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“El Problema del Caballo” obra de Claudia Fontes representa a la Argentina en la 57° edición de la Bienal de Arte de Venecia. La obra se encuentra en el Pabellón Argentino en el Arsenal de Venecia.

Bienal de Venecia: apareció el caballo argentino

Caballo, niña, artista. Fontes posa junto a su obra, en Venecia.

Fuente imagen/ EFE/ANDREA MEROLA

Bienal de Venecia: apareció el caballo argentino

Impactante. “El problema del caballo”. La obra llega casi hasta el techo de un pabellón de 5 metros de altura.

En el pabellón argentino en la Bienal de Arte de Venecia -la más antigua, las más prestigiosa del mundo-, la artista Claudia Fontes los cuestiona. Y lo hace, justamente, con un caballo que corcovea mientras una chica ¿lo apacigua? y, cerca, un muchacho está como decidiendo si lanzar o no lanzar una piedra.

El problema del caballo -así se llama la obra que representa al país-

“A mí me gustan los monumentos para desafiarlos” dijo la artista (Haedo, 1964) a Clarín en una nota aparecida el domingo. Allí contaba que los monumentos “suelen ser obras conmemorativas de personajes masculinos que han torcido la historia para un lado o para el otro, sobre todo a través de batallas territoriales. Existe todo un código: según cómo se represente el caballo, relata cómo luchó y murió su jinete. Mi caballo tiene que ver con eso”.

Bienal de Venecia: apareció el caballo argentino

Ternura. La niña que calma al enorme caballo. /Cancillería

En esta ocasión, el curador del envío argentino es Andrés Duprat, director del Museo Nacional de Bellas Artes. La elección de un a obra estuvo a cargo de una comisión formada por varios curadores.

Fuente: Clarín




Qué dúo!

Y una perlita…

Nature Boy

Domingo 7 de Mayo de 2017 /Domingo 14 de Mayo de 2017.
18.00 hs en la Usina del Arte Agustín Caffarena 1
La Boca
Ciudad de Buenos Aires

Entrada gratuita
Se entregan hasta 2 por persona desde 2 horas antes de la función.

Hearts

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Der moderne Buchdruck (La imprenta), cuarta escultura (de seis) que se pudo contemplar en la exposición berlinesa Walk of Ideas con motivo de la Copa Mundial de Fútbol de 2006.
Lienhard Schulz – Trabajo propio

Books

Libros antiguos en la biblioteca de Merton College (Universidad de Oxford, Reino Unido).
Tom Murphy VII – Trabajo propio

 Conmemoración celebrada a nivel mundial con el objetivo de fomentar la industria editorial y la protección de la propiedad intelectual por medio del derecho de autor. Desde 1995 es una celebración internacional promovida por la UNESCO, el 23 de abril de 1996 se inició en varios países y en 2008 la celebración ya había alcanzado más de cien

El día 23 de abril fue elegido como «Día Internacional del Libro», pues supuestamente coincide con el fallecimiento de Miguel de Cervantes, William Shakespeare y el Inca Garcilaso de la Vega en la misma fecha en el año 1616. Realmente Cervantes falleció el 22 y fue enterrado el 23 cuando se consignó la fecha del fallecimiento, mientras que Shakespeare murió el 23 de abril del calendario juliano, que corresponde al 3 de mayo del calendario gregoriano. En esta fecha también fallecieron William Wordsworth (en 1850) y Josep Pla (en 1981).

La Unión Internacional de Editores propuso esta fecha a la UNESCO, con el objetivo de fomentar la cultura y la protección de la propiedad intelectual por medio del derecho de autor. La Conferencia General de la UNESCO la aprobó en París el 15 de noviembre de 1995, por lo que a partir de dicha fecha el 23 de abril es el «Día Internacional del Libro y del Derecho de Autor».

Capital Mundial del Libro

Foro sobre leer en voz alta afuera de la biblioteca del campus del Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey, Campus Ciudad de México.
En 2001 por iniciativa de la UNESCO se nombró a Madrid Capital Mundial del Libro.

Desde entonces cada 23 de abril, un comité de selección, integrado por representantes de la Unión Internacional de Editores (UIE), la Federación Internacional de Libreros (FIL), la Federación Internacional de Asociaciones de Bibliotecarios (IFLA) y la UNESCO,elige a diferentes ciudades del mundo que realizan durante el año actividades culturales relacionadas con los libros. En 2002 ocupó el puesto Alejandría, Nueva Delhi en 2003, Amberes en 2004, Montreal en 2005, Turín en 2006, Bogotá en 2007, Ámsterdam en 2008, Beirut en 2009, Liubliana en 2010, Buenos Aires en 2011, Ereván en 2012, Bangkok en 2013, Port Harcourt en 2014, Incheon en 2015, Wroclaw en 2016, Conakry en 2017 y Atenas en 2018

 

El libro antiguo

El libro comprendido como una unidad de hojas impresas que se encuentran encuadernadas en determinado material que forman un volumen ordenado, puede dividir su producción en dos grandes períodos: desde la invención de la imprenta de tipos móviles hasta 1801, y el periodo de producción industrializada.

Así libro antiguo es aquél libro que fue producido en el período manual de la imprenta, es decir que fue impreso con tipos móviles metálicos, estos libros fueron publicados desde la creación de la imprenta en el siglo XV hasta el siglo XIX.

La aparición de la imprenta de tipos móviles en 1440, revolucionó el proceso de producción del libro, aunque algunos procesos de la fabricación se mantuvieron igual que en la época de los scriptoria, la imprenta hizo relativamente más sencilla la producción de libros.

La coexistencia del desarrollo de la imprenta con el comienzo del movimiento humanista y la reforma luterana impulsaron el crecimiento de la industria del libro, puesto que vieron en él un medio de difusión masivo. Pero también existían otras circunstancias que ayudaron a la propagación del libro impreso, el auge de las universidades desarrolló un mercado más amplio para los libros entre las élites intelectuales laicas y religiosas. En medio siglo, la segunda mitad del siglo XV, el libro impreso se convirtió en un importante negocio internacional, los libreros e impresores fueron ante todo empresarios. Pero el libro también debe su expansión a la atención que algunos monarcas y religiosos pusieron en la imprenta, en 1468 el papa Paulo II ordenó imprimir las epístolas de san Jerónimo, por su parte el rey de Francia Carlos VII mandó a Nicolas Jenson a Alemania para aprender la técnica de impresión, con el tiempo los más importantes soberanos en Europa protegieron el desarrollo de la imprenta.

La superioridad de la imprenta sobre la xilografía fue incuestionable, la escritura era regular, impresión a ambas caras, rapidez de impresión y la posibilidad de volver a utilizar los caracteres para imprimir otros textos.

Se puede establecer una cronología del libro antiguo dividida en siglos, tomando como base ciertas características comunes en un siglo determinado:

Incunables siglo XV
Renacentistas siglo XVI
Barroco siglo XVII
Neoclásico siglo XVIII
Ilustrado siglo XIX

Due sportelli di libreria con scaffali di libri di musica.jpg

Trompe l’oeil che rappresenta le ante di una libreria appartenuta a Padre Giambattista Martini (sinistra cm. 165,5×78; destra cm. 165,5×75,5). Museo internazionale e biblioteca della musica di Bologna.

 

Desde los orígenes, la humanidad ha tenido que hacer frente a una cuestión fundamental: la forma de preservar y transmitir su cultura, es decir, sus creencias y conocimientos, tanto en el espacio como en el tiempo.

El planteamiento de esta cuestión supone: por un lado, determinar la forma de garantizar la integridad intelectual del contenido de la obra y la conservación del soporte en el que fue plasmada, y por otro, encontrar el medio por el cual se mantendrá inalterada la intención o finalidad para la cual se concibió.

Los orígenes de la historia del libro se remontan a las primeras manifestaciones pictóricas de nuestros antepasados, la pintura rupestre del hombre del paleolítico. Con un simbolismo, posiblemente cargado de significados mágicos, estas pinturas muestran animales, cacerías y otras escenas cotidianas del entorno natural del hombre antiguo, que trataba de dominar las fuerzas adversas de la naturaleza capturando su esencia mediante su representación. Son el más antiguo precedente de los primeros documentos impresos de que se tiene memoria.

Libros.
User:David Monniaux, flickr user 007 Tanuki, User:Jorge Ryan, and User:ZX95 – File:Uncut book p1190369.jpg , File:Used books 001.jpg , and File:Austria – Admont Abbey Library – 1407.jpg

Comunicación oral y formas rudimentarias
Las señales gestuales fueron la primera forma de expresar y transmitir mensajes. La palabra hablada es la manera más antigua de contar historias. Mediante fórmulas de valor mnemotécnico2 se estructuraban narraciones, que pasaban de generación en generación como valiosa herencia cultural de los más diversos grupos humanos. Dichas reglas mnemotécnicas ayudaban tanto a la memorización como a la difusión de los relatos. Es el caso de los poemas homéricos, que han merecido valiosos estudios sobre el particular. Posiblemente, gran parte de las tradiciones y leyendas han tenido semejante inicio. Esta transmisión oral tenía el inconveniente de los «ruidos» que deformaban el mensaje. La mayoría de las veces era el narrador (rapsoda, aeda, juglar) quien en función de sus intereses la deformaba de una u otra forma.

La escritura
Cuando los sistemas de escritura fueron inventados en las antiguas civilizaciones, el hombre utilizó diversos soportes de escritura: tablillas de arcilla, ostracon, placas de hueso o marfil, tablas de madera, papiros, tablillas enceradas, planchas de plomo, pieles curtidas, etc.

La escritura fue el resultado de un proceso lento de evolución con diversos pasos: imágenes que reproducían objetos cotidianos (pictografía); representación mediante símbolos (ideografía); y la reproducción de sílabas y letras.

Los más antiguos vestigios de escritura se encuentran, hacia finales del IV milenio a. C., en el Antiguo Egipto, con jeroglíficos, y la antigua Mesopotamia, mediante signos cuneiformes (escritura cuneiforme; utilizaban una varilla con sección triangular, que al hendir en placas de arcilla, dejaba una marca en forma de cuña). La usaron los sumerios, acadios, asirios, hititas, persas, babilonios etc. La escritura egipcia, que perduró más de tres milenios, mediante jeroglíficos, representaba ideas abstractas, objetos, palabras, sílabas, letras y números. Evolucionó en las escrituras hierática y demótica. Otros pueblos, como los hititas y los aztecas también tuvieron tipos propios de escritura.

La producción de libros en Europa crecía desde 500 hasta 1800 por el factor de más de 70 000.11 El evento clave era la invención de la imprenta por Gutenberg en el siglo XV.
Tentotwo – Trabajo propio Data from: Buringh, Eltjo; van Zanden, Jan Luiten: “Charting the “Rise of the West”: Manuscripts and Printed Books in Europe, A Long-Term Perspective from the Sixth through Eighteenth Centuries”, The Journal of Economic History, Vol. 69, No. 2 (2009), pp. 409–445 (416–417, tables 1&2)

El auge del libro

La producción de libros en Europa crecía desde 500 hasta 1800 por el factor de más de 70 000.11 El evento clave era la invención de la imprenta por Gutenberg en el siglo XV.
No es sino hasta mediados del siglo XVIII, una vez que el libro ha superado las dificultades tecnológicas que le impedían convertirse en una mercancía, que este inicia su rápido ascenso dentro del gusto de las minorías ilustradas de la sociedad.

La invención de la imprenta y el desarrollo del papel, así como la aparición de centros de divulgación de las ideas, permitieron la aparición del escritor profesional que depende de editores y libreros principalmente y ya no del subsidio público o del mecenazgo de los nobles o de los hombres acaudalados.

Además, surge una innovación comercial que convierte al libro en una mercancía de fácil acceso a los plebeyos y los pobres, que consiste en las librerías ambulantes, donde el librero cobra una cantidad mensual para prestar libros, que al ser devueltos le permiten al lector-usuario recibir otro a cambio.

El mismo libro, se convierte en un avance que da distinción a los lectores como progresistas en un siglo en que el progreso es una meta social ampliamente deseada y a la que pueden acceder por igual nobles y plebeyos, creando una meritocracia de nuevo cuño.

A pesar de lo anterior, la minoría que cultiva el gusto por el libro se encuentra entre los nobles y las clases altas y cultivadas de los plebeyos, pues sólo estos grupos sociales saben leer y escribir, lo que representa el factor cultural adicional para el inevitable auge del libro.

Books

La censura de libros
Otro importante factor que fomentó el aprecio por los libros fue la Censura, que si bien solía ejercerse también en periodos anteriores a los siglos XVII y XVIII, es precisamente en esta época cuando adquiere mayor relevancia, puesto que los libros se producen por millares, multiplicando en esa proporción la posibilidad de difundir ideas que el Estado y la Iglesia no desean que se divulguen.

En 1757 se publicó en París un decreto que condenaba a muerte a los editores, impresores y a los autores de libros no autorizados que se editarán, a pesar de carecer de dicha autorización. La draconiana medida fue complementada con un decreto que prohibía a cualquiera que no estuviera autorizado a publicar libros de tema religioso. En 1774, otro decreto obligaba a los editores a obtener autorizaciones antes y después de publicar cada libro y en 1787, se ordenó vigilar incluso los lugares libres de censura.

Estas medidas lo único que lograron fue aumentar el precio de los libros y obligar a los libreros ambulantes a no incluirlos en su catálogo, con lo cual incrementaron el negocio de los libros prohibidos, que de esta manera tenían un mayor precio y despertaban un mayor interés entre la clase alta que podía pagar el sobrevalor, con lo cual se fomentaron en el exterior, en Londres, Ámsterdam, Ginebra y en toda Alemania, las imprentas que publicaban libros en francés. Así fueron editados hasta la saciedad Voltaire, Rousseau, Holbach, Morell y muchos más, cuyos libros eran transportados en buques que anclaban en El Havre, Boulogne y Burdeos, desde donde los propios nobles los transportaban en sus coches para revenderlos en París.

En tanto la censura se volvió inefectiva e incluso los censores utilizaron dicha censura como medio para promover a astutos escritores y editores. Así, por ejemplo, cuando el todopoderoso ministro Guillaume-Chrétien de Lamoignon de Malesherbes revocó la autorización para publicar L’Encyclopédie, fue él mismo quien protegió a la obra cumbre de la Ilustración para después distribuirla de manera más libre, lo mismo hizo para proteger Emile y La nouvelle Éloise.

Confección de un libro
Normalmente, un libro es impreso en grandes hojas de papel, donde se alojan 8 páginas a cada lado. Cada una de estas grandes hojas es doblada hasta convertirla en una signatura de 16 páginas. Las signaturas se ordenan y se cosen por el lomo. Luego este lomo es redondeado y se le pega una malla de tela para asegurar las partes. Finalmente las páginas son alisadas por tres lados con una guillotina y el lomo pegado a una tapa de cartón. Toda esta tarea se realiza en serie, inclusive la encuadernación.

En el caso de que las hojas no sean alisadas mediante un proceso de corte, se habla de un libro intonso.

Las imprentas más modernas pueden imprimir 16, 32 y hasta 64 páginas por cara de grandes hojas, luego, como se mencionara más arriba, se las corta y se las dobla. Muchas veces el texto de la obra no alcanza a cubrir las últimas páginas, lo que provoca que algunos libros tengan páginas vacías al final del mismo, aunque muchas veces son cubiertas con propaganda de la editorial sobre textos del mismo autor o inclusive otros de su plantilla.

Los importantes avances en desarrollo de software y las tecnologías de impresión digital han permitido la aplicación de la producción bajo demanda (en inglés el acrónimo P.O.D.) al mundo del libro. Esto está permitiendo eliminar el concepto de “Libro Agotado” al poder reimprimirse títulos desde un sólo ejemplar, y se está fomentando la edición de libros en tiradas muy cortas que antes no eran rentables por los medios tradicionales.

Cómo aplicación más innovadora, las librerías electrónicas más reconocidas están además ofertando a todo el mundo libros que no son fabricados hasta que son vendidos. Esto es posible sólo por estar dados de alta en los sistemas de producción de compañías internacionales como Lightning Source, Publidisa, Booksurge, Anthony Rowe, etc.

El libro electrónico

A finales de 1971 comenzó a desarrollarse lo que hoy denominamos libro digital o electrónico. Michael Hart fue el impulsor del Proyecto Gutenberg, que consistía en la creación de una biblioteca digital totalmente gratis, donde podíamos encontrar obras de autores como Shakespeare, Poe y Dante entre otros, todas ellas obras de dominio público. En 1981 se produce un importante avance, ya que sale a la venta el primer libro electrónico: Random House’s Electronic Dictionary. Sin embargo, fue en marzo de 2001 cuando el libro digital (también conocido como eBook) experimentó su máxima expansión gracias al novelista Stephen King, quien lanzó al mercado a través de la red su novela Riding the Bullet. La obra, en apenas 48 horas, vendió 400 000 copias, al precio de dos dólares y medio la copia.El mes siguiente Vladímir Putin también sacó a través de Internet sus memorias.

Desde este momento comenzaron a aparecer varias editoriales electrónicas y muchas tiendas virtuales empezaron a incorporar libros electrónicos en sus catálogos.

El libro como indicador de celebridad
En el año 2000 se recogían los siguientes datos: “Si la celebridad de un individuo consiste en que se escriba un libro sobre él, […] Jesucristo es aún el personaje que goza de más fama en el mundo actual”, dice el periódico británico The Guardian. Una investigación que tomó como base los libros de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, con sede en Washington, D.C., reveló la existencia de 17 239 obras acerca de Jesús, casi el doble que de William Shakespeare, quien alcanza el segundo lugar, con 9801. Vladimir Lenin resulta el tercero, con 4492, seguido de Abraham Lincoln, con 4378, y de Napoleón I, con 4007. El séptimo puesto, con 3595, lo ocupa María, la madre de Jesús, quien es la única mujer entre los treinta principales. La siguiente es Juana de Arco, con 545. Encabeza la nómina de compositores Richard Wagner, tras quien vienen Mozart, Beethoven y Bach. Picasso es el número uno de los pintores, seguido de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. Da Vinci, sin embargo, se lleva la palma en la lista de científicos e inventores, superando a Charles Darwin, Albert Einstein y Galileo Galilei. “No figura ningún personaje vivo en los treinta primeros lugares”, agrega el rotativo.

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Partes del libro

Sobrecubierta: No todos los libros la tienen, pero es relativamente frecuente.
Cubierta: se llama también “pasta” es consistente. Constituye el aspecto externo del libro y se extienden por la cubierta, lomo y la contracubierta.
Lomo: es donde se imprimen los datos de título, número o tomo de una colección, el autor, logotipo de la editorial, etc.
Guardas: hojas que unen las tapas con el resto del libro.
Anteportada o portadilla: va antes de la portada y se pone el título.
Contraportada: Página par posterior a la portadilla, generalmente blanca.
Portada: se indican los datos del libro.
Página de derechos de propiedad o de créditos: Reverso de la portada. Es la página de propiedad literaria o copyright, editor, fechas de las ediciones del libro, reimpresiones, depósito legal, título en original si es una traducción, créditos de diseño, etc.
Hojas de cortesía o de respeto: folios en blanco que se colocan al principio y al final del libro.
Cuerpo de la obra: conjunto de hojas que constituyen el texto del libro.
Página: Cada una de las hojas con anverso y reverso numerados.
Cita
Dedicatoria (Texto con el cual el autor dedica la obra, se suele colocar en el anverso de la hoja que sigue a la portada. No confundir con dedicatoria autógrafa del autor que es cuando el autor, de su puño y letra, dedica la obra a una persona concreta.)
Paratexto
Epígrafe
Prólogo o introducción: Es el texto previo al cuerpo literario de la obra.
Índice: es una lista ordenada que muestra los capítulos, artículos materias u otros elementos del libro, etc.
Prefacio = Avant-propos
Preámbulo
Presentación
Capítulo
Bibliografía
Colofón
Epílogo
Biografía: En algunos libros se suele agregar una página con la biografía del autor o ilustrador de la obra.

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Tipos de libros

De acuerdo con el contenido los libros se pueden clasificar en:

Científicos
Literatura y lingüísticos
De viaje
Biografías
Libro de texto
Libros de gran formato (Coffee Table Book)
De referencia o consulta
Monografías
Recreativos
Poéticos
En las bibliotecas se suele utilizar el Sistema Dewey de clasificación por materias.

Books

Bibliografía

  • Barbier, Frédéric (2005). Historia del libro. Madrid: Alianza Editorial. ISBN 84-206-7755-8.
  • Buringh, Eltjo; van Zanden, Jan Luiten (2009). «Charting the “Rise of the West”: Manuscripts and Printed Books in Europe, A Long-Term Perspective from the Sixth through Eighteenth Centuries». The Journal of Economic History. Vol. 69, No. 2.
  • Castillo, Antonio (2005). Historia mínima del libro y la lectura. Madrid: Siete Mares. ISBN 84-933012-5-6.
  • Chivelet Villarruel, Mercedes (2003). Historia del libro. Boadilla del Monte: Acento Editorial. ISBN 84-483-0738-0.
  • Dahl, Svend (1999). Historia del libro. Madrid: Alianza Editorial. ISBN 84-206-6728-5. Parece corresponder a una reimpresión de Dahl, Svend (1997). Historia del libro. Barcelona: Ediciones Altaya. ISBN 84-487-0908-X.
  • Díaz-Plaja, Aurora (2005). Pequeña historia del libro. Barcelona: Editorial Mediterrània. ISBN 84-8334-642-7.
  • Escolar Sobrino, Hipólito (1994). De los incunables al siglo XVIII: historia ilustrada del libro español. Madrid: Fundación Germán Sánchez Ruipérez. ISBN 84-86168-91-0.
  • —; Carrión Gútiez, Manuel (1996). Los manuscritos : historia ilustrada del libro español. Madrid: Fundación Germán Sánchez Ruipérez. ISBN 84-86168-77-5.
  • — (2004). Manual de historia del libro. Madrid: Gredos. ISBN 84-249-2263-8.
  • IliN, Martín. Historia del Libro. México: Ediciones Quinto sol. ISBN 9789505165063.
  • Martín Abad, Julián (2004). Los libros impresos antiguos. Valladolid: Universidad de Valladolid. ISBN 84-8448-279-0.
  • Martínez de Sousa, José (1999). Pequeña historia del libro. Gijón: Trea Ediciones. ISBN 84-95178-50-8.
  • — (2005). Manual de edición y autoedición. Madrid: Ediciones Pirámide. ISBN 84-368-1931-4.
  • Millares Carlo, Agustín (1993). Introducción a la historia del libro y de las bibliotecas. Madrid: Fondo de Cultura Económica. ISBN 84-375-0371-X.
  • Pedraza Gracia, José Manuel; Clemente, Yolanda; de los Reyes, Fermín (2003). El libro antiguo. Madrid: Síntesis.ISBN 978-8497561532.
  • Thiollet, Jean-Pierre (2005). Je m’appelle Byblos. París: H & D. ISBN 2 914 266 04 9.

Foro sobre leer en voz alta afuera de la biblioteca del campus del Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey, Campus Ciudad de México.
Talento Tec – Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey, Campus Ciudad de México

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{22 abril, 2017}   Usina del Arte

La Usina del Arte es un centro cultural y sala de espectáculos que ocupa el edificio de la vieja Usina Don Pedro de Mendoza en el barrio de La Boca, Buenos Aires.

Inauguración Usina de las Artes.jpgThe Arts Powerhouse (Usina de las Artes), inaugurated on May 23, 2012, in a former Italian-Argentine Electric Company (CIAE) facility originally built in 1916 in La Boca, Buenos Aires.
Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires – Flickr: Inauguración Usina de las Artes

 

Historia

El edificio fue diseñado por el arquitecto Juan Chiogna para alojar una super-usina de la Compañía Ítalo-Argentina de Electricidad (CIAE), y construido por Martignone e Hijos entre 1912 y 1916, cuando fue inaugurado. Entre 1919 y 1921, el complejo fue ampliado con nuevas instalaciones para abastecer a la demanda creciente de Buenos Aires. Durante los siguientes 80 años funcionó proveyendo de electricidad de la ciudad, pasando a manos de SEGBA cuando el servicio fue estatizado. Con la privatización de los servicios públicos durante el menemismo (década de 1990), la usina quedó definitivamente abandonada y comenzó su ruina.

Luego de una década de abandono, entre agosto y septiembre del año 2000, el Gobierno Nacional (Presidente Fernando de la Rúa) y el de la ciudad (Jefe de Gobierno Aníbal Ibarra) decidieron emprender como tarea conjunta la recuperación del edificio para ubicar allí al Auditorio de la Ciudad de Buenos Aires, sede definitiva de las orquestas Sinfónica Nacional y Filarmónica de Buenos Aires. El Gobierno de la Nación aportaría el bien y el de la Ciudad confeccionaría el proyecto y financiaría el emprendimiento.

El bien estaba en manos de la ONABE, quien exigió demostrar que el edificio era apto para el fin estipulado con antelación a la cesión del mismo. Se conformó entonces un equipo profesional dirigido por el Arq. Álvaro Arrese e integrado por los arqs. Rodolfo Gassó, Juan Meoz y Sergio Richonnier, con el asesoramiento acústico del ing. Rafael Sánchez Quintana y estructural del Ing. José Norberto Galay, que realizó el anteproyecto presentado a la ONABE, resultando aprobado el uso de Auditorio para el bien pocos días antes de la crisis de 2001.
Vista desde la Autopista Balbín.
El Gobierno de la Ciudad dio comienzo a los trabajos, cuya iniciación tenía un plazo perentorio de dos años, comenzando la restauración del edificio anexo, ocupado hoy por el Museo del Cine, y encarando la mensura del edificio principal y sus sótanos inundados y el desarrollo del proyecto definitivo para el llamado a licitación. Se contó a este fin con financiación del BID para contratar los asesores necesarios para el desarrollo del proyecto definitivo, sumando al grupo básico encargado de las tareas a los ingenieros Julio Blazco Diez en acondicionamiento, Alfredo Otheguy en instalaciones eléctricas y Gustavo Basso en acústica, además de otros especialistas.

Jorge Telerman da comienzo a los trabajos en julio de 2007, junto con la ministra de Cultura, Silvia Fajre. El proyecto incluía una gran nave en la que funcionarán dos salas o auditorios (uno para 1700 espectadores y otro para 500). Los mismos se desarrollaron con fuerte impulso, aprobándose la documentación ejecutiva elaborada por la empresa Caputo.

A los cinco meses de asumir la jefatura de gobierno Mauricio Macri, cambió el nombre del proyecto a “Usina de las Ideas” e inauguró una primera etapa en julio de 2011, para que sea sede de las IV Jornadas de Humanización del Espacio Público.

A fines de mayo de 2012, fue anunciado un nuevo cambio de nombre para el centro cultural, pasando a llamarse “Usina del Arte”, y se hizo pública la inauguración de la sala principal del complejo el día 23 de ese mes. El jefe de gobierno encabezó el acto al cual concurrieron los ex jefes de gobierno Fernando de la Rua y Jorge Telerman, además de artistas como Marta Minujín, y el complejo abrió al público con un homenaje a Astor Piazzolla, aunque solo se podía acceder para eventos puntuales, en horarios restringidos.

En junio de 2013, fue habilitada al público la Sala de Cámara de la Usina del Arte, con un ciclo de conciertos.Fachadas restauradas.
Laura Valerga – Trabajo propio

Vista desde la Autopista Balbín.
Gelpgim22 (Sergio Panei Pitrau) – Trabajo propio
Usina de la Música en La Boca, ciudad de Buenos Aires. Vista desde la Autopista Buenos Aires – La Plata.

Arquitectura:

La Usina “Don Pedro de Mendoza” fue diseñada como parte de un plan de edificios para la Ítalo-Argentina de Electricidad, por el arquitecto italiano Juan Chiogna. Para todas estas usinas, el arquitecto utilizó el estilo neorrenacentista florentino que remitía al norte de Italia, de donde él era oriundo. Esto generó una serie de edificios similares ubicados en puntos muy distantes de Buenos Aires y sus alrededores, que comparten la misma estética de ladrillo a la vista, ventanas en arco de medio punto y torrecitas medievales.

El edificio se destaca por la torre con reloj que está sobre la Avenida Pedro de Mendoza y se puede ver a la distancia, especialmente desde el viaducto de la Autopista Balbín que lleva a la ciudad de La Plata. Los interiores son grandes salas para los generadores eléctricos, con techos de cerchas de hierro y cubierta de chapa de zinc.

La primera etapa del edificio, fue inaugurada en julio de 2011, la segunda etapa inaugurada en mayo de 2012, comprende una sala principal llamada “Sinfónica” para concierto filarmónicos, con una capacidad de 1200 espectadores, que tendrá un escenario móvil y tres pisos de palcos, pullman y bandejas laterales; dentro del edificio principal de la usina, y el Salón Dorado, para exposición para obras de arte. La tercera etapa, es una sala de ensayo para 250 artistas en la planta baja, ocupando la misma superficie del escenario de la sala principal, y una “Sala de Cámara”, para 400 espectadores. La sala tiene 2 pisos de palcos laterales más un nivel de platea y en ella pueden presentarse orquestas de música de cámara.Por otro lado, se prevé que habrá un anexo con dos pequeñas salas de ensayo, una biblioteca y un bar para los músicos. Debajo del foyer se ubicarán 12 camarines para los músicos. Además habrá una sala de televisión y grabación y un salón de 59 metros por 18 con una altura libre máxima de 20 metros que conforma un espacio flexible para la realización de múltiples eventos.

Fuente:Wikipedia

 

Foyer en la noche inaugural.
Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires – Flickr: Inauguración Usina de las Artes
Interior view of the Arts Powerhouse (Usina de las Artes), located in La Boca, Buenos Aires.


Sala sinfónica en la noche inaugural.
Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires – Flickr: Inauguración Usina de las Artes
Auditorium in the Arts Powerhouse (Usina de las Artes), located in La Boca, Buenos Aires.

Espectáculos realizados

 

Ref:

  1.  Buenos Aires tendrá su propio auditorio lanacion.com, 21 Nov 2007
  2. La “Usina de las Ideas”, camino a ser una realidad clarin.com, 14/07/2011
  3.  USINA DE IDEAS, NUEVO CENTRO CULTURAL Buenos Aires SOS, 14/07/2011
  4.  Una nueva sala sinfónica, en la vieja usina de La Boca clarin.com, 21/05/2012
  5.  Un faro que intenta iluminar el futuro lanacion.com, 20 de mayo de 2012
  6. La Usina del Arte, un espacio cultural de todos buenosaires.gov.ar, 2012-05-24
  7.  Infraestructura cultural de seis años de actuación. Dirección General de Infraestructura, Ministerio de Cultura y Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires
  8. Gestión Cultural, Sandra Diaz compiladora, Gobierno de Buenos Aires Ministerio de Cultura.
  9. Usina de la Musia, Memoria descriptiva, Compendio de la Construcción, Buenos Aires,2010
  10.  Usina de la Música, Memoria Acústica, Álvaro Arrese, Gustavo Basso, Revista Vivienda 2008.
  11. Preludio para la Usina de La Música, Clarín Diario de Arquitectura, Buenos Aires, 14 de febrero de 2006 pags. 1, 12 a 15
  12. http://infobaires24.com.ar/gobierno-la-ciudad-cobra-sobreprecios-lo-publica-pagina/
  13.  http://www.argnoticias.com/politica/El-Gobierno-de-la-Ciudad-publico-por-error-como-cobra-sobreprecios-20160717-0024.html
  14.  Macri inauguró la primera etapa de la obra Usina de Ideas buenosaires.gov.ar, 13 de julio de 2011

Enlaces externos



{7 abril, 2017}   William Wordsworth – Poeta

Natalicio

Benjamin Robert Haydon 002.jpg

Retrato de William Wordsworth en 1842, por Benjamin Robert Haydon

William Wordsworth (7 de abril de 1770-23 de abril de 1850) fue uno de los más importantes poetas románticos ingleses. Con Samuel Taylor Coleridge, contribuyó a la evolución de la época romántica en la literatura inglesa con su publicación conjunta de Baladas líricas en 1798. Esta obra influyó de modo determinante en el paisaje literario del siglo XIX. Fue el poeta laureado de Inglaterra desde 1843 hasta su muerte en 1850.

El carácter fuertemente innovador de su poesía, ambientada en el sugerente paisaje del Lake District (la región de los lagos), en el norte de Cumberland, radica en la elección de los protagonistas, personajes de humilde extracción, del tema, que es la vida cotidiana, y del lenguaje, sencillo e inmediato.

Wordsworth, Coleridge y Southey fueron conocidos como lakistas, por inspirarse en el mismo paisaje de los lagos.

El segundo de cinco hermanos, Wordsworth nació en Cockermouth en Cumberland, parte de la pintoresca región de los lagos. Al morir su madre en 1778, su padre lo envió al colegio de Hawkshead. En 1783 murió su padre, que era abogado y asesor de James Lowther, primer conde de Lonsdale, un hombre muy despreciado en la región. La herencia consistía en cerca de £5000, gran parte de ella reclamada al conde, quien frustró estas demandas hasta su muerte en 1802. El sucesor del conde, sin embargo, pagó lo reclamado con interés. Después de la muerte de su padre, los niños Wordsworth quedaron bajo la tutela de sus tíos. Aunque muchos aspectos de su infancia fueron positivos, Wordsworth recordaba brotes de soledad y ansiedad. Tardó muchos años en recobrarse de la muerte de sus padres y la separación de sus hermanos.

Comenzó a estudiar en el Saint John’s College, de Cambridge en 1787. En 1790, con su amigo Robert Jones, emprendió un viaje a pie por el continente, visitando la Francia revolucionaria. Llegó a París justo cuando se celebraba el primer aniversario de la Toma de la Bastilla, y apoyó el movimiento republicano. Después estuvo en Italia. Regresó a Inglaterra y, al año siguiente, se graduó en Cambridge sin honores.

Francia
En noviembre de 1791, Wordsworth regresó a Francia, donde estuvo cerca de un año. El ambiente parisino lo llevó a abrazar los ideales anarquistas y libertarios de tantos pensadores rebeldes y revolucionarios de la época. Su viaje por Europa incluyó los Alpes e Italia. Llevado de las ideas revolucionarias, repudió no sólo la fe cristiana sino incluso la institución de la familia y del matrimonio. Se relacionó con diversas mujeres, entre ellas la francesa, Annette Vallon, de quien se enamoró. En 1792 tuvieron una hija, Caroline. Debido a la falta de dinero y a las tensiones entre Gran Bretaña y Francia, ese año regresó a Inglaterra. En 1793, Wordsworth expresó abiertamente sus convicciones políticas en A Letter to the Bishop of Llandaff (Carta al obispo de Llandaff), en la que defiende el ateísmo y la causa revolucionaria, alabando la ejecución de Luis XVI de Francia. Involucrado en las luchas intestinas de los girondinos, su vida estuvo en peligro cuando Robespierre reprimió con sangre a su facción. El Reinado del Terror le apartó del movimiento republicano, y la guerra entre Francia y Gran Bretaña le impidió volver a ver a Annette y Caroline durante varios años. Es posible que en esta época sufriera depresión e inestabilidad emocional.

Primera publicación y Baladas líricas
En 1793 se publicó la primera poesía de Wordsworth: las colecciones An Evening Walk (Un paseo por la tarde) y Descriptive Sketches (Bocetos descriptivos). En 1795 recibió un legado de £900, lo que le permitió seguir escribiendo poesía. Ese mismo año conoció a Samuel Taylor Coleridge, lo que determinó su acercamiento a la filosofía de Immanuel Kant y al romanticismo alemán. El trauma que le supuso la separación de la Francia revolucionaria y de Annette se encuentra expresado en el drama The Borderers (1795). Coleridge y Wordsworth desarrollaron rápidamente una amistad íntima. En 1797, Wordsworth y su hermana, Dorothy, se trasladaron a Somerset, tan solo a unas millas de la casa de Coleridge en Nether Stowey. Wordsworth y Coleridge produjeron Baladas líricas (1798). Entre sus poemas, destacan Tintern Abbey (Versos escritos pocas millas más allá de la abadía de Tintern) y Michael, en la que muestra «la dignidad trágica que se le puede dar a la historia de un pastor y su hijo» (Ifor Evans).

Coleridge participó en la colección con cuatro poesías, entre ellas la The Rime of the Ancient Mariner (Rima del anciano marinero); estas poesías no desentonan, ni por su estilo, ni por su lenguaje, del resto de la obra.

Las Baladas mostraron una naturaleza vibrante de una espiritualidad y de una sensualidad bien lejana de la fría diosa razón de los ilustrados, aunque quedara en Wordsworth aquella sensibilidad democrática y una espontánea simpatía hacia las clases más humildes o desaventajadas, inspirada por la revolución.

Ediciones posteriores de las Baladas incluyeron más poemas y un Preface (Prefacio) a los poemas. Este Prefacio es considerado obra central de la teoría literaria romántica. Wordsworth expone lo que considera los elementos de un nuevo tipo de poesía, una basada en el “verdadero idioma de los hombres”. Evita la dicción poética de mucha de la poesía del siglo XVIII. Proporciona su famosa definición de poesía como el espontáneo desbordamiento de poderosos sentimientos, de “emociones recogidas en el sosiego”.

Alemania

William Wordsworth en 1798. William Shuterhttp://rmc.library.cornell.edu/collections/wordsworth.html

Wordsworth, Dorothy, y Coleridge viajaron a Alemania. Durante el duro invierno de 1798-1799, Wordsworth y Dorothy vivieron en Goslar, y a pesar de su extrema soledad y estrés, empezó a trabajar en una pieza autobiográfica luego titulada The Prelude (El preludio).

Se cree que en 1799 escribió los cuatro primeros poemas de los cinco agrupados normalmente con el título de Lucy poems (Poemas de Lucy). Están dedicados a una mujer muerta en juventud, no identificada; en ellos expresa su culto a la juventud, a la ingenuidad y el candor, así como la visión panteísta de la naturaleza.

Los Wordsworth regresaron a Inglaterra, instalándose en Dove Cottage, Grasmere, siempre en el Lake District, y esta vez los acompañaba el poeta Robert Southey. En esta época, muchos de sus poemas giran en torno a la muerte, la resistencia, la separación y el dolor.

Matrimonio
En el año 1802 viajó con su hermana Dorothy a Francia a visitar a Annette y Caroline. Gracias al éxito de las Baladas líricas y a 4500 libras esterlinas recibidas a la muerte del conde de Lonsdale, gozó de cierto alivio económico, enviando a Annette parte de ese dinero.

Es el mismo año en que se casa con Mary Hutchinson, amiga de la infancia, de quien Dorothy, que siguió viviendo con ellos, acabó haciéndose íntima amiga. Al año siguiente, Mary dio a luz al primero de sus cinco hijos, John.

En 1802 escribe algunos de sus más famosos sonetos, forma que empleaba para expresar momentos conmovedores de su propia experiencia: Composed upon Westminster Bridge (Compuesto bajo el puente de Westminster) y (I griev’d for Buonaparte with a vain And an unthinking grief).

Madurez: el Wordsworth conservador
Durante años, Wordsworth había planeado escribir un largo poema filosófico en tres partes, que pretendía llamar The Recluse.

Como apéndice al mismo, empezó a escribir en 1798-1799 un poema autobiográfico, al que llamaba el “Poema a Coleridge”. Comenzó a ampliarlo y finalmente decidió que fuese un prólogo y no un apéndice.

Tanto la salud de Coleridge como su relación con Wordsworth empezaron a decaer en 1804, año en que tuvieron una viva discusión que determinó el final de su colaboración. El enfrentamiento entre ambos derivaba, por un lado, de la creciente adicción de Coleridge al opio y, por otro, de sus divergencias ideológicas: Wordsworth fue adoptando posiciones más conservadoras, tanto en el plano poético como en el político y social, mientras que Coleridge tendía al idealismo alemán y a la búsqueda simbólica. Ese año Wordsworth se hizo amigo de Robert Southey.

Con la proclamación de Napoleón como emperador de Francia (1805), el último resto de liberalismo de Wordsworth cayó, y a partir de entonces se identificó a sí mismo como tory. Él, que en Francia había visto el emblema de la democracia y la libertad, se sintió traicionado y comenzó a replegarse gradualmente a posiciones moderadas, incluso conservadoras, sobre todo de 1808 en adelante, hasta abrazar la religión anglicana y la monarquía con el compromiso victoriano.

Ese mismo año murió ahogado en el mar su hermano John, lo cual le afectó profundamente. Su muerte, y la de Nelson, le llevaron a hacer, en Character of the Happy Warrior, un “noble resumen de la vida de acción” (Evans). Al tiempo, acabó de escribir su Poema a Coleridge, pero rehusaba publicar un trabajo tan personal hasta que hubiese terminado The Recluse.

Poems in Two Volumes (1807), que contienen la famosa Ode: Intimations of Immortality from Recollections of early Childhood u Oda a la inmortalidad, que contiene el conocido fragmento Though nothing can bring back the hour / Of splendour in the grass, of glory in the flower (Aunque nada puede hacer volver la hora / del esplendor en la hierba, de la gloria en flor). En esta obra recuerda la intuición mística de una vida anterior al nacimiento, que muere en este mundo material, pero que puede recuperarse en algunos momentos afortunados en presencia de la naturaleza (Evans). Hasta entonces, solo se le conocía públicamente por sus Baladas líricas, y confiaba en que esta colección cimentaría su reputación; sin embargo, tuvo una tibia recepción.


William Wordsworth, reproducido del original de Margaret Gillies, 1839. probably Margaret Gillies (1803-1887) From en:, uploaded 13:55, 12 October 2002 by Magnus Manske – “Courtesy of the University of Texas Libraries, The University of Texas at Austin.” 
A portrait of William Wordsworth. This is apparently an 1873 reproduction of an 1839 watercolor by Margaret Gillies (1803-1887)
En la época de las guerras napoleónicas escribió varios poemas de tema español, entre ellos, Hail, Zaragoza! If with unwet eye (1809); Ah! where is Palafox? Nor tongue nor pen (1810); The Oak of Guernica (1810); o The French and the Spanish Guerillas (1810).

Dos de sus hijos, Thomas y Catherine, murieron en 1812. Al año siguiente, se trasladó a Rydal Mount, Ambleside donde pasó el resto de su vida, salvo algún viaje esporádico.

En 1814 publicó The Excursión (La excursión) como la segunda parte de la obra en tres partes The Recluse. Nunca completó las partes primera y tercera. Escribió un poético Prospectus a The Recluse en el que expone la estructura e intención del poema; este Prospectus contiene algunas de sus más famosas frases sobre la relación entre la mente humana y la naturaleza.

Algunos críticos modernos consideran que su producción decayó a partir de mediados de los años 1810. Pero este declive pudo obedecer más bien a un cambio en su estilo de vida y sus creencias. En torno a 1820, disfrutó del éxito al tiempo que se produjo un cambio en la opinión crítica contemporánea hacia sus primeras obras. Ese mismo año viajó a Italia, y en la misma década, a Holanda (1823) y a Bélgica (1828).

De esta época de decadencia en su obra poética destaca Inside King’s College Chapel, Cambridge (En la capilla de King’s College, Cambridge, 1822).

Su hermana Dorothy padeció una grave enfermedad en 1829, quedando inválida para el resto de su vida. El gobierno le incluyó en la lista civil, cobrando una pensión que llegaba a £300 por año en 1842. En la cumbre de su fama y riqueza, fue distinguido con el título de poeta laureado en 1843. Cuando su hija Dora murió en 1847 cesó su producción poética.

Murió en Rydal Mount el 23 de abril de 1850 y fue enterrado en la iglesia de St. Oswald en Grasmere.

Su viuda Mary publicó el Poema a Coleridge, como The Prelude (El preludio) meses después de su muerte. Aunque esto no provocó mucho interés en 1850, desde entonces ha sido reconocido como su obra maestra. Así, Ifor Evans considera que quizás se trate “del más grande de los poemas modernos en inglés: la memoria espiritual de una mente singular, que recuerda con honestidad sus propias experiencias íntimas, a la que debemos unir una extraña capacidad para hacer inteligibles los recuerdos”.

Obra
Significado de las Baladas líricas.
La revolución romántica llega a Inglaterra con las Baladas líricas. Es cierto que autores de tendencia aparentemente romántica, como Blake, le habían precedido en aquel decenio, y que la sensibilidad romántica, un poco como todos los movimientos artísticos, no se aparta totalmente de la tradición inmediatamente anterior.

La gran moda de las baladas “populares” (McPherson) presentaba estas poesías como redescubiertas o respetuosas con tradiciones populares, pero en realidad habían sido escritas o ampliamente manipuladas por los autores. Obras como las Night Thoughts (Meditaciones nocturnas) de Young y la Elegy Written in a Country Churchyard (Oda escrita en un cementerio campesino) de Gray mostraban el interés por aquellos difuntos sin nombre por pertenecer a los estratos más humildes de la sociedad.

En el Prefacio de 1802 escribió: : «el principal objeto propuesto con estos poemas era escoger incidentes y situaciones de la vida ordinaria y relatarlos o describirlos completamente y, en tanto como fuera posible, en una selección de lenguaje realmente usado por los hombres, y al mismo tiempo verter sobre aquéllos un cierto colorido de la imaginación, por el cual las cosas corrientes serían presentadas al espíritu con inusitado aspecto» (Gullón). Abandonó, declaradamente, el modelo clasicista del siglo XVIII, no tanto por motivos estéticos como por razones éticas.

Sin embargo, sólo aparentemente se trata de una poesía “artless”, sin arte. Utiliza sabiamente el verso blanco tradicional, que le permite evitar la rima y utilizar palabras y expresiones populares, con el efecto de imitar el habla común. A diferencia de Pope y Dryden, el arte se encuentra aquí hábilmente disimulado, reducido a lo indispensable, porque que el mensaje poético está más en el contenido que en la forma. No se dirige a un público cortesano, sino a la sociedad en general.

En esto se opone a Coleridge, quien no renuncia a los arcaísmos ni a la rima. Los dos poetas se consideraban investidos de una misión espiritual: para los románticos la poesía es algo «más que la pura y simple puesta en verso de la verdad filosófica: el poeta era también el profeta, y no se limitaba a transcribir la verdad recibida de otros más era él mismo el iniciador de la verdad» Anthony Burgess).

El valor del recuerdo
Mientras Coleridge ve la poesía como fuga de la realidad, Wordsworth dialoga con el presente y la sociedad.

Aunque su poesía se ambienta en el paisaje rural de los lagos ingleses, es también “recollection in tranquillity”, literalmente, “recuerdo en la quietud” de experiencias personales vividas en la naturaleza que enriquecen al que vive constreñido por la realidad de la metrópoli industrial. El evocar pasiones y emociones ya extinguidas en el tiempo implican al lector activamente.

Ninguna de sus poesías ejemplifica mejor esta tendencia que Tintern Abbey. Cuando el concluye de una forma veredigna que esta es una de sus mejores obras ya que recibio mucha inspiracion al recordar cuando era niño y vivia con su madre en el campo.

La ética de la naturaleza
Inmortalizando el Lake District en su poesía, Wordsworth hizo que el mundo conociera esta región favorecida por la naturaleza y, además, puso en evidencia los valores éticos y no puramente materiales o utilitarios del entorno.

La naturaleza, según él mismo dijo, lo inició a la vida: las largas caminatas por las montañas de Cumberland despertaron sus sentidos forzándolo a salir de la profunda introversión en la que estaba encerrado desde pequeño debido a sus graves problemas familiares.

Este amor a la naturaleza se refleja en su poema Iba solitario como una nube.

No debe sorprender, pues, que la naturaleza sea esa providencial y divina: Dios se identifica con todo lo creado, es un Dios inmanente y visible. Tal visión panteísta y neoplatónica del Universo invade su primera poesía, como puede verse en el más famoso de los Poemas de Lucy: A slumber Did My Spirit Seal.

También es neoplatónica la creencia de Wordsworth en que los niños y los pueblos no civilizados se encuentran más cercanos a Dios porque en ellos permanece la memoria del mundo celeste anterior al nacimiento. En sus Baladas líricas hay niños, vagabundos, discapacitados, locos: sujetos “inconvenientes” que escandalizaron en los primeros años después de la publicación de la obra pero que, con el tiempo, abrieron el camino a una mayor solidaridad social, provocando que tantos victorianos lucharan por grandes reformas sociales, tanto en sus escritos como en la política.

Juicios críticos
Siglo XIX
Es difícil imaginar la evolución del Romanticismo inglés sin las Baladas líricas.

Gracias a las limitaciones de los derechos de autor de la época, que permitían publicar parcialmente de una colección de parte de otros editores sin pagar derechos, sus Baladas acabaron por ser publicadas en millares de copias en periódicos, proporcionándole una fama mayor que la que habría tenido con la sola publicación de su libro. La primera edición vendió quinientas copias, una buena tirada para aquella época, mientras que periódicos como The Critical Review y la Lady Magazine alcanzaban cifras entre cuatro mil y diez mil copias.

Su éxito llegó a los Estados Unidos, donde se publicó en revistas como la Literary Magazine.

Durante la época victoriana Matthew Arnold defendió la revolución poética de Wordsworth frente a detractores que sólo se fijaban en su aspecto solemne de poeta laureado.

El siglo XX
A principios del siglo XX, se produjo un redescubrimiento de las Baladas líricas por parte de la crítica, con numerosos estudios, como el de Herbert Read (1930). De aquellos años fue el trabajo de Basil Willey, sobre la cultura inglesa del siglo XVII y XVIII, que evidencia la relación entre el poeta y el empirismo y la Revolución francesa.

Magistral es The Mirror and the Lamp de M.H. Abraham. Una voz disidente es la de Robert Mayo (1954), que vio en muchos personajes de Wordsworth una falta de originalidad y una deuda excesiva con las baladas dieciochescas. Muy interesantes son estudios más recientes, como los de P.D. Sheats (1973) y John J. Jordan (1970 y 1976).

Ifor Evans advierte que, aunque su visión de la naturaleza fuera una ilusión, al registrarla “alcanzó muchas experiencias en los rincones secretos de la naturaleza humana, hasta el punto de que muy pocas mentes sensibles dejarán de descubrir en sus poemas algo que responda a sus propias intuiciones”.

Fuente: Wikipedia

Animal Tranquillity And Decay
William Wordsworth

 

Birds
The little hedgerow birds,
That peck along the roads, regard him not.
He travels on, and in his face, his step,
His gait, is one expression: every limb,
His look and bending figure, all bespeak
A man who does not move with pain, but moves
With thought.–He is insensibly subdued
To settled quiet: he is one by whom
All effort seems forgotten; one to whom
Long patience hath such mild composure given,
That patience now doth seem a thing of which
He hath no need. He is by nature led
To peace so perfect that the young behold
With envy, what the Old Man hardly feels.

Birds

Tranquilidad y Decadencia Animal
William Wordsworth

Los pequeños pájaros del seto,
Ese picoteo a lo largo de las carreteras, no lo consideran.
Él viaja, y en su cara, su paso,
Su paso, es una expresión: cada miembro,
Su mirada y figura de plegado
Un hombre que no se mueve con dolor, sino que se mueve
Con pensamiento. Él es insensiblemente subyugado
Para establecerse tranquilo: es uno por quien
Todo esfuerzo parece olvidado; Uno a quien
La paciencia larga tiene tal tranquilidad suave dada,
Esa paciencia ahora parece una cosa de la que
No tiene necesidad. Él es por naturaleza dirigido
A la paz tan perfecta que los jóvenes contemplen
Con envidia, lo que el Viejo apenas siente.

Desideria
William Wordsworth

Love
Surprised by joy—impatient as the Wind
I turned to share the transport—O! with whom
But Thee, deep buried in the silent tomb,
That spot which no vicissitude can find?
Love, faithful love, recall’d thee to my mind—
But how could I forget thee? Through what power,
Even for the least division of an hour,
Have I been so beguiled as to be blind
To my most grievous loss?—That thought’s return
Was the worst pang that sorrow ever bore,
Save one, one only, when I stood forlorn,
Knowing my heart’s best treasure was no more;
That neither present time, nor years unborn
Could to my sight that heavenly face restore.

Love

Desideria
William Wordsworth
Sorprendido por la alegría impaciente como el viento
   Me volví para compartir el transporte-¡O! con quien
   Pero Tú, enterrado profundamente en la tumba silenciosa,
¿Ese lugar que ninguna vicisitud puede encontrar?
El amor, el amor fiel, te recordaba a mi mente,
   Pero ¿cómo podría olvidarte? A través de qué poder,
   Incluso para la menor división de una hora,
¿He sido tan engañado como para ser ciego
¿A mi peor pérdida?
   Fue el peor dolor que la tristeza nunca llevó,
Salvo uno, sólo uno, cuando estaba desamparado,
   Conocer el mejor tesoro de mi corazón ya no existía;
Que ni el tiempo presente, ni los años no nacidos
   Podía a mi vista esa cara celestial restaurar.

 

William Wordsworth fue la Figura clave de la Era Romántica, que privilegiaba la emoción sobre la razón y era vista como una revuelta cultural contra la Revolución Industrial.

“The best portion of a good man’s life: his little, nameless unremembered acts of kindness and love.”
― William Wordsworth, Lyrical Ballads




Oumou Sangaré (nacido el 25 de febrero de 1968 en Bamako , Mali) es un premio Grammy -winning maliense Wassoulou músico, a veces conocido como “El cantor de Wassoulou”. Wassoulou es una región histórica al sur del río Níger , donde la música desciende de canción tradicional ancestral, a menudo con el acompañamiento de una calabaza . La madre de Sangaré fue el cantante Aminata Diakité.

Género musical:  música Wassoulou

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Oumou Sangaré in Sines Portugal 2007
Fuente imagen: Bunks – Own work

Como un niño, Oumou Sangaré cantó con el fin de ayudar a su madre alimentar a su familia ya que su padre los había abandonado. A la edad de cinco, que era bien conocido por su talento como cantante dotado. Después de hacer llegar a la final de un concurso para las escuelas infantiles de Bamako, se lleva a cabo en frente de una multitud de 6000 en el estadio Omnisport. A los 16 años, se fue de gira con el grupo de percusión Djoliba.

Música 
Sangaré grabó su primer disco, Moussoulou ( “Mujeres”), con Amadou Ba Guindo , un maestro reconocido de la música de Malí. El álbum fue muy exitoso en África, con más de 200.000 copias vendidas.

Con la ayuda de Ali Farka Touré , Sangaré firmó con la etiqueta Inglés Circuito Mundial . A la edad de 21 años ya era una estrella.

Oumou Sangaré es considerado un embajador de Wassoulou; Su música ha sido inspirado por la música y los bailes tradicionales de la región. Ella escribe y compone sus canciones, que a menudo incluyen la crítica social, especialmente en relación con la baja condición de la mujer en la sociedad.

Desde 1990 se ha presentado en algunos de los lugares más importantes en el mundo, como el Melbourne Opera , Roskilde Festival , Gnaoua Festival Mundial de Música y de la Ópera de la Monnaie .

Muchas de las canciones de Sangaré miran al amor y el matrimonio, especialmente la libertad de elección en el matrimonio. Su álbum de 1989 Moussoulou fue un éxito sin precedentes de África Occidental. En 1995, realizó una gira con Baaba Maal , Femi Kuti y Boukman Eksperyans . Otros álbumes incluyen Ko Sira (1993), Worotan (1996), y una compilación de 2 CDs Oumou (2004), todos publicado el World Circuit Records. Sangaré apoya la causa de las mujeres en todo el mundo. Ella fue nombrada embajadora de la FAO en 2003 y ganó la UNESCO Premio en 2001 y se hizo un comandante de la Orden de las Artes y las Letras de Francia en 1998.

Sangaré es un lugar destacado en tirar abajo su corazón , un documental de 2008 sobre el jugador del banjo americano de renombre mundial Béla Fleck , y su exploración de la relación relativamente desconocido entre su instrumento y las tradiciones musicales de África.

Sangaré contribuyó con su voz a ” Imagínese ” para el 2010 Herbie Hancock álbum The Imagine Project , junto con Seal , P! Nk , India.Arie , Jeff Beck , Konono Nº1 y otros.

La vida personal, la política y los negocios 
Oumou Sangaré es un defensor de los derechos de las mujeres , oponiéndose el matrimonio infantil y la poligamia .

Sangaré también está involucrado en el mundo de los negocios, incluyendo hoteles, la agricultura y los automóviles. Ella ha puesto en marcha un coche, el “Oum Sang”, fabricado por una empresa china y comercializado conjuntamente con su propia compañía Gonow Oum Sang.  Ella es el dueño del 30-habitación del hotel Wassoulou en la capital de Mali, Bamako, un refugio para los músicos y su propio espacio regular que desempeñan. “Ayudé a construir el hotel yo. Lo hice para mostrar a las mujeres que puede hacer su vida mejor trabajando. Y muchos más están trabajando en estos días, la formación de cooperativas para hacer jabón o ropa.”

Sangaré también ha sido  embajadora de buena voluntad de la Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación , pero dice que no quiere ser un político: “Si bien eres un artista, usted es libre de decir lo que piensa; cuando eres una político, se siguen las instrucciones de arriba “. 

Ella es un primo del actor Omar Sangare y también en relación con un modelo y actor Bréhima Sangaré .

Premios y reconocimientos
IMC Premio -UNESCO Internacional de Música (2001, categoría de artistas, otorgado conjuntamente a Gidon Kremer ) [5] , por su contribución a “el enriquecimiento y el desarrollo de la música, así como para la causa de la paz, para la comprensión entre los pueblos y la cooperación internacional “.
El 16 de octubre de 2003, Sangaré fue nombrado embajador de buena voluntad de la Organización para la Agricultura y la Alimentación de las Naciones Unidas (FAO).
En 2010, el álbum de Sangaré Seya fue nominado para un premio Grammy por Mejor Álbum de Música Contemporánea Mundial .
En 2011, Sangaré ganó un Grammy por Mejor Colaboración Pop con Vocales , con Herbie Hancock , rosa , India Arie , sello , Konono Nº1 y Jeff Beck , de ‘Imagine.

Referencias




Sergei Diaghilev 01.jpg

Serguéi Pávlovich Diáguilev (en ruso: Сергей Павлович Дягилев /sʲɪˈrgʲej ˈpavlovʲɪtɕ ˈdʲægʲɪlʲɪf/; Sélischi, óblast de Nóvgorod, 31 de marzo de 1872 – Venecia, 19 de agosto de 1929), conocido también como Serge, fue un empresario ruso fundador de los Ballets Rusos, una compañía de la que surgirían muchos bailarines y coreógrafos famosos.  

Diáguilev nació en Sélischi (gubérniya de Nóvgorod), Rusia, en una familia acaudalada y estudió leyes en la universidad. En la niñez vivía en la ciudad de Perm donde trabajaba su padre. Hoy, en la casa donde vivió la familia de Diáguilev, está situado el colegio que tiene su nombre. Hizo incursiones en pintura, canto y música.

En 1905, organizó una exposición de retratos rusos en San Petersburgo, y el año siguiente montó una exposición de arte ruso en el Petit Palais de París. Este sería el inicio de una larga relación con Francia. En 1907 presentó cinco conciertos de música rusa en París, y en 1908 se encargó de la producción de Borís Godunov, en la Ópera de París, con Fiódor Chaliapin en el papel principal.

Esto conllevó a una nueva invitación para regresar el siguiente año con ballet y ópera, y así fundar sus famosos Ballets Rusos. La compañía incluía los mejores bailarines y bailarinas de Rusia, entre los cuales se encontraban Anna Pávlova y Vaslav Nijinsky. Su primera presentación, el 19 de mayo de 1909, fue todo un éxito. En el futuro la compañía aglutinaría a figuras como George Balanchine, Tamara Karsávina, Olga Jojlova, Bronislava Nijinska y Vaslav Nijinsky entre otros.

Durante estos años las representaciones de Diáguilev incluían obras compuestas por Nikolái Rimsky-Kórsakov, tales como las óperas Pskovitiana (Pskovitianka,Maid of Pskov), Noche de mayo (May Night), y Gallito de oro (Zolotói petushok, The Golden Cockerel). Su adaptación de la suite orquestal Scheherazade, escenificada en 1910, encendió la ira de la viuda del compositor, Nadezhda Rímskaya-Kórsakova, quien protestó en sendas cartas abiertas dirigidas al empresario y publicadas por el diario Rec.

Diáguilev también encargó música para ballet de compositores de la talla de Claude Debussy (Jeux, 1913), Maurice Ravel (Daphnis et Chloé, 1912), Erik Satie (Parade, 1917), Richard Strauss (Josephs-Legende, 1914), Serguéi Prokófiev (Ala y Lolly, rechazada por Diáguilev y convertida posteriormente en la Scythian Suite, y Chout, 1915), Ottorino Respighi (La Boutique Fantasque, 1918), Francis Poulenc (Les Biches, 1923), Manuel de Falla con El Sombrero de Tres Picos, entre otros. Su coreógrafo Mijaíl Fokín también hizo adaptaciones de la música para ballet. Diáguilev también trabajó con el bailarín y profesor de ballet Leonid Miasin (Leonid Massine).

El director artístico de los Ballets Rusos fue Léon Bakst, que trabajaba en conexión con Diáguilev desde 1898, cuando el empresario y Alexandre Benois fundaron el grupo avant-garde Mir Iskusstva. Juntos desarrollaron una forma de ballet complicada, con elementos vistosos, que intentaba llamar la atención del público en general, y no sólo de la aristocracia. El encanto exótico de los Ballets Rusos tuvo efecto en los pintores fauvistas y el recién nacido estilo art déco.

Quizás el compositor que colaboró más notablemente con Diáguilev fue Ígor Stravinski. El empresario quedó impresionado con algunas de sus primeras obras orquestales, como Fireworks y Scherzo Fantastique, lo cual lo llevó a pedir a Stravinski arreglos sobre piezas de Chopin para sus ballets. En 1910, le encargó la composición de El pájaro de fuego, y luego Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913), Pulcinella (1920) y Les Noces (1923).

Diáguilev produjo La bella durmiente del bosque de Chaikovski en Londres en 1921; a pesar de tener una buena recepción por parte del público, no fue un éxito financiero. Durante sus últimos años los Ballets Rusos fueron considerados frecuentemente como algo demasiado intelectual, estilizado, y en pocas ocasiones lograron el mismo éxito que en sus primeras representaciones.

Diáguilev era abiertamente homosexual. Tuvo relaciones (a menudo tempestuosas) con Serge Lifar, Leonid Miasin, Antón Dolin, Borís Kojnó o Vaslav Nijinski (esta última fue la más conocida).

Murió en el Grand Hotel des Bains de Mer del Lido de Venecia en 1929 siendo enterrado en la cercana isla de San Michele. Tres semanas después, su hermanastro Valentín era ejecutado en el campo de trabajos de Solovkí,1 primer campo de concentración del Gulag.

                    

Bibliografía

  • Sjeng Scheijen, Diaghilev: A Life, Oxford University Press, 2009.
  • Richard Buckle. Diaghilev, Atheneum (1984), ISBN 0-689-70664-2
  • Richard Buckle. Nijinsky, Avon Books (1975), ISBN 0-380-00459-3

Enlaces externos

Homenaje del Doodle de Google

145º aniversario del nacimiento de Sergei Diaghilev



{7 febrero, 2017}   *Carnaval!

Carnival

CarnivalCarnivalCarnival




Arte qom: escultura en terracota (de 12 cm de long. 9 cm de alt. y 8 cm de ancho) que representa artísticamente a un tatú carreta. Arte qom: escultura en terracota (de 12 cm de long. 9 cm de alt. y 8 cm de ancho) que representa artísticamente a un tatú carreta.
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