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En 2013, la Asamblea General sostuvo una reunión para evaluar el Plan de Acción Mundial. Los Estados miembros adoptaron la resolución A/RES/68/192 y designaron el 30 de julio como el Día Mundial contra la Trata. En la resolución, se señala que el día es necesario para «concienciar sobre la situación de las víctimas del tráfico humano y para promocionar y proteger sus derechos»

 

La trata de personas es un delito que explota a mujeres, niños y hombres con numerosos propósitos, incluídos el trabajo forzoso y el sexo. La Organización Internacional del Trabajo calcula que casi 21 millones de personas en el mundo son víctimas del trabajo forzoso. En esa cifra se incluye también a las víctimas de trata para la explotación laboral y sexual. Si bien se desconoce cuántas de estas fueron objeto de trata, la cifra implica que en la actualidad hay millones de víctimas en el mundo. Todos los países están afectados por la trata, ya sea como país de origen, tránsito o destino de las víctimas. La esclavitud, tanto en su forma moderna como en la antigua, no es sólo una vergüenza, sino que es «la execrable suma de todas las villanías», como la definió el abolicionista John Wesley, y no tiene cabida en nuestro mundo.
«Asiste y protege a las víctimas de la trata»
Es el lema de este año elegido por la Oficina de las Naciones Unidas contra la Droga y el Delito para el Día Internacional. Con él se pretende subrayar uno de los problemas más acuciantes de nuestro tiempo: los grandes desplazamientos de migrantes y refugiados. Este lema pone de relieve las graves consecuencias que se derivan de los conflictos y los desastres naturales, así como el riesgo de verse atrapados en la trata al que se enfrentan muchas personas. Aborda, además, una de las dificultades principales de la lucha contra la trata: la mayoría de las víctimas no son identificadas y, por tanto, no tienen acceso a asistencia o protección.
#Trata #FinALaTrata
Organización de las Naciones Unidas

Asiste y protege a las víctimas de trata




 

María Remedios del Valle (Buenos Aires, 1766 o 1767 – ibídem, noviembre de 1847) fue una militar afroargentina. Fue una de las llamadas «niñas de Ayohúma», aquellas que asistieron al derrotado ejército de Manuel Belgrano en la batalla de Ayohúma. Afrodescendiente argentina, actuó como auxiliar en las Invasiones Inglesas y tras la Revolución de Mayo acompañó como auxiliar y combatiente al Ejército del Norte durante toda la guerra de Independencia de la Argentina lo que le valió el tratamiento de «capitana» y de «Madre de la Patria» y, al finalizar sus días, el rango de sargento mayor del Ejército.

Biografía
Nacida en la ciudad de Buenos Aires, entre 1766 y 1767, entonces capital del Virreinato del Río de la Plata, era «parda» según el sistema colonial de castas. Durante la Segunda invasión inglesa al Río de la Plata, María Remedios del Valle auxilió al Tercio de Andaluces, uno de los cuerpos milicianos que defendieron con éxito la ciudad. Según el parte del comandante de ese cuerpo, «Durante la campaña de Barracas, asistió y guardó las mochilas para aligerar su marcha a los Corrales de Miserere».

Regimiento de Artillería de la Unión
Al producirse la revolución del 25 de mayo de 1810 y organizarse la primera expedición auxiliadora al Alto Perú, conformando lo que luego se denominaría Ejército del Norte, el 6 de julio de 1810, María Remedios del Valle se incorporó a la marcha de la 6.ª Compañía de artillería volante del Regimiento de Artillería de la Patria al mando del capitán Bernardo Joaquín de Anzoátegui, acompañando a su marido y sus dos hijos (uno adoptivo), quienes no sobrevivirían a la campaña.

María Remedios del Valle continuó sirviendo como auxiliar durante el exitoso avance sobre el Alto Perú, en la derrota de Huaqui y en la retirada que siguió. En vísperas de la batalla de Tucumán se presentó ante el general Manuel Belgrano para solicitarle que le permitiera atender a los heridos en las primeras líneas de combate. Belgrano, reacio por razones de disciplina a la presencia de mujeres entre sus tropas, le negó el permiso, pero al iniciarse la lucha Del Valle llegó al frente alentando y asistiendo a los soldados quienes comenzaron a llamarla la «Madre de la Patria». Tras la decisiva victoria, Belgrano la nombró capitana de su ejército.

El abogado y general Manuel Belgrano (1770-1820).
Tras vencer en la batalla de Salta, Belgrano fue derrotado en Vilcapugio y debió replegarse. El 14 de noviembre de 1813 las tropas patriotas se enfrentaron nuevamente a las realistas en la batalla de Ayohúma y fueron nuevamente derrotadas. María de los Remedios del Valle combatió, fue herida de bala y tomada prisionera. Desde el campo de prisioneros ayudó a huir a varios oficiales patriotas. Como medida ejemplificadora, fue sometida a nueve días de azotes públicos que le dejarían cicatrices de por vida. Pudo escapar y reintegrarse al ejército argentino donde continuó siguiendo a las fuerzas de Martín Miguel de Güemes y Juan Antonio Álvarez de Arenales, empuñando las armas y ayudando a los heridos en los hospitales de campaña.

Finalizada la guerra y ya anciana, del Valle regresó a la ciudad de Buenos Aires, donde se encontró reducida a la mendicidad. Relata el escritor, historiador y jurisconsulto salteño Carlos Ibarguren (1877-1956), quien la rescató del olvido, que vivía en un rancho en la zona de quintas, en las afueras de la ciudad, y frecuentaba los atrios de las iglesias de San Francisco, Santo Domingo y San Ignacio, así como la Plaza de la Victoria (actual Plaza de Mayo) ofreciendo pasteles y tortas fritas, o mendigando, lo que junto a las sobras que recibía de los conventos le permitía sobrevivir. Se hacía llamar «la Capitana» y solía mostrar las cicatrices de los brazos y relatar que las había recibido en la Guerra de la Independencia, consiguiendo solo que quienes la oían pensaran que estaba loca o senil.

No conforme con su suerte, el 23 de octubre de 1826 inició una gestión solicitando que se le abonasen 6000 pesos «para acabar su vida cansada» en compensación de sus servicios a la patria y por la pérdida de su esposo y sus hijos. (El sueldo máximo en el país era el del gobernador, de 7992 pesos al año). El expediente, firmado en su nombre por un tal Manuel Rico y al que agrega en apoyo una certificación de servicios del 17 de enero de 1827 firmada por el coronel Hipólito Videla, se inicia con la siguiente exposición:

Doña María Remedios del Valle, capitana del Ejército, a V. S. debidamente expone:
Que desde el primer grito de la Revolución tiene el honor de haber sostenido la justa causa de la Independencia, de una de aquellas maneras que suelen servir de admiración a la Historia de los Pueblos. Si Señor Inspector, aunque aparezca envanecida presuntuosamente la que representa, ella no exagera a la Patria sus servicios, sino a que se refiere con su acostumbrado natural carácter lo que ha padecido por contribuir al logro de la independencia de su patrio suelo que felizmente disfruta. Si los primeros opresores del suelo americano aún miran con un terror respetuoso los nombres de Caupolicán y Galvarino, los disputadores de nuestros derechos por someternos al estrecho círculo de esclavitud en que nos sumergieron sus padres, quizá recordarán el nombre de la Capitana patriota María de los Remedios para admirar su firmeza de alma, su amor patrio y su obstinación en la salvación y libertad americana; aquellos al hacerlo aún se irritarán de mi constancia y me aplicarían nuevos suplicios, pero no inventarían el del olvido para hacerme expirar de hambre como lo ha hecho conmigo el Pueblo por quien tanto he padecido. Y ¿con quién lo hace?; con quien por alimentar a los jefes, oficiales y tropa que se hallaban prisioneros por los realistas, por conservarlos, aliviarlos y aún proporcionarles la fuga a muchos, fue sentenciada por los caudillos enemigos Pezuela, Ramírez y Tacón, a ser azotada públicamente por nueve días; con quien, por conducir correspondencia e influir a tomar las armas contra los opresores americanos, y batídose con ellos, ha estado siete veces en capilla; con quien por su arrojo, denuedo y resolución con las armas en la mano, y sin ellas, ha recibido seis heridas de bala, todas graves; con quien ha perdido en campaña, disputando la salvación de su Patria, su hijo propio, otro adoptivo y su esposo!!!; con quien mientras fue útil logró verse enrolada en el Estado Mayor del Ejército Auxiliar del Perú como capitana, con sueldo, según se daba a los demás asistentes y demás consideraciones debida a su empleo. Ya no es útil y ha quedado abandonada sin subsistencia, sin salud, sin amparo y mendigando. La que representa ha hecho toda la campaña del Alto Perú; ella tiene un derecho a la gratitud argentina, y es ahora que lo reclama por su infelicidad.

 

María Remedios del Valle
El 24 de marzo de 1827 el ministro de Guerra de la Nación, general Francisco Fernández de la Cruz, rechazó el pedido recomendando dirigirse a la legislatura provincial ya que no estaba «en las facultades del Gobierno el conceder gracia alguna que importe erogación al Erario».

En agosto de 1827, mientras Del Valle ―de 60 años―1​ mendigaba en la plaza de la Recova, el general Juan José Viamonte ―entonces diputado en la Junta de Representantes de la Provincia de Buenos Aires en representación de los pagos de Ensenada, Quilmes y Magdalena― la reconoció. Tras preguntarle el nombre, exclamó: «¡Usted es la Capitana, la que nos acompañó al Alto Perú, es una heroína!». Del Valle le contó entonces cuántas veces había golpeado a la puerta de su casa en busca de ayuda, pero que su personal siempre la había espantado como pordiosera.

El general Juan José Viamonte.
Viamonte tomó debida nota y el 11 de octubre de ese mismo año presentó ante la Junta un proyecto para otorgarle una pensión que reconociera los servicios prestados a la patria. El 11 de octubre la Comisión de Peticiones de la Junta de Representantes dijo haber «examinado la solicitud de doña María Remedios del Valle por los importantes servicios rendidos a la Patria, pues no tiene absolutamente de que subsistir» y recomendó adoptar la decisión de que «Por ahora y desde esta fecha la suplicante gozará del sueldo de capitán de Infantería, y devuélvase el expediente para que ocurriendo al Poder Ejecutivo, tenga esta resolución su debido cumplimiento». Pero la presidencia de la Junta decidió que tenían temas más importantes que atender, por lo que el expediente quedó en comisión. Se luchaba aún en la guerra del Brasil y Buenos Aires permanecía bloqueada por segundo año consecutivo por las fuerzas navales del Imperio del Brasil.

El 9 de junio de 1828, Viamonte fue elegido vicepresidente primero de la renovada legislatura y decidió insistir con su propuesta. El proyecto recién se trataría en la sesión del 18 de julio de 1828. Según el Diario de sesiones n.º 115 de la Junta de Representantes de la Provincia de Buenos Aires, al abrirse el tratamiento, Marcelo Gamboa (diputado por la ciudad) solicitó documentos que acreditaran el merecimiento de la pensión, a lo que Viamonte respondió:

Yo no hubiera tomado la palabra porque me cuesta mucho trabajo hablar, si no hubiese visto que se echan de menos documentos y datos. Yo conocí a esta mujer en el Alto Perú y la reconozco ahora aquí, cuando vive pidiendo limosna. Esta mujer es realmente una benemérita. Ella ha seguido al Ejército de la Patria desde el año 1810. Es conocida desde el primer general hasta el último oficial en todo el Ejército. Es bien digna de ser atendida: presenta su cuerpo lleno de heridas de balas y lleno, además, de cicatrices de azotes recibidos de los españoles. No se la debe dejar pedir limosna […] Después de haber dicho esto, creo que no habrá necesidad de más documentos.
General Juan José Viamonte

 

Yo no conozco a esta infeliz mujer que está en un estado de mendiguez y esto es una vergüenza para nosotros. Ella es una heroína, y si no fuera por su condición, se habría hecho célebre en todo el mundo. Sirvió a la Nación pero también a la provincia de Buenos Aires, empuñando el fusil, y atendiendo y asistiendo a los soldados enfermos.

Francisco Silveyra, diputado por Quilmes, Ensenada y Magdalena

Pero el diputado por la ciudad Manuel Hermenegildo Aguirre objetó entonces que aunque Del Valle hubiera rendido efectivamente esos servicios a la Nación, la Junta representaba a la provincia de Buenos Aires, no a la Nación, por lo que no correspondía acceder a lo solicitado. El diputado por la ciudad Diego Alcorta insistió entonces en que hacía falta presentar documentación respaldatoria con lo que el debate se tornó áspero. Ambos argumentos inhabilitaban pensiones que recibían otros soldados de su categoría.

El representante por Pilar y Exaltación de la Cruz Justo García Valdez refutó la objeción sobre las atribuciones, afirmando que el gobierno de la Provincia solo conseguiría parecer cruel e insensible si dejaba a la Nación la tarea de premiar tales servicios a la libertad.

Tomás de Anchorena.
Finalmente, en defensa del proyecto tomó entonces la palabra Tomás de Anchorena quien afirmó:

Efectivamente, esta es una mujer singular. Yo me hallaba de secretario del general Belgrano cuando esta mujer estaba en el ejército, y no había acción en la que ella pudiera tomar parte que no la tomase, y en unos términos que podía ponerse en competencia con el soldado más valiente; era la admiración del general, de los oficiales y de todos cuantos acompañaban al ejército. Ella en medio de ese valor tenía una virtud a toda prueba y presentaré un hecho que la manifiesta: el general Belgrano, creo que ha sido el general más riguroso, no permitió que siguiese ninguna mujer al ejército; y esta María Remedios del Valle era la única que tenía facultad para seguirlo. […] Ella era el paño de lágrimas, sin el menor interés de jefes y oficiales. Yo los he oído a todos a voz pública, hacer elogios de esta mujer por esa oficiosidad y caridad con que cuidaba a los hombres en la desgracia y miseria en que quedaban después de una acción de guerra: sin piernas unos, y otros sin brazos, sin tener auxilios ni recursos para remediar sus dolencias. De esta clase era esta mujer. Si no me engaño el general Belgrano le dio el título de capitán del ejército. No tengo presente si fue en el Tucumán o en Salta, que después de esa sangrienta acción en que entre muertos y heridos quedaron 700 hombres sobre el campo, oí al mismo Belgrano ponderar la oficiosidad y el esmero de esta mujer en asistir a todos los heridos que ella podía socorrer. […] Una mujer tan singular como ésta entre nosotros debe ser el objeto de la admiración de cada ciudadano, y adonde quiera que vaya debía ser recibida en brazos y auxiliada con preferencia a una general; porque véase cuánto se realza el mérito de esta mujer en su misma clase respecto a otra superior, porque precisamente esta misma calidad es la que más la recomienda.

Tomás de Anchorena

Luego de un arduo debate se decidió otorgarle «el sueldo correspondiente al grado de capitán de infantería, que se le abonará desde el 15 de marzo de 1827 en que inició su solicitud ante el Gobierno». A pedido del diputado por la ciudad Ceferino Lagos se votó crear una comisión que «componga una biografía de esta mujer y se mande a imprimir y publicar en los periódicos, que se haga un monumento y que la comisión presente el diseño de él y el presupuesto».

Los diputados votaron el otorgamiento de una pensión de 30 pesos, desde el mismo día que María Remedios del Valle la había pedido (sin pagarle retroactivos por todos los meses en que no había cobrado nada). Para tener una idea de la escasa generosidad para con una heroína revolucionaria, vale precisar que una lavandera ganaba 20 pesos al mes, mientras que el gobernador cobraba 666 pesos. La libra de aceite rondaba 1,45 pesos, la libra de carne 2 pesos y la libra de yerba 0,70 pesos. A María Remedios le otorgaron 1 peso al día.

El 28 de julio de 1828 el expediente fue pasado a la Contaduría General y el 21 de noviembre de 1829, Del Valle fue ascendida a sargenta mayor de caballería. El 29 de enero de 1830 fue incluida en la Plana Mayor del Cuerpo de Inválidos con el sueldo íntegro de su clase. Entre enero y abril de 1832 y entre el 16 de abril de 1833 y el 16 de abril de 1835, figuró en listas con sueldo doble.

El 16 de abril de 1835 fue destinada por decreto de Juan Manuel de Rosas (que el 7 de marzo de 1835 había asumido su segundo mandato como gobernador de Buenos Aires) a la plana mayor activa con su jerarquía de sargento mayor. Le aumentó su pensión de 30 pesos en más del 600 %. En la lista de pensiones de noviembre de 1836 María Remedios del Valle figura con el nombre de Remedios Rosas (quizá por gratitud hacia el gobernador que la sacó de la miseria). En la lista del 28 de octubre de 1847 aparece su último recibo, de una pensión de 216 pesos.

En la lista del 8 de noviembre de 1847, una nota indica que «el mayor de caballería Dña. Remedios Rosas falleció».

Homenajes
Por iniciativa de Octavio Sergio Pico ―presidente del Consejo Nacional de Educación durante el gobierno de Agustín Pedro Justo―, una calle de la ciudad de Buenos Aires lleva su nombre. También una escuela de Buenos Aires lleva el nombre «Capitana María Remedios del Valle» en su honor.

El 26 de mayo de 2010, en la sesión de la Cámara de Diputados de homenaje al Bicentenario de Argentina, las diputadas Cecilia Merchán y Victoria Donda presentaron un proyecto de ley para construir un monumento en honor a Del Valle.

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{5 junio, 2017}   Orlan

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ORLAN, pseudonyme de Mireille Suzanne Francette Porte, est une artiste plasticienne française, née le 30 mai 1947 à Saint-Étienne, qui vit et travaille entre Paris, New York et Los Angeles. L’artiste a choisi d’écrire son pseudonyme en lettres capitales : « ORLAN ».
Claude Truong-Ngoc / Wikimedia Commons – cc-by-sa-3.0

Información profesional
Ocupación Artista y fotógrafa Ver y modificar los datos en Wikidata
Género Performance y arte corporal Ver y modificar los datos en Wikidata
Movimientos Arte contemporáneo y Arte feminista Ver y modificar los datos en Mireille Suzanne Francette Porte (Saint-Étienne, Francia, 30 de mayo de 1947) artísticamente conocida como Orlan, es una artista multimediática caracterizada por realizar performances quirúrgicas realizadas en su cuerpo las cuales, en ocasiones, transmite en vivo para algunas galerías y museos.

Trayectoria profesional
Su manera de entender el arte, dentro de lo que se conoce como “arte corporal” (o el arte del cuerpo), ha hecho que desde los años sesenta hasta la actualidad haya modificado su cuerpo mediante la cirugía. Antes de decantarse por esta el trabajo de Orlan era un trabajo típico de una artistas feministas con el objetivo de construir identidades múltiples mediante caracterizaciones diferentes. Desde sus inicios se decantó por los performances, la fotografía, el video, multimedia y escultura interactiva, y en sus trabajos cuestionaba el típico imaginario femenino occidental a lo largo de la historia del arte. En los años 90, se centró en el tema de la identidad femenina a través de la iconografía cristiana, para ello trabajó con su propia imagen introduciéndola en un contexto barroco especialmente herético.

En 1964, presentó una fotografía desnuda de ella misma, vista desde arriba, dando a luz a un maniquí andrógino, la obra se titula “Orlan S’Accouche d’Elle M’Aime” (Orlan da a luz a su amado yo). Ese mismo año, realizó diversos performances entre ellos su “Marcha a cámara lenta”, considerado un preludio del mayo del 68. Entre ellas sus extravagantes i originales manifestaciones artísticas, inventó su propia unidad de medida que llamó el Orlan-Cuerpo, y que usó para medir el Vaticano.

Otro tema que de forma transversal aparece a lo largo de toda su carrera artística es el de la disolución de los límites entre dentro y fuera, entre lo público y lo privado, este tema es especialmente patente en su obra “S’habiller de sa propre nudité” (1976).

Para la artista no hay por qué conformarse con el cuerpo que la naturaleza nos ha dado, ni con los esquemas estéticos que la sociedad impone culturalmente, por ello modifica su cuerpo y expone el proceso de esta modificación como manifestación artística.

Su salto al gran público se produjo en el año 1977, cuando realizó un performance (vistía un traje de cuerpo desnudo frente al Grand Palais e invitaba a la gente a pagar monedas por besos. Las monedas entraban por una ranura en la parte superior del traje de cuerpo, y caían en una taza)4 durante la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (F.I.A.C.) de París.

El comienzo del uso de la cirugía como manifestación artística se rodujo de una manera accidental. En 1978, la artista debía participar en un simposio, pero ese mismo día tuvo que ser hospitalizada para una cirugía de emergencia. Es entonces cuando solicitó que un equipo de cámara pudiera estar con ella para filmar la operación. Esa película fue la inspiración para el arte que hace hoy.

En 1990 con su obra llamada “La reencarnación de Saint Orlan” inicia e incluso inventa el concepto del Carnal Art.

Entre 1990 y 1995, se sometió a nueve operaciones de cirugía plástica, para la artista con estas operaciones trataba de reescribir el arte occidental en su propio cuerpo. Se modificó la boca para tenerla como la de Europa del cuadro de François Boucher “El rapto de Europa”; en 1993, se operó para instalar dos pequeños implantes a cada lado de su frente, a modo de protuberancias.;4 imitó la ceja sobresaliente de la Mona Lisa de Leonardo, y con otra alteró su barbilla con la intención de parecerse más a la de la Venus de Botticelli. También ha tratado de conseguir los ojos de la Psique de Gérôme y la nariz de una escultura de Diana. 

Para la artista el quirófano es como un teatro barroco, por lo que cuida los detalles de lo que “sale” en escena, por ello diseñadores, como Paco Rabanne o Issey Miyake, han creado trajes para que los usara durante las cirugías. Mientras la operación se realiza, ella se mantiene consciente, y cuida del ambiente, música de fondo, lectura de poesía y todo queda grabado en cinta de vídeo y transmitido, incluso en directo, en galerías de arte.

También se hizo mucho eco de la demanda que la artista Orlan hizo, en el año 2011, a la cantante Lady Gaga, y a la filial francesa de Universal, por plagiar sus obras, ya que para Orlan parte del contenido del video de 2011 titulado “Born This Way” de Gaga, dirigido por el fotógrafo británico Nick Knight, está basado en la obra “Woman with a Head” de Orlan (1996), y en el trabajo de 2009 de Orlan, “Bump Load”, que consistía en una escultura de Orlan con implantes corporales subdérmicos.

Fuente: Wikipedia

Portrait by Fabrice Lévêque in 1990.

Portrait by Fabrice Lévêque in 1990.
Fabrice Lévêque – Own work
Portrait of the French artist and performer Orlan, taken by photographer Fabrice Lévêque in 1990.

Portrait by Fabrice Lévêque in 1997.

Portrait by Fabrice Lévêque in 1997.
Fabrice Lévêque – Own work
Portrait of the French artist and performer Orlan, taken by photographer Fabrice Lévêque in 1997.

Orlan

Orlan

Su muestra se presenta actualmente en:

Festival de Cine y Derechos Humanos La Plata



{28 abril, 2017}   Marie Harel

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Marie Harel
 Inventora de queso camembert
Marie Harel (nacida Marie Catherine Fontaine 28; de abril de, 1761  – 9 de noviembre 1844) fue un fabricante de queso , que, según la leyenda local, inventó el queso camembert , junto con el abad Charles-Jean Bonvoust. [2] Ella trabajó como fabricante de queso en el Manor de Beaumoncel, e hizo Camembert según la costumbre local. Su principal contribución fue haber iniciado una dinastía de fabricantes de queso empresariales que desarrollaron la producción de queso camembert a gran escala, en particular su nieto Cyrille Paynel, nacido en 1817, que crearon una fábrica de queso en la comuna de Le Mesnil-Mauger en Calvados.

El Doodle de Google de 28 de abril, 2017, conmemora Mme. Harel y su invención.

Marie Harel, creadora del queso camembert, homenajeada por Google
Vida personal
Marie Harel nació Marie Catherine Fontaine el 28 de abril, 1761, en Crouttes (Orne), cerca de Vimoutiers en Normandía . El 10 de mayo de 1785, en Camembert, Orne , se casó con Jacques Harel, un obrero en Roiville . Ella murió el 9 de de noviembre de 1844, en Vimoutiers, Orne. 

Invención de Camembert 
Desde finales del siglo 17, un queso de renombre se está produciendo en la región del camembert de Normandía. En su Diccionario Geográfico, publicado en 1708 Thomas Corneille escribió: “Vimonstiers: […] todos los lunes un gran mercado se lleva a cabo, a la que se traen excelentes quesos de Livarot y el Camembert.” Sin embargo, según una leyenda posterior, que apareció a principios del siglo 20, la invención de queso Camembert se atribuyó a Marie Harel que habría contado con el asesoramiento de un sacerdote refractario , Abad Charles-Jean Bonvoust, que estaba oculto en 1796 -97 en el Manor de Beaumoncel en la que trabajaba. Se supone que era natural de Brie, y pasa a Marwith una corteza enmohecida comestible, tal como se produjo en su área nativa. En realidad, Bonvoust vino de Pays de Caux . Esta historia apócrifa, para los que no hay pruebas, se sigue a menudo se acepta como verdadero.

Marie Harel hizo queso camembert según la costumbre local. Ella inició una dinastía de fabricantes de queso empresariales que producen queso camembert a gran escala, en particular, su nieto Cyrille Paynel, nacido en 1817, que creó una fábrica de queso en la comuna de Le Mesnil-Mauger en Calvados.

El éxito de la producción de camembert en la primera mitad del siglo 19 fue en gran parte debido a los descendientes de Harel, que se consideraban los únicos usuarios legítimos de la denominación “Camembert”. Sin embargo, a partir de 1870, otros fabricantes de queso Norman disputadas este monopolio familia.

Una estatua de Marie Harel se puede ver en Vimoutiers. Una leyenda dice que murió en Champosoult , pero en realidad era su hija, también llamada Marie (1781-1855), que murió allí. 

Tipos de quesos

Ref:

  1.  “Marie Harel’s 256th Birthday”. http://www.google.com. Retrieved 28 April 2017.
  2.  Kilpatrick, Ryan (28 April 2017). “Google Doodle Celebrates Inventor of Camembert Marie Harel”. Time. Retrieved28 April 2017.
  3.  Gérard Roger-Gervais, L’Esprit du camembert, Cheminements, 2005, p.53
  4. Sarka-SPIP, Collectif. “CHAMPOSOULT (61) : cimetière – Cimetières de France et d’ailleurs”.

También:

  • Pierre Boisard, Le Camembert, mythe français, Paris, Odile Jacob, 2007.

 

Camembert de Normandie (AOP) 11.jpgFuente: Camembert de Normandie (Protected Designation of Origin)
Coyau / Wikimedia Commons

El Camembert de Normandie (Camembert de Normandía) es un queso francés fabricado en Normandía. Se beneficia de una denominación de origen controlada desde 1983 y es una DOP por el reglamento de la Comisión Europea n.º 1107/96. La zona de producción de esta denominación de origen destaca en el departamento de Calvados, pero incluye otros cuatro: Eure, Mancha, Orne y Sena Marítimo. Es uno de los emblemas de la gastronomía francesa.

Es un queso de origen francés de pasta blanda, untuosa y suave. Se trata de una denominación genérica para este queso, que actualmente se elabora en todo el mundo. Francia no ha solicitado la protección del término genérico «camembert», pero sí de uno en particular, que es el Camembert de Normandie (AOC y DOP).

En origen, el camembert proviene de la región francesa de Normandía, departamento de Orne, específicamente en municipio homónimo. Se llama simplemente camembert al queso de fabricación industrial. Un camembert fermier, en cambio, es un queso fabricado específicamente en Normandía. El camembert au calvados es una especialidad fabricada en Normandía. El camembert de Madame Clément está fabricado en Québec (Canadá).

Historia
El Camembert de Normandía se comenzó a fabricar en 1791 por Marie Harel, siguiendo los consejos de un sacerdote de Brie que durante la Revolución francesa se refugió en su casa. Era una granjera de la ciudad de Camembert, cerca de Vimoutiers en el departamento de Orne. Este queso se popularizó cuando se inauguró la línea ferroviaria París-Granville (1855), Marie Paynel, hija de Marie Harel, entregó a Napoleón III un queso camembert. Al emperador de Francia le gustó e hizo que se lo llevaran con asiduidad al Palacio de las Tullerías.

Desde 1880 se envasa en pequeñas cajas de madera, lo que facilitó su transporte a largas distancias. En 1910 sufrió otro cambio, y es que la corteza, que era azulada, pasó a ser blanca, gracias a la introducción del moho Penicillium candidium.

Elaboración
Es un queso elaborado a partir de leche cruda de vaca que ha pastado en los prados normandos. El proceso de fabricación es muy tradicional ya que debe ser depositado en los moldes con un cucharón, y hace falta un mínimo de cinco cucharones para hacer un camembert. Cada pasada de cucharón debe hacerse cada cuarenta minutos para asegurar un escurrido máximo. No se prensa ni se cuece. Madura durante un periodo de 3 a 5 semanas.

Producción: 13.280 toneladas en 2004 (+23,0% desde 1996). Hoy en día existen 10 talleres de fabricación de camembert AOC, todas ubicadas en la región de Normandía. Las etiquetas deben incluir la denominación «Camembert de Normandie», acompañada por las palabras «Appellation d’Origine» y el logotipo con las iniciales «INAO».Típica caja de madera del camembert de Normandía.
LAGRIC – Trabajo propio
Emballage marque commerciale Isigny Sainte-Mère (camembert de Normandie AOP)

Características

Típica caja de madera del camembert de Normandía.
Es un queso que tiene un 45% de materia grasa. Tiene forma de cilindro pequeño plano, de un tamaño máximo de 12 centímetros y un peso medio de 250 gramos. Es obligatorio comercializarlo en una caja de madera. La corteza es mohosa y de color blanco, no debiendo estar cuarteada ni pegajosa. Tiene una pasta firme y flexible, es cremosa, de color amarillo claro. El aroma es ligeramente afrutado, sin amoníaco, pues un sabor amargo y amoniacal es un camembert pasado. Adquiere un sabor fuerte cuando madura. El buen Camembert, posee un aroma puro y un pronunciado toque a setas, cremoso y complejo, con notas a hierba fresca. Se puede emplear en muchos platos, pero, normalmente, se toma crudo untado por encima de una rebanada de pan ya que su sabor sutil y textura no sobrevive a la acción del calor.

Su período óptimo de degustación se extiende desde abril a agosto tras una maduración de 6 a 8 semanas, pero es igualmente bueno de marzo a noviembre. Sirve para entremeses, sándwiches, tentempiés, meriendas o picnics; ideal sobre pan especialmente si es baguette o galletas; con frutas como la manzana, la pera o nueces; de postre; como queso de mesa o para canapés y volovanes. Marida bien con vino blanco (Bouzy) y con tinto (Bergerac, Pomerol), un burdeos o un Beaujolais frutal. También puede acompañarse con sidra de Pays d’Auge.

Ref:

  • Camembert: A National Myth per Pierre Boisard, ISBN 0-520-22550-3 (afirma que el camembert ha sido uno de los primeros alimentos globalizados)

Enlaces externos




(Wikimedia)

Esther Afua Ocloo (18 de abril de 1919, Peki Dzake – 8 de febrero de 2002) fue una emprendedora ghanesa y pionera de los microcréditos. Nació Esther Afua Nkulenu.

En 1976, fue una de las fundadoras de Mujeres Banqueras Mundiales, junto con Michaela Walsh y Ela Bhatt, y sirvió como su primera presidenta de fideicomisos. En 1990, obtuvo el Premio África de Liderazgo .
Educación y vida tempranas
Nació en la región Volta, de George Nkulenu, un herrero, y su mujer Georgina, alfarera y granjera. Fue enviada por su abuela a una escuela primaria presbiteriana. Luego, estuvo en un internado coeducacional en Peki Blengo. La pobreza la obligaba a viajar allí semanalmente con víveres que ella misma cocinaba. Más tarde, ganó una beca para la Escuela de Achimota, viajando allí con dinero agregado por una tía, y estudió allí de 1936 a 1941, cuando ella obtuvo un Cambridge School Certificate. Fue la primera persona en iniciar un negocio formal de procesamiento de alimentos en Costa de Oro, construyendo un negocio de suministros de mermelada y zumo de naranja4 , proveyendo a la Escuela Achimota y al RWAFF. Patrocinada por el Achimota College, visitó Inglaterra de 1949 a 1951, siendo la primera persona negra en obtener un diploma de gastronomía del Good Housekeeping Institute de Londres; y, tomó el curso de postgrado en Preservación de Alimentos en la Estación de Investigación de Long Ashton, Universidad de Brístol.

Actividad empresaria
A partir de los años setenta, se involucró a nivel nacional e internacional en el empoderamiento económico de las mujeres. Fue asesora del Consejo de Mujeres y Desarrollo de 1976 a 1986, miembro del Comité Asesor Económico Nacional de Ghana de 1978 a 1979 y miembro del Consejo de Estado en la Tercera República de Ghana de 1979 a 1981. En 1975, fue asesora de La Primera Conferencia Mundial sobre la Mujer en México, promoviendo la disponibilidad de crédito a las mujeres como miembro fundador y el primer presidente de la Junta Directiva de Women World Banking de 1979 a 1985.5

Cristianismo
Fue miembro fundadora de grupos religiosos, como la Iglesia Evangélica Presbiteriana en Madina (un suburbio de Accra) y el Grupo de Unidad de Cristianismo Práctico (Ghana). También asistió en la formación de un grupo de mujeres en la Iglesia E.P conocida como Clase Bíblica con el objetivo de estudiar la Biblia y el manejo del hogar. Ella sirvió en el comité sinodal de la Iglesia E.P durante 12 años.

Familia
Esther se casó con Stephen; y, tuvieron cuatro niños: Vincentia Canacco su hija, y sus tres hijos Vincent Malm, Christian Biassey y Steven Junior.

Muerte
Esther murió en Accra, Ghana luego de contraer una neumonía en 2002. Recibió un funeral estatal en Accra y fue enterrada en su ciudad natal, Peki Dzake.

Honores
Honrada por la Evangelical Presbyterian Iglesia, Ghana por servicios meritorios a la Iglesia –1982.
Honrada por la Asociación de mujeres de Ghana (AWAG) por servicios meritorios (1985).
Reconocida y certificada por el consejo editorial de Biographical publication, Inglaterra, como una de las Mujeres Más importantes del siglo XX.
Coganadora (con Olusengun Obasanjo) la primer mujer en ganar el premio de liderazgo africano por disminuir el hambre, Nueva York- 1990.
Honrada por la Federación Internacional de Mujeres Empresariales y Profesionales –1991
Premio Cultura y Artes nacionales (Comisión Nacional de Cultura 1992).
Primer mujer laureada con el Premio Gottlieb Duttweiler, Suiza, 1993.
Honored Por Junior Achievement (Premio de liderazgo Global, 1995)
Honrada por la Primera Exposición de Inversión de Mujeres Globales por la Asociación de Ghana de Mujeres emprendedoras (GAWE)-julio 1996.
Honrada por el Sindicato Peki por su dedicación y contribuciones enormes al bienestar de su ciudad natal Peki, Ghana.
Honrada por Mujeres Banqueras Mundiales en mayo 1995.
Premios de Excelencia del Milenio de Ghana para la Mujer y Desarrollo del Equilibrio de Género – 1999.

 

Notas

  1.  Douglas Martin, Esther Ocloo, 83, African Leader and Microlending Pioneer, Dies, obituary in New York Times March 10, 2002 accessed at Africa Prize website [1] April 12, 2007
  2. Esther Ocloo Passes Away, February 8, 2002, GhanaWeb
  3. «Esther Afua Ocloo: An inspiration from Ghana». http://www.aljazeera.com. Consultado el 2017-04-18.
  4.  «Esther Afua Ocloo: An inspiration from Ghana». http://www.aljazeera.com. Consultado el 2017-04-18.
  5. «Dr (Mrs) Esther Afua Ocloo (née Nkulenu)». Outstanding Ewes of the 20th Century: Profiles of Fifteen Firsts. Accra: World Publishing Services. 2002. pp. 135-42. ISBN 9964-978-83-9.
  6.  Dr. (Mrs.

Enlaces externos

 

Homenaje del Doodle de Google:

98º aniversario del nacimiento de Esther Afua Ocloo

 




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Actriz y aviadora suiza Myriam Stefford

Rosa Margarita Rossi (n. Suiza, 1905 – Marayes, San Juan, 26 de agosto de 1931) fue una actriz suiza nacionalizada argentina.

Se dedicaba a la actuación en el teatro en Viena (Austria) siendo además actriz en varias películas para el cine alemán bajo el sello de UFA utilizando el seudónimo Myriam Stefford.
En 1928, a los 23 años conoció en Venecia al escritor y millonario argentino Raúl Barón Biza con quien se casó en la basílica de San Marcos, el 28 de agosto de 1930. Así ella abandonó su carrera de actriz para radicarse en Argentina.

Por pedido de su esposo, la mujer encaró una nueva pasión que los unía a ambos aún más: la aviación.

Raúl Barón Biza tenía un espíritu aventurero, el cual su esposa compartía plenamente. Primero unieron Buenos Aires con Río de Janeiro y luego un raid por 14 capitales argentinas. Salieron de Buenos Aires en el avión Chingolo I y tras dos aterrizajes de emergencia en Santiago del Estero y Jujuy, ella siguió junto con otro copiloto, Luis Fuchs, a San Juan con otro biplaza, el Chingolo II. En la localidad de Marayes tuvieron un nuevo accidente, pero esta vez a Myriam le costaría la vida.

Para recordarla siempre, Raúl Barón Biza le encargó al ingeniero Fausto Newton la construcción de un gigantesco mausoleo. Cerca de cien obreros polacos trabajaron en el mismo y en el año 1935 lo inauguró colocando el féretro de su amada en la cripta de ese monumento. El mismo es de hormigón armado, granito y mármol, y aún hoy se alza al costado de la ruta provincial 5, en el Paraje Los Cerrillos, entre las localidades de Alta Gracia y Córdoba, con una altura de 82 m y 15 m de cimentación.

A seis metros de profundidad está la tumba donde quedaron los restos de la aviadora, y se dice que allí también están sepultadas todas las joyas de Myriam, hasta el famoso diamante Cruz del Sur de 45 quilates. En la lápida se lee el epitafio Viajero, rinde homenaje con tu silencio a la mujer que, en su audacia, quiso llegar hasta las águilas. En la cúspide de la torre hay cuatro ventanas a las que se accede por una escalera y una escotilla en la parte superior; hay que agregar que en la parte central de la torre, cuenta con un balcón que servía a modo de descanso para quienes intentaban llegar hasta la parte más alta del monumento. Es el mausoleo más grande que existe en la Argentina. La Legislatura cordobesa aprobó el 25 de Noviembre de 2015 por unanimidad la ley que autoriza a la Provincia a expropiar el monumento a Miriam Stefford, .

 

Enlaces externos

 

Raúl Barón Biza



{8 marzo, 2017}   Perfidia – Los Panchos




mujerwmn

Por qué se celebra el Día Internacional de la Mujer?

Faces

Mothers day

Faces

Faces

Faces

Faces

Faces

VIDA: FUENTE DE VIDA – MANANTIAL EN SU VIENTRE

MADRE

AMA DE CASA

PROFESIONAL

EMPRENDEDORA

LUCHADORA

PERCEPTIVA

DECIDIDA

SEGURA

OPTIMISTA

SOÑADORA

ACTIVISTA

BENEFACTORA

ALTRUISTA

CIENTÍFICA

POLÍTICA

 

*POR LA LIBERTAD Y LA IGUALDAD

*POR LAS VOCES DE ESAS MUJERES QUE NO SON ESCUCHADAS

*CONTRA TODO TIPO DE MALTRATO FÍSICO, PSICOLÓGICO O EMOCIONAL

 

 



{1 febrero, 2017}   *Edmonia Lewis

 

Motto edmonia lewis original.jpg

Edmonia Lewis, Albumen print, c.1870,

La muerte de Cleopatra , detalle, mármol, 1867, colección del Smithsonian American Art Museum

Mary Edmonia Lewis (4 de julio de 1844 – 17 de septiembre de 1907) fue una escultora estadounidense que trabajó durante la mayor parte de su carrera en Roma, Italia. Es la primera mujer de ascendencia afroamericana y nativa americana en alcanzar fama internacional y reconocimiento como escultora en el mundo de las bellas artes. Su trabajo es conocido por la incorporación de temas relacionados con los negros y los indios americanos en la escultura de estilo neoclásico. Ella emergió durante los días llenos de crisis de la Guerra Civil y, a finales del siglo XIX, era la única mujer negra que había participado y había sido reconocida en cualquier grado por la corriente artística americana. En 2002, el erudito Molefi Kete Asante enumeró a Edmonia Lewis en su lista de 100 grandes americanos africanos.

Biografía 
Vida temprana 
La fecha de nacimiento de Edmonia Lewis se ha listado como el 4 de julio de 1844. Ella nació en Greenbush, Nueva York, que ahora es la ciudad de Rensselaer. Su padre era afro-haitiano, mientras que su madre era de Mississauga Ojibwe y ascendencia afro-americana. La madre de Lewis era conocida como una excelente tejedora y artesana, mientras que su padre era un sirviente de un caballero. Su historia familiar inspiró a Lewis en su trabajo posterior.

Cuando Lewis alcanzó la edad de nueve años, ambos padres habían muerto. Sus dos tías maternas adoptaron a Lewis ya su hermano mayor Samuel, que nació en 1832. Los niños permanecieron con sus tías cerca de las Cataratas del Niágara por aproximadamente los próximos cuatro años. Lewis y sus tías vendieron cestas de Ojibwe y otros recuerdos, como mocasines y blusas, a los turistas que visitan las Cataratas del Niágara, Toronto y Buffalo. Durante este tiempo, Lewis pasó por su nombre del nativo americano, Wildfire, mientras que su hermano fue llamado Sunshine. En 1852 Samuel salió para California, dejando a Lewis al cuidado de un capitán SR Mills, aunque Samuel continuamente proporcionó dinero para ella Junta y educación. Más tarde, en 1856, Lewis se matriculó en el Colegio Central de Nueva York, McGrawville, una escuela abolicionista Bautista. Durante su período de verano en 1858, Lewis tomó clases en el Departamento de Primaria con el fin de prepararse para los cursos que más tarde tomaría en los programas colegiados. En una entrevista posterior, Lewis afirmó después de tres años en la escuela, que se fue cuando fue declarada “salvaje”
Educación 
En 1859, cuando Lewis tenía unos 15 años, su hermano Samuel y los abolicionistas la enviaron a Oberlin College, donde cambió su nombre por Mary Edmonia Lewis En ese momento, Oberlin College fue una de las primeras instituciones de educación superior en los Estados Unidos en admitir a mujeres y personas de diferentes etnias. La decisión de Lewis de asistir a Oberlin era una que cambiaría perceptiblemente su vida, pues era allí donde ella comenzó sus estudios del arte. Lewis abordó con el Reverendo John Keep y su esposa desde 1859 hasta que dejó el colegio en 1863. El Reverendo Keep era blanco y miembro del consejo de administración, pero también era un ávido abolicionista y portavoz de la coeducación. Durante el año escolar 1859-60, Lewis se inscribió en el Departamento Preparatorio de las Damas, que fue diseñado “para dar a las Damas jóvenes instalaciones para la disciplina mental completa, y la formación especial que les califican para la enseñanza y otros deberes de su esfera. “

Durante el invierno de 1862, varios meses después del comienzo de la Guerra Civil, Edmonia Lewis estaba asistiendo al Colegio Oberlin cuando ocurrió un incidente entre ella y dos compañeras de clase, María Miles y Christina Ennes. Las tres mujeres, que se embarcaron en la casa del administrador John Keep de Oberlin, planeaban ir a pasear en trineo con algunos hombres jóvenes ese mismo día. Antes de los trineos, Lewis sirvió a sus amigos una copa de vino especiado. Poco después, Miles y Ennes cayeron gravemente enfermos. Los médicos los examinaron y concluyeron que las dos mujeres tenían algún tipo de veneno en su sistema, aparentemente cantharides, un reputado afrodisíaco. Por un tiempo no estaba seguro de que pudieran sobrevivir. Días después, se hizo evidente que las dos mujeres se recuperaban del incidente y, debido a su recuperación, las autoridades inicialmente no tomaron ninguna medida.

El polémico incidente se extendió rápidamente por todo Ohio. Los habitantes de Oberlin no tenían las mismas visiones progresistas del colegio. Antes de su juicio de seis días de duración, los vigilantes anti-abolicionistas agredieron físicamente a Lewis. Mientras caminaba sola a su casa una noche, fue arrastrada a un campo abierto por asaltantes desconocidos y mal golpeada. Los responsables de sus heridas nunca fueron encontrados.  Debido al ataque, las autoridades locales arrestaron a Lewis, acusándola de envenenar a sus amigos. La universidad defendió a su estudiante durante el juicio. John Mercer Langston, ex alumno de Oberlin College, y el único abogado afroamericano en Oberlin, representó a Lewis durante su juicio. Aunque la mayoría de los testigos hablaron en su contra y ella no testificó, el jurado la absolvió de los cargos. 

El resto del tiempo de Lewis en Oberlin estaba marcado por el aislamiento y los prejuicios. Alrededor de un año después del juicio, Lewis fue acusado de robar materiales de artistas de la universidad. A pesar de que fue absuelta debido a la falta de pruebas, se le prohibió registrarse para su último período por la directora del Curso de Jóvenes, Marianne Dascomb, lo que impidió a Lewis de graduarse.

Carrera de arte 

Boston

Minnehaha, mármol, 1868, colección del museo de Newark
Después de la universidad, Lewis se mudó a Boston a principios de 1864, donde comenzó a perseguir su carrera como escultora. The Keeps escribió una carta de presentación en nombre de Lewis a William Lloyd Garrison en Boston, y fue capaz de presentarla a escultores ya establecidos en la zona, así como a escritores que luego publicitaron a Lewis en la prensa abolicionista. Encontrar un instructor, sin embargo, no fue fácil para Lewis. Tres escultores masculinos se negaron a instruirla antes de que ella fue introducida al escultor moderadamente acertado Edward A. Brackett (1818-1908), que se especializó en bustos de mármol del retrato. Sus clientes fueron algunos de los abolicionistas más importantes del día, incluyendo Henry Wadsworth Longfellow, Guillermo Lloyd guarnición, Charles Sumner, y Juan Brown. Para instruirla, le prestó fragmentos de esculturas para copiar en arcilla, que luego criticó.  Bajo su tutela, diseñó sus propias herramientas de escultura y vendió su primera pieza, una escultura de la mano de una mujer, por $ 8. Su relación no terminó amistosamente como fue mencionado por Anne Whitney, compañero escultor y amigo de Lewis, en una carta que escribió a su hermana en 1864. La razón de la división, sin embargo, nunca fue mencionado. Lewis abrió su estudio al público en su primera exposición individual en 1864. 

Lewis se inspiró en las vidas de los abolicionistas y los héroes de la Guerra Civil. Sus temas en 1863 y 1864 incluyeron algunos de los abolicionistas más famosos de su día: John Brown y el coronel Robert Gould Shaw.  Cuando se reunió con el Coronel de la Unión Robert Gould Shaw, el comandante de un regimiento de la Guerra Civil Afroamericana de Massachusetts, se inspiró para crear un busto de su semejanza, que impresionó a la familia Shaw, quien compró su homenaje. Lewis hizo luego reproducciones de yeso del busto, de las cuales vendió cien de 15 dólares cada una.  Anna Quincy Waterston, poeta, escribió un poema sobre Lewis y Shaw. 

De 1864 a 1871, Lewis fue escrito sobre o entrevistado por Lydia Maria Child, Elizabeth Peabody, Anna Quincy Waterston y Laura Curtis Bullard. Éstas eran todas mujeres importantes en los círculos abolicionistas de Boston y Nueva York.  Debido a estas mujeres, los artículos sobre Lewis aparecieron en importantes revistas abolicionistas incluyendo Broken Fetter, el Christian Register, y el Independent, así como muchos otros. Lewis era perceptivo a su recepción en Boston. No se oponía a la cobertura que recibía en la prensa abolicionista, y no se sabía que negara la ayuda monetaria, pero no podía tolerar los falsos elogios. Sabía que algunos no apreciaban realmente su arte, pero la veían como una oportunidad para expresar y mostrar su apoyo a los derechos humanos. 

Las primeras obras que resultaron muy populares incluyeron retratos de medallón de los abolicionistas John Brown y William Lloyd Garrison. Lewis también se inspiró en Henry Wadsworth Longfellow y su obra, particularmente su poema épico The Song of Hiawatha. Hizo varios bustos de sus personajes principales, para los cuales él dibujó de la leyenda de Ojibwe.

 

La muerte de Cleopatra ,
Edmonia Lewis –

Fuente imagen_ Auto-fotografiado , Caroline Becker Léna

Roma
El éxito y la popularidad de estas obras en Boston permitió que Lewis asumiera el costo de un viaje a Roma en 1866. [24] En su pasaporte de 1865 se escribe: “M. Edmonia Lewis es una chica negra enviada por suscripción a Italia que ha mostrado grandes talentos como escultor”. [2] El escultor establecido Hiram Powers le dio espacio para trabajar en su estudio. [25] Entró en un círculo de artistas expatriados y estableció su propio espacio en el antiguo estudio del siglo 18 del escultor italiano Antonio Canova. [26] Ella recibió el apoyo profesional de Charlotte Cushman, una actriz de Boston y una figura fundamental para los escultores expatriados en Roma, y Maria Weston Chapman, un trabajador dedicado para la causa antiesclavitud.


Mientras que en Roma Edmonia Lewis adoptó el estilo neoclásico de la escultura, como se ve en este busto desnudo titulado “Busto del Dr. Dio Lewis” (1868). El museo de arte de Walters.
Roma era donde Lewis pasó la mayor parte de su carrera adulta.  Empezó a esculpir en mármol, trabajando de manera neoclásica, pero centrándose en el naturalismo dentro de temas e imágenes relacionados con los indios negros y americanos. Los alrededores del mundo clásico la inspiraron e influyeron en su obra, en la que recreó el estilo del arte clásico. Por ejemplo, ella presentaba a la gente en sus esculturas como vestidas con ropas en lugar de vestidos contemporáneos. 

Lewis era único en la forma en que se acercaba a la escultura en el extranjero. Insistió en agrandar sus modelos de barro y cera en mármol, en lugar de contratar escultores nativos italianos para que lo hicieran por ella, lo cual era una práctica común. Los escultores masculinos eran en gran parte escépticos del talento de escultores femeninos, ya menudo los acusaron de no hacer su propio trabajo.  Harriet Hosmer, un compañero escultor y expatriado, también lo hizo. Lewis también era conocido por hacer esculturas antes de recibir comisiones por ellos, o envió obras no solicitadas a los clientes de Boston pidiendo que recaudar fondos para los materiales y el transporte.

Su trabajo se vendió por grandes sumas de dinero. En 1873 un artículo en el New Orleans Picayune declaró: “Edmonia Lewis había enredado dos comisiones de 50.000 dólares.” Su nueva popularidad hizo de su estudio un destino turístico. Lewis tuvo muchas exposiciones importantes durante su ascenso a la fama, incluyendo uno en Chicago, Illinois, en 1870, y en Roma en 1871. 

Carrera posterior 

La Muerte de Cleopatra, detalle, mármol, 1867, colección del Smithsonian American Art Museum

Un golpe importante en su carrera estaba participando en la Exposición Centennial de 1876 en Filadelfia.  Para ello, creó una monumental escultura de mármol de 3,015 libras, La Muerte de Cleopatra, que retrató a la reina en medio de la muerte. De la pieza, J. S. Ingraham escribió que Cleopatra era “la pieza más notable de la escultura en la sección americana” de la Exposición.  Gran parte del público se sorprendió por el retrato franco de Lewis de la muerte, pero la estatua atrajo a miles de espectadores. Cleopatra fue considerada una mujer de belleza sensual y poder demoníaco.  Su auto-aniquilación ha sido retratada numerosa en arte así como literatura y cine. En Muerte de Cleopatra, Edmonia Lewis añadió un estilo innovador al retratar a la reina egipcia de una manera desaliñada, poco elegante, una salida del enfoque victoriano de representar la muerte. Aunque sus contemporáneos blancos también estaban esculpiendo Cleopatra y otros temas comparables (como la Zenobia de Harriet Hosmer), Lewis era más propenso a escrutar la premisa de raza y género debido al hecho de que, como Cleopatra, era negra y femenina:

“Las asociaciones entre Cleopatra y África negra fueron tan profundas que … cualquier representación de la antigua reina egipcia tuvo que lidiar con el tema de su raza y la expectativa potencial de su negrura.” La reina blanca de Lewis ganó el aura de precisión histórica a través de primaria Sin sacrificar sus vínculos simbólicos con el abolicionismo, la África negra o la diáspora negra, pero lo que se negó a facilitar era la objetivación racial del cuerpo del artista, y Lewis no podía convertirse tan fácilmente en el sujeto de su propia representación si su sujeto era corporeamente blanco. ” 

Después de ser colocado en almacenaje, la estatua fue movida a la exposición de 1878 Chicago Interestatal donde permanecía invendida. La escultura fue adquirida por un jugador con el nombre de “Blind John” Condon que lo compró de un salón en la calle Clark para marcar la tumba de un caballo de carreras llamado “Cleopatra”. La tumba estaba frente a la tribuna de su pista de carreras de Harlem en el suburbio de Forest Park, en Chicago, donde la escultura permaneció hasta que fue trasladada a un patio de almacenamiento de la construcción en Cicero. Mientras que en el patio de almacenamiento, La Muerte de Cleopatra sufrió daños extensos a manos de Boy Scouts bien intencionados que pintaron y causaron otros daños a la escultura. El Dr. James Orland, dentista en Forest Park y miembro de la Sociedad Histórica Forest Park, adquirió la escultura y la mantuvo en un almacén privado en el Forest Park Mall.

Más tarde, Marilyn Richardson, curadora independiente y estudiosa del arte afroamericano que estaba trabajando en una biografía de Lewis, fue a buscar La muerte de Cleopatra. Richardson fue dirigido a la sociedad histórica del parque de bosque ya Dr. Orland por el museo metropolitano del arte que había sido previamente contactado por la sociedad histórica con respecto a la escultura. Richardson, después de confirmar la ubicación de la escultura, contactó a la bibliógrafa afroamericana, Dorothy Porter Wesley, y los dos obtuvieron la atención del George Gurney de la NMAA. Según Gurney, conservador emérito en el Smithsonian American Art Museum,  la escultura estaba en una pista de carreras en Forest Park, Illinois, durante la Segunda Guerra Mundial. Por último, la escultura pertenecía a la Sociedad Histórica Forest Park, que la donó al Smithsonian American Art Museum en 1994, y que junto con el Smithsonian la restauró a su estado casi original después de reparar la nariz , Sandalias, manos, barbilla, y extensa “azúcar” (desintegración) a un costo de alrededor de $ 30,000. 

Un testamento a la renombre de Lewis como artista vino en 1877, cuando el presidente anterior de los EEUU Ulysses S. Grant la comisionó hacer su retrato. Él se sentó para ella como modelo y estaba satisfecho con su pedazo acabado. También contribuyó un busto de Charles Sumner a la Exposición de Atlanta de 1895. 

A finales de la década de 1880, el neoclasicismo declinó en popularidad, al igual que la popularidad de la obra de Lewis. Continuó esculpiendo en mármol, creando cada vez más retablos y otras obras para los patronos católicos romanos. En el mundo del arte, ella se eclipsó por la historia y la fama perdida. Hacia 1901 se había trasladado a Londres. Los sucesos de sus últimos años no son conocidos

Carrera y recepción
Como artista de color, Edmonia Lewis tuvo que ser hiper-consciente de sus opciones estilísticas porque su audiencia en gran parte blanco a menudo gravemente malinterpretar su trabajo como autorretrato. Para evitar esto, sus figuras femeninas típicamente poseen características eurocéntricas. Lewis tenía que equilibrar su propia identidad personal con su identidad artística, social y nacional, una actividad agotadora que afectaba a su arte . Tenía que satisfacer las expectativas del mundo del arte evitando ser atrapado en las categorías ineludibles de ser justo Un “artista de color” o una “dama escultora”.

“Es difícil exagerar la incongruencia visual del cuerpo femenino negro-nativo, y mucho menos esa identidad en un escultor dentro de la colonia romana.Como el primer escultor nativo negro de ambos sexos para lograr el reconocimiento internacional dentro de una tradición escultórica occidental, Lewis era una anomalía simbólica y social dentro de una comunidad burguesa y aristocrática predominantemente blanca “. 

Familia 
Lewis nunca se casó y no tuvo hijos conocidos.  Su hermano Samuel se convirtió en un peluquero en San Francisco, con el tiempo se trasladó a campos mineros en Idaho y Montana. En 1868, se estableció en la ciudad de Bozeman, Montana, donde instaló una peluquería en la calle principal. Prosperó, finalmente invirtiendo en bienes raíces comerciales, y posteriormente construyó su propia casa que todavía se encuentra en 308 South Bozeman Avenue. En 1999 la casa de Samuel Lewis fue colocada en el registro nacional de lugares históricos. En 1884, se casó con la Sra. Melissa Railey Bruce, una viuda con seis hijos. La pareja tuvo un hijo, Samuel E. Lewis (1886-1914), que se casó pero murió sin hijos. El mayor Lewis murió después de “una enfermedad corta” en 1896 y es enterrado en el cementerio Sunset Hills en Bozeman. 

Muerte 

Tumba de Edmonia Lewis
Durante años, el año de la muerte de Edmonia Lewis se especuló que sería 1911 en Roma. Una opinión alternativa sostenía que ella murió en el condado de Marin, California, y fue enterrada en una tumba sin marcar en San Francisco. Una beca reciente ha encontrado que ella vivió en el área de Hammersmith de Londres, Inglaterra, antes de su muerte el 17 de septiembre de 1907, en la Enfermería del Condado de Hammersmith. Según su certificado de defunción, la causa de su muerte fue la enfermedad crónica de Bright. Según los registros de la parroquia, está enterrada en el cementerio católico romano de St. Mary, en Londres. 

Trabajo 

Descripciones de las obras más populares 

Hiawatha, mármol, 1868, Museo de Newark
Siempre Libre, 1867

Esta escultura de mármol blanco representa a un hombre de pie, mirando hacia arriba, y levantando su brazo izquierdo en el aire. Envuelto alrededor de su muñeca izquierda es una cadena; Sin embargo, esta cadena no lo está conteniendo. A su derecha está una mujer arrodillada con las manos en posición de oración. La mano derecha del hombre se coloca suavemente en su hombro derecho. Forever Free representa la emancipación de los esclavos afroamericanos después de la Guerra Civil, una celebración de la liberación, la salvación y la redención negras. Lewis intentó romper estereotipos de mujeres afroamericanas con esta escultura. Por ejemplo, ella retrató a la mujer completamente vestida mientras el hombre estaba parcialmente vestido. Esto desvió la atención de la noción de que las mujeres afroamericanas fueran figuras sexuales. Esta escultura también simboliza el final de la Guerra Civil. Mientras que los afroamericanos eran legalmente libres, continuaron siendo restringidos, demostrados por el hecho de que la pareja tenía cadenas envueltas alrededor de sus cuerpos. La representación de la raza y el género ha sido criticada por los eruditos modernos, particularmente las características eurocéntricas de la figura femenina. Esta pieza es sostenida por la galería de la universidad de la universidad de Howard en Washington, D.C. 

Hagar, 1868
Inspirado por un personaje del Antiguo Testamento, estaba hecho de mármol blanco. Muestra a Agar con las manos en oración y mira fijamente ligeramente hacia arriba, pero no directamente. Agar era la sierva o esclava de la esposa de Abraham, Sara. Siendo incapaz de concebir a un niño, Sara le dio a Agar a Abraham para que él pudiera tener un hijo por ella. Agar dio a luz al hijo primogénito de Abraham, Ismael. Después de que Sara dio a luz a su propio hijo Isaac, ella se resentía con Agar e hizo que Abraham “arrojara a Agar al desierto”. Lewis utiliza Agar para simbolizar a la madre africana en los Estados Unidos. Ella representaba el abuso de mujeres africanas. Lewis tenía una tendencia a esculpir mujeres históricamente fuertes, como se demostró no sólo en Agar, sino también en la pieza de Cleopatra de Lewis. Lewis también representó a mujeres regulares en grandes situaciones, haciendo hincapié en su fuerza. 

Viejo sierro-creador y su hija, 1866
Esta escultura fue inspirada por la herencia del nativo americano de Lewis. Un fabricante de flechas y su hija se sientan sobre una base redonda. Están vestidos con ropa tradicional de los nativos americanos y la figura masculina tiene características faciales nativas americanas reconocibles. Lewis eligió “blanquear” las características faciales de sus figuras femeninas, quitando todas las características faciales asociadas con las razas “coloreadas”. Lewis empujó los límites con la exactitud de sus esculturas. Quería ser lo más realista posible.

Fuente: Wikipedia

Homenaje Doodle de Google

Celebrando Edmonia Lewis

Arte del Doodle de hoy representa Lewis esculpiendo una de sus obras más famosas, La muerte de Cleopatra, que se exhibe en el Museo de Arte Americano del Smithsonian en Washington, DC Su representación realista de la muerte de Cleopatra ha recibido la aclamación de los críticos, que la llamó “la más notable pieza de escultura en la sección americana “de la serie los colores vibrantes de las letras de Google rinde homenaje a las raíces americanas nativas de Lewis – su nombre nativo americano fue Wildfire.




Bessie Coleman, First African American Pilot - GPN-2004-00027.jpg

Bessie Coleman’s portrait
Source (WP:NFCC#4)

Nacida el 26 de enero de 1892 en Atlanta, Texas, a una familia de aparceros, Bessie Coleman creció en la pobreza. Su padre abandonó a la familia cuando ella tenía nueve años, y sus hermanos mayores pronto se fueron también, dejando a su madre con los cuatro más jóvenes de sus trece hijos. Mientras que cuidaba de sus hermanas más jóvenes, Bessie terminó los ocho años disponibles de la educación primaria, sobresaliendo en matemáticas. Ella se matriculó en la universidad coloreada agrícola y normal en Langston, Oklahoma en 1910, pero la carencia de fondos la obligó a salir después de solamente un término. Cinco años más tarde, dejó el sur y se trasladó a Chicago para unirse a dos de sus hermanos, Walter y John, donde trabajó como esteticista durante varios años. Una ávida lectora, se enteró de los pilotos de la Primera Guerra Mundial en el periódico y se sintió intrigada por la posibilidad de volar. Como mujer negra, no tuvo ninguna posibilidad de ser aceptada en ninguna escuela piloto americana, por lo que se trasladó a Francia en 1919 y se inscribió en la Escuela de Aviación de los Freres Caudon en Le Crotoy. Después de regresar brevemente a los Estados Unidos, pasó un período más en Francia practicando un vuelo más avanzado antes de volver a establecerse en su país natal. Ella hizo la exhibición que volaba y dio conferencias a través del país de 1922 a 1926. Mientras que volaba, ella rechazó realizar a menos que las audiencias estuvieran segregadas. Ella estaba probando volando un nuevo avión el 30 de abril de 1926 cuando funcionó mal, matándola a ella ya la mecánica que lo estaba pilotando. Su carrera como el primer piloto afroamericano del mundo inspiró a muchos que lo siguieron. 

Biografía:

Elizabeth “Bessie” Coleman (Atlanta, Texas, 26 de enero de 1892 – Jacksonville, Florida, 30 de abril de 1926) fue una aviadora civil estadounidense. Fue la primer mujer afroamericana piloto de la historia1 y la primera persona de ascendencia afroestadounidense que obtuvo una licencia internacional de piloto.

Primeros años
Coleman nació el 26 de enero de 1892 en Atlanta, Texas, como la décima de los trece hijos de los granjeros George y Susan Coleman. Su padre tenía ascendencia cheroqui. Coleman comenzó la escuela a los seis años de edad, en un establecimiento para alumnos afroamericanos de una sola habitación; tenía que caminar casi seis kilómetros y medio cada día para llegar. Aunque a veces no tenía los útiles escolares básicos, como tiza y lápices, Coleman era una alumna excelente. Le encantaba leer y se destacaba en matemática, lo que la llevó a graduarse tras haber completado ocho años de educación escolar. Cada año, su rutina, que consistía en ir a la escuela, a la iglesia y ayudar en las tareas hogareñas, se interrumpía por la cosecha del algodón.

En 1901, la vida de Coleman dio un giro dramático: George Coleman abandonó a su familia, harto de las barreras raciales en Texas. Regresó a Oklahoma, en ese momento territorio aborigen, para mejorar su calidad de vida, pero Susan y los niños no lo acompañaron.

Cuando tenía doce años de edad, Coleman fue aceptada en la Iglesia Baptista Misionera. Cuando cumplió dieciocho años, reunió todos sus ahorros y se inscribió en la Universidad Colored Agricultural and Normal (en la actualidad llamada Universidad Langston) en Langston, Oklahoma. Completó un solo curso, ya que el dinero se le terminó muy pronto y debió regresar a su hogar. Coleman sabía que no tendría futuro en su pueblo natal, por lo que se mudó con dos de sus hermanos a Chicago, donde inició la búsqueda de un empleo.

Carrera:
Chicago
En 1915, cuando tenía veintitrés años, Coleman se mudó con sus hermanos a Chicago, Illinois, donde trabajó en la peluquería White Sox como manicura. Allí, pasaba el tiempo escuchando a los pilotos que habían vuelto de la Primera Guerra Mundial, quienes relataban sus aventuras por el mundo durante la guerra. Con el tiempo, Coleman empezó a fantasear con la idea de ser piloto. Su hermano solía molestarla con la idea de que las francesas eran mejores que las afroamericanas porque las primeras ya eran pilotos; ella, en cambio, no podría ser admitida en las escuelas de vuelo de Estados Unidos por ser negra y mujer. Ni siquiera un aviador estadounidense afroamericano podría entrenarla. Sin embargo, Robert S. Abbott, fundador y editor del Chicago Defender, la alentó a que estudiara en el extranjero. Coleman recibió ayuda económica del banquero Jesse Binga y del Defender, que hizo hincapié en su personalidad extravagante y en su belleza para promover el periódico y su causa.

Francia

La licencia de aviación de Coleman.
Coleman tomó clases de francés en la Escuela Berlitz en Chicago, y el 20 de noviembre de 1920 partió rumbo a París. En Francia, aprendió a volar en un biplano Nieuport Tipo 82, con “un sistema de control que consistía en una barra vertical del grosor de un bate de béisbol delante del piloto y una barra timón bajo los pies del aviador”. El 15 de junio de 1921, Coleman se convirtió no sólo en la primera mujer afroamericana en obtener una licencia de aviación internacional por parte de la Fédération Aéronautique Internationale, sino también en la primera afroamericana en el mundo en obtener una licencia de piloto de aviación. Decidida a mejorar sus habilidades, Coleman pasó los dos meses siguientes tomando lecciones de un piloto francés cerca de París, y en septiembre partió rumbo a Nueva York.

Bessie Coleman, c.1922
Fuente imagen: Desconocida – Unknown – http://www.ctie.monash.edu.au
Bessie Coleman and her plane in 1922.

Espectáculos aéreos
Coleman se dio cuenta rápidamente que para ganarse la vida como piloto civil (la era de los vuelos comerciales no llegaría hasta por lo menos diez años después) tendría que dedicarse a las exhibiciones aéreas para el entretenimiento y actuar para un público. Sin embargo, para tener éxito en un campo tan competitivo, necesitaba clases avanzadas y un repertorio más extenso. Después de regresar a Chicago, descubrió que nadie estaba dispuesto a enseñarle, por lo que en febrero de 1922 partió nuevamente hacia Europa. Pasó los dos meses siguientes en Francia, donde tomó cursos avanzados de aviación; después visitó los Países Bajos para encontrarse con Anthony Fokker, uno de los diseñadores de aeronaves más distinguidos del mundo. También viajó a Alemania, donde visitó la Corporación Fokker y recibió entrenamiento adicional por parte de uno de los principales pilotos de la compañía. Regresó a los Estados Unidos con la confianza y el entusiasmo que necesitaba para lanzar su carrera en el vuelo de exhibición.

En septiembre de 1921, se convirtió en una sensación de los medios cuando regresó a su país. “Queen Bess” (“la Reina Bess”), como era conocida, fue muy popular durante los cinco años siguientes. Invitada a eventos importantes y entrevistada muy a menudo por los periódicos, era admirada tanto por los afroamericanos como por los blancos. Los aviones que solía volar eran los biplanos Curtiss JN-4 “Jenny” y otras aeronaves de guerra, que habían quedado de la Primera Guerra Mundial. El 22 de febrero de 1922, en Los Ángeles, California, se quebró una pierna y tres costillas cuando su avión se atascó y se estrelló. Hizo su primera aparición en una exhibición de vuelo en los Estados Unidos el 3 de septiembre del mismo año, en un evento organizado para honrar a los veteranos del Regimiento de Infantería número 369, compuesto en su totalidad por afroamericanos, llevado a cabo en Long Island, cerca de la ciudad de Nueva York y patrocinado por su amigo Abbott y por los editores del periódico Chicago Defender. En el espectáculo, Coleman fue presentada como “la aviadora mujer más grande del mundo” e incluyó exhibiciones aéreas de otros ocho pilotos estadounidenses, y un salto en paracaídas de Hubert Julian. Seis semanas más tarde, regresó a Chicago para realizar una demostración de maniobras temerarias, incluyendo figuras, vueltas y vuelos a ras del suelo ante un público entusiasta y numeroso en el Aeródromo Checkerboard (en la actualidad, el Aeropuerto Internacional Midway).

Pese a sus logros, la emoción de las exhibiciones de vuelo y la admiración del público eran solo una parte del sueño de Coleman. Nunca se olvidó de una promesa que se había realizado a sí misma durante la infancia, que era “ser alguien importante”. Como aviadora profesional, Coleman sería muy criticada por la prensa por su naturaleza oportunista y el estilo extravagante que demostraba en sus espectáculos aéreos. Sin embargo, ganó rápidamente una reputación como piloto habilidosa y arriesgada que no se detenía ante nada para completar una maniobra peligrosa.

A través de sus contactos en los medios, se le ofreció un papel en un largometraje titulado Shadow and Sunshine, que sería financiado por la African American Seminole Film Producing Company. Aceptó encantada, ya que esperaba que la publicidad la ayudara a avanzar en su carrera y le proporcionara el dinero que necesitaba para establecer su propia escuela de vuelo. Sin embargo, al descubrir que en la primera escena de la película debía aparecer vestida con ropa hecha jirones, con un bastón y una mochila en sus hombros, se negó a continuar. Según Doris Rich, “la decisión de Bessie de abandonar el rodaje fue claramente una cuestión de principios. Aunque era oportunista en lo que respecta a su carrera, nunca fue oportunista en lo que respecta a su raza. No tenía la intención de perpetuar la imagen despectiva que la mayoría de los blancos tenían de los afroamericanos”.

Coleman no viviría lo suficiente para cumplir su sueño más grande, que era establecer una escuela para aviadores jóvenes y afroamericanos, pero sus logros como pionera inspiraron a una generación de hombres y mujeres afroamericanos. Según el Teniente William J. Powell, en su libro de 1934 Black Wings, “Gracias a Bessie Coleman hemos invadido lo que era peor que las barreras raciales. Hemos invadido las barreras que existían dentro de nosotros mismos y nos hemos atrevido a soñar”. Powell combatió en una unidad segregada durante la Primera Guerra Mundial, y promovió la causa de la aviación afroamericana sin descanso, en su libro, sus periódicos y el Aeroclub Bessie Coleman, que fundó en 1929.

Fallecimiento
El 30 de abril de 1926, Coleman, de treinta y cuatro años de edad, se encontraba en Jacksonville, Florida. Había comprado un Curtiss JN-4 (Jenny) hacía poco tiempo en Dallas, Texas y lo había llevado a Jacksonville para prepararse para una exhibición aérea; sus amigos y familia no consideraban seguro el avión y le habían suplicado que no lo volara. Su mecánico y agente publicitario, William Willis, viajaba en el avión con Coleman como copiloto. Coleman no se puso el cinturón de seguridad porque planeaba lanzarse en paracaídas al día siguiente y quería echar un vistazo completo a la cabina para examinar el terreno. Aproximadamente diez minutos después del despegue, el avión no respondió como se esperaba y realizó una barrena, que causó que Coleman saliese disparada de la aeronave a ciento cincuenta metros de distancia, donde golpeó la tierra y falleció al instante. William Wills no logró controlar la aeronave y también falleció tras estrellarse contra la tierra, mientras el avión se prendía fuego. Aunque los escombros que quedaron estaban muy quemados, más tarde se descubrió que una llave que se usaba para reparar el motor se había deslizado dentro de la caja reductora y la había atascado.

Legado y homenajes
El 2 de mayo de 1926 se llevó a cabo su funeral, en Jacksonville, Florida, con la presencia de cinco mil dolientes. Varios de ellos, incluyendo a Ida B. Wells, eran miembros prominentes de la sociedad afroamericana. Tres días más tarde, sus restos llegaron a Orlando, donde miles de personas más asistieron al funeral en la Iglesia Baptista Misionera Monte Zion; su último viaje, el 5 de mayo, fue a Chicago, donde se llevó a cabo un servicio en su memoria en la Iglesia Baptista Peregrina. Aproximadamente diez mil personas pasaron junto al ataúd durante todo el día y toda la noche. Después de sus servicios funerarios, fue sepultada en el Cementerio Lincoln.

Con el paso de los años, fue creciendo el reconocimiento hacia los logros de Coleman. Su impacto en la historia de la aviación, en particular en lo que respecta a los afroamericanos, fue reconocido rápidamente después de su fallecimiento. En 1927, se inauguraron numerosos aeroclubes con su nombre en todo el país; en 1931, en el Día del Trabajador, estos clubes patrocinaron la primera exhibición aérea compuesta solamente por afroamericanos, que atrajo alrededor de quince mil espectadores. Ese mismo año, un grupo de pilotos afroamericanos estableció una tradición anual en la que sobrevolaban la tumba de Coleman, en el Cementerio Lincoln. El nombre de Coleman también comenzó a aparecer en los edificios de Harlem.

En 1989, la Sociedad First Flight incluyó a Coleman en su altar que honra a los individuos y grupos que hayan sido pioneros en algún campo del desarrollo de la aviación.

Una sala de conferencias de la Administración Federal de Aviación, en Washington D.C., tiene el nombre de Coleman. En 1990, el alcalde de Chicago Richard M. Daley renombró la calle Old Mannheim en el Aeropuerto Internacional O’Hare como “Bessie Coleman Drive”. En 1992, proclamó el 2 de mayo como el “Día de Bessie Coleman en Chicago”.

Mae Jemison, médica y antigua astronauta de la NASA, escribió en el libro Queen Bess: Daredevil Aviator (1993): “Señalo a Bessie Coleman y digo sin dudar que fue una mujer, un ser, que ejemplifica y sirve como modelo para toda la humanidad: fue la definición exacta de la fortaleza, la dignidad, el coraje, la integridad y la belleza. Parece un buen día para volar”.

En 1995, fue homenajeada con su imagen en un sello postal en los Estados Unidos, y fue incluida en el Salón de la Fama de las Mujeres en la Aviación. En 1999, el National Women’s History Project la designó como recipiente del Women’s History Month. En noviembre de año 2000, Coleman fue incluida en el Salón de la Fama de la Aviación de Texas.

El 20 de octubre de 2008 debutó Barnstormer, un musical basado en su vida, en el National Alliance for Musical Theater Festival de Nueva York; el libreto y las letras de las canciones fueron escritos por Cheryl Davis y la música por Douglas Cohen.

El 23 de julio de 2011, en el noventa aniversario de su primer vuelo, fue conmemorada con una lectura de varias partes de algunas de sus biografías en una exhibición de modelos de aeronaves en Miller Field, Staten Island, un antiguo establecimiento de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos.

Fuente: wikipedia

Enlaces externos

Homenaje del Doodle de Google:

125º aniversario del nacimiento de Bessie Coleman

 

 



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