Espacio de María del Carmen "sphínx" difusión de contenidos












Women

estilo musical y el contenido
Formalmente, La Bien Temperado abarca una gama extraordinariamente amplia de estilos. Los preludios son formalmente libre, aunque exhibir individualmente muchas formas típicamente melódico barroco a menudo unido a un codón extendida y libre (por ejemplo, en menor preludes C, D más grande y más Bb libro I). La obra más conocida del Cravo Bien Templado es el preludio nº 1 del Libro I, una progresión simple de acordes arpejados. La simplicidad técnica de este preludio lo ha convertido en una de las obras de teclado más estudiadas por los que inician sus estudios musicales (sea en piano o en clavel). Este preludio escrita por Bach, conservador luterano, también sirvió como base, más de un siglo más tarde, al Ave María de Charles Gounod . Las fugas también exhiben una gran variedad de estilos y características. Cada fuga está marcada por un número de voces que varía entre dos a cinco, siendo la mayoría compuesta por tres y cuatro voces. Las fugas emplean todos los recursos de forma contrapunto, fuga de exposición, el tema de la inversión, Stretto, etc., pero por lo general son más compactas que las fugas de Bach para órgano.

El Clavo Bien Templado

AngelsFuga en la mayor plana del segundo libro de Das wohltemperirte Clavier (manuscrito)

Las meninas (1656), de Diego Velázquez, Museo del Prado, Madrid.

Barroco

Teatro Argentina (Pannini, 1747, Musée du Louvre)
Giovanni Paolo Panini – Web Gallery of Art: Image Info about artwork

Evaristo Baschenis, Instrumentos musicales, Siglo XVII.
Evaristo Baschenis – Art Renewal Center – description

AngelsLa obra de Bach está considerada la cumbre de la música barroca, y su “Pasión según San Mateo” y el “Clave bien temperado” son cimas de la música occidental.
Johann Ernst Rentsch the Elder (d. 1723) –

AngelsLuis XIV en el Ballet Royal de la Nuit (1653). (Época barroca)
Henri de Gissey – http://www.friendsofart.net/en/art/henri-gissey/louis-xiv-as-apollo

DVfaM Rokoko.jpgThe “Deutsche Vereinigung für alte Musik” from Munich in Rococo costumes

FIESA 7 Baroque 270.jpgEl tema del Séptimo Festival Internacional de Escultura de Arena fue “descubrimientos”. La escultura principal en primer plano representa la música barroca, pero también tenemos: a la derecha, Isaac Newton con una manzana, detrás de él la pieza “relojes” (ver miniatura). Aunque la perspectiva oculta el hecho, bastante bien a la izquierda que se eleva sobre el sitio es Charles Darwin .RHaworth – Trabajo propio

 

Women

Angels

Angels




Qué dúo!

Y una perlita…

Nature Boy

Domingo 7 de Mayo de 2017 /Domingo 14 de Mayo de 2017.
18.00 hs en la Usina del Arte Agustín Caffarena 1
La Boca
Ciudad de Buenos Aires

Entrada gratuita
Se entregan hasta 2 por persona desde 2 horas antes de la función.

Hearts

HeartsHeartsHearts

 

Hearts



{6 noviembre, 2015}   Adolphe Sax 201º natalicio.

Adolphe Sax.jpgEs conocido por haber inventado el saxofón. El nombre de saxofón proviene de su nombre, “Sax”, y de “fono” (que significa ‘sonido’); es decir, “sonido de Sax”.

Desde joven fabricó instrumentos e interpretó el clarinete. Como percibió imperfecciones en este último instrumento, se dedicó a superarlas y ello le condujo a diseñar el saxofón.

Estuvo fascinado con la idea de inventar un instrumento de viento que, por su timbre y carácter, pudiera aproximarse a los instrumentos de cuerda, pero que al mismo tiempo tuviera más intensidad y más fuerza.

Al modificar algunas de las características en calidad del sonido, y en la resolución de problemas acústicos que tenía el clarinete, Adolphe Sax diseña y construye en 1840 lo que hoy se conoce como saxofón. Tuvo lugar en Bruselas, capital de Bélgica, en un taller de instrumentos de música que tenía su padre.

Al principio, como es de suponer, tan solo el propio Sax era quien tocaba su saxofón construido por él. Lo tocó por primera vez ante el público en la ciudad de Bruselas en 1841.

En 1842, el joven fabricante llegó a París con su saxofón y recibió una gran acogida por los compositores de la época. Después de esfuerzos constantes para conseguir su perfeccionamiento, lo que hoy conocemos como la familia de los saxofones fue patentada en París el 28 de junio de 1846.

En 1844, Héctor Berlioz compuso la primera obra que se conoce para este instrumento, que es el sexteto Canto Sagrado, y que fue estrenada el 3 de febrero de 1844 bajo la batuta del propio Berlioz y con Adolfo Sax en la interpretación de su saxofón. En diciembre de 1844 se produjo la primera aparición del saxofón con orquesta en eloratorio de G. Kastner Le dernier roi de Judá.

El interés despertado por el nuevo instrumento produjo a su inventor muchos sinsabores y desavenencias con otros fabricantes e inventores de instrumentos y hasta con intérpretes, ya que veían un peligro en el saxofón.

En 1845 perfecciona y patenta el fliscorno a partir de un bugle de llaves ideado por Kent.

En 1854, Adolfo Sax fue nombrado en Francia como «fabricante de instrumentos musicales de la Casa Militar del Emperador».

En 1857, para los integrantes de las bandas militares en el Conservatorio de París, se crearon cátedras especiales para el saxofón, dirigidas por el mismo Sax. Por razones financieras, hacia 1870, fueron cerradas.

En la década de 1920, el saxofón tuvo un gran auge debido a la aparición del jazz.

Mitad de la década de 1840

Saxophone alto.jpg

Sax range.svg

Instruments

El saxofón, también conocido como saxófono o simplemente saxo,1es un instrumento musical cónico de la familia de los instrumentos de viento-madera, generalmente hecho de latón que consta de unaboquilla con una caña simple al igual que el clarinete. Fue inventado por Adolphe Sax a principios de la década del año 1840. El saxofón se asocia comúnmente con la música popular, la música de big band y eljazz. A los intérpretes del instrumento se les llama saxofonistas2 osaxos, aunque esta última se emplea para denominar al propio instrumento de viento.1

Se desconoce el origen de la inspiración que llevó a Sax a crear el instrumento, pero la teoría más extendida es que, basándose en elclarinete, instrumento que él tocaba, empezó a concebir la idea de construir un instrumento que tuviera la fuerza de uno de metal y las cualidades acústicas de uno de madera, una especie de “clarinete de metal”. Pero después de un intenso trabajo de pruebas y experimentos sobre modificaciones para lograr una mayor sonoridad y un sonido más metálico, Sax se dio cuenta de que había construido un nuevo instrumento: el saxofón.

Leer más en: https://es.wikipedia.org/wiki/Saxof%C3%B3n

La digitación de un saxofón es la misma independientemente del tipo de saxofón que se esté interpretando. En la imagen se muestran las notas en clave de sol y la digitación correspondiente.

La técnica para tocar el saxofón es subjetiva y está basada en el estilo que se pretenda tocar (música clásica, jazz, rock, ska, funk, etc.) además delsonido que el músico tenga idealizado y pretenda alcanzar. El diseño del saxofón permite una increíble variedad de producción tonal y el sonido “ideal” y las llaves para producirlo son temas que alimentan acalorados debates. Sin embargo, hay una estructura básica subyacente que sustenta la mayoría de las técnicas. El instrumento también tiene una estructura de digitación que lejos de ser fija se acerca más a una amplia variedad de alternativas que en variados casos pueden producir el mismo tono utilizando digitaciones totalmente diferentes. Esta versatilidad única le permite al intérprete utilizar la digitación más conveniente dependiendo de la escala que esté utilizando o el tipo de música que en ese momento interpreta.

201.º aniversario del nacimiento de Adolphe SaxWind instruments

Jazz musician

Dancing

Wind instruments



{27 julio, 2015}   I´m sorry – Brenda Lee

 

Brenda Lee (n. Atlanta, Estados Unidos, 11 de diciembre de 1944) es una cantante de rockabilly, country, soul y rhythm & blues estadounidense. Fue un ídolo adolescente (una Princesa del Pop) durante la década de los 1950 y1960.

Brenda Mae Tarpley nace el 11 de diciembre de 1944 en Atlanta y a muy temprana edad ya destacaba en certámenes de talentos infantiles: participa en el Master Worker’s Quartet (conjunto gospel de su iglesia), interviene durante casi un año en el programa de radio Starmakers Revue y participa en algunos programas de la televisión local por los que ni ella ni su familia cobró ni un centavo. En 1956, con tan sólo 12 años, debuta arrasando en las listas con temas como ‘Jambalaya’, ‘Bigelow 6-200′ o ‘I’m Gonna Lasso Santa Claus’. Los éxitos se suceden con ‘Little Jonah’ o ‘Dynamite’. Éste último le da el apodo de “Miss Little Dynamite”. Y siendo tan sólo una niña consigue convertirse en un ídolo adolescente gracias a su poderosa voz de cantante veterana.

Al tiempo que alcanzaba todos los tops de las listas country empiezan a surgir temas con otras influencias que le abren las puertas del triunfo internacional con míticas grabaciones como ‘Sweet Nothings’ o ‘I’m Sorry’. Su corta edad le supone cientos de problemas para actuar en muchos lugares, sobre todo en Europa, pero la publicidad que generaban muchas veces las mentiras de sus promotores hacía que las ventas y el éxito se multiplicara. Así llegó a convertirse en una estrella internacional con las actuaciones que no paraban de sucederse en Francia, Italia, Alemania, Gran Bretaña… Con ‘One Rainy Night in Tokyo’, grabada en Nashville, conquista los corazones nipones en 1965 y comienza su gira por Japón, dando lugar al LP grabado en directo ‘Live in Tokyo’. Más adelante se edita exclusivamente en Japón un EP de temas navideños y poco después graba en este país el álbum ‘Just for You, Something Nice’.

Su primera aparición en el cine fue en ‘Two Little Bears’ en 1961 con un pequeño papel junto a Eddie Albert y Jane Wyatt donde interpretaba ‘Speak To Me Pretty’, canción que alcanzó grandes ventas en el Reino Unido. En 1962 interviene en la versión teatral de ‘Bye Bye Birdie’ con el papel protagonista de Kim y un año más tarde hace de Dorothy en ‘The Wizard of Oz’. En 1980 interviene en la gran pantalla con otro corto papel en ‘Smokey and the Bandit II’ (traducida por ‘Vuelven los caraduras’) y con la canción ‘Again and Again’.

A lo largo de su carrera Brenda Lee ha conseguido obtener casi todos los premios musicales existentes hasta el momento excepto el Grammy, que sigue siendo su asignatura pendiente a pesar de haber estado nominada en numerosas ocasiones. Actualmente es la artista que más premios Edison de la Música (el equivalente holandés de los premios Grammy) ha recolectado, cinco en su caso. Es miembro de los Rock’n’Roll, Rockabilly y Country Music Hall Of Fame y a día de hoy es una de las artistas femeninas que más discos ha vendido en la historia de la música. A sus 67 años sigue dando giras y participando en multitud de galas. Mientras, sus canciones siguen siendo incluidas en bandas sonoras de cine, televisión y en campañas de publicidad de todo el mundo.

1959 Grandma, What Great Songs You Sang!
1960 Brenda Lee
1960 This Is…Brenda
1961 All the Way
1961 Emotions
1961 Miss Dynamite
1962 Brenda, That’s All
1962 Sincerely, Brenda Lee
1962 The Show for Christmas Seals
1963 All Alone Am I
1963 Love You
1964 By Request
1964 Let Me Sing
1964 Merry Christmas from Brenda Lee
1964 Songs Everybody Knows
1965 The Versatile Brenda Lee
1965 Too Many Rivers
1966 Bye Bye Blues
1966 Coming on Strong
1967 Here’s Brenda Lee
1967 Reflections in Blue
1968 Call Me
1968 For the First Time
1968 Good Life
1968 Let It Be Me
1969 Johnny One Time
1972 A Whole Lotta
1973 Brenda
1974 New Sunrise
1975 Now
1977 L.A. Sessions
1980 Even Better
1980 Take Me Back
1983 Kriss, Willie, Dolly and Brenda…The Winning…
1984 Love Songs Just for You
1994 Wiedersehn Ist Wunderschon
1997 Live Dynamite
2000 Miss Dynamite Live
2002 Sweet Nothings
2004 Little Miss Dynamite in Concert (en directo)

2000 Little Miss Dynamite: The Brenda Lee Story (autobiografía)

Sorry

Sorry




Favorite Theme From Tchaikovsky’s FIRST PIANO CONCERTO
Favorite Theme From Tchaikovsky’s SWAN LAKE BALLET
Favorite Theme From Rachmaninoff’s SECOND PIANO CONCERTO
Favorite Theme From Tchaikovsky’s FIFTH SYMPHONY
EARLY EVENING (Theme From The Ray Conniff Suite)
Favorite Love Theme From Tchaikovsky’s ROMEO AND JULIET
RHAPSODY IN BLUE
I’M ALWAYS CHASING RAINBOWS (From Chopin’s “Fantasy Impromptu”)
THE LAMP IS LOW (From Ravel’s “Pavane for a Dead Princess”)
ON THE TRAIL (From Grofe’s “Grand Canyon Suite”)
MY REVERIE (From Debussy’s “Reverie”)
SCHUBERT’S SERENADE

Ray Conniff.jpg

Joseph Raymond Conniff (Attleboro, Massachusetts, Estados Unidos, 6 de noviembre de 1916Escondido, California, Estados Unidos, 12 de octubre de 2002) fue un destacado músico, director de orquesta, arreglista vocal y musical, y trombonista estadounidense. Se caracterizó por emplear un coro acompañando a la orquesta que él formó.

Educación musical

Recibió la educación musical de su padre, también trombonista, y de su madre, que era pianista. Debutó como trombonista en la big band deBunny Berigan. También estuvo en las orquestas de Bing Crosby, Artie Shaw, Art Hodes y Glen Gray. Después de la Segunda Guerra Mundialtrabajó con Harry James. En 1954 entró a formar parte como arreglista de la discográfica Columbia.

Debut con ‘s Wonderful

Su álbum debut, ‘s Wonderful (1956), en el que presentaba a su nueva formación, The Ray Conniff Orchestra and Singers, estuvo en los primeros 20 de las listas norteamericanas durante nueve meses. Sin embargo, fue en los años 1960 cuando comenzó su fama como arreglista y director de orquesta. A partir de entonces inició una fulgurante carrera que le llevó a grabar más de 100 álbumes y vender más de 70 millones de discos en todo el mundo.

Jewelry

Arreglos vocales y musicales

Ray Conniff destacó sobre los demás directores de orquesta por los arreglos vocales para su coro y los musicales hechos para los variados ritmos de su música. Conniff grabó desde standards de jazz de las big bands de los años 1940 y 1950, hasta clásicos del pop de autores como Simon & Garfunkel, Burt Bacharach, The Beatles y The Carpenters, entre muchos otros.

Popularizó el tema principal de la película Doctor Zhivago (1965), “Lara’s theme”, una composición de Maurice Jarreque Conniff convirtió en todo un éxito pop con el título “Somewhere my love” y por la que obtuvo un Grammy en 1966.

En 1997, después de estar algo más de 40 años ligado personal y profesionalmente al sello Columbia Records, Ray Conniff firmó un nuevo contrato con PolyGram, multinacional con la que grabó tres álbumes: Ray Conniff live in Rio, I love movies y el tributo a Frank Sinatra titulado My way.

Su afición por la música latinoaméricana le llevó a incluir grandes clásicos como “Bésame mucho“, “El día que me quieras”, “Frenesí”, “Aquellos ojos verdes”, “Brasil”, “Aquarela do Brasil”, “El Cóndor Pasa”, “Caballo Viejo”, entre muchos otros. Por lo mismo, Conniff se hizo muy famoso en países latinoamericanos, gracias, en parte, a sus constantes participaciones en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar. También grabó varios éxitos del famoso cantautor Camilo Sesto en los años 1980 y tocó en vivo con su orquesta y un coro de ocho personas en grandes estadios de fútbol como en Viña del Mar.

Falleció en Escondido, California, como consecuencia de una caída en el baño, y fue enterrado en el Cementerio Westwood Village Memorial Park, en Los Ángeles, California.1

(wikipedia)

https://es.wikipedia.org/wiki/Ray_Conniff




Un niña con síndrome de Down rompe esquemas con un ‘cover’ de John Legend.

Music notesMusic notesMusic notesMusic notesMusic notes



{11 enero, 2015}   *Ho’ponopono

  Valle Kalalau desde el parque estatal Koke’e, donde Nana Veary enseñaba hoʻoponopono.

Hoʻoponopono (ho-o-pono-pono) es un arte hawaiano muy antiguo de resolución de problemas basado en la reconciliación y el perdón.

Los hawaianos originales, los primeros que habitaron Hawái solían practicarlo. Morrnah Nalamaku Simeona (19 de mayo de 1913 – 11 de febrero de 1992) nos trajo estas enseñanzas y las actualizó para los tiempos modernos.

Existen otras prácticas de perdón similares en islas de Oceanía como Samoa,Tahití y Nueva Zelanda. Tradicionalmente, el ho’oponopono es practicado por sacerdotes de curación o kahuna au” entre los miembros de la familia de una persona que está físicamente enferma. Las versiones modernas se llevan a cabo dentro de la familia por el miembro de más edad, o por el propio individuo.

“Hoʻoponopono” se define en el diccionario hawaiano11 como “higiene mental: conferencias familiares en donde las relaciones se corrigen a través de la oración, discusión, confesión, arrepentimiento, compensación mutua y el perdón” Literalmente, hoʻo es un vocablo utilizado para convertir en verbo al sustantivo siguiente. En éste caso transforma en verbo al sustantivo “pono“, que es definido como

“bondad, rectitud, moralidad, cualidades morales, procedimiento apropiado o correcto, excelencia, bienestar, prosperidad, beneficio, condición verdadera o natural, deber, adecuado, propio, justo, virtuoso, equitativo, beneficioso, exitoso, en perfecto orden, preciso, correcto, facilitado, aliviado, deber, necesario.”

Ponopono es definido como “enderezar; poner en orden o en forma, corregir, revisar, ajustar, enmendar, regular, arreglar, rectificar, ordenar, arreglar ordenada o pulcramente.”

La prominente erudita hawaiana Mary Kawena Pukui escribió que era una costumbre en el Hawai antiguo12 y esto se apoya en historias tradicionales de ancianos hawaianos contemporáneos.13 Pukui (nacida en 1895), comenzó a registrar observaciones y experiencias de su infancia en su libro14 publicado en 1958. El escritor Max Freedom Long, quien vivió en Hawaiʻi de 1917 hasta aproximadamente 1926, documentó hoʻoponopono tradicionales tal como los celebraban las familias hawaianas, en su libro publicado en 1936.15

A pesar de que la palabra “hoʻoponopono” no fue usada, algunos de los primeros historiadores hawaianos documentaron una creencia en la que enfermedades eran causadas por romper kapu, o leyes espirituales, y que la enfermedad no podía ser curada hasta que quien la sufriera hubiera expiado esa transgresión, frecuentemente con la asistencia de un sacerdote que oraba (kahuna pule) o un sacerdote sanador (kahuna lapaʻau). Se buscaba el perdón de los dioses16 17 o de la persona con quien hubiera una disputa.18

Pukui lo describió como una costumbre en donde los miembros de una familia se reunían con otros miembros de su familia no tan inmediatos donde “ponían en orden” relaciones familiares disfuncionales. Algunas familias se reunían diaria o semanalmente, para prevenir que surgieran problemas.19 Otros cuando alguna persona se enfermaba, creyendo que la enfermedad se debía a la tensión de la ira, culpa, recriminaciones y falta de perdón.20 Kupuna Nana Veary escribió que cuando cualquiera de los niños en su familia se enfermaban, su abuela preguntaba a los padres: “¿Qué han hecho?”. Creían que solamente se curaría con el perdón entero de la familia completa.21

Hoʻoponopono corrige, restaura y mantiene buenas relaciones entre los miembros de la familia y sus dioses o Dios al llegar a las causas y origen del problema. Generalmente el miembro más antiguo de la familia las conduce. Él o ella reúnen a la familia, si la familia no puede resolver algún conflicto involucran a alguien ajeno a quien respeten.

El proceso comienza con oraciones. Se hace una declaración del problema y se discute la transgresión.Se espera que los miembros de la familia resuelvan los problemas y cooperen, no que se aferren a los errores cometidos. Se toman uno o más momentos de silencio para reflexionar en el enredo de emociones y lesiones. Los sentimientos de todos son tomados en cuenta. Después se confiesan, arrepienten y perdonan. Todos liberan (“kala”) al otro, lo sueltan. Se desprenden del pasado (ʻoki), y juntos concluyen el evento con un festín ceremonial llamado “pani” que frecuentemente incluye comer limu kala o alga kala, que simboliza la liberación.22

En una variante usada por la familia de kahuna Makaweliweli de la isla de Molokaʻi, la finalización del hoʻoponopono se representa dándole a la persona perdonada una lei (Hawaii) hecha de la fruta del árbol de hala.23

“La tía” Malia Craver, que trabajó en los Centros infantiles de la Reina Liliʻuokalani (QLCC por sus siglas en inglés, Queen Lili Children’s Centers) durante más de 30 años, enseñó cursos de hoʻoponopono tradicional. El 30 agosto de 2000, habló en las Naciones Unidas acerca de ello.24

http://es.wikipedia.org/wiki/Ho%CA%BBoponopono

LES COMPARTO UN MANTRA:

Nam Myōhō Renge Kyō (南無妙法蓮華經? o también Namu Myōhō Renge Kyō) es el mantra que constituye la base de la práctica de todas las formas de Budismo Nichiren, y representa La Ley última o verdad del Universo.1 Este mantra recibe el nombre de daimoku (題目, “título”) u Odaimoku (Gran Título), y fue revelado por primera vez por el monje japonés Nichiren en el año 1253 en Kiyosumi-dera (también, Seichōji) cerca de Kominato en la actual Chiba, Japón. El propósito de cantar daimoku es el manifestar la naturaleza de Buda, que según las enseñanzas de Nichiren, es una cualidad inherente a todas las personas.

SIGNIFICADO DE ESTE MANTRA:  Literalmente, Nam Myōhō Renge Kyō, significa devoción a Myoho renge kyo, que es la lectura japonesa del título en sánscrito del Sutra del Loto, el cual Nichiren consideraba como la esencia de dicho Sutra.

En el tratado de Nikkō Shōnin aparece una definición de Nam myoho renge kyo2 que explica que Nam o Namu deriva de la palabra sánscrita namas que es traducida como devoción. Nichiren define el significado de myoho renge kyo de la siguiente manera en varias de sus escrituras:

  • myōhō3 es la esencia de la vida que existe dentro de nosotros. Myō Es sencillamente, la naturaleza mística de nuestra vida, a cada momento, que el corazón es incapaz de captar y que las palabras no pueden expresar. es quien recibe estas funciones o la forma en que esas funciones se manifiestan.
  • renge: Nichiren explica que “Para referirse a lo místico de esta enseñanza, se utiliza un ejemplo concreto, el de la flor del Loto, que se denomina renge”; la flor de Loto representa la simultaneidad de la Ley causal ya que esta florece al mismo tiempo en que sus semillas ya están listas.
  • kyō: Nichiren escribe “Cuando perciba que su propia vida es la Ley Mística, podrá comprender que ocurre lo mismo con las vidas de los demás. Esa comprensión es kyō o sutra místico.”

Yin yang

….y recuerda todo lo que piensas, rige tu vida.




RTFUENTE:   wikipedia.org/RT

¿Puso Beethoven latidos de su corazón en su música?.

Medical medicineValentine

Valentine

Music

 

ValentineMusic notesMusic notes

graphics-music-notes-060695 (1)




Imagen Wikipedia

Verano de Giuseppe Arcimblodo

http://es.wikipedia.org/wiki/Verano

Durante los tres meses de la nueva estación se prevé que habrá mucho calor que será entre el habitual y levemente superior al de años anteriores, sobre todo en el norte del país.

“la mayor parte del territorio nacional tendrá temperaturas que oscilarán entre lo normal y levemente superior a lo normal”.

Holiday

Holiday

HolidayHoliday BeachHoliday

Holiday

BeachBeach

Beach

Beach

Beach  Beach BeachBeachBeachBeach

BeachBeach

Beach

Happy holidays




UnicornUnicorn

                                                             EL UNICORNIO 

La primera versión del unicornio casi coincide con las últimas. Cuatrocientos años antes
de la era cristiana, el griego Ctesias, médico de Artajerjes Mnemón, refiere que en los
reinos del Indostán hay muy veloces asnos silvestres, de pelaje blanco, de cabeza purpúrea,
de ojos azules, provistos de un agudo cuerno en la frente, que en la base es blanco, en la
punta es rojo y en el medio es plenamente negro. Plinio agrega otras precisiones (VIII, 31):
«Dan caza en la India a otra fiera: el unicornio, semejante por el cuerpo al caballo, por la
cabeza al ciervo, por las patas al elefante, por la cola al jabalí. Su mugido es grave; un
largo y negro cuerno se eleva en medio de su frente. Se niega que pueda ser apresado
vivo». El orientalista Schrader, hacia 1892, pensó que el unicornio pudo haber sido
sugerido a los griegos por ciertos bajorrelieves persas, que representan toros de perfil, con
un sólo cuerno.
En la enciclopedia de Isidoro de Sevilla, redactada a principios del siglo VII, se lee que
una cornada del unicornio suele matar al elefante; ello recuerda la análoga victoria del
karkadán (rinoceronte), en el segundo viaje de Simbad.1
Otro adversario del unicornio era
el león, y una octava real del segundo libro de la inextricable epopeya The Faerie Queene
conserva la manera de su combate. El león se arrima a un árbol; el unicornio, con la frente
baja, lo embiste; el león se hace a un lado, y el unicornio queda clavado al tronco. La
octava data del siglo XVI; a principios del XVIII, la unión del reino de Inglaterra con el reino
de Escocia confrontaría en las armas de Gran Bretaña el leopardo (león) inglés con el
unicornio escocés.
En la Edad Media, los bestiarios enseñan que el unicornio puede ser apresado por una
niña; en el Physiologus Graecus se lee: «Cómo lo apresan. Le ponen por delante una
virgen y salta al regazo de la virgen y la virgen lo abriga con amor y lo arrebata al palacio
de los reyes». Una medalla de Pisanello y muchas y famosas tapicerías ilustran este triunfo,
cuyas aplicaciones alegóricas son notorias. El Espíritu Santo, Jesucristo, el mercurio y el
mal han sido figurados por el unicornio. La obra Psychologie und Alchemie (Zürich, 1944)
de Jung historia y analiza estos simbolismos.
Un caballito blanco con patas traseras de antílope, barba de chivo y un largo y retorcido
cuerno en la frente, es la representación habitual de este animal fantástico.
Leonardo da Vinci atribuye la captura del unicornio a su sensualidad; ésta le hace
olvidar su fiereza y recostarse en el regazo de la doncella, y así lo apresan los cazadores.

1. Éste nos dice que el cuerno del rinoceronte, partido en dos, muestra la figura de un hombre;
Al-Qazwiní dice que la de un hombre a caballo, y otros hablan de pájaros y de peces

*Del 

El Libro De Los Seres
Imaginarios

http://biblio3.url.edu.gt/Libros/borges/imaginarios.pdf

Jorge Luis BorgesUnicorn

UnicornUnicornUnicornUnicornUnicorn

Solo tienes que creer….

Unicorn



et cetera
ParaisoHibrido

Otro blog más

KlímtBaLan

aRte viSuaL contempoRáneo. Pintura. Fotografía. Animación y algo de Música o ContempoRy viSuaL aRt. Painting. PhotogRaphy. Animation and more.

AMERICAN GALLERY

Greatest American Painters

TUPAISAJE.COM

LOS MEJORES PAISAJES DEL MUNDO

Argentina sin Vacunas

Comunidad contra las vacunas obligatorias en Argentina

Jubilaciones y Pensiones en Argentina

Blog elaborado por MSC Consultores

elprogramablog

"Difusión de Contenidos"

The Gloria Sirens

Leap Out of the Deep and Sing

Source of Inspiration

All is One, co-creating with the Creator

Arquitectura Universidad UCINF

Profesora Giselle Goicovic

Universo

" Un pensamiento a la vez "

GRATIS EN BUENOS AIRES

AGENDA POR DÍA DE ACTIVIDADES GRATIS: música, teatro, cine, presentaciones, ferias, intervenciones, acciones y muestras gratisenbuenosaires@gmail.com

Mariana Martínez. Cocina y Casa

En este blogg van a encontrar recetas saludables, ricas y fáciles de hacer, muchas de ellas aptas para diabeticos. Con información sobre salud y nutrición. Todo esto acompañado de mi fotografía y estilismo culinario.

VESTUARIO ESCÉNICO

Por Diana Fernández -- Diseño. Historia y Teoría del Traje y la Moda. Cine. Teatro.

Chiantelle

Appreciate, explore, and do all things with love.

Discover

A daily selection of the best content published on WordPress, collected for you by humans who love to read.

UN MUNDO EN EL PINCEL

"La belleza perece en la vida, pero es inmortal en el arte." -Leonardo da Vinci.