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{27 marzo, 2018}   Hermandad Prerrafaelita

Ejemplos de la pintura prerrafaelita.
William Holman Hunt – The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH.

La Hermandad Prerrafaelita, (Pre-Raphaelite Brotherhood) fue una asociación de pintores, poetas y críticos ingleses, fundada en 1848 en Londres por John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt. La Hermandad duró como grupo constituido apenas un lustro, pero su influencia se dejó sentir en la pintura inglesa hasta entrado el siglo XX. Se utiliza el término prerrafaelismo para caracterizar al movimiento pictórico que representan. Suele vincularse al movimiento realista que simultáneamente se estaba desarrollando en Francia. El término «prerrafaelita» ha de entenderse como derivación de «prerrafaelismo», y no aplicarse al nombre del grupo de artistas original.

Los prerrafaelitas rechazaban el arte académico predominante en la Inglaterra del siglo XIX, centrando sus críticas en Sir Joshua Reynolds, fundador de la Royal Academy of Arts. Desde su punto de vista, la pintura académica imperante no hacía sino perpetuar el manierismo de la pintura italiana posterior a Rafael y Miguel Ángel, con composiciones elegantes pero vacuas y carentes de sinceridad. Por esa razón, ellos propugnaban el regreso al detallismo minucioso y al luminoso colorido de los primitivos italianos y flamencos, anteriores a Rafael —de ahí el nombre del grupo—, a los que consideraban más auténticos.

En español, los integrantes de la hermandad son conocidos indistintamente como «prerrafaelitas» o «prerrafaelistas». El movimiento suele recibir el nombre de «prerrafaelismo».

Ejemplos de la pintura prerrafaelita.
James Archer (1823–1904) – James Archer, 1860

Ejemplos de la pintura prerrafaelita.
John Everett Millais – -wGU6cT4JixtPA at Google Cultural Institute, zoom level maximum Tate Images (http://www.tate-images.com/results.asp?image=N01506&wwwflag=3&imagepos=2)
Personas retratadas: w:Ophelia y Elizabeth Siddal (sitter)

Perséfone, de Dante Gabriel Rossetti.
Dante Gabriel Rossetti – University of Alberta personal site and The Rossetti Archive

Comienzos de la Hermandad

La sesión inaugural de la Hermandad tuvo lugar en casa de los padres de John Millais, en Gower Street (Londres), en 1848, y en ella estuvieron presentes John Everett Millais (1829–1886), Dante Gabriel Rossetti (1820–1882) y William Holman Hunt (1827-1910), considerados los fundadores del grupo. Hunt y Millais eran estudiantes en la Royal Academy of Arts. Rossetti era discípulo de Ford Madox Brown (1821–1893), y había conocido a Hunt tras haber quedado impresionado por su cuadro La víspera de Santa Agnes, basado en el poema de Keats. Rossetti, también poeta, estaba interesado en desarrollar los lazos entre la poesía romántica y el arte.

En otoño del mismo año, se añadieron otros cuatro miembros a la Hermandad: William Michael Rossetti, hermano de Dante Gabriel Rossetti, Thomas Woolner, James Collinson y Frederic George Stephens. Muy próximo a la hermandad estuvo el poeta decadentista Algernon Charles Swinburne. Ford Madox Brown no llegó a unirse a la Hermandad, pero permaneció siempre muy cercano a ella. Algunos otros pintores y escultores tuvieron también una relación muy estrecha con el grupo, sin llegar a formar parte de él: Charles Alston Collins, Thomas Tupper y Alexander Munro. Todos ellos mantuvieron en secreto la existencia de la Hermandad a los miembros de la Royal Academy.

Fuentes e inspiración del prerrafaelismo

The Black Brunswicker, de John Everett Millais.
Los autores de esta corriente se inspiraron básicamente en el estilo artístico que se dio antes del maestro Rafael, de ahí el nombre que tomaron estos artistas. Es decir, su pintura se focaliza especialmente en evocar el estilo de los antiguos pintores del Renacimiento, especialmente basándose en los autores y temas propios del Quattrocento, el Trecento y asuntos aún más antiguos, medievales principalmente, leyendas arcaicas e incluso, como en el caso del pintor Lawrence Alma-Tadema, pasajes de la época clásica de Grecia y Roma.

La infancia de la Virgen Maria, de Dante Gabriel Rossetti.
Entre los artistas más recientes, les inspiraron también las pinturas románticas de Heinrich Füssli y, sobre todo, de William Blake, cuyas visionarias pinturas e ilustraciones de sus libros de poesía influyeron notablemente en algunos cuadros de Rossetti, por su simbolismo y lo fantasmagórico de los protagonistas de los cuadros.

Ideario del grupo
Los objetivos de la Hermandad se resumían en cuatro declaraciones:

Expresar ideas auténticas y sinceras;
Estudiar con atención la Naturaleza, para aprender a expresar estas ideas;
Seleccionar en el arte de épocas pasadas lo directo, serio y sincero, descartando todo lo convencional, autocomplaciente y aprendido de memoria;
Y, lo más importante de todo, buscar la perfección en la creación de pinturas y esculturas.
Estos principios no tenían un carácter dogmático, ya que los prerrafaelistas creían en la libertad personal de los artistas para escoger sus propias ideas y técnicas pictóricas. Bajo la influencia del Romanticismo, pensaban que la libertad y la responsabilidad eran en el arte conceptos inseparables. Sin embargo, les fascinó particularmente la Edad Media, que entrañaba para ellos una integridad espiritual y creativa que se había perdido en épocas posteriores. Este énfasis en lo medieval suponía en la práctica un alejamiento del realismo, que propugnaba una observación independiente de la naturaleza. En sus primeros momentos, los prerrafaelistas creyeron que medievalismo y realismo eran compatibles, pero en años posteriores el movimiento terminó por escindirse en dos direcciones. La corriente realista fue encabezada por Hunt y Millais, mientras que el medievalismo estaba representado por Rossetti y sus seguidores Edward Burne-Jones y William Morris, quién diese en Birmingham, en 1891, el “Discurso sobre una muestra de la Escuela Prerrafaelista Inglesa”, donde da cuenta de las convicciones artísticas del movimiento y reconoce su influencia en el arte europeo posterior.1​ La ruptura no fue nunca absoluta, dado que ambas facciones creían en la esencia espiritual del arte, oponiendo así su idealismo al materialismo realista asociado con Courbet y el impresionismo.

En su búsqueda de un colorido brillante, semejante al de la pintura del Quattrocento, Hunt y Millais desarrollaron una técnica pictórica consistente en aplicar por encima del dibujo previamente trazado en el lienzo una fina capa de pigmento blanco, que dejaba visible el dibujo; sobre esta capa húmeda se aplicaba la pintura, con pinceles pequeños y meticulosa lentitud. Esto permitía que el color tuviese en sus cuadros el brillo y luminosidad que buscaban. Este énfasis en la luminosidad del color era una reacción contra el uso excesivo del betún en las obras de artistas ingleses como Joshua Reynolds, David Wilkie o Robert Haydon. El uso del betún dejaba en la pintura zonas oscuras, un efecto que los prerrafaelistas rechazaban.

Visión de la naturaleza

En la visión de la naturaleza2​de los prerrafaelitas influyeron la democratización de la ciencia y la gran expansión del interés por la historia natural a mediados del siglo XIX.

La visión prerrafaelita era óptica e investigadora. Al otorgar a los detalles naturales el mismo valor que al elemento figurativo principal subvertían la idea académica de una composición organizada jerárquicamente, en la que el fondo quedaba subordinado al foco de interés humano. Cada forma de la naturaleza era tratada con gran exactitud, de forma única y autónoma. Este detallismo en la representación pictórica motivó la comparación con el alcanzado por la fotografía y por el microscopio. Algunos críticos indicaron que una concentración de detalles tan excesiva creaba una sensación de hiperrealismo que iba más allá de las nociones aceptadas de realismo en el arte.

Los prerrafaelitas pintaban directamente del natural, intentando captar de cerca el detalle. Su objetivo no era la ingenuidad, sino la autenticidad. Para ello la ciencia constituía una guía fiable. Pintar al aire libre en lugar de recurrir a la memoria era fundamental para liberar la mente de esquemas preestablecidos y de verificarlo todo a partir del motivo representado.

Un factor importante en la preferencia por la pintura al aire libre fue el deseo de captar el color tal como aparecía en la naturaleza. Esto les llevó a intentar distinguir entre colores “absolutos” (aquellos que poseen los objetos vistos por separado, sin influencia de ningún otro color) y “aparentes” (aquellos que se regulan entre ellos al ser vistos en conjunto).

En cuanto a los lugares representados en sus obras pictóricas, preferían zonas de la periferia de las ciudades, de fácil acceso en tren, siguiendo una especie de principio de proximidad.

Los pintores prerrafaelitas rechazaron la estetización del entorno mediante estrategias pictóricas y aunque el parecido de los paisajes prerrafaelitas con los de los pintores flamencos e italianos primitivos es escaso, existen algunos puntos en común: aislamiento de detalles naturales, enfoque homogéneo en toda la imagen (aspecto que ha sido interpretado como un rechazo de las convenciones paisajistas que predominaron después del Renacimiento) y equilibrio entre los elementos figurativos y paisajísticos.

Controversias públicas
La pintura prerrafaelista fue mostrada al público por primera vez en 1849. Los cuadros Isabella (1848–1849), de Millais, y Rienzi (1848–1849), de Hunt, se expusieron en la Royal Academy, y La juventud de la Virgen María de Rossetti en la exposición libre de Hyde Park Corner. Como habían acordado, todos los miembros de la hermandad añadieron, tras su firma, las siglas PRB (Pre-Raphaelite Brotherhood). Entre enero y abril de 1850 el grupo publicó una revista literaria, llamada The Germ. William Michael Rossetti era el editor de la revista, que contenía poemas de los hermanos Rossetti, Woolner y Collinson, junto con ensayos de arte y literatura firmados por simpatizantes de la hermandad, como Coventry Patmore. Como su corta vida indica, la revista no tuvo gran éxito.

Cristo en casa de sus padres, de John Everett Millais (1850).
En 1850 la Hermandad Prerrafaelista se convirtió en el centro de una polémica a causa de la exhibición del cuadro de Millais, Cristo en casa de sus padres, considerado blasfemo por varios críticos, entre ellos el famoso novelista Charles Dickens. Se atacó su medievalismo por retrógrado y su detallismo extremo fue tildado de antiestético y ofensivo a la vista. Según Dickens, Millais mostraba a la Sagrada Familia como un grupo de alcohólicos de los barrios bajos, en poses ridículas y absurdamente medievales. Un grupo rival de artistas de la generación anterior, The Clique, con el pintor y académico Philip Hermógenes Calderón al frente, hizo a la Hermandad blanco de sus críticas. Sus ideas fueron atacadas públicamente por el presidente de la Academia, Sir Charles Lock Eastlake.

Sin embargo, el grupo encontró un importante valedor en el crítico John Ruskin, quien elogió su dedicación a la observación de la naturaleza y su rechazo de los métodos de composición convencionales. Más adelante, Ruskin continuaría prestando apoyo a los prerrafaelistas, tanto económicamente como a través de sus escritos.

A causa de estas polémicas, James Collinson abandonó la hermandad. Se propuso sustituirlo por Charles Alston Colins o Walter Howell Deverell, pero no se llegó a un acuerdo. Fue entonces cuando el grupo comenzó a deshacerse, aunque su influencia continuaría haciéndose sentir. Los artistas que habían pertenecido al movimiento continuaron con los planteamientos iniciales del, pero dejaron de incorporar a sus obras las iniciales PRB.

Desarrollo posterior e influencia

Medea, de Evelyn De Morgan, 1889, al estilo del Quattrocento Evelyn De Morgan – artrenewal.com
Entre los artistas británicos que recibieron influencias del movimiento prerrafaelista puede citarse a John Brett, Philip Calderon, Arthur Hughes, Evelyn de Morgan y Frederic Sandys. Ford Madox Brown mantuvo una estrecha relación con el grupo desde sus inicios.

A partir de 1856, Rossetti se convirtió en el principal representante de la tendencia medievalista del movimiento. Su obra influyó en su amigo William Morris, del que fue socio en su empresa (y con cuya mujer tuvo tal vez un idilio). Ford Madox Brown y Edward Burne-Jones fueron también socios de la misma empresa. Gracias a ella, los ideales de la hermandad influyeron en gran número de arquitectos y diseñadores de interior, despertando el interés por el dibujo y la artesanía medievales. Esto condujo al movimiento llamado Arts and Crafts, encabezado por Morris. También Holman Hunt se implicaría en este movimiento de reforma del dibujo mediante la compañía Della Robbia Pottery.

Hunt y Millais evitaron después de 1850 la imitación directa del arte medieval, interesados en profundizar en los aspectos realistas y científicos del movimiento prerrafaelista. Sin embargo, Hunt continuó destacando la significación espiritual del arte y, tratando de conciliar religión y ciencia, documentó cuidadosamente sus pinturas de tema bíblico con viajes a Egipto y Palestina. Por el contrario, Millais abandonó los postulados prerrafaelistas después de 1860, volviendo paradójicamente a una pintura más académica, con influencias de Sir Joshua Reynolds, que fue duramente condenada por William Morris y otros artistas.

La influencia del prerrafaelismo rebasó los límites de la pintura inglesa, llegando Dante Gabriel Rossetti a ser considerado un precursor del simbolismo europeo. Sin embargo, los ideales artísticos del siglo XX, contrarios a la fijación prerrafaelista por retratar los objetos con precisión casi fotográfica, hicieron que el interés por su pintura decayera, y sólo a partir de los años 70 se le ha comenzado a prestar atención.

Según algunos críticos, el prerrafaelismo podría considerarse el primer movimiento de vanguardia. Algunos rasgos del grupo (la intención rupturista, su carácter programático, la adopción de un nuevo nombre para su arte o la publicación de una revista, The Germ, como órgano de promoción del movimiento) sí parecen anticipar lo que luego será común en las vanguardias; sin embargo, su cuestionamiento de la tradición es mucho menos radical que el de las vanguardias, y no afecta a lo esencial: la mímesis, o imitación de la naturaleza, sigue siendo para ellos el fundamento del arte.

Hermandad prerafaelita

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Datei:Paré Pirassoipi.jpg

Pirassoipi

Ambroise Paré

 

El animal heráldico Pirassoipi o Zweihorn (también llamado “unicornio árabe” ) es una figura común muy rara en la heráldica . Al escribir la contribución a los autores, no se conoce ningún escudo en el que el animal heráldico aparezca como un motivo.

Representación
El Pirassoipi es similar al unicornio , pero difiere de este por un segundo cuerno. Dado que el Pirassoipi es muy raro, no existen requisitos heráldicos explícitos para el animal heráldico. La coloración del motivo, su refuerzo , la posición del cuerpo, etc. se realizan básicamente según las reglas heráldicas para los unicornios.

Posible retrato de Julia Farnesio de Rafael Sanzio.
Rafael Sanzio – Web Gallery of Art

Las primeras versiones del mito son del médico griego Ctesias, historiador griego del siglo V a. C., y datan del año 400 a. C. durante sus expediciones a la India, quien lo describió como un animal silvestre de la India con la apariencia de un caballo, pero con el cuerpo albo, la cabeza púrpura y los ojos de color azul intenso. El cuerno de esta prodigiosa bestia, según la descripción de Ctesias, era negro con la punta roja y la base blanca, y tenía propiedades medicinales que permitían sanar problemas estomacales, epilepsia o envenenamientos.

También era descrito como un animal blanco con cuerpo de caballo, barba de chivo, patas de ciervo y cola de jabalí o de león, con un cuerno espiral en su frente que crecía recto hacia delante. El unicornio era un animal de hábitos solitarios y muy esquivo, pero igualmente agresivo, así que su caza era particularmente difícil. Los nobles medievales enviaban cazadores a la India para dar caza al unicornio.

Durante la Edad Media era perseguido por su cuerno, ya que brindaba protección contra todos los venenos, así como enfermedades, lo cual lo hacía muy longevo a quien se lo administraba; los nobles y los hombres buscaban estos dones consumiendo ese cuerno en forma de polvo en la comida y bebida, preferiblemente en una copa hecha del mismo material. Por obtener este remedio contra la muerte, los nobles de la antigüedad pagaban cifras astronómicas. De este modo creían que jamás podrían ser envenenados.

En realidad, la materia prima de estas milagrosas copas debía provenir de los cuernos de algún rinoceronte o del colmillo del narval, una pequeña ballena cuyos machos desarrollan tales colmillos a partir de uno de los dos únicos dientes que poseen. Se ha especulado mucho sobre la identidad del animal que pudo haber dado principio a la leyenda del unicornio, ya que los vikingos en la Europa Medieval vendían los cuernos del narval haciéndolos pasar por cuernos de unicornio. La explicación más plausible es que naciera como un intento de Ctesias y sus ayudantes de describir el rinoceronte de la India, un animal de hasta cuatro toneladas que, efectivamente, posee un único cuerno grande sobre el hocico.

A su vez simbolizaba la virginidad, es por ello que se creía que la peligrosa caza del unicornio se simplificaba mucho cuando los cazadores usaban una joven virgen con la que atraer a la criatura y amansarla, de forma que matarlo resultaba mucho más sencillo.

 

Vista lateral del cráneo y el cuerno de Elasmotherium sibiricum un animal extinto que podría haber dado origen a la leyenda del unicornio.

Unicornios en América
Es sabido que los équidos son originarios de Asia y África, habiendo sido introducidos en América por los españoles, lo cual hace a algunos preguntarse por qué la figura del unicornio se ha encontrado en el arte aborigen americano.

Fernández de Oviedo, basándose en el testimonio del anterior contador de la Nueva España, Rodrigo de Albornóz, que los unicornios fueron vistos en las tierras de Cibola. Estos unicornios eran pequeños pero tenían un grande y pesado cuerno y aunque no eran tan ágiles como se los representaba en tapices y estampas, eran unicornios al fin y al cabo.

Quizás los unicornios vistos por Albornoz fueran tapires albinos

 

Hallazgos
El 20 de noviembre de 2012, la agencia norcoreana de noticias Korean Central News Agency (KCNA), informó que unos arqueólogos de la Academia de Ciencias Sociales de la República Popular Democrática de Corea de la Universidad de Pionyang habían hallado los restos y la guarida de unicornios en Corea del Norte, lo cual probaría que sí existieron. La cueva está ubicada a 200 metros del templo Yongmyong, de la capital Pionyang y el mismo comunicado certifica que “una roca excavada a la entrada de la cueva reza: “Guarida del unicornio”. Según la historia coreana, existió un rey mítico, el rey Tongmyong, que fundó una gran dinastía de la que se deriva la Corea actual. Dicho rey cabalgaba un unicornio, con el que entraba en la batalla y al que nada podía herir. Y su guarida se encontraba muy cerca del castillo del rey, en la primera capital de Corea.

Sin embargo, esto se debe a una interpretación errónea de la noticia. Lo que se halló en realidad fue un unicornio pintado en una roca en las paredes de dicha cueva, que fueron consideradas representaciones artísticas del que era el animal mitológico de buen agüero en tiempos del primer rey de Corea. En los libros de historia y textos antiguos se hablaba de esa cueva en la capital de la Corea antigua, el Reino de Koguryo. La importancia del descubrimiento es simplemente que se trata de un nuevo dato que parece demostrar que la capital de Corea entonces era la que hoy es, Pionyang, y que se suma a otra serie de reliquias históricas (como la tumba del fundador de la dinastía Koguryo, Tongmyong) que ya apuntaron en esa dirección.

Unicornio dorado
El unicornio dorado es un tipo especial de unicornio que tiene la punta final de oro, era buscado para ser cazado por nómadas en el norte de Galicia, se cree que eran caballos blancos con melanina en un punto concentrado y que de lejos parecía que tenían un cuerno. Solo se oye hablar de ellos durante el asentamiento de los celtas en este lugar de España.

Un kirin en Pekín – una criatura mitológica que a menudo se conoce como el “unicornio chino”

Dinastía Qing qilin

Escultura de bronce ubicada en el New Imperial Summer Palace.

Fotografía tomada a finales de septiembre de 2002 por Leonard G.

Borrosidad digital selectiva para la reducción de almacenamiento de imágenes jpeg.

Descubrimiento
El 29 de noviembre de 2012, la Agencia de Noticias Coreana de Corea del Norte informó que los arqueólogos “reconfirmaron recientemente una guarida del unicornio cabalgó [ sic ] por el Rey Tongmyong , fundador del Reino Koguryŏ [Goguryeo] (BC 277-DC 668)”. [1] [2] Se dice que el descubrimiento fue realizado por el Instituto de Historia de la Academia de Ciencias Sociales de la RPDC en Moran Hill , Pyongyang, a solo 200 metros del Templo de Yongmyong . [1] [3] Según el informe, las palabras “Unicorn Lair” se encontraron talladas en una roca en el sitio. [2] Se cree que la inscripción data del período del reino de Goguryeo (918-1392). [1] El informe también afirma que esto “demuestra que Pyongyang era una ciudad capital de la antigua Corea

 

Reacción y análisis

Un kirin en Pekín – una criatura mitológica que a menudo se conoce como el “unicornio chino”
El informe atrajo una amplia cobertura internacional por la naturaleza aparentemente extraña de la afirmación de haber encontrado una “guarida de unicornios”, pero los informes posteriores sugirieron que la terminología coreana había sido mal traducida. El informe original en coreano no se refería a un unicornio sino a un kirin (o qilin ), una bestia mitológica parecida a una quimera con “el cuerpo de un ciervo, la cola de una vaca, pezuñas y una melena”, así como un solo cuerno en su cabeza. Se decía que la criatura había sido el medio de transporte favorito del rey Dongmyeong. El lugar en cuestión se llama Kiringul o “Kirin’s Grotto”. A pesar del nombre, literalmente no se suponía que fuera un lugar donde vivían los kirins , sino que era un nombre mítico parecido al Giant’s Causeway en Irlanda del Norte. 

Un informe sobre io9 señaló que Kiringul en realidad nunca se había perdido en primer lugar. Un túnel artificial en Pyongyang fue descrito por el investigador Jeon Kwan Su en un artículo de 2009, ” Kiringul sinhwa yŏngu ” (Estudio del mito de Kiringul), publicado en la revista coreana Tongpang Hakji . El informe de 2012 de Corea del Norte era ambiguo acerca de si el “descubrimiento” era de la cueva en sí, de una inscripción más antigua que marca su ubicación, o simplemente del sitio previamente descrito de Kiringul. Ni siquiera está claro si la antigua capital de Goguryeo se encontraba en Pyongyang en primer lugar. 

Los comentaristas señalaron que había un elemento sustancial de propaganda en el anuncio de Corea del Norte. Como señala el investigador de Corea Sixiang Wang, “se suponía que el Kirin debía parecerse a los gobernantes sabios. Los funcionarios de Corea del Norte podrían haber esperado asegurar la conexión de Pyongyang con el antiguo reino de Goguryeo, mientras creaban una asociación entre su propio presidente, Kim Jong-un , y los gobernantes más grandes que la vida de antaño “. Un profesor de estudios coreanos en la Universidad de Tufts se refirió al descubrimiento como “simbólico”, y dijo que la gente de Corea del Norte lo aceptaría más como un “impulso” moral. La asociación del nuevo líder norcoreano Kim Jong-un con el antiguo reino le daría “la legitimidad que le falta”. 

Foreign Policy también destacó los esfuerzos del régimen de Corea del Norte para asociar a sus líderes con reyes coreanos antiguos, como reconstruir el mausoleo del rey Dongmyeong y publicar historias de propaganda que vinculan a Kim Jong-un con las tradiciones de Goguryeo. El gobierno de Corea del Norte también ha utilizado sus reclamos de propaganda sobre el legado de Goguryeo para ganar puntos contra China y Japón , sus rivales tradicionales, por disputas territoriales y políticas con esos países.

Unicornio Siberiano

Elasm062.jpg

Elasmotherium sibiricum, autor – Bogdanov,2006
DiBgd de la Wikipedia en inglés

El elasmoterio (Elasmotherium sibiricum, gr. ‘bestia de la llanura siberiana’) es una especie extinta de mamífero perisodáctilo de la familia Rhinocerotidae.1​

Fue un enorme rinoceronte del continente asiático y algunos especialistas afirman que pudo ser el origen de la leyenda del mítico unicornio, pues tenía un solo cuerno de dos metros de largo, puntiagudo y excepcionalmente grueso, producto de la fusión de los dos cuernos habituales en los rinocerontes. Debido a ello, también se le suele llamar unicornio gigante.

Elasmotherium sibiricum black.jpg

My reconstruction of the “Giant Unicorn” rhinoceros, Elasmotherium sibiricus of Pleistocene Siberia (C) Stanton F. Fink
Apokryltaros at English Wikipedia
Distribución de E. sibiricum durante el Pleistoceno medio y superior
Distribución de E. sibiricum durante el Pleistoceno medio y superior

 

Hábitat y alimentación
El elasmoterio vivió durante el Pleistoceno en las estepas de Rusia y Asia Central, al sur de las áreas ocupadas por su contemporáneo el rinoceronte lanudo, donde se alimentaba de hierbas. Los dientes, similares a los de un caballo, le identifican inequívocamente como un pastador especializado

Extinción

Vista lateral del cráneo y el cuerno.
Los elasmoterios desaparecen del registro fósil a finales del Pleistoceno, hace unos 10 000 años, junto con gran parte de la megafauna del hemisferio norte, por lo que se considera esa como la fecha más probable de su extinción. No obstante, hay quienes afirman que algunas poblaciones pudieron sobrevivir algunos milenios más, dando lugar a algunas bestias del folclore de las estepas de Eurasia.

Mitología
Las posibles bestias mitológicas inspiradas en este animal que se han señalado, aparte del unicornio europeo, son un gigantesco toro negro con un único cuerno frontal de las leyendas de los Evenk de Rusia que aparece descrito en la enciclopedia sueca Nordisk familjebok; el karkadann del folclor persa y el zhi chino.

El viajero musulmán Ahmad ibn Fadlan, que recorrió Oriente Medio y Asia Central en el siglo X, describe un animal del tamaño de un camello y forma intermedia entre una mula y un toro dotado de un cuerno frontal que supuestamente vivía en los semidesiertos al noroeste del actual Irán, relato que se ha sugerido como una posible descripción del elasmoterio en época histórica (wikipedia)-

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Unicorn Glitter gifs




Por primera vez en la historia: se desborda la principal presa de Houston a causa del Harvey Imagen ilustrativa
Reuters/RT

La principal presa de la ciudad de Houston ha comienzado a desbordarse por los efectos de la tormenta Harvey.

Origen: Por primera vez en la historia: se desborda la principal presa de Houston a causa del Harvey




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estilo musical y el contenido
Formalmente, La Bien Temperado abarca una gama extraordinariamente amplia de estilos. Los preludios son formalmente libre, aunque exhibir individualmente muchas formas típicamente melódico barroco a menudo unido a un codón extendida y libre (por ejemplo, en menor preludes C, D más grande y más Bb libro I). La obra más conocida del Cravo Bien Templado es el preludio nº 1 del Libro I, una progresión simple de acordes arpejados. La simplicidad técnica de este preludio lo ha convertido en una de las obras de teclado más estudiadas por los que inician sus estudios musicales (sea en piano o en clavel). Este preludio escrita por Bach, conservador luterano, también sirvió como base, más de un siglo más tarde, al Ave María de Charles Gounod . Las fugas también exhiben una gran variedad de estilos y características. Cada fuga está marcada por un número de voces que varía entre dos a cinco, siendo la mayoría compuesta por tres y cuatro voces. Las fugas emplean todos los recursos de forma contrapunto, fuga de exposición, el tema de la inversión, Stretto, etc., pero por lo general son más compactas que las fugas de Bach para órgano.

El Clavo Bien Templado

AngelsFuga en la mayor plana del segundo libro de Das wohltemperirte Clavier (manuscrito)

Las meninas (1656), de Diego Velázquez, Museo del Prado, Madrid.

Barroco

Teatro Argentina (Pannini, 1747, Musée du Louvre)
Giovanni Paolo Panini – Web Gallery of Art: Image Info about artwork

Evaristo Baschenis, Instrumentos musicales, Siglo XVII.
Evaristo Baschenis – Art Renewal Center – description

AngelsLa obra de Bach está considerada la cumbre de la música barroca, y su “Pasión según San Mateo” y el “Clave bien temperado” son cimas de la música occidental.
Johann Ernst Rentsch the Elder (d. 1723) –

AngelsLuis XIV en el Ballet Royal de la Nuit (1653). (Época barroca)
Henri de Gissey – http://www.friendsofart.net/en/art/henri-gissey/louis-xiv-as-apollo

DVfaM Rokoko.jpgThe “Deutsche Vereinigung für alte Musik” from Munich in Rococo costumes

FIESA 7 Baroque 270.jpgEl tema del Séptimo Festival Internacional de Escultura de Arena fue “descubrimientos”. La escultura principal en primer plano representa la música barroca, pero también tenemos: a la derecha, Isaac Newton con una manzana, detrás de él la pieza “relojes” (ver miniatura). Aunque la perspectiva oculta el hecho, bastante bien a la izquierda que se eleva sobre el sitio es Charles Darwin .RHaworth – Trabajo propio

 

Women

Angels

Angels




Qué dúo!

Y una perlita…

Nature Boy

Domingo 7 de Mayo de 2017 /Domingo 14 de Mayo de 2017.
18.00 hs en la Usina del Arte Agustín Caffarena 1
La Boca
Ciudad de Buenos Aires

Entrada gratuita
Se entregan hasta 2 por persona desde 2 horas antes de la función.

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{6 noviembre, 2015}   Adolphe Sax 201º natalicio.

Adolphe Sax.jpgEs conocido por haber inventado el saxofón. El nombre de saxofón proviene de su nombre, “Sax”, y de “fono” (que significa ‘sonido’); es decir, “sonido de Sax”.

Desde joven fabricó instrumentos e interpretó el clarinete. Como percibió imperfecciones en este último instrumento, se dedicó a superarlas y ello le condujo a diseñar el saxofón.

Estuvo fascinado con la idea de inventar un instrumento de viento que, por su timbre y carácter, pudiera aproximarse a los instrumentos de cuerda, pero que al mismo tiempo tuviera más intensidad y más fuerza.

Al modificar algunas de las características en calidad del sonido, y en la resolución de problemas acústicos que tenía el clarinete, Adolphe Sax diseña y construye en 1840 lo que hoy se conoce como saxofón. Tuvo lugar en Bruselas, capital de Bélgica, en un taller de instrumentos de música que tenía su padre.

Al principio, como es de suponer, tan solo el propio Sax era quien tocaba su saxofón construido por él. Lo tocó por primera vez ante el público en la ciudad de Bruselas en 1841.

En 1842, el joven fabricante llegó a París con su saxofón y recibió una gran acogida por los compositores de la época. Después de esfuerzos constantes para conseguir su perfeccionamiento, lo que hoy conocemos como la familia de los saxofones fue patentada en París el 28 de junio de 1846.

En 1844, Héctor Berlioz compuso la primera obra que se conoce para este instrumento, que es el sexteto Canto Sagrado, y que fue estrenada el 3 de febrero de 1844 bajo la batuta del propio Berlioz y con Adolfo Sax en la interpretación de su saxofón. En diciembre de 1844 se produjo la primera aparición del saxofón con orquesta en eloratorio de G. Kastner Le dernier roi de Judá.

El interés despertado por el nuevo instrumento produjo a su inventor muchos sinsabores y desavenencias con otros fabricantes e inventores de instrumentos y hasta con intérpretes, ya que veían un peligro en el saxofón.

En 1845 perfecciona y patenta el fliscorno a partir de un bugle de llaves ideado por Kent.

En 1854, Adolfo Sax fue nombrado en Francia como «fabricante de instrumentos musicales de la Casa Militar del Emperador».

En 1857, para los integrantes de las bandas militares en el Conservatorio de París, se crearon cátedras especiales para el saxofón, dirigidas por el mismo Sax. Por razones financieras, hacia 1870, fueron cerradas.

En la década de 1920, el saxofón tuvo un gran auge debido a la aparición del jazz.

Mitad de la década de 1840

Saxophone alto.jpg

Sax range.svg

Instruments

El saxofón, también conocido como saxófono o simplemente saxo,1es un instrumento musical cónico de la familia de los instrumentos de viento-madera, generalmente hecho de latón que consta de unaboquilla con una caña simple al igual que el clarinete. Fue inventado por Adolphe Sax a principios de la década del año 1840. El saxofón se asocia comúnmente con la música popular, la música de big band y eljazz. A los intérpretes del instrumento se les llama saxofonistas2 osaxos, aunque esta última se emplea para denominar al propio instrumento de viento.1

Se desconoce el origen de la inspiración que llevó a Sax a crear el instrumento, pero la teoría más extendida es que, basándose en elclarinete, instrumento que él tocaba, empezó a concebir la idea de construir un instrumento que tuviera la fuerza de uno de metal y las cualidades acústicas de uno de madera, una especie de “clarinete de metal”. Pero después de un intenso trabajo de pruebas y experimentos sobre modificaciones para lograr una mayor sonoridad y un sonido más metálico, Sax se dio cuenta de que había construido un nuevo instrumento: el saxofón.

Leer más en: https://es.wikipedia.org/wiki/Saxof%C3%B3n

La digitación de un saxofón es la misma independientemente del tipo de saxofón que se esté interpretando. En la imagen se muestran las notas en clave de sol y la digitación correspondiente.

La técnica para tocar el saxofón es subjetiva y está basada en el estilo que se pretenda tocar (música clásica, jazz, rock, ska, funk, etc.) además delsonido que el músico tenga idealizado y pretenda alcanzar. El diseño del saxofón permite una increíble variedad de producción tonal y el sonido “ideal” y las llaves para producirlo son temas que alimentan acalorados debates. Sin embargo, hay una estructura básica subyacente que sustenta la mayoría de las técnicas. El instrumento también tiene una estructura de digitación que lejos de ser fija se acerca más a una amplia variedad de alternativas que en variados casos pueden producir el mismo tono utilizando digitaciones totalmente diferentes. Esta versatilidad única le permite al intérprete utilizar la digitación más conveniente dependiendo de la escala que esté utilizando o el tipo de música que en ese momento interpreta.

201.º aniversario del nacimiento de Adolphe SaxWind instruments

Jazz musician

Dancing

Wind instruments



{27 julio, 2015}   I´m sorry – Brenda Lee

 

Brenda Lee (n. Atlanta, Estados Unidos, 11 de diciembre de 1944) es una cantante de rockabilly, country, soul y rhythm & blues estadounidense. Fue un ídolo adolescente (una Princesa del Pop) durante la década de los 1950 y1960.

Brenda Mae Tarpley nace el 11 de diciembre de 1944 en Atlanta y a muy temprana edad ya destacaba en certámenes de talentos infantiles: participa en el Master Worker’s Quartet (conjunto gospel de su iglesia), interviene durante casi un año en el programa de radio Starmakers Revue y participa en algunos programas de la televisión local por los que ni ella ni su familia cobró ni un centavo. En 1956, con tan sólo 12 años, debuta arrasando en las listas con temas como ‘Jambalaya’, ‘Bigelow 6-200′ o ‘I’m Gonna Lasso Santa Claus’. Los éxitos se suceden con ‘Little Jonah’ o ‘Dynamite’. Éste último le da el apodo de “Miss Little Dynamite”. Y siendo tan sólo una niña consigue convertirse en un ídolo adolescente gracias a su poderosa voz de cantante veterana.

Al tiempo que alcanzaba todos los tops de las listas country empiezan a surgir temas con otras influencias que le abren las puertas del triunfo internacional con míticas grabaciones como ‘Sweet Nothings’ o ‘I’m Sorry’. Su corta edad le supone cientos de problemas para actuar en muchos lugares, sobre todo en Europa, pero la publicidad que generaban muchas veces las mentiras de sus promotores hacía que las ventas y el éxito se multiplicara. Así llegó a convertirse en una estrella internacional con las actuaciones que no paraban de sucederse en Francia, Italia, Alemania, Gran Bretaña… Con ‘One Rainy Night in Tokyo’, grabada en Nashville, conquista los corazones nipones en 1965 y comienza su gira por Japón, dando lugar al LP grabado en directo ‘Live in Tokyo’. Más adelante se edita exclusivamente en Japón un EP de temas navideños y poco después graba en este país el álbum ‘Just for You, Something Nice’.

Su primera aparición en el cine fue en ‘Two Little Bears’ en 1961 con un pequeño papel junto a Eddie Albert y Jane Wyatt donde interpretaba ‘Speak To Me Pretty’, canción que alcanzó grandes ventas en el Reino Unido. En 1962 interviene en la versión teatral de ‘Bye Bye Birdie’ con el papel protagonista de Kim y un año más tarde hace de Dorothy en ‘The Wizard of Oz’. En 1980 interviene en la gran pantalla con otro corto papel en ‘Smokey and the Bandit II’ (traducida por ‘Vuelven los caraduras’) y con la canción ‘Again and Again’.

A lo largo de su carrera Brenda Lee ha conseguido obtener casi todos los premios musicales existentes hasta el momento excepto el Grammy, que sigue siendo su asignatura pendiente a pesar de haber estado nominada en numerosas ocasiones. Actualmente es la artista que más premios Edison de la Música (el equivalente holandés de los premios Grammy) ha recolectado, cinco en su caso. Es miembro de los Rock’n’Roll, Rockabilly y Country Music Hall Of Fame y a día de hoy es una de las artistas femeninas que más discos ha vendido en la historia de la música. A sus 67 años sigue dando giras y participando en multitud de galas. Mientras, sus canciones siguen siendo incluidas en bandas sonoras de cine, televisión y en campañas de publicidad de todo el mundo.

1959 Grandma, What Great Songs You Sang!
1960 Brenda Lee
1960 This Is…Brenda
1961 All the Way
1961 Emotions
1961 Miss Dynamite
1962 Brenda, That’s All
1962 Sincerely, Brenda Lee
1962 The Show for Christmas Seals
1963 All Alone Am I
1963 Love You
1964 By Request
1964 Let Me Sing
1964 Merry Christmas from Brenda Lee
1964 Songs Everybody Knows
1965 The Versatile Brenda Lee
1965 Too Many Rivers
1966 Bye Bye Blues
1966 Coming on Strong
1967 Here’s Brenda Lee
1967 Reflections in Blue
1968 Call Me
1968 For the First Time
1968 Good Life
1968 Let It Be Me
1969 Johnny One Time
1972 A Whole Lotta
1973 Brenda
1974 New Sunrise
1975 Now
1977 L.A. Sessions
1980 Even Better
1980 Take Me Back
1983 Kriss, Willie, Dolly and Brenda…The Winning…
1984 Love Songs Just for You
1994 Wiedersehn Ist Wunderschon
1997 Live Dynamite
2000 Miss Dynamite Live
2002 Sweet Nothings
2004 Little Miss Dynamite in Concert (en directo)

2000 Little Miss Dynamite: The Brenda Lee Story (autobiografía)

Sorry

Sorry




Favorite Theme From Tchaikovsky’s FIRST PIANO CONCERTO
Favorite Theme From Tchaikovsky’s SWAN LAKE BALLET
Favorite Theme From Rachmaninoff’s SECOND PIANO CONCERTO
Favorite Theme From Tchaikovsky’s FIFTH SYMPHONY
EARLY EVENING (Theme From The Ray Conniff Suite)
Favorite Love Theme From Tchaikovsky’s ROMEO AND JULIET
RHAPSODY IN BLUE
I’M ALWAYS CHASING RAINBOWS (From Chopin’s “Fantasy Impromptu”)
THE LAMP IS LOW (From Ravel’s “Pavane for a Dead Princess”)
ON THE TRAIL (From Grofe’s “Grand Canyon Suite”)
MY REVERIE (From Debussy’s “Reverie”)
SCHUBERT’S SERENADE

Ray Conniff.jpg

Joseph Raymond Conniff (Attleboro, Massachusetts, Estados Unidos, 6 de noviembre de 1916Escondido, California, Estados Unidos, 12 de octubre de 2002) fue un destacado músico, director de orquesta, arreglista vocal y musical, y trombonista estadounidense. Se caracterizó por emplear un coro acompañando a la orquesta que él formó.

Educación musical

Recibió la educación musical de su padre, también trombonista, y de su madre, que era pianista. Debutó como trombonista en la big band deBunny Berigan. También estuvo en las orquestas de Bing Crosby, Artie Shaw, Art Hodes y Glen Gray. Después de la Segunda Guerra Mundialtrabajó con Harry James. En 1954 entró a formar parte como arreglista de la discográfica Columbia.

Debut con ‘s Wonderful

Su álbum debut, ‘s Wonderful (1956), en el que presentaba a su nueva formación, The Ray Conniff Orchestra and Singers, estuvo en los primeros 20 de las listas norteamericanas durante nueve meses. Sin embargo, fue en los años 1960 cuando comenzó su fama como arreglista y director de orquesta. A partir de entonces inició una fulgurante carrera que le llevó a grabar más de 100 álbumes y vender más de 70 millones de discos en todo el mundo.

Jewelry

Arreglos vocales y musicales

Ray Conniff destacó sobre los demás directores de orquesta por los arreglos vocales para su coro y los musicales hechos para los variados ritmos de su música. Conniff grabó desde standards de jazz de las big bands de los años 1940 y 1950, hasta clásicos del pop de autores como Simon & Garfunkel, Burt Bacharach, The Beatles y The Carpenters, entre muchos otros.

Popularizó el tema principal de la película Doctor Zhivago (1965), “Lara’s theme”, una composición de Maurice Jarreque Conniff convirtió en todo un éxito pop con el título “Somewhere my love” y por la que obtuvo un Grammy en 1966.

En 1997, después de estar algo más de 40 años ligado personal y profesionalmente al sello Columbia Records, Ray Conniff firmó un nuevo contrato con PolyGram, multinacional con la que grabó tres álbumes: Ray Conniff live in Rio, I love movies y el tributo a Frank Sinatra titulado My way.

Su afición por la música latinoaméricana le llevó a incluir grandes clásicos como “Bésame mucho“, “El día que me quieras”, “Frenesí”, “Aquellos ojos verdes”, “Brasil”, “Aquarela do Brasil”, “El Cóndor Pasa”, “Caballo Viejo”, entre muchos otros. Por lo mismo, Conniff se hizo muy famoso en países latinoamericanos, gracias, en parte, a sus constantes participaciones en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar. También grabó varios éxitos del famoso cantautor Camilo Sesto en los años 1980 y tocó en vivo con su orquesta y un coro de ocho personas en grandes estadios de fútbol como en Viña del Mar.

Falleció en Escondido, California, como consecuencia de una caída en el baño, y fue enterrado en el Cementerio Westwood Village Memorial Park, en Los Ángeles, California.1

(wikipedia)

https://es.wikipedia.org/wiki/Ray_Conniff




Un niña con síndrome de Down rompe esquemas con un ‘cover’ de John Legend.

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{11 enero, 2015}   *Ho’ponopono

  Valle Kalalau desde el parque estatal Koke’e, donde Nana Veary enseñaba hoʻoponopono.

Hoʻoponopono (ho-o-pono-pono) es un arte hawaiano muy antiguo de resolución de problemas basado en la reconciliación y el perdón.

Los hawaianos originales, los primeros que habitaron Hawái solían practicarlo. Morrnah Nalamaku Simeona (19 de mayo de 1913 – 11 de febrero de 1992) nos trajo estas enseñanzas y las actualizó para los tiempos modernos.

Existen otras prácticas de perdón similares en islas de Oceanía como Samoa,Tahití y Nueva Zelanda. Tradicionalmente, el ho’oponopono es practicado por sacerdotes de curación o kahuna au” entre los miembros de la familia de una persona que está físicamente enferma. Las versiones modernas se llevan a cabo dentro de la familia por el miembro de más edad, o por el propio individuo.

“Hoʻoponopono” se define en el diccionario hawaiano11 como “higiene mental: conferencias familiares en donde las relaciones se corrigen a través de la oración, discusión, confesión, arrepentimiento, compensación mutua y el perdón” Literalmente, hoʻo es un vocablo utilizado para convertir en verbo al sustantivo siguiente. En éste caso transforma en verbo al sustantivo “pono“, que es definido como

“bondad, rectitud, moralidad, cualidades morales, procedimiento apropiado o correcto, excelencia, bienestar, prosperidad, beneficio, condición verdadera o natural, deber, adecuado, propio, justo, virtuoso, equitativo, beneficioso, exitoso, en perfecto orden, preciso, correcto, facilitado, aliviado, deber, necesario.”

Ponopono es definido como “enderezar; poner en orden o en forma, corregir, revisar, ajustar, enmendar, regular, arreglar, rectificar, ordenar, arreglar ordenada o pulcramente.”

La prominente erudita hawaiana Mary Kawena Pukui escribió que era una costumbre en el Hawai antiguo12 y esto se apoya en historias tradicionales de ancianos hawaianos contemporáneos.13 Pukui (nacida en 1895), comenzó a registrar observaciones y experiencias de su infancia en su libro14 publicado en 1958. El escritor Max Freedom Long, quien vivió en Hawaiʻi de 1917 hasta aproximadamente 1926, documentó hoʻoponopono tradicionales tal como los celebraban las familias hawaianas, en su libro publicado en 1936.15

A pesar de que la palabra “hoʻoponopono” no fue usada, algunos de los primeros historiadores hawaianos documentaron una creencia en la que enfermedades eran causadas por romper kapu, o leyes espirituales, y que la enfermedad no podía ser curada hasta que quien la sufriera hubiera expiado esa transgresión, frecuentemente con la asistencia de un sacerdote que oraba (kahuna pule) o un sacerdote sanador (kahuna lapaʻau). Se buscaba el perdón de los dioses16 17 o de la persona con quien hubiera una disputa.18

Pukui lo describió como una costumbre en donde los miembros de una familia se reunían con otros miembros de su familia no tan inmediatos donde “ponían en orden” relaciones familiares disfuncionales. Algunas familias se reunían diaria o semanalmente, para prevenir que surgieran problemas.19 Otros cuando alguna persona se enfermaba, creyendo que la enfermedad se debía a la tensión de la ira, culpa, recriminaciones y falta de perdón.20 Kupuna Nana Veary escribió que cuando cualquiera de los niños en su familia se enfermaban, su abuela preguntaba a los padres: “¿Qué han hecho?”. Creían que solamente se curaría con el perdón entero de la familia completa.21

Hoʻoponopono corrige, restaura y mantiene buenas relaciones entre los miembros de la familia y sus dioses o Dios al llegar a las causas y origen del problema. Generalmente el miembro más antiguo de la familia las conduce. Él o ella reúnen a la familia, si la familia no puede resolver algún conflicto involucran a alguien ajeno a quien respeten.

El proceso comienza con oraciones. Se hace una declaración del problema y se discute la transgresión.Se espera que los miembros de la familia resuelvan los problemas y cooperen, no que se aferren a los errores cometidos. Se toman uno o más momentos de silencio para reflexionar en el enredo de emociones y lesiones. Los sentimientos de todos son tomados en cuenta. Después se confiesan, arrepienten y perdonan. Todos liberan (“kala”) al otro, lo sueltan. Se desprenden del pasado (ʻoki), y juntos concluyen el evento con un festín ceremonial llamado “pani” que frecuentemente incluye comer limu kala o alga kala, que simboliza la liberación.22

En una variante usada por la familia de kahuna Makaweliweli de la isla de Molokaʻi, la finalización del hoʻoponopono se representa dándole a la persona perdonada una lei (Hawaii) hecha de la fruta del árbol de hala.23

“La tía” Malia Craver, que trabajó en los Centros infantiles de la Reina Liliʻuokalani (QLCC por sus siglas en inglés, Queen Lili Children’s Centers) durante más de 30 años, enseñó cursos de hoʻoponopono tradicional. El 30 agosto de 2000, habló en las Naciones Unidas acerca de ello.24

http://es.wikipedia.org/wiki/Ho%CA%BBoponopono

LES COMPARTO UN MANTRA:

Nam Myōhō Renge Kyō (南無妙法蓮華經? o también Namu Myōhō Renge Kyō) es el mantra que constituye la base de la práctica de todas las formas de Budismo Nichiren, y representa La Ley última o verdad del Universo.1 Este mantra recibe el nombre de daimoku (題目, “título”) u Odaimoku (Gran Título), y fue revelado por primera vez por el monje japonés Nichiren en el año 1253 en Kiyosumi-dera (también, Seichōji) cerca de Kominato en la actual Chiba, Japón. El propósito de cantar daimoku es el manifestar la naturaleza de Buda, que según las enseñanzas de Nichiren, es una cualidad inherente a todas las personas.

SIGNIFICADO DE ESTE MANTRA:  Literalmente, Nam Myōhō Renge Kyō, significa devoción a Myoho renge kyo, que es la lectura japonesa del título en sánscrito del Sutra del Loto, el cual Nichiren consideraba como la esencia de dicho Sutra.

En el tratado de Nikkō Shōnin aparece una definición de Nam myoho renge kyo2 que explica que Nam o Namu deriva de la palabra sánscrita namas que es traducida como devoción. Nichiren define el significado de myoho renge kyo de la siguiente manera en varias de sus escrituras:

  • myōhō3 es la esencia de la vida que existe dentro de nosotros. Myō Es sencillamente, la naturaleza mística de nuestra vida, a cada momento, que el corazón es incapaz de captar y que las palabras no pueden expresar. es quien recibe estas funciones o la forma en que esas funciones se manifiestan.
  • renge: Nichiren explica que “Para referirse a lo místico de esta enseñanza, se utiliza un ejemplo concreto, el de la flor del Loto, que se denomina renge”; la flor de Loto representa la simultaneidad de la Ley causal ya que esta florece al mismo tiempo en que sus semillas ya están listas.
  • kyō: Nichiren escribe “Cuando perciba que su propia vida es la Ley Mística, podrá comprender que ocurre lo mismo con las vidas de los demás. Esa comprensión es kyō o sutra místico.”

Yin yang

….y recuerda todo lo que piensas, rige tu vida.



et cetera
Ramiro René Rech

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