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FOTOS: El actor Ezra Miller 'marea' a los internautas con una fantasmagórica ilusión óptica en su cara

Ezra Miller en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, el 6 de mayo de 2019
Fuente imagen: Mario Anzuoni / Reuters

RT

La estrella de ‘Liga de la Justicia’ y de ‘Animales fantásticos y dónde encontrarlos’ sorprendió al público con un maquilaje inusual en la Gala del Met 2019.

Origen: FOTOS: El actor Ezra Miller ‘marea’ a los internautas con una fantasmagórica ilusión óptica en su cara



{8 mayo, 2019}   *Met Gala 2019

Met Gala Lady Gaga Transformation




Fendi store opening - Karl Lagerfeld (14091153382).jpgStars Glitter gifs R.I.P.

Karl Otto Lagerfeld (Hamburgo, Alemania, 10 de septiembre de 1933 – Neuilly-sur-Seine, Francia, 19 de febrero de 2019) fue un diseñador de moda alemán, considerado uno de los más influyentes de la segunda mitad del siglo XX.1​ Debía gran parte de su popularidad a su labor para la firma Chanel, a su actividad como fotógrafo y también a sus llamativas apariciones públicas, en las que por lo general estaba rodeado de celebridades del espectáculo y super modelos.

Orígenes acomodados
Su padre Otto Lagerfeld era miembro de una familia de banqueros sueca e hizo su fortuna al introducir la leche en polvo en Alemania. Su madre Elizabeth Bahlmann era miembro de una familia noble alemana. Karl fue su único hijo en común; nació diez años después de que la pareja se casara, cuando su madre tenía 42 y su padre 60. Ambos habían tenido otros hijos en matrimonios anteriores.

Moda
Inicios de su carrera
Lagerfeld emigró a París en 1953. En 1955, a los veintidós años, Lagerfeld fue premiado con un puesto de trabajo en la casa de modas Pierre Balmain, tras haber ganado un concurso patrocinado por el Secretariado Internacional de Lana. No era la primera vez que participaba; años antes Yves Saint Laurent.

Al servicio de varias firmas
Lagerfeld se hizo un nombre como creador independiente, colaborando con una variedad de diferentes casas de moda que incluyen nombres como Chloé, Fendi y Chanel. Además, en los 80 fundó su propia marca, llamada Karl Lagerfeld, la cual lanzó perfumes y líneas de ropa.

Lagerfeld era conocido por su gusto y costumbres elitistas, de una excentricidad a veces snob, que no dudaba en mezclar con guiños a la cultura de consumo y a las estrellas populares. A principios de la década de 1990 eligió a nudistas y a una estrella italiana de filmes eróticos (Moana Pozzi) para que desfilasen con su colección Blanco y negro para la firma Fendi. A las críticas contra Pozzi, Lagerfeld respondió: «Las mujeres comunes caminan como Moana y como modelos al 50%».

Produjo piezas legendarias como bañador con agua burbujeante brotando en el frente, un vestido imitando un automóvil con una parrilla de radiador y parachoques, y un sinfín de sombreros excéntricos.

Lagerfeld trabajó como diseñador por las casas de moda más importantes:

1955-1958: Pierre Balmain
1958-1963: Jean Patou
1963-1978, 1992-1997: Chloé
1965-2019: Fendi
1974-2019: Karl Lagerfeld
1983-2019: Chanel
2004: Hennes & Mauritz (H&M)
En la edición francesa de la revista Architectural Digest en mayo de 2012, Lagerfeld muestra su apartamento en París.2​ Él también reveló su vasta colección de pins Suzanne Belperron y broches y se utiliza el color de uno de sus anillos de calcedonia azul como el punto de partida Chanel para la primavera / verano 2012 colección.3

Colaboraciones y proyectos
En 2004 diseñó algunos atuendos para la gira internacional de Madonna Re-Invention Tour y recientemente, diseñó algunos para la gira “Showgirl” de Kylie Minogue.

Lagerfeld colaboró con la firma de moda sueca H&M. El 12 de noviembre de 2004, H&M ofreció un número limitado de diferentes prendas en centros comerciales seleccionados, para mujeres y hombres. Sólo dos días después de haber surtido los centros comerciales, H&M había anunciado que todas sus prendas habían sido agotadas. Lagerfeld ha dicho que no teme que trabajar con firmas más populares manche su imagen.

En el 2017, colaboró con la tienda Falabella, ofreciendo diferentes productos como polos, blusas, pantalones, zapatos, zapatillas, bolsos, entre otros.

Labor como fotógrafo
También fue fotógrafo y produjo Visonaire 23: The Emperor’s New Clothes, una serie de fotografías de desnudos del modelo sudafricano David Miller. En 1996 recibió el premio de cultura de la asociación alemana de fotografía.

Además, el hecho de que «el rey de la moda» o el “Kaiser” (como llamaban a Karl en Alemania y en otros diversos países de Europa) estuvo personalmente interesado en el grupo musical Tokio Hotel, demostró que el líder de dicho grupo, Bill Kaulitz, está muy familiarizado con el mundo de moda. En otoño de 2009 Lagerfeld fotografió a Kaulitz para la Vogue alemana, lo que fue un gran honor para Bill:

“Empecé a estar interesado en esto a una edad muy temprana, también cosí y diseñé unas cosas por mí mismo y por supuesto es un sueño hacer algo para alguien como Karl Lagerfeld, para mí fue completamente un momento genial y por supuesto estuve feliz de que él se diese cuenta, él mirase y le gustase y eso, también creo que él es súper”. (Bill Kaulitz, cantante de Tokio Hotel).

En 2010, fue el fotógrafo elegido para el tradicional Calendario Pirelli del año siguiente. Caracterizó a las modelos (entre ellas, la actriz Julianne Moore) como personajes mitológicos y (por primera vez en dicho calendario) incluyó desnudos masculinos.

Como director creativo de Chanel, realizó personalmente las campañas publicitarias de la casa, con sus propias fotografías.

Pérdida de peso
Lagerfeld también fue famoso por una drástica transformación de su cuerpo, cuando perdió alrededor de 36 kilos en un año. “De repente me quise vestir diferente, usar prendas diseñadas por Hedi Slimane” afirmó. “Pero esta ropa, lucida por chicos muy, muy flacos -y no por hombres de mi edad- requería que perdiese por lo menos 36 kilos. Me costó exactamente trece meses”.

La dieta creada especialmente para Lagerfeld por el Dr. Jean-Claude Houdret, se transformó en un libro llamado “La dieta de Karl Lagerfeld” (“The Karl Lagerfeld Diet”).

Claramente, el peso fue un tema para Lagerfeld y es en ese contexto que durante 2012 hizo gran polémica al decir que la cantante Adele estaba “demasiado gorda”, declaración que inmediatamente fue respondida por la británica, quien aseguró estar conforme con su físico, sobre todo porque siente que así representa a la mayoría de las mujeres.




Música de pasarela (moda) y de la serie Verdades Secretas

 



{28 enero, 2019}   Toile de Jouy – Moda

Fuente imagen Velvetbrighton – Photo from Velvet Brighton website – http://www.velvetstore.co.uk/toile.html
A photo of toile de jouy fabric on a french reproduction style chair.

La toile de Jouy es un tejido de algodón tipo «indiana», pintado o estampado solamente por el anverso. Se puede considerar un tipo de chintz con diseños característicos de escenas pastoriles, en principio, en un solo color sobre fondo claro.

El diseño suele ser monocromático, en rojo, granate, violeta (o berenjena) sobre un fondo crudo o ahumado, también sobre otros colores degradados, rosa, azul claro o marino, verde claro u oscuro, incluso beis o gris. Algunas veces el patrón está invertido; esto es, el diseño en crudo o humo sobre un fondo fuertemente coloreado.

El nombre proviene de Jouy (actualmente Jouy-en-Josas, Francia), el lugar donde Christophe-Philippe Oberkampf, en 1760,​ estableció una «real fábrica» de estas telas por su proximidad con Versalles y por la disponibilidad de un curso de agua, el río Bièvre, indispensable en la manufactura de un tejido estampado.

La toile de Jouy se utiliza básicamente para decoración, cortinas, tapicerías… Los motivos decorativos de la toile de Jouy se utilizan también en papel pintado para decorar paredes o en accesorios de vestir como delantales, foulards, chales, echarpes…

Historia:

Ejemplos de toile de Jouy en diversos colores.
Desde la segunda mitad del siglo XVI, los comerciantes portugueses y holandeses importaban, de la India, tejidos de algodón con estampados brillantes, como el chintz. La aceptación y popularidad de estas «indianas» hacía peligrar la industria textil francesa y provocó que en tiempo de Luis XIV, en 1686, se prohibiera la importación y fabricación de indianas.

Cuando en 1759 se levanta la prohibición, el industrial alemán Oberkampf se instala en Francia y las telas procedentes de su manufactura son rápidamente aceptadas por la nobleza y la alta burguesía. En 1783, el rey Luis XVI le concede el título de «real fábrica».

La toile de Jouy y otras indianas llegan a España a través de Francia. Se fabricaban con éxito en Cataluña cuya primera fábrica de indianas data de 1736.

Evolución
La toile de Jouy se hizo popular en las colonias británicas de Norteamérica a finales del siglo XVIII, antes y después de su independencia. En Williamsburg se conserva una área histórica con diversos edificios restaurados que presentan decoración en toile de Jouy.​ La restauración tuvo lugar en la década de los 30 del siglo XX y produjo una repopularización de la toile de Jouy en los Estados Unidos. Igualmente ocurrió en la década de los 70, debido a la celebración del Bicentenario de los Estados Unidos.

Los motivos de los tejidos, como parte integrante de la moda, influyen sobre otros ámbitos de la cultura, como la cerámica. Así, existen varios ejemplos: el chintz, las chinoiseries… También la toile de Jouy ha dejado su impronta en la cerámica inglesa, la mayólica de Delft o en la fabricada en La Cartuja de Sevilla.

Fuente: wikipedia

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Fuente imagen Blue Toile Lavender Sachets
Flickr: Le Petit Poulailler –

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Die Burg Rabenstein wird heute als Hotel genutzt.
User: Benreis at wikivoyage shared

Se ha utilizado en cortinados, cubrecamas, tapizados de sillas y sillones, almohadones, hasta empapelado de pared; pero ahora está a la moda en ropa y zapatos

 

François Barraud – Toile de Jouy-ARTE
François Barraud – http://bp1.blogger.com/_rl




Ruby Vizcarra, quien de niña fue víctima de ‘bullying’ por su piel y su color de pelo inusuales, hizo frente al problema y se convirtió en modelo.

Origen: FOTOS: La modelo mexicana que desafía los estándares de la belleza

RT




Dior celebra la herencia mexicana con la imagen de Jennifer Lawrence y le llueven críticas en la Red

Fuente: Dior.com/RT

Internautas se preguntan por qué la marca europea de moda usa a una actriz estadounidense en la publicidad de una colección inspirada en trajes típicos mexicanos.

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Entrada de Escaramuzas Charras. Mexico




Kate spade new york -C88F8F.jpg

Kate Spade New York Madison Avenue Store
KateSpade1993 – Own work

Katherine Noel Brosnahan (24 de diciembre de 1962 – 5 de junio de 2018), conocida profesionalmente como Kate Spade o Kate Valentine, era una diseñadora de modas y empresaria estadounidense.1​2​ Fue la fundadora y ex copropietaria de la marca de diseñador Kate Spade New York.

Después de trabajar en el departamento de accesorios en la revista de moda Mademoiselle, Brosnahan y esposo Andy Spade fundaron el negocio en 1993, identificando un mercado de bolsos elegantes y de calidad. Aquellos que ella diseñó y produjo rápidamente se hicieron populares, y la compañía se expandió a otras líneas de productos. En 1999 vendió una participación del 56% de Kate Spade New York a Neiman Marcus Group; en 2006 vendió el resto de sus acciones.3​ En 2016, ella y sus socios lanzaron una marca de moda nueva llamada Frances Valentine.4​ El 5 de junio de 2018 la encontraron muerta de un aparente suicidio colgando en su departamento de Manhattan.

Brosnahan nació en Kansas City, Missouri, hija de June (Mullen) y Earl Francis Brosnahan. Ella era en su mayoría de origen irlandés.Se graduó de la Academia de Santa Teresa, una escuela secundaria católica para niñas. Asistió a la Universidad de Kansas y luego se transfirió a la Universidad Estatal de Arizona, se unió a Kappa Kappa Gamma y se graduó con un título en periodismo en 1985.

En 1986, Spade trabajó en el departamento de accesorios en Mademoiselle en Manhattan, donde se le nombra en el encabezado de la revista por su nombre de soltera, como Katy Brosnahan. Mientras estuvo en Mademoiselle, se mudó con Andy Spade, oriundo de Scottsdale, Arizona. Los dos habían trabajado codo a codo como vendedores en una tienda de ropa para hombres, Carter’s Men Shop, en Phoenix.

Dejó Mademoiselle en 1991, teniendo el título de editora de moda senior/directora de accesorios.8​ Mientras trabajaba para Mademoiselle, se dio cuenta de que el mercado carecía de bolsos de mano elegantes, y decidió crear su propia línea.

Carrera

Una tienda de Kate Spade en Nueva York.
Kate y Andy Spade lanzaron en enero de 1993 la empresa de diseño “Kate Spade Handbags” con sede en Nueva York. La empresa vendió principalmente bolsos al principio, pero pronto se extendió a prendas de vestir, joyas, calzado, artículos de papelería, artículos para bebés, fragancias, tableros de mesa, ropa de cama y regalos. En 1996, la marca Kate Spade abrió su primera boutique, una tienda de 400 pies cuadrados ubicada en el moderno distrito SoHo de Manhattan, y trasladó su sede a un espacio de 10,000 pies cuadrados en West 25th Street.

En 2004, se lanzó “Kate Spade at home” como marca de colección hogareña. Ofrecía ropa de cama, artículos de baño, porcelana, papel tapiz y varios artículos para el hogar. También compartió sobre su estilo personal y pensamiento en sus tres libros: Maneras, Ocasiones y Estilo. En 2004 se abrió una tienda en Aoyama, Tokio, Japón.

Neiman Marcus Group compró el 56% de la marca Kate Spade en 1999 y el 44% restante en 2006. Neiman Marcus vendió la designación Kate Spade en 2006 por $124 millones de dólares a Liz Claiborne Inc., que más tarde fue rebautizada como Fifth & Pacific.14​ En febrero de 2014, Fifth & Pacific cambió su nombre a Kate Spade & Company.15​ Coach, Inc. adquirió Kate Spade por $2.4 mil millones de dólares en mayo de 2017.

Frances Valentine
Después de vender la porción restante de su participación en la marca Kate Spade en 2006, Spade se tomó un tiempo libre para cuidar de su hija. En 2016, ella y sus socios lanzaron una nueva marca llamada Frances Valentine, una colección de calzado y bolsos de lujo. El nombre de la nueva marca se deriva de Frances, un apellido de toda la vida en su lado paterno. La hija de Spade se llama Frances, al igual que su abuelo, padre y hermano. El nombre de Valentine vino del lado materno de Spade; era el segundo nombre de su abuelo, que nació el día de San Valentín. En 2016, Spade cambió su apellido a Valentine.

Vida personal y fallecimiento
Spade se casó con Andy Spade, hermano del actor y comediante David Spade, en 1994. La pareja tuvo una hija, Frances Beatrix Spade, nacida en 2005.La actriz Rachel Brosnahan es sobrina de Spade.

Un ama de llaves encontró a Spade muerta de un aparente suicidio, colgando en su apartamento de Manhattan el 5 de junio de 2018. La policía dijo que había dejado una nota dirigida a su hija.

Premios
En 1996, el Consejo de Diseñadores de Moda de Estados Unidos (CFDA) nombró a Spade como “El Nuevo Talento de Moda de Estados Unidos en Accesorios” por sus diseños clásicos. En 1998, CFDA volvió a honrarla como “Mejor diseñadora de accesorios del año”.

Su colección para el hogar ganó tres premios de diseño en 2004, incluyendo el “Giants of Design Award” por creación de tendencias, de la revista House Beautiful, el “American Food and Entertaining Award” por diseñadora del año, de la revista Bon Appétit y el “Elle Decor International Design Award” para ropa de cama, de la revista Elle Decor.

En 2017, fue incluida en el Salón de la Fama del Emprendedor en la Escuela de Administración Henry W. Bloch en la Universidad de Missouri, Kansas City.

También en 2017, la revista Fast Company la nombró una de las personas más creativas en los negocios




                       Lunes 18 de junio a las 21.00 hs. Señor Tango
                                       (Vieytes 1655, C.A B.A)

Entradas a la venta: Ciudad de la Paz 2995 de lunes a viernes de 12:30 a 19 hs.
Teléfonos para reservas 45462558/45414437/4544 6986.

A total beneficio de la Fundación Roberto Piazza contra el abuso sexual infantil, el show contará con la presencia de artistas como Moria Casán, Patricia Sosa, Laura Azcurra, Mariana Astutti, Fernando Soler y Lourdes Fernández.

Roberto Piazza, el prestigioso diseñador de Alta Costura, presenta su nueva colección “Rosas sin espinas” a total beneficio de la Fundación Roberto Piazza contra el abuso sexual infantil. El evento será el 18 de junio en Sr. Tango a las 21:00hs y contará con la participación de importantes figuras del espectáculo.

Con más de 40 años de trayectoria, Roberto Piazza promete un show lleno de sorpresas donde la moda será la gran protagonista de la noche. Con reconocidos artistas como Moria Casán, Patricia Sosa, Laura Azcurra en un show de flamenco, Fernando Soler y Lourdes Fernández, entre otros, serán parte de una noche inédita a beneficio de la Fundación Roberto Piazza.

El artista, además de una larga experiencia como diseñador, trabaja hace años acompañado de profesionales, en la Fundación que lleva su nombre contra el Abuso Sexual Infantil. Anualmente realiza sus desfiles a total beneficio de la misma, con al apoyo de celebridades de la moda, el espectáculo y la cultura brindando un show de moda único.




Cuando todo era nada,
era nada el principio.
y de la noche hizo luz.
Y fue el cielo
y esto que está aquí.

Hubo tierra, agua,
sangre, flores
todo eso y también tiempo.
Claramente digo que ese
fue el mundo del hombre.
Y así fue. Así.

Hombre que te miras en la aguas
para ver quién sos.
Mírame si quieres verte
porque a imagen mía sos.
Ya lo hiciste, vive sólo hoy.

Hubo pueblos y países,
y hubo hombres con memoria.
Claramente digo que éste
es el mundo del hombre.
Y se contaron todas
estas cosas.
Y así fue. Así.

Ricardo Soulé

Mandioca, la madre de los chicos fue el primer sello argentino de rock en castellano. Editó a Manal, Vox Dei, Miguel Abuelo, Moris, Tanguito, Pappo, La Pesada, entre otros. Fundado por el editor de libros Jorge Álvarez, que se sumerge en el mundo de la música para llevar la misma batalla que impulsó desde la literatura: el respeto por los artistas y la lucha contra las corporaciones. La historia de Mandioca, la madre de los chicos, es la historia del inicio del rock nacional, y es también la historia de Argentina.

Mandioca fue un sello discográfico argentino independiente que editó discos entre 1968 y 1970. Fue dirigido por Jorge Álvarez, Pedro Pujó, Rafael López Sánchez y Javier Arroyuelo y desempeñó un importante papel en la promoción y difusión del blues y rock en español en la Argentina.

Día del lanzamiento del sello Mandioca.jpg12 de noviembre de 1968, día del lanzamiento del sello Mandioca y debut del Trío Manal en el Teatro Apolo de la Av. Corrientes. Foto del archivo de Pedro Pujo.

Historia

Jorge Álvarez junto a Pedro Pujó uno de los fundadores del sello.
En 1966, Jorge Álvarez, un editor de libros políticos, históricos y culturales comprometidos, se relacionó con tres jóvenes estudiantes secundarios Javier Arroyuelo, Silvio Ramaglia y Pedro Pujó, interesados en los nuevos movimientos juveniles y los mecanismos de difusión.

Jorge Álvarez junto a Pedro Pujó uno de los fundadores del sello.
Gelpgim (Sergio Panei Pitrau) – Trabajo propio

Jorge Álvarez Biografía

Álvarez y Pujó tenían el sueño de promover en Buenos Aires un barrio como el Greenwich Village de Nueva York que se convirtiera en el centro del nuevo movimiento juvenil. De esos proyectos se concretó la creación de un sello discográfico que difundiera la música que estaban componiendo esos jóvenes, al que le pusieron el nombre de Mandioca, La Madre de los Chicos.

El nombre «Mandioca» fue elegido por tratarse de un vegetal originario de América, como símbolo de identidad cultural, a la vez que eligieron el color morado del interior de la mandioca, como fondo de las etiquetas de los discos.

A principios de 1968 Claudio Gabis, Javier Martínez (dos de los tres miembros de Manal), Emilio Kauderer y Rocky Rodríguez grabaron un demo experimental en el estudio de grabación de Jorge Tagliani.1​ Gabis reservó sesiones de grabación en el estudio para probar que frutos podía traer la banda. De lo grabado se prensó un solo disco que se perdió, no existiendo copia del mismo.

Poco después de las sesiones en el estudio de Tagliani, Martínez fue convocado para encarnar el personaje de “Paco” de la película Tiro de gracia dirigida por Ricardo Becher, basado en el libro homónimo de Sergio Mulet. En algún momento durante la filmación, Martínez le comentó a Jorge Goldemberg que tenía un conjunto musical que ya estaban grabando algunas canciones. Goldemberg se lo comentó al director, quién se apersonó a un ensayo del grupo, y allí mismo decidió que la banda se encargara de la música de su film. El grupo fue convocado gracias a las influencias de Goldemberg, a participar para tocar en el espectáculo teatral VietRock, en el teatro Payró. En esas instancias Gabis convence a su compañero Martínez de llamar al bajista Alejandro Medina para integrarse al grupo, completándose allí el trío musical de Gabis, Martínez y Medina.2​1​

La banda se integraría al sello independiente Mandioca, con quienes grabó su primer álbum editado en 1970. Pero antes de eso, a fines de 1969 se terminó de filmar la película, Becher llamó a Manal para grabar la banda sonora. La misma iba a ser realizada por un profesional de música para películas, Roberto Lear, pero terminó aceptando que el grupo registrase la música, asistiendo incluso a una de las sesiones. El tema central de la película, “Estoy en el infierno”, se había improvisado a base de experimentos en el estudio de Tagliani. La canción se volvió a grabar al igual que el resto de la música en los estudios Phonal ubicados en Santa Fe y Coronel Díaz. El trío compuso además “Tema del moderno” y “Seigmund’s Zoo”. El resto de las pistas, climas y efectos fueron producto de la improvisación y la versatilidad que tenía el conjunto, según los tiempos e indicaciones del director Becher.

Logotipo del grupo, obra de Daniel Melgarejo, apareció en el primer sencillo del grupo “Que pena me das”/”Para ser un hombre más”, 1968.
Manal entró en contacto con Jorge Álvarez3​ en una fiesta organizada en la casa de Piri Lugones (cuys hijos eran amigos de los manales) hecha con el objetivo de que la banda conociese a sus futuros productores. Fue en esa fiesta donde Claudio Gabis le enseñó a Javier Martínez un borrador con unas líneas para armar la lírica de una futura canción, y una base musical que había armado. Martínez terminó allí mismo la canción en menos de una hora, se trataba de “Avellaneda Blues”. El grupo le cantó este tema a Álvarez, quién quedó impresionado por la misma, convenciendose de que tenía que producir al grupo

Álvarez recuerda de ese momento:

En una reunión de cumpleaños [se refiere a la fiesta en casa de Piri Lugones] los conocí como tipos, no como músicos. Un mes después Pedro [Pujó] me llevó a la casa de Alejandro [Medina], donde el trío ensayaba, y cuando los escuché me caí muerto, era realmente espectacular como tocaban. Les pregunto que pensaban hacer , me dijeron que no querían entrar en el engranaje comercial, que eso era una porquería, que querían hacer las cosas con libertad y todo eso […] Hacemos el primer simple en el estudio TNT y me voy con las cintas a CBS. Se lo hago escuchar a John Lear, el presidente, y me dice que eso no sirve, que es una burda imitación de lo que sucede en Estados Unidos y que eso no venderá jamás en la Argentina, que a él no le interesa. Mando a un amigo a otra grabadora y nos patean.

Luego del fallido intento en CBS, Álvarez juntó a Pedro Pujó, Rafael López Sánchez y Javier Arroyuelo fundaron Mandioca en 1968, con el eslogan “la madre de los chicos”, primer sello del rock argentino,​ como una alternativa para aquellos grupos nacientes de rock que eran marginados por los grandes sellos discográficos.​ La idea de Álvarez era, además de que las bandas pudieran grabar su trabajo con libertad, que las mismas tocasen en teatros, ya que ese momento no existían los conciertos de rock en Argentino, los grupos tocaban únicamente en clubes para que el público pudiera bailar.

La invitación para el concierto inaugural de Mandioca era una alcancía en forma de manzana de cerámica que tenía una leyenda que decía “rompeme” y dentro contenía un mensaje. El sello Mandioca se lanzó el 12 de noviembre de 1968 con un concierto realizado en la Sala Apolo de la Calle Corrientes al 1300 (donde funcionó luego el cine Lorange), en el cual participaron Manal, Miguel Abuelo y la cantante Cristina Plate.El recital se hizo con los equipo Fender de Los Gatos,​ y al terminar el mismo subió Luis Alberto Spinetta, líder de Almendra diciendo “¿Se dan cuenta ustedes lo que empezó hoy? Hoy empezaste a terminar con la música comercial”.Durante los meses siguientes el grupo realizó varias actuaciones en clubes de los suburbios de la ciudad de Buenos Aires.

A finales de 1968, Mandioca editó su primer material al mercado, se trataba a su vez del primer sencillo de Manal: “Qué pena me das” con “Para ser un hombre más” como lado B que había sido grabado en octubre del mismo año.​ Se trataba de un corte extraño para la época, pues los temas superaban ampliamente el límite de tres minutos de duración impuesto por las radios y el sobre que lo contenía era un costoso tríptico de elaborada gráfica, cuyo autor era el dibujante Daniel Melgarejo. El sobre presentaba una tapa desplegable en tres partes con un dibujo de un obelisco y en el medio de éste el logotipo del conjunto. En el interior, hay una dedicatoria a la gente del sello Mandioca, mientras que en la otra sección esta la información correspondiente a los temas del grupo y en la tercera o la del medio, una foto plegable del grupo, que era la cubierta en sí.​ Pero este primer trabajo discográfico fue recibido por los medios con escepticismo, se difundió poco y la prensa criticó especialmente el uso del castellano en las letras. En su segundo sencillo publicado a mediados de 1969, “No pibe” con “Necesito un amor”,​ la banda logró un sonido más depurado y blusero, evidenciando una clara evolución técnica y de estilo en su interpretación.

El gran impacto fue escucharlo [a “Qué pena me das”] por primera vez en radio. El primero que lo difundió fue Hugo Guerrero Marthineitz, pasó “Qué pena me das”, en la época era una locura pasar un tema así porque duraba seis minutos. Lo habíamos hecho porque teníamos esa política totalmente anti, en el sentido que todos te pedían un tema de tres minutos para difusión. Era la plasmación de una idea por la cual yo venía luchando prácticamente desde mi adolescencia y fue una gran emoción. A partir de ahí trabajamos muchísimo y participamos en cuanto evento de rock se realizara.

Javier Martínez.
Durante el verano de 1969 Álvarez y Pujó armaron un boliche llamado Mandioca en Mar del Plata, al no existir un lugar donde las bandas pudiesen tocar. El interior del local fue pintado de negro y amarillo como un estacionamiento, y precisamente como no disponían de sillas y mesas, usaron neumáticos de autos, allí tocaron Manal con Pappo como invitado, y Los Abuelos de la Nada. También se alquiló una casa para que convivieran las bandas. Pero el lugar fue cerrado al poco tiempo por la policía.11​9​10​

La revista Panorama relataba casi con desprecio el primer recital organizado por Mandioca el 12 de noviembre de 1968, en ocasión del lanzamiento inicial del sello:

Recital de canciones por Manal, Cristina Plate y Miguel Abuelo.
Sobrevivientes de la tribu seudo-hippie de Plaza Francia, diezmada en parte hace un año por la tijera policial, numerosos jóvenes de sexos indefinidos con disfraz bohemio y algunos “notables” invitados especialmente, atestaron la sala Apolo durante la sesión inaugural de un ciclo auspiciado por “Mandioca”, nuevo sello grabador capitaneado por el ahora barbado editor Jorge Álvarez y tres adolescentes de espíritu aventurero…
Una lánguida partidaria de este tipo de eventos explicó: “Nunca haremos nada importante. Sólo nos resta destacar nuestra insignificancia”. Lo hacen tan bien, que el “arte” de aburrir tiene en ellos a sus estrellas máximas.

Producción
El sello Mandioca impulsó y difundió músicos de rock y creaciones artísticas que resultaron fundamentales en los orígenes del rock argentino, destacándose Manal y Vox Dei. De esta última banda, Mandioca promovió la creación y realizó toda la grabación de la ópera-rock La Biblia, aunque finalmente no realizó el lanzamiento debido a la quiebra, razón por la cual fue la empresa grabadora, TNT, la que efectuó la publicación (con graves defectos) para cobrarse la deuda pendiente. También fueron importantes las grabaciones que Tanguito realizó en Mandioca, que finalmente fueron publicadas por otro sello.

Salvo “No pibe” los discos de Mandioca tuvieron escaso éxito comercial. Sin embargo, entre ellos se encuentran clásicos permanentes del rock nacional, como “No Pibe”, “Jugo de tomate frío” y “Avenida Rivadavia” de Manal, “Presente (El momento en que estás)” de Vox Dei y “El oso” de Moris. El álbum Manal (llamado también La Bomba) ha sido considerado como uno de los mejores álbumes de la historia del rock argentino, al igual que La Biblia de Vox Dei, que aunque no fue lanzado por Mandioca, fue inspirado e íntegramente grabado por el sello.

El propio Jorge Álvarez, poco tiempo antes de morir, hizo una breve narración de como logró sacar a Mandioca de su lugar casi marginal dentro del mercado del disco, haciendo hincapié precisamente en el éxito obtenido por “No Pibe”.

“Nos invitaron a participar de un ciclo de bailes domingueros en la confitería “Gaugin”, que estaba en Donato Álvarez y Gaona, del barrio de Flores. El primer día actuó Manal. A la gente le costaba bailar con esta música porque estaba habituada a otras expresiones anglo sajonas y en el terreno de música nacional, les gustaban grupos como Banana, Pintura Fresca, Los Náufragos y otros. De pronto se me acerca un muchacho quien se presenta como integrante de la agencia productora del ciclo radial Música Con Thompson y Williams. Era Rodolfo Garavagno, quien se mostró maravillado con la música de Manal, y me dijo que le gustaría difundirla en ese programa. Al otro día, Pedro Pujol y yo entrabamos en la oficina de Florida 622, y nos recibió el mismo Rodolfo, quien se mostraba muy entusiasmado porque ya había puesto al tanto de todo a Fito Salinas, titular de la agencia y conductor del programa. Estaba también Ricardo “Richard” Ostuni y otros profesionales como Cesar Mermet y Cacho Carrera Villar. Rodolfo Garavagno los tenía a todos ellos expectantes. No se que les había dicho de Manal, pero lo cierto es que todos ellos estaban ahí, esperando poder escuchar “No Pibe”. Nosotros habíamos llevado otras grabaciones, pero tuvimos que entregarles el disco simple “No Pibe”. Lo escuchamos siete u ocho veces, y cuando yo los miraba, los notaba extasiados con la música de Manal. Rodolfo, iba hablando con cada uno de ellos con un convencimiento notable. Lo cierto es que ese día, Salinas y su equipo querían escuchar el catálogo completo de Mandioca. Así comenzó el lanzamiento masivo. Era nada menos que la poderosa Radio Mitre, y este programa de Salinas era el segundo en audiencia después de Modart en la Noche, que salía por Radio Libertad. Esa misma noche comenzó la difusión de Manal con “No Pibe” y los llamados del público aumentaron un sesenta por ciento. A la semana siguiente, tuvimos que acercar a otros artistas como Vox Dei, Moris y Facundo Cabral, para sumarlos a Manal. En septiembre, conjuntamente con Salinas, organizamos un lanzamiento masivo de todos estos artistas en el Club Comunicaciones y tuvo un éxito total. Años más tarde, creo que entre el setenta y dos y el setenta y tres, nos reecontramos con Rodolfo Garavagno en Microfon, cuando él vino como productor editorial y yo tenía mi oficina para atender las cosas de Talent, mi nuevo sello. Fueron los tiempos en los que junto con Billy Bond, artífice genial de sala de grabación durante casi toda mi carrera, lanzábamos a Sui Géneris. Y Rodolfo se ocupó de hacer la edición en papel del álbum Vida y Confesiones de Invierno y los catálogos de Pescado Rabioso, Raun Porcheto e Invisible.”

Mandioca también organizó recitales de rock. El mismo equipo que organizó el sello grabador, estableció una agencia de representaciones llamada Mambo Show, que se ocupaba de organizar actuaciones de Manal y Vox Dei en diversos lugares de la ciudad de Buenos Aires y sus alrededores, y a veces en otros lugares del país. Principalmente, las dos bandas iban a “bailes” organizados en clubes y grandes salones en diversos barrios, especialmente de clase trabajadora, entre cuyos miembros jóvenes el rock y el blues en castellano prendieron con mucha intensidad. La agencia estuvo gerenciada por Mario Rabey, uno de los fundadores (junto con Pipo Lernoud) del movimiento hippie en Argentina. La principal fuente de ingresos de los músicos de Mandioca -y de algunos de los miembros de su staff- fueron estas actuaciones de fin de semana.

UNA ÉPOCA EN UN ESPACIO Y UN TIEMPO DE LITERATURA, ESCRITORES DE VANGUARDIA, MODA Y MÚSICA INTELECTUAL HIPISMO Y PLANTEO FILOSÓFICO, CON UN NEXO CON EL DITELA

SI, GROSOS!

UNDERGROUND! …INTERACTUABAN MODA, CINE, TEATRO, ARTES PLÁSTICAS.

QUE MARAVILLOSO!!!

MC

 



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