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{14 julio, 2017}   *Butterflies-*Mariposas

butterflies

Der Schmetterlingsjäger (The butterfly hunter) painting by Carl Spitzweg, 1840
Carl Spitzweg – The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH.

Según Lafcadio Hearn, una mariposa se veía en Japón como la personificación del alma de una persona; Ya sean vivos, moribundos o ya muertos. Una superstición japonesa dice que si una mariposa entra en su habitación de invitados y se posa detrás de la pantalla de bambú, la persona que más te ama viene a verte. Un gran número de mariposas son vistas como malos presagios. Cuando Taira no Masakado se preparaba secretamente para su famosa revuelta, apareció en Kioto un enjambre de mariposas tan grande que la gente se asustó – pensando que la aparición era un presagio del mal venidero.

Una bandeja de servicio decorada con alas de mariposa
La Enciclopedia de Diderot cita las mariposas como un símbolo para el alma. Una escultura romana representa una mariposa que sale de la boca de un hombre muerto, que representa la creencia romana de que el alma sale por la boca.En consonancia con esto, la palabra griega para “mariposa” es ψυχή (psȳchē), que significa principalmente “alma” o “mente”.  Según Mircea Eliade, algunos de los Nagas de Manipur reclaman la ascendencia de una mariposa. En algunas culturas, las mariposas simbolizan el renacimiento.  La mariposa es un símbolo de ser transgénero, debido a la transformación de la oruga al adulto alado. En el condado inglés de Devon, la gente se apresuró una vez a matar la primera mariposa del año, para evitar un año de mala suerte. En Filipinas, una mariposa negra persistente o polilla en la casa se toma para significar una muerte en la familia.  Varios estados americanos han elegido una mariposa estatal oficial.

En tecnología

El estudio de la coloración estructural de las escamas de alas de las mariposas de cola de milano llevó al desarrollo de diodos emisores de luz más eficientes. La coloración estructural de las mariposas está inspirando la investigación nanotecnológica para producir pinturas que no utilizan pigmentos tóxicos y en el desarrollo de nuevas tecnologías de visualización.

 




//radiocut.fm/audiocut/embed/mini/se-presenta-la-muestra-los-angeles-de-charly-andy-cherniavsky-nos-lo-cuenta-charlygarcia
http://elblogdecharlygarcia.blogspot.com.ar/ En el marco del programa 50 años de rock argentino, se presenta la muestra ‘Los Ángeles de Charly’ en el Palais de Glace. Homenaje a Charly García, una exposición de casi 200 fotografías, en su mayoría inéditas, tomadas por Nora Lezano, Hilda Lizarazu & Andy Cherniavsky . La curaduría es de Elio Kapszuk.

Origen: Se presenta la muestra ‘Los Ángeles de Charly’. Andy Cherniavsky nos lo cuenta #CharlyGarcía

En el Palais de Glace, inaugura mañana, entrada libre y gratuita.



{5 junio, 2017}   Orlan

ORLAN par Claude Truong-Ngoc 2013.jpg

ORLAN par Claude Truong-Ngoc 2013.jpg
ORLAN, pseudonyme de Mireille Suzanne Francette Porte, est une artiste plasticienne française, née le 30 mai 1947 à Saint-Étienne, qui vit et travaille entre Paris, New York et Los Angeles. L’artiste a choisi d’écrire son pseudonyme en lettres capitales : « ORLAN ».
Claude Truong-Ngoc / Wikimedia Commons – cc-by-sa-3.0

Información profesional
Ocupación Artista y fotógrafa Ver y modificar los datos en Wikidata
Género Performance y arte corporal Ver y modificar los datos en Wikidata
Movimientos Arte contemporáneo y Arte feminista Ver y modificar los datos en Mireille Suzanne Francette Porte (Saint-Étienne, Francia, 30 de mayo de 1947) artísticamente conocida como Orlan, es una artista multimediática caracterizada por realizar performances quirúrgicas realizadas en su cuerpo las cuales, en ocasiones, transmite en vivo para algunas galerías y museos.

Trayectoria profesional
Su manera de entender el arte, dentro de lo que se conoce como “arte corporal” (o el arte del cuerpo), ha hecho que desde los años sesenta hasta la actualidad haya modificado su cuerpo mediante la cirugía. Antes de decantarse por esta el trabajo de Orlan era un trabajo típico de una artistas feministas con el objetivo de construir identidades múltiples mediante caracterizaciones diferentes. Desde sus inicios se decantó por los performances, la fotografía, el video, multimedia y escultura interactiva, y en sus trabajos cuestionaba el típico imaginario femenino occidental a lo largo de la historia del arte. En los años 90, se centró en el tema de la identidad femenina a través de la iconografía cristiana, para ello trabajó con su propia imagen introduciéndola en un contexto barroco especialmente herético.

En 1964, presentó una fotografía desnuda de ella misma, vista desde arriba, dando a luz a un maniquí andrógino, la obra se titula “Orlan S’Accouche d’Elle M’Aime” (Orlan da a luz a su amado yo). Ese mismo año, realizó diversos performances entre ellos su “Marcha a cámara lenta”, considerado un preludio del mayo del 68. Entre ellas sus extravagantes i originales manifestaciones artísticas, inventó su propia unidad de medida que llamó el Orlan-Cuerpo, y que usó para medir el Vaticano.

Otro tema que de forma transversal aparece a lo largo de toda su carrera artística es el de la disolución de los límites entre dentro y fuera, entre lo público y lo privado, este tema es especialmente patente en su obra “S’habiller de sa propre nudité” (1976).

Para la artista no hay por qué conformarse con el cuerpo que la naturaleza nos ha dado, ni con los esquemas estéticos que la sociedad impone culturalmente, por ello modifica su cuerpo y expone el proceso de esta modificación como manifestación artística.

Su salto al gran público se produjo en el año 1977, cuando realizó un performance (vistía un traje de cuerpo desnudo frente al Grand Palais e invitaba a la gente a pagar monedas por besos. Las monedas entraban por una ranura en la parte superior del traje de cuerpo, y caían en una taza)4 durante la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (F.I.A.C.) de París.

El comienzo del uso de la cirugía como manifestación artística se rodujo de una manera accidental. En 1978, la artista debía participar en un simposio, pero ese mismo día tuvo que ser hospitalizada para una cirugía de emergencia. Es entonces cuando solicitó que un equipo de cámara pudiera estar con ella para filmar la operación. Esa película fue la inspiración para el arte que hace hoy.

En 1990 con su obra llamada “La reencarnación de Saint Orlan” inicia e incluso inventa el concepto del Carnal Art.

Entre 1990 y 1995, se sometió a nueve operaciones de cirugía plástica, para la artista con estas operaciones trataba de reescribir el arte occidental en su propio cuerpo. Se modificó la boca para tenerla como la de Europa del cuadro de François Boucher “El rapto de Europa”; en 1993, se operó para instalar dos pequeños implantes a cada lado de su frente, a modo de protuberancias.;4 imitó la ceja sobresaliente de la Mona Lisa de Leonardo, y con otra alteró su barbilla con la intención de parecerse más a la de la Venus de Botticelli. También ha tratado de conseguir los ojos de la Psique de Gérôme y la nariz de una escultura de Diana. 

Para la artista el quirófano es como un teatro barroco, por lo que cuida los detalles de lo que “sale” en escena, por ello diseñadores, como Paco Rabanne o Issey Miyake, han creado trajes para que los usara durante las cirugías. Mientras la operación se realiza, ella se mantiene consciente, y cuida del ambiente, música de fondo, lectura de poesía y todo queda grabado en cinta de vídeo y transmitido, incluso en directo, en galerías de arte.

También se hizo mucho eco de la demanda que la artista Orlan hizo, en el año 2011, a la cantante Lady Gaga, y a la filial francesa de Universal, por plagiar sus obras, ya que para Orlan parte del contenido del video de 2011 titulado “Born This Way” de Gaga, dirigido por el fotógrafo británico Nick Knight, está basado en la obra “Woman with a Head” de Orlan (1996), y en el trabajo de 2009 de Orlan, “Bump Load”, que consistía en una escultura de Orlan con implantes corporales subdérmicos.

Fuente: Wikipedia

Portrait by Fabrice Lévêque in 1990.

Portrait by Fabrice Lévêque in 1990.
Fabrice Lévêque – Own work
Portrait of the French artist and performer Orlan, taken by photographer Fabrice Lévêque in 1990.

Portrait by Fabrice Lévêque in 1997.

Portrait by Fabrice Lévêque in 1997.
Fabrice Lévêque – Own work
Portrait of the French artist and performer Orlan, taken by photographer Fabrice Lévêque in 1997.

Orlan

Orlan

Su muestra se presenta actualmente en:

Festival de Cine y Derechos Humanos La Plata



{29 mayo, 2017}   Ikebana

Rinpa

Moribana kōseitai (hidarigatte)
Gryffindor – Own work

Moribana/Ellywa


Arreglo floral de ikebana.Pixeltoo (talk | contribs) Ikebana: Bunjin form

Moribana useitai
Gryffindor – Own work

Ikebana (生け花? “Flor viviente”) es el nombre usado para denominar el arte japonés de arreglo floral. También conocida como kadō (華道 ó 花道?) “el camino de las flores”.

Historia
Con la introducción del budismo en Japón a través de Corea y China en el siglo VI, llegó también la costumbre del kuge, u ofrendas de flores en el altar. Un sacerdote budista de nombre Ono-No-Imoko insatisfecho con la forma despreocupada con la que los sacerdotes hacían las ofrendas florales en el altar de Buda, experimentó con arreglos que simbolizaban todo el universo. En sus diseños, las flores y las ramas se dirigían hacia arriba (nunca hacia abajo), y se disponían en grupos de tres para representar la armoniosa relación entre el cielo, hombre y tierra.

Los sacerdotes continuaron haciendo arreglos florales durante cientos de años, pero no hay constancia de ninguna forma o diseño que siguiera un sistema particular hasta finales del s. XV. En esta época, simultáneamente al Renacimiento italiano, Japón experimentó una explosión de desarrollo artístico, y se creó la arquitectura tradicional japonesa, tal y como la conocemos hoy en día, la poesía haiku, el teatro noh, la jardinería y se inició la formación de distintas Escuelas de Ikebana que han ido evolucionando y definiendo sus arreglos desde un punto de vista más tradicional o innovador, fluctuando siempre entre estilos más formales o informales.

En el siglo XIV, durante el mes de julio, muchos festivales (p.ej. el de Tanabata) se celebraban en los más importantes templos y santuarios. Tales eventos se conocían con el nombre de: Shichiseki-Horaku-no-Hana. Más adelante en el período Kamakura (1192-1333) se puso de moda construir dentro de un cuarto (zashiki) una especie de nicho (Tokonoma) donde se colocaban un arreglo floral, incienso y una vela. Debido a la estrechez del Tokonoma, los arreglos florales se hicieron para ser vistos sólo de frente.


Arreglo de Ikebana.Ellywa (talk | contribs/Paesaggio acquatico)
En dicha época el concurso de flores Hana-Awase llegó a formar parte del concurso de poesía ya existente muchos años atrás: Uta-Awase. Con motivo de estos concursos no solamente se combinaban los dos artes, sino que se exhibían vasijas, contenedores y floreros. Los cortesanos, samuráis y monjes competían por el mejor premio, concursando con flores exóticas o vasijas de delicada belleza traídas de China.

Es la creación del primer arreglo floral, de línea muy estricta, con muchas reglas y restricciones llamado Tatebana (flor de pie/vertical) que se puede considerar como primer estilo que se puede llamar Ikebana. Las ramas y flores se colocó en un florero alto y estrecho. En el libro más antiguo de Ikebana “Kaoirai no Kadensho” (1499) presenta ilustraciones sobre estos arreglos florales realizados en vasijas, con fondo de arena.

En esa época, el principal maestro de arreglos florales se llamaba Ikenobo Sengyo. Luego, en el siglo XVI, se crearon reglas precisas y complicadas para los arreglos florales. Este daría paso al estilo Rikka establecido por la escuela de Ikenobo.

El estilo Rikka era usado para ocasiones ceremoniales. Surgió un estilo menos formal y complicado llamado Nageire, preferido por la gente común. Muchas escuelas de Ikebana aparecieron durante el período Edo (1603-1868). En 1820, la escuela de Ikenobo, a partir del estilo Nagerie estableció el estilo Shoka que era de nuevo un estilo ortodoxo.

Durante el período Meiji (1868-1912), los estilos de la escuela Ikenobo se consideraron muy estáticos y conservadores. Muchos maestros de Ikebana, influenciados por la cultura occidental, trataron de modernizar el arte del arreglo floral. Surgieron estilos modernos de arreglos florales como el Moribana, principalmente durante el período Taisho (1912-1926). Después de la segunda guerra mundial apareció el estilo libre de Ikebana.

La academia “Sanguetsu” fue creada en junio de 1972 de Mokichi Okada (岡田茂吉), como otra escuela de Ikebana. Se caracteriza por un estilo sencillo y estricto.

En 1977, el director de la escuela Ikenobo dividió el estilo Shoka en dos: el Shofutai que es tradicional y el Shimputai que es más libre y expresivo. Igualmente, el estilo de Ikebana más formal y tradicional, el Rikka, fue dividido en dos estilos en 1999.

Actualmente en Occidente, a pesar del creciente interés por el arte y la arquitectura japonesa, el Ikebana, desafortunadamente, es a veces definido simplemente como unas normas para colocar flores en un recipiente y lograr un efecto decorativo, muy de moda con los gustos estéticos actuales, omitiendo las sutilezas, la riqueza y la profundidad de esta antigua disciplina. Sin embargo, no hay porque adoptar todas las respuestas culturales japonesas acerca de la naturaleza para poder disfrutar y practicar ikebana. Todo lo que se necesita es observar atentamente la forma y fases de crecimiento de las flores y otros elementos vegetales y su desarrollo a lo largo de las estaciones. Los medios de autoexpresión de la naturaleza son muy poderosos y ayudan a desarrollar nuestra habilidad para ver nuevas formas, acentuando la singular belleza de cada elemento, trabajar con la esencia del modelo en la naturaleza permite a la composición expresar mucho con muy poco y expresar con belleza la naturaleza cambiante de todas las cosas.

Arreglo floral
En la cultura japonesa surgió el ikebana, que desde Occidente puede interpretarse como unas normas para realizar arreglos florales con una estética distinta a la occidental. Pero el ikebana es algo más, es un antiguo arte que emerge de un respeto hacia la naturaleza profundamente arraigado en la cultura japonesa, como otras muchas formas de arte japonés, tales como la caligrafía, la ceremonia del té y la poesía haiku. El ikebana es una disciplina basada en una forma de vivir en comunicación con la naturaleza– un do o filosofía.

El poeta japonés de Haikai, Matsuo Basho (1644-1694), escribió en uno de sus diarios,

“Todos los que logran sobresalir en el arte poseen una cosa en común: una mente en comunión con la naturaleza a lo largo de las estaciones… y todo lo que ve una mente así es una flor y todo lo que una mente así sueña es la luna…”

Se trata de la composición de motivos decorativos mediante flores, aunque también ramas, hojas, frutos y semillas. Además de su propósito estético, también se utiliza como método de meditación, ya que está conectado con el flujo de las estaciones y ciclos de la vida.

El hecho de que las obras sean efímeras, debido al material de que están hechas, lo convierte en un acto de reflexión sobre el paso del tiempo.

El origen de este arte, de más de 500 años de historia, fue religioso, pero actualmente se ha exportado a todo el mundo, y se ha convertido en un hobby de la clase alta europea y norteamericana.

Más que simplemente poner las flores en un recipiente, el ikebana es un arte disciplinado en el que la naturaleza y la humanidad se unen. Contrariamente a la idea del arreglo floral como una colección de acuerdo multicolor de flores, a menudo se hace hincapié en otras áreas de la planta, tales como tallos y hojas, y llama la atención hacia la forma, línea, etc. Aunque ikebana es una expresión creativa, tiene ciertas reglas que rigen su forma. La principal regla es que todos los elementos utilizados en la construcción deben ser de origen orgánico, ya sea ramas, hojas, hierbas, o flores. La intención del artista detrás de cada disposición se ilustra a través de combinaciones de colores de una pieza, las formas naturales, líneas elegantes y generalmente implica el sentido de la disposición.

Otro aspecto en el presente ikebana es su empleo del minimalismo. Es decir, un arreglo puede consistir en sólo un número mínimo de flores esparcidas entre los tallos y hojas. La estructura de un arreglo floral japonés se basa en un triángulo escaleno definida por tres puntos principales, por lo general ramas, considerada en algunas escuelas para simbolizar el cielo, la tierra y el hombre, y en otros, el sol, la luna, y la tierra. El contenedor también es un elemento clave de la composición, y varios estilos de la cerámica pueden ser utilizados en su construcción.

Aspecto espiritual del Ikebana
El aspecto espiritual de Ikebana se considera muy importante para sus practicantes. El silencio es una necesidad durante las prácticas de ikebana. Es un tiempo para apreciar las cosas en la naturaleza que las personas suelen pasar por alto debido a sus ocupadas vidas. Uno llega a ser más paciente y tolerante hacia las diferencias, no sólo en la naturaleza, sino también en general. Ikebana puede inspirar a identificar con la belleza en todas las formas de arte. Este es también el momento en que uno siente la cercanía a la naturaleza que ofrece la relajación de la mente, cuerpo y alma.

Ikebana Internacional
Ikebana Internacional es una asociación cultural, sin ánimo de lucro, dedicada a la divulgación y conocimiento del IKEBANA, fundada en 1956 y que hoy en día se encuentra presente en más de 60 países y reúne a un número aproximado de 8.500 personas que se organizan a través de chapters o delegaciones.[cita requerida] La sede de Ikebana Internacional se encuentra en Tokio.

Kenzan

Kenzan (剣山 significa literalmente ” espada montaña”) es una pieza plana de plomo, de formas diversas, con decenas de pinchos de bronce en los que se clavan las flores, hojas o ramas.

enzan
Cyfal – Trabajo propio

Kenzan

Arreglo de Ikebana.
Kenzan (剣山 significa literalmente ” espada montaña”) es una pieza plana de plomo, de formas diversas, con decenas de pinchos de bronce en los que se clavan las flores, hojas o ramas.

Uso
El kenzan está sumergido en el agua del florero o plato, con los pinchos hacia arriba, y sirve de soporte al arreglo floral. El kenzan, como el “púrpura de abejas”, no se ve. Pero gran parte de la espiritualidad que sugiere el arreglo floral japonés depende del kenzan.

En el arreglo floral japonés, en el ikebana o Kadō, asombra muchas veces ver las flores y otros componentes enhiestos, sin apoyo en las paredes del florero, o sencillamente “naciendo” de un plato con agua. El kenzan explica el truco. (wikipedia)

Ref

Ikebana.

INFO:

El 4 de Junio, se festejan 50 años del Jardín Japonés (Av. Casares 2966. CABA) entrada al jardín será libre y gratuita y ampliaremos el festejo convirtiendo en peatonal a la Av. Berro, donde podrán recorrer un camino de stands gastronómicos, de artesanias y disciplinas japonesas. También se podrán deleitar con shows y espectáculos .



{27 mayo, 2017}   Arte naíf

Retrato de Sarah Elizabether Ball, por Erastus Salisbury Field, c. 1835.
Erastus Salisbury Field – Trabajo propio

La denominación naif (del francés naïf, ‘ingenuo’) se aplica a la corriente artística caracterizada por la ingenuidad y espontaneidad, el autodidactismo de los artistas, los colores brillantes y contrastados y la perspectiva acientífica captada por intuición. En muchos aspectos, recuerda (o se inspira en) el arte infantil, muchas veces ajeno al aprendizaje académico.

Historia
El interés por la frescura y el lirismo, se desarrolla primero mayormente en Francia a fines del siglo XIX, de la mano de artistas como “El Aduanero” Henri Rousseau (Le Douanier Rousseau), que influye en la pintura presuntamente naíf de Grandma Moses en Estados Unidos y Alfred Wallis en Inglaterra. En Argentina, coetáneo al francés Rousseau, Cándido López llegó a una expresión formal muy próxima al naíf aunque ambos pintores jamás tuvieron conocimiento de sus respectivas vidas y obras, y por ende no hubo influjo mutuo. Otro ilustrador argentino que ha sido incluido frecuentemente en este estilo es Florencio Molina Campos.

El naíf propiamente dicho se suele encontrar en ciertas pinturas populares o folclóricas. De estas las más conocidas durante el siglo XX se han producido en Haití, incluyendo figuras como Hector Hyppolite y Wilson Bigaud y en Croacia, siendo en Croacia conocidos sus autores, destacando Ivan Generalić.1 En Bulgaria, Radi Nedelchev se ha conocido como el representante del arte naíf.

En la actualidad ilustradores como Ricardo Cavolo o Jesu Medina utilizan esta técnica en sus creaciones.

Motivo
Aunque el genuino naíf por definición no puede tener motivos predeterminados, suelen darse (debido al ambiente cultural en que surge) temáticas relacionadas con la vida campesina, la vida familiar, las costumbres, las tradiciones y la religión, representados siempre con gran imaginación y vivacidad. Por extensión suele darse impropiamente el nombre de “arte naíf” a aquel en que intencionadamente se emulan aspectos del arte naíf propiamente dicho (el arte espontáneamente ingenuo).

Yo mismo: Retrato-Paisaje, de Henri Rousseau.

Concepto
El concepto naíf alude no solo a cierto estilo, aplicado en el arte, sino que se formaliza en una graciosa falta de conocimientos técnicos y teóricos: en algunos casos suele faltar un sistema de perspectiva o una línea de fuga, así como un ajustado criterio de las proporciones o un elaborado trabajo cromático, por lo que podríamos decir que los autores pintaban lo que ellos deseaban o les parecía más adecuado sin atenerse a ninguna norma. En este sentido lo naíf puede estar dado por dos motivos distintos aunque no excluyentes: en primer lugar una ignorancia (“ingenuidad”) respecto a las técnicas y teorías para realizar obras de arte y, en segundo lugar, una búsqueda (consciente o no) de formas de expresión que evocan a la infancia. En el primer caso, la sencillez aparente es un elaborado esfuerzo de evocaciones; en el segundo, para que el naíf sea auténtico, la intención prístina ha de ser precisamente expresar formalmente lo que evoque a una infancia supuesta mente ingenua. Este punto es clave: un arte pseudonaíf revela un objetivo materialista comercial dedicado a un público-meta que puede ser potencial comprador Oxford Reference

Enlaces externos




“El Problema del Caballo” obra de Claudia Fontes representa a la Argentina en la 57° edición de la Bienal de Arte de Venecia. La obra se encuentra en el Pabellón Argentino en el Arsenal de Venecia.

Bienal de Venecia: apareció el caballo argentino

Caballo, niña, artista. Fontes posa junto a su obra, en Venecia.

Fuente imagen/ EFE/ANDREA MEROLA

Bienal de Venecia: apareció el caballo argentino

Impactante. “El problema del caballo”. La obra llega casi hasta el techo de un pabellón de 5 metros de altura.

En el pabellón argentino en la Bienal de Arte de Venecia -la más antigua, las más prestigiosa del mundo-, la artista Claudia Fontes los cuestiona. Y lo hace, justamente, con un caballo que corcovea mientras una chica ¿lo apacigua? y, cerca, un muchacho está como decidiendo si lanzar o no lanzar una piedra.

El problema del caballo -así se llama la obra que representa al país-

“A mí me gustan los monumentos para desafiarlos” dijo la artista (Haedo, 1964) a Clarín en una nota aparecida el domingo. Allí contaba que los monumentos “suelen ser obras conmemorativas de personajes masculinos que han torcido la historia para un lado o para el otro, sobre todo a través de batallas territoriales. Existe todo un código: según cómo se represente el caballo, relata cómo luchó y murió su jinete. Mi caballo tiene que ver con eso”.

Bienal de Venecia: apareció el caballo argentino

Ternura. La niña que calma al enorme caballo. /Cancillería

En esta ocasión, el curador del envío argentino es Andrés Duprat, director del Museo Nacional de Bellas Artes. La elección de un a obra estuvo a cargo de una comisión formada por varios curadores.

Fuente: Clarín



{29 abril, 2017}   Arte con arena



{22 abril, 2017}   Usina del Arte

La Usina del Arte es un centro cultural y sala de espectáculos que ocupa el edificio de la vieja Usina Don Pedro de Mendoza en el barrio de La Boca, Buenos Aires.

Inauguración Usina de las Artes.jpgThe Arts Powerhouse (Usina de las Artes), inaugurated on May 23, 2012, in a former Italian-Argentine Electric Company (CIAE) facility originally built in 1916 in La Boca, Buenos Aires.
Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires – Flickr: Inauguración Usina de las Artes

 

Historia

El edificio fue diseñado por el arquitecto Juan Chiogna para alojar una super-usina de la Compañía Ítalo-Argentina de Electricidad (CIAE), y construido por Martignone e Hijos entre 1912 y 1916, cuando fue inaugurado. Entre 1919 y 1921, el complejo fue ampliado con nuevas instalaciones para abastecer a la demanda creciente de Buenos Aires. Durante los siguientes 80 años funcionó proveyendo de electricidad de la ciudad, pasando a manos de SEGBA cuando el servicio fue estatizado. Con la privatización de los servicios públicos durante el menemismo (década de 1990), la usina quedó definitivamente abandonada y comenzó su ruina.

Luego de una década de abandono, entre agosto y septiembre del año 2000, el Gobierno Nacional (Presidente Fernando de la Rúa) y el de la ciudad (Jefe de Gobierno Aníbal Ibarra) decidieron emprender como tarea conjunta la recuperación del edificio para ubicar allí al Auditorio de la Ciudad de Buenos Aires, sede definitiva de las orquestas Sinfónica Nacional y Filarmónica de Buenos Aires. El Gobierno de la Nación aportaría el bien y el de la Ciudad confeccionaría el proyecto y financiaría el emprendimiento.

El bien estaba en manos de la ONABE, quien exigió demostrar que el edificio era apto para el fin estipulado con antelación a la cesión del mismo. Se conformó entonces un equipo profesional dirigido por el Arq. Álvaro Arrese e integrado por los arqs. Rodolfo Gassó, Juan Meoz y Sergio Richonnier, con el asesoramiento acústico del ing. Rafael Sánchez Quintana y estructural del Ing. José Norberto Galay, que realizó el anteproyecto presentado a la ONABE, resultando aprobado el uso de Auditorio para el bien pocos días antes de la crisis de 2001.
Vista desde la Autopista Balbín.
El Gobierno de la Ciudad dio comienzo a los trabajos, cuya iniciación tenía un plazo perentorio de dos años, comenzando la restauración del edificio anexo, ocupado hoy por el Museo del Cine, y encarando la mensura del edificio principal y sus sótanos inundados y el desarrollo del proyecto definitivo para el llamado a licitación. Se contó a este fin con financiación del BID para contratar los asesores necesarios para el desarrollo del proyecto definitivo, sumando al grupo básico encargado de las tareas a los ingenieros Julio Blazco Diez en acondicionamiento, Alfredo Otheguy en instalaciones eléctricas y Gustavo Basso en acústica, además de otros especialistas.

Jorge Telerman da comienzo a los trabajos en julio de 2007, junto con la ministra de Cultura, Silvia Fajre. El proyecto incluía una gran nave en la que funcionarán dos salas o auditorios (uno para 1700 espectadores y otro para 500). Los mismos se desarrollaron con fuerte impulso, aprobándose la documentación ejecutiva elaborada por la empresa Caputo.

A los cinco meses de asumir la jefatura de gobierno Mauricio Macri, cambió el nombre del proyecto a “Usina de las Ideas” e inauguró una primera etapa en julio de 2011, para que sea sede de las IV Jornadas de Humanización del Espacio Público.

A fines de mayo de 2012, fue anunciado un nuevo cambio de nombre para el centro cultural, pasando a llamarse “Usina del Arte”, y se hizo pública la inauguración de la sala principal del complejo el día 23 de ese mes. El jefe de gobierno encabezó el acto al cual concurrieron los ex jefes de gobierno Fernando de la Rua y Jorge Telerman, además de artistas como Marta Minujín, y el complejo abrió al público con un homenaje a Astor Piazzolla, aunque solo se podía acceder para eventos puntuales, en horarios restringidos.

En junio de 2013, fue habilitada al público la Sala de Cámara de la Usina del Arte, con un ciclo de conciertos.Fachadas restauradas.
Laura Valerga – Trabajo propio

Vista desde la Autopista Balbín.
Gelpgim22 (Sergio Panei Pitrau) – Trabajo propio
Usina de la Música en La Boca, ciudad de Buenos Aires. Vista desde la Autopista Buenos Aires – La Plata.

Arquitectura:

La Usina “Don Pedro de Mendoza” fue diseñada como parte de un plan de edificios para la Ítalo-Argentina de Electricidad, por el arquitecto italiano Juan Chiogna. Para todas estas usinas, el arquitecto utilizó el estilo neorrenacentista florentino que remitía al norte de Italia, de donde él era oriundo. Esto generó una serie de edificios similares ubicados en puntos muy distantes de Buenos Aires y sus alrededores, que comparten la misma estética de ladrillo a la vista, ventanas en arco de medio punto y torrecitas medievales.

El edificio se destaca por la torre con reloj que está sobre la Avenida Pedro de Mendoza y se puede ver a la distancia, especialmente desde el viaducto de la Autopista Balbín que lleva a la ciudad de La Plata. Los interiores son grandes salas para los generadores eléctricos, con techos de cerchas de hierro y cubierta de chapa de zinc.

La primera etapa del edificio, fue inaugurada en julio de 2011, la segunda etapa inaugurada en mayo de 2012, comprende una sala principal llamada “Sinfónica” para concierto filarmónicos, con una capacidad de 1200 espectadores, que tendrá un escenario móvil y tres pisos de palcos, pullman y bandejas laterales; dentro del edificio principal de la usina, y el Salón Dorado, para exposición para obras de arte. La tercera etapa, es una sala de ensayo para 250 artistas en la planta baja, ocupando la misma superficie del escenario de la sala principal, y una “Sala de Cámara”, para 400 espectadores. La sala tiene 2 pisos de palcos laterales más un nivel de platea y en ella pueden presentarse orquestas de música de cámara.Por otro lado, se prevé que habrá un anexo con dos pequeñas salas de ensayo, una biblioteca y un bar para los músicos. Debajo del foyer se ubicarán 12 camarines para los músicos. Además habrá una sala de televisión y grabación y un salón de 59 metros por 18 con una altura libre máxima de 20 metros que conforma un espacio flexible para la realización de múltiples eventos.

Fuente:Wikipedia

 

Foyer en la noche inaugural.
Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires – Flickr: Inauguración Usina de las Artes
Interior view of the Arts Powerhouse (Usina de las Artes), located in La Boca, Buenos Aires.


Sala sinfónica en la noche inaugural.
Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires – Flickr: Inauguración Usina de las Artes
Auditorium in the Arts Powerhouse (Usina de las Artes), located in La Boca, Buenos Aires.

Espectáculos realizados

 

Ref:

  1.  Buenos Aires tendrá su propio auditorio lanacion.com, 21 Nov 2007
  2. La “Usina de las Ideas”, camino a ser una realidad clarin.com, 14/07/2011
  3.  USINA DE IDEAS, NUEVO CENTRO CULTURAL Buenos Aires SOS, 14/07/2011
  4.  Una nueva sala sinfónica, en la vieja usina de La Boca clarin.com, 21/05/2012
  5.  Un faro que intenta iluminar el futuro lanacion.com, 20 de mayo de 2012
  6. La Usina del Arte, un espacio cultural de todos buenosaires.gov.ar, 2012-05-24
  7.  Infraestructura cultural de seis años de actuación. Dirección General de Infraestructura, Ministerio de Cultura y Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires
  8. Gestión Cultural, Sandra Diaz compiladora, Gobierno de Buenos Aires Ministerio de Cultura.
  9. Usina de la Musia, Memoria descriptiva, Compendio de la Construcción, Buenos Aires,2010
  10.  Usina de la Música, Memoria Acústica, Álvaro Arrese, Gustavo Basso, Revista Vivienda 2008.
  11. Preludio para la Usina de La Música, Clarín Diario de Arquitectura, Buenos Aires, 14 de febrero de 2006 pags. 1, 12 a 15
  12. http://infobaires24.com.ar/gobierno-la-ciudad-cobra-sobreprecios-lo-publica-pagina/
  13.  http://www.argnoticias.com/politica/El-Gobierno-de-la-Ciudad-publico-por-error-como-cobra-sobreprecios-20160717-0024.html
  14.  Macri inauguró la primera etapa de la obra Usina de Ideas buenosaires.gov.ar, 13 de julio de 2011

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Serguéi Pávlovich Diáguilev (en ruso: Сергей Павлович Дягилев /sʲɪˈrgʲej ˈpavlovʲɪtɕ ˈdʲægʲɪlʲɪf/; Sélischi, óblast de Nóvgorod, 31 de marzo de 1872 – Venecia, 19 de agosto de 1929), conocido también como Serge, fue un empresario ruso fundador de los Ballets Rusos, una compañía de la que surgirían muchos bailarines y coreógrafos famosos.  

Diáguilev nació en Sélischi (gubérniya de Nóvgorod), Rusia, en una familia acaudalada y estudió leyes en la universidad. En la niñez vivía en la ciudad de Perm donde trabajaba su padre. Hoy, en la casa donde vivió la familia de Diáguilev, está situado el colegio que tiene su nombre. Hizo incursiones en pintura, canto y música.

En 1905, organizó una exposición de retratos rusos en San Petersburgo, y el año siguiente montó una exposición de arte ruso en el Petit Palais de París. Este sería el inicio de una larga relación con Francia. En 1907 presentó cinco conciertos de música rusa en París, y en 1908 se encargó de la producción de Borís Godunov, en la Ópera de París, con Fiódor Chaliapin en el papel principal.

Esto conllevó a una nueva invitación para regresar el siguiente año con ballet y ópera, y así fundar sus famosos Ballets Rusos. La compañía incluía los mejores bailarines y bailarinas de Rusia, entre los cuales se encontraban Anna Pávlova y Vaslav Nijinsky. Su primera presentación, el 19 de mayo de 1909, fue todo un éxito. En el futuro la compañía aglutinaría a figuras como George Balanchine, Tamara Karsávina, Olga Jojlova, Bronislava Nijinska y Vaslav Nijinsky entre otros.

Durante estos años las representaciones de Diáguilev incluían obras compuestas por Nikolái Rimsky-Kórsakov, tales como las óperas Pskovitiana (Pskovitianka,Maid of Pskov), Noche de mayo (May Night), y Gallito de oro (Zolotói petushok, The Golden Cockerel). Su adaptación de la suite orquestal Scheherazade, escenificada en 1910, encendió la ira de la viuda del compositor, Nadezhda Rímskaya-Kórsakova, quien protestó en sendas cartas abiertas dirigidas al empresario y publicadas por el diario Rec.

Diáguilev también encargó música para ballet de compositores de la talla de Claude Debussy (Jeux, 1913), Maurice Ravel (Daphnis et Chloé, 1912), Erik Satie (Parade, 1917), Richard Strauss (Josephs-Legende, 1914), Serguéi Prokófiev (Ala y Lolly, rechazada por Diáguilev y convertida posteriormente en la Scythian Suite, y Chout, 1915), Ottorino Respighi (La Boutique Fantasque, 1918), Francis Poulenc (Les Biches, 1923), Manuel de Falla con El Sombrero de Tres Picos, entre otros. Su coreógrafo Mijaíl Fokín también hizo adaptaciones de la música para ballet. Diáguilev también trabajó con el bailarín y profesor de ballet Leonid Miasin (Leonid Massine).

El director artístico de los Ballets Rusos fue Léon Bakst, que trabajaba en conexión con Diáguilev desde 1898, cuando el empresario y Alexandre Benois fundaron el grupo avant-garde Mir Iskusstva. Juntos desarrollaron una forma de ballet complicada, con elementos vistosos, que intentaba llamar la atención del público en general, y no sólo de la aristocracia. El encanto exótico de los Ballets Rusos tuvo efecto en los pintores fauvistas y el recién nacido estilo art déco.

Quizás el compositor que colaboró más notablemente con Diáguilev fue Ígor Stravinski. El empresario quedó impresionado con algunas de sus primeras obras orquestales, como Fireworks y Scherzo Fantastique, lo cual lo llevó a pedir a Stravinski arreglos sobre piezas de Chopin para sus ballets. En 1910, le encargó la composición de El pájaro de fuego, y luego Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913), Pulcinella (1920) y Les Noces (1923).

Diáguilev produjo La bella durmiente del bosque de Chaikovski en Londres en 1921; a pesar de tener una buena recepción por parte del público, no fue un éxito financiero. Durante sus últimos años los Ballets Rusos fueron considerados frecuentemente como algo demasiado intelectual, estilizado, y en pocas ocasiones lograron el mismo éxito que en sus primeras representaciones.

Diáguilev era abiertamente homosexual. Tuvo relaciones (a menudo tempestuosas) con Serge Lifar, Leonid Miasin, Antón Dolin, Borís Kojnó o Vaslav Nijinski (esta última fue la más conocida).

Murió en el Grand Hotel des Bains de Mer del Lido de Venecia en 1929 siendo enterrado en la cercana isla de San Michele. Tres semanas después, su hermanastro Valentín era ejecutado en el campo de trabajos de Solovkí,1 primer campo de concentración del Gulag.

                    

Bibliografía

  • Sjeng Scheijen, Diaghilev: A Life, Oxford University Press, 2009.
  • Richard Buckle. Diaghilev, Atheneum (1984), ISBN 0-689-70664-2
  • Richard Buckle. Nijinsky, Avon Books (1975), ISBN 0-380-00459-3

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