliers (talleres) de las personas” hasta que fue expulsado de Francia, medida que duró cinco meses, obteniendo el permiso de volver a París merced a las protestas de otros artistas e intelectuales.

La primera retrospectiva de sus obras ocurrió en Düsseldorf (Alemania Federal) a mediados del año 1972, en 1978 la BBC de filial londinense produjo un film documental sobre su vida y su obra. En 1982 recibió el Premio Konex – Diploma al Mérito como uno de los artistas plásticos más importantes de la última década en Argentina. En 1987 obtuvo el primer premio en la Bienal de Cuenca.

La obra de Le Parc fue para su momento aún vanguardista, innovadora, audaz; en ella se utilizan como elementos de la plástica principalmente aquellos que sorprenden o que sugestionan a la mirada -y, a través de ella, al sujeto todo-. Por otra parte, Le Parc busca involucrar absolutamente al espectador dentro de la obra; para ello recurre a iluminaciones artificiales, efectos especulares, reflejos y movimientos; por ejemplo con bandas mecánicas que se mueven por dispositivos mecánicos ocultos, el fluir de líquidos fosforescentes, el movimiento de hilos de nylon, sus esculturas en ciertos casos son genuinas instalaciones que envuelven a los espectadores. Es en los 1960 que Le Parc puede ser considerado tanto dentro del conjunto llamado Op-art como del arte cinético, e incluso del arte conceptual, aunque él intenta transcender tales movimientos y hace, principalmente, un arte experimental.

En 1969 tras la disolución del GRAV y participar en la exposición llamada Ocho Artistas Cinéticos, le Parc regresó a la pintura trabajando en una gama de catorce colores estrictamente definidos. En 1972 se negó a celebrar una exposición retrospectiva en el Musée d’Art Moderne de la Ville de París , después de lanzar una moneda a “cara o seca” (o cara o cruz) para tomar la decisión.

En 2004 produjo junto a Yvonne Argenterio a Elettrofiamma, en Italia, una serie de esculturas (torsiones) presentó el evento Verso la Luce, en el Castillo de Boldeniga (Brescia, Italia), con la escultura monuental del mismo nombre siempre visible en el jardín del castillo.

Tras el 2000 ha retornado esporádicamente a su país para realizar nuevas obras de arte, a finales de 2006 se le encuentra instalando un sistema óptico especular en las ya citadas Galerías Pacífico de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, tal sistema permite la correcta iluminación, y un juego reflexivo, de los murales existentes en dichas galerías argentinas porteñas. En el año 2013 ha recibido un premio reconocimiento humanístico en el Palais de Tokyo de París, en ese mismo año está “socialmente comprometido” con la llamada inmersión técnica, en el citado año 2013 se le encontraba viviendo y trabajando junto a su esposa Martha Le Parc en la localidad francesa de Cachan . En cuanto a su actividad, Julio le Parc prefiere hablar de experiencia (lo que le aproxima a la noción de performance en “estado puro”) o una simple actividad humana y no de arte.

Por otra parte en su país natal (Argentina) y en su provincia natal (Mendoza), más exactamente en la localidad de Guaymallén existe un centro cultural que le homenajea llevando su nombre y apellido.



et cetera
Noticias y prensa de la Cámara Inmobiliaria argentina

Alejandro Juan Bennazar, Presidente y Consejo Directivo de la CIA © 2019 - www.cia.org.ar - info@cia.org.ar

dequemevisto

This WordPress.com site is the cat’s pajamas

Filatina

El blog de la Fundación Integradora Latinoamericana Ambiental

Buena Data

Comunicación para vender y venderse

Armonia del Alma

Un espacio para reconfortar tu espíritu

Deutsch mit Julia - Learn German - Deutsch Lernen

Learn German - German Lessons - Conversational German - Deutsch Lernen

ConTexto

Escribiendo sobre la tecnología en su contexto

Ramiro René Rech

Un espacio sobre temas jurídicos y políticos

T e r c e r a V o z

La Red Tercera Voz, busca ser un punto de encuentro entre la sociedad para conocer, discutir y actuar frente al panorama real del estado de las cosas.

HERALDO DE MADRID

Periodismo e Historia del siglo XX

Al Margen

Equipo de Comunicacion Popular Al Margen

MUSEO AERO SOLAR

solar energy flying museum

Geno Gourmet

Geno y su cocina

ParaisoHibrido

Otro blog más

KlímtBaLan LoLa

Un deleite Con_Sentido

AMERICAN GALLERY

Greatest American Painters

Tupaisaje.com

Las mejores fotografías de los mejores lugares del mundo que he podido visitar en mis viajes con una breve descripción del lugar y su historía

Argentina sin Vacunas

Comunidad contra las vacunas obligatorias en Argentina

¡La cosa está mal!

¡Y peor que se va a poner!