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"Como un milagro": Científicos sorprendidos por un nuevo método para rejuvenecer las células humanasImagen ilustrativa
publicdomainpictures.net

Fuente: RT

RT

Una nueva investigación ha descubierto un método para reavivar las células viejas del organismo, un avance que podría cambiar de manera radical la forma de envejecer de los humanos.

Un grupo de investigadores de la Universidad de Exeter y la Universidad de Brighton (Reino Unido) han encontrado una fórmula para rejuvenecer a las células senescentes humanas y conseguir que estas vuelvan a dividirse. El experimento, descrito en la revista BMC Cell Biology, indicó que las células rejuvenecidas no solamente parecen jóvenes, sino también se comportan de la misma forma que las células jóvenes.

La investigadora Eva Latorre describió así la sopresa que le produjo el descubrimiento: “cuando vi algunas de las células en la placa de cultivo rejuveneciéndose, no lo podía creer”.

“Esas células viejas tenían el aspecto de células jóvenes. Fue como un milagro. Repití el experimento varias veces, y en cada caso, las células rejuvenecieron. Estoy muy emocionada por las implicaciones y el potencial de este estudio”, afirmó.

La investigación se basa en los hallazgos preliminares que mostraron que los genes conocidos como de ‘factor de empalme’, cruciales para el pleno funcionamiento del organismo, se desactivan a medida que envejecemos. Ahora, los científicos han hallado una manera de reiniciar esta función mediante una intervención química.

Conforme a los investigadores, su método podría cambiar la manera en que nos hacemos mayores, dándonos la oportunidad a los humanos de experimentar menos degeneración durante el proceso de envejecimiento. Las personas de avanzada edad son más propensos a sufrir apoplejías, enfermedades cardiacas y otras dolencias, pero de conseguirse un rejuvenecimiento celular, se podría reducir muchos de estos riesgos.

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{3 noviembre, 2017}   Laurel Burch

Laurel Burch (31 diciembre 1945 a 13 septiembre 2007) era un americano artista, diseñador y de negocios.

Primeros años de vida
Ella Laurel Anne Harte nació en el Valle de San Fernando , California , en la víspera de Año Nuevo de 1945. Aunque los padres de Laurel Ann y Russell Harte se divorciaron, Ann una costurera y diseñadora se encargó de sus dos hijas, Suzi y Laurel como mamá soltera. Sin embargo, una brecha creció entre Laurel y su madre cuando Laurel era adolescente. Vivió un tiempo con su padre, pero eso terminó abruptamente. Se mantuvo trabajando como cocinera, limpiadora de casas y niñera

Cuando tenía 19 años se casó con un músico de jazz, Robert Burch. Se separaron después de unos años juntos, Laurel se convirtió en madre soltera con dos hijos que cuidar. Se mantuvo a sí misma reclamando pagos de bienestar y haciendo joyas y ayuda ocasional de Ann. Al igual que su madre, también hizo muñecas excepcionales y arte cosido. El trasfondo de este regalo textil fue un aspecto curioso de la infancia de Laurel. Su madre era costurera y diseñadora de la cantante Peggy Lee y su hija. Ann describió un extraño momento en el que había pasado semanas comprando zapatos, cintas, sombrero y telas para hacer un traje de Pascua para la hija de Peggy. Ella cosió toda la noche antes de la mañana de Pascua y condujo el hermoso atuendo hasta la casa de Peggy en Beverly Hills, arrastrando a Laurel y Suzi fuera de la cama antes del amanecer. Cuando regresó al automóvil y vio a sus hijas sabiendo que no tenían ropa de Pascua esperándolas, su cabello estaba desordenado por el sueño y Ann estaba desconsolada. Uno puede reconocer que allí estaba el amor y el dolor de una madre soltera. Laurel creció con una mezcla de amor y pérdida, pero también con un brillante ojo artístico de sus padres.

Carrera
Burch continuó a lanzar su negocio, ahora llamado Laurel Burch Artworks , el 24 de febrero de 1960. Comenzó a hacer pinturas y fue encargada por restaurantes, negocios y coleccionistas privados. “Encontré metal en un depósito de chatarra y lo golpeé en la parte posterior de una sartén vieja”, afirmó durante una entrevista con el Marin Independent Journal en 2005.

Ella comenzó a hacer joyas y venderlas en las calles de San Francisco desde cajas de aparejos. Algunas tiendas locales comenzaron a almacenar sus creaciones, y un hombre de negocios, Shashi Singapuri, llevó muestras de su trabajo a China . Ella fue a China en 1971 y descubrió cloisonné , una especie de trabajo de esmalte, con el que diseñó pinturas y tenía los diseños realizados en pendientes.

Con la manufactura de respaldo financiero del Sr. Singapuri comenzó. Burch continuó trabajando en metales de fundición y madera, e incluyó productos derivados en papel, porcelana y tela. En 1979 se separó de Singapuri e inició Laurel Burch Inc. Fue presidenta y diseñadora en jefe. En la década de 1990, licenció sus diseños en una docena de empresas que ahora fabrican y distribuyen sus creaciones en todo el mundo.

Vida personal
El segundo matrimonio de Burch, con Jack Holton, también terminó en divorcio. Su tercer marido fue Rick Sara.

Ella apoyó a su madre durante los últimos años de su vida en un hogar de ancianos cerca de Carmel California.

Murió el 13 de septiembre de 2007, a los 61 años, en su casa en Novato, California por complicaciones de la osteopetrosis ,  una extraña y dolorosa enfermedad ósea que tuvo toda su vida, y como resultado sufrió más de 100 fracturas óseas. Además de Rick Sara, ella sobrevivió a su hija, Aarin; su hijo, Jay; y dos nietas, Soffiya y Karly. (wikipedia)

cloisonné  o esmalte alveolado

cloisonne




Calaveritas de azúcar y cempoalxóchitl: En México la muerte es una fiesta

Fuente. Gente disfrazada durante un desfile ara celebrar el Día de los Muertos en Ciudad de México Carlos Jasso / Reuters/RT

Los huesos azucarados y el amarillo rutilante de la flor de cempoalxóchitl son las señales inequívocas: esto es México y aquí la muerte es un festejo de los vivos.

Origen: Calaveritas de azúcar y cempoalxóchitl: En México la muerte es una fiesta



{23 octubre, 2017}   Remo Bianchedi

Remo Bianchedi (Buenos Aires, 1950) es un artista plástico y poeta argentino.

Luz Mediterránea / Mediterranean Light – Trailer 3 min from Bonaparte Cine on Vimeo.

Año: 2011

Formato: Documental

Cantidad de capítulos: 4 x 26 min

Luz Mediterránea

Atraídos por la luz única de las sierras de Córdoba, decenas de pintores eligieron esta provincia como residencia y lugar de trabajo, transformándose con el tiempo en una de las regiones de Latinoamérica con más actividad en las artes plásticas. Luz Mediterránea se propone reflejar el rico panorama del arte plástico cordobés, a través de la palabra y la obra de 4 de sus más reconocidos pintores.

Mediterranean Light

Drawn by the unique light from the Cordoba hills, dozens of painters chose this Argentinean province as residence and workplace, becoming in time one of the regions in Latin America with most activity in painting and plastic arts.

Mediterranean Light strives to reflect the rich overview of the Cordoba plastic art, through the testimonials and work of 4 of its most prestigious painters.

Año: 2011

 Documental

 

Atraídos por la luz única de las sierras de Córdoba, decenas de pintores eligieron esta provincia como residencia y lugar de trabajo, transformándose con el tiempo en una de las regiones de Latinoamérica con más actividad en las artes plásticas. Luz Mediterránea se propone reflejar el rico panorama del arte plástico cordobés, a través de la palabra y la obra de 4 de sus más reconocidos pintores.

Mediterranean Light

Drawn by the unique light from the Cordoba hills, dozens of painters chose this Argentinean province as residence and workplace, becoming in time one of the regions in Latin America with most activity in painting and plastic arts.

Mediterranean Light strives to reflect the rich overview of the Cordoba plastic art, through the testimonials and work of 4 of its most prestigious painters.

Biografía
Vivió en Alemania, España y Buenos Aires. A partir de 1991 se radicó en Cruz Chica, Provincia de Cordoba, donde reside actualmente. Estudios y formación. 1977/81- estudiante invitado en la Escuela Superior de Artes de Kassel (Diseno Gráfico y Comunicación Visual). Durante 1977 y 1981 fue discípulo de Joseph Beuys.

Breve selección de exhibiciones personales
1972- Dibujos, Galería Lirolay, Buenos Aires 1978- Zeichnungen und Lithographien, Movie Galerie, Kassel, Alemania

1979- Zeichnungen und Lithographien, Studio Kausch, Kassel, Alemania

1980- Zeichnungen, Galerie Michels, Colonia, Alemania

1982- Acuarelas y pasteles, Galeria Jacques Martínez, Buenos Aires

1983- Retratos 1973-1983, Fundación San Telmo, Buenos Aires

1984- Pinturas, Galeria Jacques Martínez, Buenos Aires

1986- Retratos

1976-1986, Galeria Jacques Martínez, Buenos Aires

1988- Paisajes de Tilcara, Galeria Jacques Martínez, Buenos Aires

1993- Tres acciones, con motivo de la muestra de Joseph Beuys, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires

1938- La Noche de los Cristales”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires

1994- “Como un cuerpo ausente”, Palais de Glace, planta baja, Buenos Aires

1995- “De nino mi padre me comía las unas”, Centro Cultural Recoleta, Salas Cronopios, Buenos Aires

1999- “El Pintor y su Modelo”, Fundación Federico Klemm, Buenos Aires

2000- “Los Inocentes”, dibujos, Fundación Federico Klemm, Buenos Aires

2008 – Galería Isabel Anchorena

2011 – arteBA, Galería Isabel Anchorena

2012 arteBA, Galería Isabel Anchorena

2013 Galería Isabel Achorena

Breve selección de exposiciones colectivas
1967- Premio G. Braque, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires

1974- International Cultureel Centrum, Antwerpen

1975- XI International Bienal of Graphic Art, Lujbljana, Yugoeslavia

1976- The seventies, Museo de Arte Moderno, Sao Pablo Latin America

1976, Fundación Joan Miro, Barcelona Arte de Sistemas III, CAYC, Buenos Aires

1977- Bienal de Grabado de Ibiza, Islas Baleares Arte actual de Hiberoamerica, Centro Cultural Cristobal Colon, Madrid

1980- El Dibujo en Argentina, Fundación Joan Miro, Barcelona

1981- El Dibujo argentino (Colección Marcos Curi), exhibición itinerante por América Latina, Asia. Europa y Estados Unidos

1982- Feria de Arte, Arteder, Bilbao V Trienal de la India, Nueva Delhi Estampa argentina, Galería Torculo, Madrid Premio de Dibujo y Pintura Arche, Museo Nac. De Bellas Artes, Buenos Aires

1983- Confrontaciones, Museo Nac. De Bellas Artes, Buenos Aires Ex-presiones, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires

1986- Del Pop Art a la Nueva Imagen, Museo de Arte Moderno, Montevideo

1987- Homenaje a Marcel Duchamp. Galeria Jacques Martínez, Buenos Aires “Historia y ambigüedad”, con Clorindo Testa, Enio Iommi, Hernan Dompe, Galeria Jacques Martínez, Buenos Aires

1988- Beispiele Zeitgenossischer Kunst aus Lateinamerika, Galería Babel, Heilbrom, Alemania

1989- Ideas and Images from Argentina, The Bronx Museum, Nueva York

1990- Video Arte Internacional, Museo Nac. De Bellas Artes, Buenos Aires “Hasta el 2000 también”, con Osvaldo Monzo, Oscar Bony, Alfredo Prior, ICI, Buenos Aires

1991- Los 80 en el MAM, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires

1992- Los márgenes del canibalismo, Fundación Bco. Patricios, Buenos Aires 1995- 70. 80, 90, 100 anos Museo Nac de Bellas Artes, Buenos Aires

1996- “Variantes de la figuración argentina”, Berni, Alonso, Uriburu, Testa, Robirosa, Bianchedi, Museo Cuevas, prersentados por la Fundación Bco. Patricios, Mexico DF “20 anos del golpe, contra el olvido y la impunidad”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires

2002- “Celebración”, con Pablo Suárez, Osvaldo Monzo, y Alfredo Prior, Sonoridad Amarilla, Buenos Aires

Remo Bianchedi y otros artistas en pinturas animadas.

Pinturas Animadas – Luz Mediterránea from churu on Vimeo.

Short clip with a couple of animated paintings for the documentary miniseries “Luz Mediterránea”.

Breve clip de pinturas animadas hechas para la miniserie documental “Luz Mediterránea”.

Paints by / Pinturas por: Remo Bianchedi, Jorge Cuello, Raúl Díaz, Mateo Arguello Pitt

 

 



{23 octubre, 2017}   Camille Gaté

Nogent-le-Rotrou - Town Museum - Félix Charpentier - Camille Gâté.JPGFrançais : Camille Gâté

Camille Léon Gaté es un escultor y escritor francés , nacido 14 de abril de 1856 en Nogent-le-Rotrou ( Eure-et-Loir )  , y murió en esa misma ciudad  20 de agosto de 1902 .

Biografía 
Camille Gaté, junto con su cuñado, Henri Villette-Gaté , alcalde de Nogent-le-Rotrou desde 1898 hasta 1925, estuvo a cargo de la curtiduría familiar.

En 1886, se casó con Marguerite Boutet, hija del alcalde de Chartres Fundador del periódico Le Républicain de Nogent-le-Rotrou .

Yvonne , Ed. É. Gouhier-Delouche, 1891.
Obras expuestas en el Salón

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Perros de relevos se encuentra en la Plaza Rocha de la Ciudad de Mar del Plata Argentina.
1885: perros de relevos , grupo de bronce, medalla de bronce en la Feria Mundial de 1889 

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____________________________________________________________________________________

Otras Obras
1886: Perro espiral o intruso , yeso.
1890: Busto del Doctor Tournet-Desplantes , bronce.
1893: Busto de Monsieur Boutet , alcalde de Chartres de 1884 a 1892.
1894:
Ternura , grupo en yeso;
Busto de Charles Truelle , miembro del Parlamento de Eure-et-Loir.
1895:
La tentación de Cristo , grupo de mármol;
Busto del Dr. Maunoury .
1897:
Estatua de Rémy Belleau , bronce;
Busto de Émile Labiche , senador de Eure – et – Loir, yeso.
1899: Humanidad antes del infinito , alto relieve en mármol blanco y rosa, 105.5 × 58 × 81 cm .
Exposición 
Camille Gaté (1856-1900) escultura pública, escultura privada , del 4 de junio al 21 de agosto de 2016, museo del castillo de Saint-Jean , Nogent-le-Rotrou (Eure-et-Loir)

 

 



{21 octubre, 2017}   Guillermo Roux

Guillermo Roux ( * Buenos Aires, 1929 -) pintor argentino es hijo del uruguayo Raúl Roux, guionista y dibujante de historietas de vasta trayectoria en la Argentina.

Trayectoria
Nace en el barrio porteño de Flores y su formación la realiza junto a su padre. En 1948 egresa de la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano. A los 23 años hace su primera exposición, dedicándose luego a la recreación pictórica de los monumentos y los museos de Italia como forma de descifrar la Historia del Arte. En 1956 por razones políticas viaja a Europa, huyendo de la persecución política de su país. Allí aprende las técnicas del fresco, del mosaico, hace copias y adopta definitivamente a pintores como Tiziano y a Tiépolo que junto con Goya y Velázquez justifican para él la historia del arte.

Entre 1956 y 1960 realiza un consciente aprendizaje en el taller de Umberto Nonni, en la Vía Flaminia, Roma. En 1957 se casa con Lina Guccerelli. De regreso al país, se radica en Jujuy, donde alterna la pintura con la docencia en escuelas primarias y participa con otros artistas en la fundación de la Escuela de Artes y Oficios de Jujuy. En 1964 nace su hija Alejandra, que en la actualidad es pintora y docente de plástica.

En 1966 reside un año en Nueva York y a su regreso a Buenos Aires se separa de su esposa y conoce a Franca Beer, con quien está casado desde entonces. El primero en reconocer su ya vasta obra pictórica es el crítico de arte Rafael Squirru, que lo lleva a exponer en la galería Bonino de Buenos Aires en 1972. Ingresa a la escena internacional en 1973, cuando expone en Marlborough Fine Arts en Londres y al año siguiente en Munich. En 1975 gana el Primer Premio Internacional de la XIII Bienal de San Pablo. Luego realiza numerosos viajes a París, Roma y Sicilia. Entre otras muestras que lo consolidan en el panorama de la plástica en el mundo, hay que mencionar las de 1977 en Jeanne Bucher, en París, de 1982 en la XI Bienal de Venecia, de 1988 en la Phillips Collection, en Washington D.C., Estados Unidos y en 1990 en la KunstHalle de Berlín. En Argentina, en 1996, realizó una muestra retrospectiva en el Museo Nacional de Bellas Artes. En 2005 inaugura Homenaje a Buenos Aires, un gran mural de 12 metros por 5,40 de alto, en un edificio construido por César Pelli en avenida del Libertador y el pasaje Della Paolera.

Ha llevado su obra a numerosos países de Europa, E.E.U.U. y América Latina. Caracterizado por una gran versatilidad en las formas de expresión, realizó dibujos, acuarelas, témperas y collages. Roux alcanza depurados grados de percepción en los grafismos y los colores que fijan la tonalidad. El conjunto de su obra manifiesta una fuerte influencia del surrealismo. En su obra se destacan El collar de perlas (1975), La valse (1977), Isolabella (1992), Paisaje con el Etna (1998) y Maja y torero con instrumentos musicales (1998).

En la década de 1990 realiza una obra de gran tamaño titulada Mujer y máscaras, que está expuesta en las Galerías Pacífico de la ciudad de Buenos Aires, con la temática de arlequines y comediantes italianos, incursionando en el surrealismo (figuras tapadas, escondiendo sus caras). Otra obra de grandes dimensiones es La Ronda, una tela de 2,5 metros por 4 que está expuesta en la entrada del Palacio Duhau, donde funciona el hotel Park Hyatt. Su última obra monumental es La Constitución guía al pueblo, un mural de 7 metros por 3,5, realizado para decorar el recinto de la legislatura de provincia de Santa Fe.

En 1982 recibe el Premio Konex de Platino como el más importante pintor surrealista de la historia en Argentina. En 2007 es designado por la legislatura “Ciudadano ilustre de la Ciudad de Buenos Aires”. Es miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes.En 2013 realiza el mural “La Constitución guía al pueblo”, instalado en la Cámara de Diputados de Santa Fe.

 




Fuente: wikipedia.org/RT

El misterio concierne a un orbe de cristal que sostiene en su mano izquierda Cristo, retratado en una obra que se tuvo por perdida y cuyo valor se estima en 100 millones de dólares.

Origen: La ‘desconcertante anomalía’ en una pintura de Leonardo da Vinci



{18 octubre, 2017}   Alka Yagnik

Alka Yagnik अलका याज्ञिक o अलका याज्ञनिक, es una cantante guyaratí de la India. Ha cantado en muchos idiomas, el gujaratí, el asamés, el oriya, el meitei, el nepalés, el bengalí, el bopurí, el panyabí, el maratí, el telugú, el tamil y el malayalam. Agradecimientos a Wikipedia. http://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page

a través de Alka Yagnik – Baba ki rani hoon —

Comparto a través de Kyseven Kuroi 18/10/2017




Descubren una 'ciudad perdida' del Imperio inca en medio de la jungla peruana (FOTOS, VIDEO)

Imagen ilustrativa pixabay.com

La construcción prehispánica se ubica a unos cuatro días de marcha desde la población más cercana.

Origen: Descubren una ‘ciudad perdida’ del Imperio inca en medio de la jungla peruana (FOTOS, VIDEO)




Cuando todo era nada,
era nada el principio.
y de la noche hizo luz.
Y fue el cielo
y esto que está aquí.

Hubo tierra, agua,
sangre, flores
todo eso y también tiempo.
Claramente digo que ese
fue el mundo del hombre.
Y así fue. Así.

Hombre que te miras en la aguas
para ver quién sos.
Mírame si quieres verte
porque a imagen mía sos.
Ya lo hiciste, vive sólo hoy.

Hubo pueblos y países,
y hubo hombres con memoria.
Claramente digo que éste
es el mundo del hombre.
Y se contaron todas
estas cosas.
Y así fue. Así.

Ricardo Soulé

Mandioca, la madre de los chicos fue el primer sello argentino de rock en castellano. Editó a Manal, Vox Dei, Miguel Abuelo, Moris, Tanguito, Pappo, La Pesada, entre otros. Fundado por el editor de libros Jorge Álvarez, que se sumerge en el mundo de la música para llevar la misma batalla que impulsó desde la literatura: el respeto por los artistas y la lucha contra las corporaciones. La historia de Mandioca, la madre de los chicos, es la historia del inicio del rock nacional, y es también la historia de Argentina.

Mandioca fue un sello discográfico argentino independiente que editó discos entre 1968 y 1970. Fue dirigido por Jorge Álvarez, Pedro Pujó, Rafael López Sánchez y Javier Arroyuelo y desempeñó un importante papel en la promoción y difusión del blues y rock en español en la Argentina.

Día del lanzamiento del sello Mandioca.jpg12 de noviembre de 1968, día del lanzamiento del sello Mandioca y debut del Trío Manal en el Teatro Apolo de la Av. Corrientes. Foto del archivo de Pedro Pujo.

Historia

Jorge Álvarez junto a Pedro Pujó uno de los fundadores del sello.
En 1966, Jorge Álvarez, un editor de libros políticos, históricos y culturales comprometidos, se relacionó con tres jóvenes estudiantes secundarios Javier Arroyuelo, Silvio Ramaglia y Pedro Pujó, interesados en los nuevos movimientos juveniles y los mecanismos de difusión.

Jorge Álvarez junto a Pedro Pujó uno de los fundadores del sello.
Gelpgim (Sergio Panei Pitrau) – Trabajo propio

Jorge Álvarez Biografía

Álvarez y Pujó tenían el sueño de promover en Buenos Aires un barrio como el Greenwich Village de Nueva York que se convirtiera en el centro del nuevo movimiento juvenil. De esos proyectos se concretó la creación de un sello discográfico que difundiera la música que estaban componiendo esos jóvenes, al que le pusieron el nombre de Mandioca, La Madre de los Chicos.

El nombre «Mandioca» fue elegido por tratarse de un vegetal originario de América, como símbolo de identidad cultural, a la vez que eligieron el color morado del interior de la mandioca, como fondo de las etiquetas de los discos.

A principios de 1968 Claudio Gabis, Javier Martínez (dos de los tres miembros de Manal), Emilio Kauderer y Rocky Rodríguez grabaron un demo experimental en el estudio de grabación de Jorge Tagliani.1​ Gabis reservó sesiones de grabación en el estudio para probar que frutos podía traer la banda. De lo grabado se prensó un solo disco que se perdió, no existiendo copia del mismo.

Poco después de las sesiones en el estudio de Tagliani, Martínez fue convocado para encarnar el personaje de “Paco” de la película Tiro de gracia dirigida por Ricardo Becher, basado en el libro homónimo de Sergio Mulet. En algún momento durante la filmación, Martínez le comentó a Jorge Goldemberg que tenía un conjunto musical que ya estaban grabando algunas canciones. Goldemberg se lo comentó al director, quién se apersonó a un ensayo del grupo, y allí mismo decidió que la banda se encargara de la música de su film. El grupo fue convocado gracias a las influencias de Goldemberg, a participar para tocar en el espectáculo teatral VietRock, en el teatro Payró. En esas instancias Gabis convence a su compañero Martínez de llamar al bajista Alejandro Medina para integrarse al grupo, completándose allí el trío musical de Gabis, Martínez y Medina.2​1​

La banda se integraría al sello independiente Mandioca, con quienes grabó su primer álbum editado en 1970. Pero antes de eso, a fines de 1969 se terminó de filmar la película, Becher llamó a Manal para grabar la banda sonora. La misma iba a ser realizada por un profesional de música para películas, Roberto Lear, pero terminó aceptando que el grupo registrase la música, asistiendo incluso a una de las sesiones. El tema central de la película, “Estoy en el infierno”, se había improvisado a base de experimentos en el estudio de Tagliani. La canción se volvió a grabar al igual que el resto de la música en los estudios Phonal ubicados en Santa Fe y Coronel Díaz. El trío compuso además “Tema del moderno” y “Seigmund’s Zoo”. El resto de las pistas, climas y efectos fueron producto de la improvisación y la versatilidad que tenía el conjunto, según los tiempos e indicaciones del director Becher.

Logotipo del grupo, obra de Daniel Melgarejo, apareció en el primer sencillo del grupo “Que pena me das”/”Para ser un hombre más”, 1968.
Manal entró en contacto con Jorge Álvarez3​ en una fiesta organizada en la casa de Piri Lugones (cuys hijos eran amigos de los manales) hecha con el objetivo de que la banda conociese a sus futuros productores. Fue en esa fiesta donde Claudio Gabis le enseñó a Javier Martínez un borrador con unas líneas para armar la lírica de una futura canción, y una base musical que había armado. Martínez terminó allí mismo la canción en menos de una hora, se trataba de “Avellaneda Blues”. El grupo le cantó este tema a Álvarez, quién quedó impresionado por la misma, convenciendose de que tenía que producir al grupo

Álvarez recuerda de ese momento:

En una reunión de cumpleaños [se refiere a la fiesta en casa de Piri Lugones] los conocí como tipos, no como músicos. Un mes después Pedro [Pujó] me llevó a la casa de Alejandro [Medina], donde el trío ensayaba, y cuando los escuché me caí muerto, era realmente espectacular como tocaban. Les pregunto que pensaban hacer , me dijeron que no querían entrar en el engranaje comercial, que eso era una porquería, que querían hacer las cosas con libertad y todo eso […] Hacemos el primer simple en el estudio TNT y me voy con las cintas a CBS. Se lo hago escuchar a John Lear, el presidente, y me dice que eso no sirve, que es una burda imitación de lo que sucede en Estados Unidos y que eso no venderá jamás en la Argentina, que a él no le interesa. Mando a un amigo a otra grabadora y nos patean.

Luego del fallido intento en CBS, Álvarez juntó a Pedro Pujó, Rafael López Sánchez y Javier Arroyuelo fundaron Mandioca en 1968, con el eslogan “la madre de los chicos”, primer sello del rock argentino,​ como una alternativa para aquellos grupos nacientes de rock que eran marginados por los grandes sellos discográficos.​ La idea de Álvarez era, además de que las bandas pudieran grabar su trabajo con libertad, que las mismas tocasen en teatros, ya que ese momento no existían los conciertos de rock en Argentino, los grupos tocaban únicamente en clubes para que el público pudiera bailar.

La invitación para el concierto inaugural de Mandioca era una alcancía en forma de manzana de cerámica que tenía una leyenda que decía “rompeme” y dentro contenía un mensaje. El sello Mandioca se lanzó el 12 de noviembre de 1968 con un concierto realizado en la Sala Apolo de la Calle Corrientes al 1300 (donde funcionó luego el cine Lorange), en el cual participaron Manal, Miguel Abuelo y la cantante Cristina Plate.El recital se hizo con los equipo Fender de Los Gatos,​ y al terminar el mismo subió Luis Alberto Spinetta, líder de Almendra diciendo “¿Se dan cuenta ustedes lo que empezó hoy? Hoy empezaste a terminar con la música comercial”.Durante los meses siguientes el grupo realizó varias actuaciones en clubes de los suburbios de la ciudad de Buenos Aires.

A finales de 1968, Mandioca editó su primer material al mercado, se trataba a su vez del primer sencillo de Manal: “Qué pena me das” con “Para ser un hombre más” como lado B que había sido grabado en octubre del mismo año.​ Se trataba de un corte extraño para la época, pues los temas superaban ampliamente el límite de tres minutos de duración impuesto por las radios y el sobre que lo contenía era un costoso tríptico de elaborada gráfica, cuyo autor era el dibujante Daniel Melgarejo. El sobre presentaba una tapa desplegable en tres partes con un dibujo de un obelisco y en el medio de éste el logotipo del conjunto. En el interior, hay una dedicatoria a la gente del sello Mandioca, mientras que en la otra sección esta la información correspondiente a los temas del grupo y en la tercera o la del medio, una foto plegable del grupo, que era la cubierta en sí.​ Pero este primer trabajo discográfico fue recibido por los medios con escepticismo, se difundió poco y la prensa criticó especialmente el uso del castellano en las letras. En su segundo sencillo publicado a mediados de 1969, “No pibe” con “Necesito un amor”,​ la banda logró un sonido más depurado y blusero, evidenciando una clara evolución técnica y de estilo en su interpretación.

El gran impacto fue escucharlo [a “Qué pena me das”] por primera vez en radio. El primero que lo difundió fue Hugo Guerrero Marthineitz, pasó “Qué pena me das”, en la época era una locura pasar un tema así porque duraba seis minutos. Lo habíamos hecho porque teníamos esa política totalmente anti, en el sentido que todos te pedían un tema de tres minutos para difusión. Era la plasmación de una idea por la cual yo venía luchando prácticamente desde mi adolescencia y fue una gran emoción. A partir de ahí trabajamos muchísimo y participamos en cuanto evento de rock se realizara.

Javier Martínez.
Durante el verano de 1969 Álvarez y Pujó armaron un boliche llamado Mandioca en Mar del Plata, al no existir un lugar donde las bandas pudiesen tocar. El interior del local fue pintado de negro y amarillo como un estacionamiento, y precisamente como no disponían de sillas y mesas, usaron neumáticos de autos, allí tocaron Manal con Pappo como invitado, y Los Abuelos de la Nada. También se alquiló una casa para que convivieran las bandas. Pero el lugar fue cerrado al poco tiempo por la policía.11​9​10​

La revista Panorama relataba casi con desprecio el primer recital organizado por Mandioca el 12 de noviembre de 1968, en ocasión del lanzamiento inicial del sello:

Recital de canciones por Manal, Cristina Plate y Miguel Abuelo.
Sobrevivientes de la tribu seudo-hippie de Plaza Francia, diezmada en parte hace un año por la tijera policial, numerosos jóvenes de sexos indefinidos con disfraz bohemio y algunos “notables” invitados especialmente, atestaron la sala Apolo durante la sesión inaugural de un ciclo auspiciado por “Mandioca”, nuevo sello grabador capitaneado por el ahora barbado editor Jorge Álvarez y tres adolescentes de espíritu aventurero…
Una lánguida partidaria de este tipo de eventos explicó: “Nunca haremos nada importante. Sólo nos resta destacar nuestra insignificancia”. Lo hacen tan bien, que el “arte” de aburrir tiene en ellos a sus estrellas máximas.

Producción
El sello Mandioca impulsó y difundió músicos de rock y creaciones artísticas que resultaron fundamentales en los orígenes del rock argentino, destacándose Manal y Vox Dei. De esta última banda, Mandioca promovió la creación y realizó toda la grabación de la ópera-rock La Biblia, aunque finalmente no realizó el lanzamiento debido a la quiebra, razón por la cual fue la empresa grabadora, TNT, la que efectuó la publicación (con graves defectos) para cobrarse la deuda pendiente. También fueron importantes las grabaciones que Tanguito realizó en Mandioca, que finalmente fueron publicadas por otro sello.

Salvo “No pibe” los discos de Mandioca tuvieron escaso éxito comercial. Sin embargo, entre ellos se encuentran clásicos permanentes del rock nacional, como “No Pibe”, “Jugo de tomate frío” y “Avenida Rivadavia” de Manal, “Presente (El momento en que estás)” de Vox Dei y “El oso” de Moris. El álbum Manal (llamado también La Bomba) ha sido considerado como uno de los mejores álbumes de la historia del rock argentino, al igual que La Biblia de Vox Dei, que aunque no fue lanzado por Mandioca, fue inspirado e íntegramente grabado por el sello.

El propio Jorge Álvarez, poco tiempo antes de morir, hizo una breve narración de como logró sacar a Mandioca de su lugar casi marginal dentro del mercado del disco, haciendo hincapié precisamente en el éxito obtenido por “No Pibe”.

“Nos invitaron a participar de un ciclo de bailes domingueros en la confitería “Gaugin”, que estaba en Donato Álvarez y Gaona, del barrio de Flores. El primer día actuó Manal. A la gente le costaba bailar con esta música porque estaba habituada a otras expresiones anglo sajonas y en el terreno de música nacional, les gustaban grupos como Banana, Pintura Fresca, Los Náufragos y otros. De pronto se me acerca un muchacho quien se presenta como integrante de la agencia productora del ciclo radial Música Con Thompson y Williams. Era Rodolfo Garavagno, quien se mostró maravillado con la música de Manal, y me dijo que le gustaría difundirla en ese programa. Al otro día, Pedro Pujol y yo entrabamos en la oficina de Florida 622, y nos recibió el mismo Rodolfo, quien se mostraba muy entusiasmado porque ya había puesto al tanto de todo a Fito Salinas, titular de la agencia y conductor del programa. Estaba también Ricardo “Richard” Ostuni y otros profesionales como Cesar Mermet y Cacho Carrera Villar. Rodolfo Garavagno los tenía a todos ellos expectantes. No se que les había dicho de Manal, pero lo cierto es que todos ellos estaban ahí, esperando poder escuchar “No Pibe”. Nosotros habíamos llevado otras grabaciones, pero tuvimos que entregarles el disco simple “No Pibe”. Lo escuchamos siete u ocho veces, y cuando yo los miraba, los notaba extasiados con la música de Manal. Rodolfo, iba hablando con cada uno de ellos con un convencimiento notable. Lo cierto es que ese día, Salinas y su equipo querían escuchar el catálogo completo de Mandioca. Así comenzó el lanzamiento masivo. Era nada menos que la poderosa Radio Mitre, y este programa de Salinas era el segundo en audiencia después de Modart en la Noche, que salía por Radio Libertad. Esa misma noche comenzó la difusión de Manal con “No Pibe” y los llamados del público aumentaron un sesenta por ciento. A la semana siguiente, tuvimos que acercar a otros artistas como Vox Dei, Moris y Facundo Cabral, para sumarlos a Manal. En septiembre, conjuntamente con Salinas, organizamos un lanzamiento masivo de todos estos artistas en el Club Comunicaciones y tuvo un éxito total. Años más tarde, creo que entre el setenta y dos y el setenta y tres, nos reecontramos con Rodolfo Garavagno en Microfon, cuando él vino como productor editorial y yo tenía mi oficina para atender las cosas de Talent, mi nuevo sello. Fueron los tiempos en los que junto con Billy Bond, artífice genial de sala de grabación durante casi toda mi carrera, lanzábamos a Sui Géneris. Y Rodolfo se ocupó de hacer la edición en papel del álbum Vida y Confesiones de Invierno y los catálogos de Pescado Rabioso, Raun Porcheto e Invisible.”

Mandioca también organizó recitales de rock. El mismo equipo que organizó el sello grabador, estableció una agencia de representaciones llamada Mambo Show, que se ocupaba de organizar actuaciones de Manal y Vox Dei en diversos lugares de la ciudad de Buenos Aires y sus alrededores, y a veces en otros lugares del país. Principalmente, las dos bandas iban a “bailes” organizados en clubes y grandes salones en diversos barrios, especialmente de clase trabajadora, entre cuyos miembros jóvenes el rock y el blues en castellano prendieron con mucha intensidad. La agencia estuvo gerenciada por Mario Rabey, uno de los fundadores (junto con Pipo Lernoud) del movimiento hippie en Argentina. La principal fuente de ingresos de los músicos de Mandioca -y de algunos de los miembros de su staff- fueron estas actuaciones de fin de semana.

UNA ÉPOCA EN UN ESPACIO Y UN TIEMPO DE LITERATURA, ESCRITORES DE VANGUARDIA, MODA Y MÚSICA INTELECTUAL HIPISMO Y PLANTEO FILOSÓFICO, CON UN NEXO CON EL DITELA

SI, GROSOS!

UNDERGROUND! …INTERACTUABAN MODA, CINE, TEATRO, ARTES PLÁSTICAS.

QUE MARAVILLOSO!!!

MC

 



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