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Movimiento y Desprendimiento de un sector de la Barranca en Diamante, Entre Ríos – ENORME grieta en DIAMANTE, Entre Rios, Argentina

 

La fuerza de la Naturaleza…




Su nuevo trabajo “Warezone” (zona de guerra) ….un nuevo mensaje de paz.




Con acróbatas, fuegos artificiales y un vanguardista show audiovisual, se inauguraron los JJOO de la Juventud por primera vez al aire libre y con más de 200 mil espectadores.

Del 6 al 18 de octubre, Buenos Aires se convierte en centro del mundo Olímpico con una celebración deportiva y cultural memorable. La Televisión Pública Argentina ofrece una transmisión exclusiva multipantalla de todas las disciplinas olímpicas.

 




Montserrat Caballé.jpg

Montserrat Caballé, (born in Barcelona, 1933) at Aix en Provence Festival in 1980 : Sémiramide from Rossini.
germanuncut77 – Flickr

María de Montserrat Bibiana Concepción Caballé i Folch (Barcelona, 12 de abril de 1933-Ibídem, 6 de octubre de 20181​) fue una cantante lírica española con tesitura de soprano. Considerada una de las más grandes sopranos del siglo XX, fue especialmente admirada por su técnica vocal y sus interpretaciones del repertorio belcantista.  

Biografía
Hija del tarraconense Carlos Caballé Borrás (1907-1995)3​ y de la valenciana Ana Folch, Montserrat era una mujer de origen humilde que vivió en la posguerra española y que gracias a su madre, que le enseñaba conceptos básicos de solfeo, y a una adinerada familia barcelonesa, los Bertrand i Mata,4​ logró ingresar —a la edad de 11 años— en el Conservatorio Superior de Música del Liceo de Barcelona, en un principio con una beca y más tarde con el apoyo económico de sus primeros mecenas.5​ Su hermano se llamaba Carlos, como su padre.

Inicios
Ganó la medalla de oro de 1954. Sus maestros fueron Eugenia Kemmeny, a quien atribuye el desarrollo de su espectacular técnica respiratoria, Conchita Badía y Napoleone Annovazzi.

En 1950 pisó por primera vez un escenario cantando el papel titular de La serva padrona de Giovanni Battista Pergolesi, en el Teatro Fortuny de Reus.

Ingresó en la compañía del Teatro Municipal de Basilea en 1956, donde hizo su debut operístico fuera de España, el 17 de noviembre de ese mismo año, interpretando Mimí en La Bohème, además de un gran repertorio de papeles, incluyendo Tosca de Giacomo Puccini, Aida de Giuseppe Verdi, y Arabella y Salomé de Richard Strauss.

Fue contratada por la Ópera de Bremen para la temporada de 1960-1961, donde se especializó en los papeles del bel canto. En 1962 regresa a Barcelona y debuta en el Liceu el 7 de enero, con Arabella.

Apogeo
Se podría decir que su primer éxito internacional tuvo lugar en 1965, cuando el 20 de abril sustituyó a Marilyn Horne, que -indispuesta- no pudo cantar en la versión en concierto de Lucrezia Borgia en el Carnegie Hall de Nueva York; su interpretación causó sensación y la hizo famosa en el mundo de la ópera. Un periódico neoyorquino tituló al día siguiente: «Callas + Tebaldi = Caballé».

Ese mismo año, debutó en el Festival de Glyndebourne y en la Metropolitan Opera House con el personaje de Marguerite en el Fausto de Gounod. En 1972 debutó en La Scala con Norma de Bellini y con Violetta en el Royal Opera House de Londres. En 1974 grabó con gran éxito una función señalada como histórica de la ópera Norma en el théâtre antique d’Orange. En 1980, interpretó Semiramide de Rossini en el Festival de Aix-en-Provence, dirigida por Jesús López Cobos.

En 1982 recibió la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña y en 1988 el Premio Nacional de Música de España.

En 1986 interpretó un pequeño papel en Romanza final, película biográfica sobre Julián Gayarre dirigida por José María Forqué y protagonizada por José Carreras en el papel de Gayarre.

Con Freddie Mercury y Sara Montiel
Entre 1986 y 1988 interpretó el álbum Barcelona junto al vocalista de Queen, Freddie Mercury con quien forjó una gran amistad. En el proyecto, donde participaron en la composición de las canciones Freddie Mercury y Mike Moran, también intervinieron Tim Rice y Montserrat Caballé. Su tema principal, “Barcelona”, fue elegido por el Comité Olímpico español, himno oficial de Los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992. La interpretaron en directo en dos ocasiones. La primera en el Ku Club de Ibiza el 29 de mayo de 1987, y la segunda, dentro de los conciertos de “La Nit” de octubre de 1988, donde presentaron tres canciones en directo; “How Can I go On”, “The Golden Boy” y “Barcelona”. No pudieron actuar en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de 1992 por el fallecimiento de Freddie Mercury un año antes.

En 1988 Caballé participó en el exitoso álbum Purísimo Sara de Sara Montiel, grabando a dúo con ella el clásico “La violetera”. Este álbum alcanzó grandes ventas (Disco de Oro y luego Disco de Platino) y mereció un premio en Nueva York.

Prestigio mundial
Montserrat Caballé ha interpretado más de ochenta personajes operísticos, que van desde la ópera barroca, hasta Verdi, Wagner, Puccini, y Richard Strauss. Ha interpretado papeles tan diferentes como Norma, Salomé, Violeta, la Marschallin, Semiramide o Isolda, amplitud de repertorio reflejado en sus muchas grabaciones. También interpreta canciones populares españolas.

Premio Príncipe de Asturias de las Artes 1991 a la Generación Lírica Española representada por Montserrat Caballé, Plácido Domingo, José Carreras, Alfredo Kraus, Teresa Berganza, Victoria de los Ángeles y Pilar Lorengar personificando, según el Jurado, con su inmenso talento musical un momento de excepcional brillantez de la lírica española, proyectando universalmente el nombre de España y propiciando un creciente amor por la música en el conjunto de la sociedad.

Su voz es notable por su pureza, control y potencia absoluta.

Problemas de salud
El 20 octubre de 2012, sufrió un ictus de carácter leve en Ekaterimburgo durante una gira por Rusia, fue trasladada al Hospital de la Santa Cruz y San Pablo de Barcelona y recibió el alta hospitalaria once días después.6​

Muerte
Falleció el 6 de octubre de 2018 en el Hospital de Sant Pau (Barcelona) debido a problemas en la vesícula que se fueron agudizando en los últimos años.

Monserrat Caballé

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Montserrat Caballé 1975.jpg

Spanish soprano Montserrat Caballé (Maria de Montserrat Viviana Concepcion Caballé i Folch) rehearsing at La Scala. Milan, January 1975

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More details
Turandot (Liceu, 1980) with Montserrat Caballé and Pedro Lavirgen.




Emblema Buenos Aires 2018 youth olympic games.png

Los Juegos Olímpicos de la Juventud de Buenos Aires 2018 (Buenos Aires 2018 Summer Youth Olympic Games, en inglés) será la tercera edición de los Juegos Olímpicos de la Juventud, un evento multideportivo internacional realizado cada cuatro años por el Comité Olímpico Internacional.3​ Esta edición de los juegos se realizará del 6 al 18 de octubre de 2018 en la ciudad de Buenos Aires y las localidades de Bella Vista (Partido de San Miguel), Hurlingham, San Isidro, Vicente López y Villa Martelli. Es la primera vez que se disputan fuera del continente asiático.

Es la primera vez que la ciudad de Buenos Aires organiza un evento multideportivo juvenil. En materia de eventos multideportivos, la ciudad organizó con anterioridad los Juegos Panamericanos de 1951 y los Juegos Sudamericanos de 2006.

La cantidad de hombres y mujeres atletas será la misma, por primera vez en un evento organizado por el Comité Olímpico Internacional.

Símbolos
Buenos Aires
Argentina es el segundo país más extenso de Sudamérica y el tercero en población, con algo más de 44 millones de habitantes al momento de realizarse los Juegos. La ciudad de Buenos Aires es la capital del país, tiene una población de unos 2,8 millones de habitantes que ha permanecido estable en los últimos 40 años y es el eje de una megaciudad llamada Gran Buenos Aires, con una población algo mayor a 14 millones de habitantes al momento de celebrarse los juegos. Es la ciudad más grande de Argentina y tiene una gran y variada oferta de deportes, actividades culturales y gastronomía. Los habitantes de Buenos Aires son llamados “porteños” por el puerto de Buenos Aires, el más importante del país.

Emblema
El emblema de los Juegos Olímpicos de la Juventud Buenos Aires 2018 consiste en la expresión “Buenos Aires 2018” escrita en una tipografía diseñada con letras curvas y sin aristas, en la que cada letra está pintada con algunos de los cinco colores de los anillos olímpicos, que simbolizan los cinco continentes habitados.
Cuenta regresiva para la ceremonia apertura en la Avenida Roque Sáenz Peña.


Mascota
El 29 de mayo de 2018 fue presentado “Pandi”, la mascota oficial de los juegos.​ Se trata de un yaguareté de aspecto juvenil, cuyo nombre es el resultado de la combinación del nombre científico del yaguareté (Panthera onca) y la relación de la mascota con lo “digital”.​ El Presidente del Comité Organizador de los Juegos, Gerardo Werthein, comentó que la mascota “busca inspirar a los jóvenes sobre el poder transformador del Olimpismo y del deporte”.

La mascota fue diseñada por la agencia argentina Human Full Agency con dirección de Peta Rivero y Hornos. Mientras que los cortometrajes animados fueron realizados por el estudio de animación argentino Buda TV. 
Pandi, la mascota oficial de los Juegos Olímpicos de la Juventud en Buenos Aires.
Canción
La canción oficial para esta edición se titula Vamos Juntos (Alive) y será interpretada por el ex-ídolo teen salido del Cris Morena Group, Fernando Dente y por Candelaria Molfese, una ex-chica Disney conocida por su trabajo en la serie Violetta (2012-2015) y estará coescrita por varios famosos artistas argentinos, entre ellos, Patricia Sosa.

mas….calendario, grillas….en siguiente enlace

Juegos Olímpicos de la Juventud 2018

Juegos Olímpicos de la Juventud 2018



{6 octubre, 2018}   *Peregrinación a Luján 2018

Agradecer y pedir: miles de fieles caminan hacia la Basílica de Luján con clima de primavera.

Arrancaron este mediodía desde Liniers. Caminarán unos 60 kilómetros.

Miles de fieles salieron desde San Cayetano para la peregrinación a Luján. Crédito imagen_ (Foto Jorge Sanchez)

La peregrinación a Luján no es solo cuestión de caminar. Las piernas mantienen el cuerpo en marcha, pero es la mente la que permite continuar a pesar del cansancio. Por eso no es extraño que entre la multitud pueda encontrarse un grupo de amigos que van detrás de un parlante al compás de Pablo Lescano y su canción “No te creas tan importante” y otros a diez metros de distancia que lo hacen mientras escuchan pasajes de la Biblia. Todo confluye y todos tienen el mismo objetivo: llegar a la Basílica para agradecer y pedir.

La peregrinación a Luján.  (Foto Jorge Sanchez)

El reloj marcó las doce del mediodía cuando la imagen cabecera de la Virgen de Luján partió al mediodía, desde la iglesia de San Cayetano, en Liniers. El grito de “Viva la Virgen de Luján” fue como el disparo de largada de una carrera que tiene 58,800 kilómetros y termina en Luján. Algunos ya habían salido más temprano, para caminar de día. Otros tantos lo hicieron a la madrugada. Los más entrenados tardan unas 12 horas, pero a un ritmo tranquilo y con los descansos recomendados, se tarda unas 15 horas 45 minutos.

Ya desde Morón en adelante se veían los puestos de asistencia, en donde los caminantes podían hidratarse y usar los baños químicos, todos atendidos por los 7 mil voluntarios que se ofrecieron para ayudar en esta 44° peregrinación que lleva el lema “Madre, danos fuerza para unirnos como hermanos”.

La peregrinación a Luján. (Foto Jorge Sanchez)

La procesión es la oportunidad de los que viven sobre la ruta 7 para vender gaseosas o aguas ($50), hamburguesas ($100) rosarios (uno por $30 o dos por $50), anteojos de sol (desde $100) y curitas para las ampollas ($20). También es la oportunidad para entender las mezclas: cómo el humo de choripán se puede combinar con el aroma de la pomada desinflamante, cómo un hombre en alpargatas camina al lado de una joven con zapatillas deportivas con resortes y cómo la cumbia convive con el Antiguo Testamento.

Son miles los que caminan sobre el pavimento abajo de un sol tremendo que invita a no bajar los brazos. No hay principio ni final, el río de gente es interminable y desde la Policía como los agentes de control de tránsito hablan de dos millones de personas. Un mundo que avanza.

Todos los devotos de la virgen tienen una historia para contar. Sería imposible escucharlos uno a uno, aunque algunos relucen a la distancia. Ignacio Manfredini e Ignacio Vidal se conocieron en la universidad y se hicieron amigos. Desde lejos se ve cómo uno lleva al otro en silla de ruedas mientras bailan y agitan los brazos. A su alrededor hay gente con cornetas, música, alegría: “Tuve un accidente y me cuesta mucho caminar, pero entendí que la vida pasa por otro lado y después de eso me hice un tatuaje de la virgen en mi pierna. Por suerte mi amigo decidió acompañarme y pensamos llegar juntos. La idea es agradecer”, cuenta Vidal, sentado en la silla.

Juntos a la par. Ignacio Vidal e Ignacio Manfredini, amigos de la universidad.

También están Melisa Alvarenga (36) y Edgardo Fernández (40), de Quilmes, son primos que hace 18 años de manera consecutiva realizan la caminata. No los frena nada, ni el frío invernal de hace tres años ni la tormenta furiosa del año pasado: “Al principio veníamos para pedir, y como la virgen cumplió lo que deseábamos, ahora hacemos para agradecer. Esperamos que las piernas y el cuerpo nos aguante mucho tiempo más y así poder volver”, cuentan.

Melisa Alvarenga y Edgardo Fernández son primos y peregrinan a Luján desde hace 18 años. Foto: Jorge Sánchez

Había muchas familias con chicos y parejas, pero la mayoría eran grupos de adolescentes y jóvenes de veintipico. Algunos con camisetas de fútbol que pedían por la Copa Libertadores, ascender a la Primera División o ganarle al clásico rival. Otros llevaban banderas de sus colegios o sus parroquias. Adelante de cada congregación iba un carro con imágenes religiosas. Se escuchaban también por los altoparlantes a los guías que les daban fuerzas para que los 60 kilómetros de caminata no se hicieran tan largos. “Vamos que llegamos”, gritaba uno en Ciudadela, todavía faltaban 58.000 metros por recorrer.

La peregrinación de fieles. (Foto Jorge Sanchez)

A Luján la mayoría llegará a la madrugada y es allí donde a las 7 de la mañana el arzobispo de la Arquidiócesis de Buenos Aires, Mario Poli, celebrará la Misa Central en el Altar Mayor (frente a la Basílica). Este año, luego del debate por la legalización del aborto, se esperaba ver una “marea celeste” en la caminata. En las redes sociales algunos grupos incentivaban ese deseo, pero al final no ocurrió. “Mucha gente entendió que venir con pañuelos celestes era seguir alimentando la desunión de los argentinos, algo que no queremos”, le dijo a Clarin Juan Xatruch, cura y responsable de la organización de la peregrinación.

Fuente: Clarín/Sociedad

PEREGRINACION A LUJAN 2018. FOTO JORGE SANCHEZ

La experiencia de un cronista de Clarín que camina hacia la Basílica.

Esta historia empezó poco después de las 10 de la mañana. Pasaron más de ocho horas y aparecen dolores por todos lados, pero a la vez sobra la voluntad para llegar. La 44° Peregrinación a Luján es toda una aventura. Un viaje en el que se pone a prueba la voluntad a cada paso.

Falta una hora para llegar a General Rodríguez, el último puesto de control antes de Luján. Desde allí faltarán los 20 kilómetros más difíciles. Las canciones de los fieles caminantes se entonan con menos fuerza. “No se desanimen, caminen, caminen”, cantas algunos, pero su tono es superado por el “palito bombón helado” que gritan los vendedores, que se multiplican a cada paso.

En Merlo, donde está el segundo puesto de control, ya hay quienes venden protección para los pies, y bananas y frutas secas. Y los vecinos abren sus casas y ofrecen sus baños a cambio de $20.

Con las horas y los kilómetros recorridos el cuerpo da señales de agotamiento. Al costado del camino la imagen se repite. De un lado y del otro, personas recostadas sobre el pasto con las piernas en alto, intentado recuperar algo de energía para el tan temido tramo final.

Después de horas de caminatas, muchos peregrinos sienten el cansancio.

PEREGRINACION A LUJAN 2018. FOTO JORGE SANCHEZ

Desde Liniers hasta Morón, la caminata fue sin pausa. Miles de personas caminando y cantando. En esos primeros kilómetros hay vendedores que ofrecen comidas y bebidas, pero se multiplicarán por cientos después.

Cae el sol y parecen caerse las piernas también. Después de casi nueve horas se mueven como un acto reflejo. Difícil no pensar que faltan más de 20 kilómetros.

Casi nueve horas después, cae el sol en el largo camino hacia la Basílica de Luján.

PEREGRINACION A LUJAN 2018. FOTO JORGE SANCHEZ

Fuente: Clarín/Sociedad

 




 

 

Cateura  Vertedero de cateura  Asunción

Cateura es el nombre del relleno sanitario de Asunción , creado en 1984 por el municipio de la capital de Paraguay , cuyo nombre proviene de la laguna Cateura, que se encuentra cerca de la propiedad, acceso privado, que se ha convertido en relleno sanitario .

Su nombre también se asocia con la comunidad circundante, que son los barrios San Miguel, Republicano, San Cayetano, Santa Ana, Villa Colorada, Bañado Sur y Tacumbú , que son zonas de inundación, cerca del río Paraguay, ubicadas principalmente en el al sur de asuncion. 

Desde septiembre de 2005  , el relleno sanitario de Cateura es administrado por Empo Ltda. And Associates, concesionaria del Municipio de Asunción, para la disposición final de residuos sólidos . En las asociaciones de trabajo agrícola de “prostitutas”, como se les llama recicladores, usan un gancho para eliminar la basura  .

El relleno sanitario de Cateura se ha hecho famoso por la Orquesta Reciclada de Cateura y su documental ” Landfill Harmonic ” (2015) . El proyecto original se creó en 2006 con la escuela de música “Sonidos de Cateura”, fundada por el programa de reciclaje “Procicla” de la ONG Alter Vida, en asociación con el programa comunitario ” Sonidos de la Tierra “, de la asociación Tierranuestra  . Mientras que los instrumentos reciclados comenzaron con materiales de Cateura, pero en el taller de lutería de “Sonidos de la Tierra”, en el barrio Ciudad Nueva de Asunción, a seis kilómetros del relleno . “Sonidos de la Tierra” fue creado en 2002, por Luis Szaran .

Cuando el ex coordinador académico de ” Sonidos de la Tierra “, Favio Chávez , fue despedido en octubre de 2011  ; se apropió de “Sounds of Cateura” y el proyecto de instrumentos reciclados, y en julio de 2012 anunció su desvinculación del programa original  . Actualmente, los miembros originales del proyecto comunitario informan sobre Favio Chávez por supuesta falta de transparencia en la administración de las donaciones.

 

Ref:

http://www.momarandu.com/amanoticias.php?a=7&b=0&c=148174

http://www.geam.org.py/v3/blog/procicla-empresa-inclusiva-para-el-reciclaje

http://www.abc.com.py/edicion-impresa/economia/unas-55000-personas-viven-en-los-banados-de-asuncion-660712.html

https://www.empoparaguay.com/institucion

http://www.abc.com.py/edicion-impresa/locales/problema-de-basura-lleva-26-anos-sin-solucion-en-el-vertedero-cateura-100138.html

http://www.abc.com.py/edicion-impresa/locales/la-sacrificada-vida-de-gancheros-de-cateura-para-ganarse-el-sustento-903013.html

http://matadornetwork.com/change/landfill-harmonic-a-story-of-creativity-hope-and-endurance-interview

http://www.ultimahora.com/gancheros-cateura-fabrican-guitarras-madera-reciclada-n40606.html

http://www.abc.com.py/espectaculos/jovenes-musicos-en-el-marechal-1061687.html

https://www.treehugger.com/culture/orchestra-paraguay-makes-beautiful-music-trash.html

https://www.facebook.com/SonidosPY/posts/10150329888416711

http://www.ultimahora.com/jovenes-cateura-van-panama-la-orquesta-reciclados-n547205.html

http://www.hoy.com.py/espectaculos/lo-que-recauda-la-orquesta-de-reciclados-va-al-bolsillo-de-favio-chvez-denu



{4 octubre, 2018}   *Paisajes

Fuente: bancodeimagenesgratis.com

 



{4 octubre, 2018}   *Flowers

Fuente: bancodeimagenesgratis.com




Alan Turing Aged 16.jpg

Alan Mathison Turing, OBE (Paddington, Londres, 23 de junio de 1912-Wilmslow, Cheshire, 7 de junio de 1954), fue un matemático, lógico, científico de la computación, criptógrafo, filósofo, maratoniano y corredor de ultradistancia británico

 

Entre enero de 1922 y 1926, Turning estudió en la preparatoria Hazelhurst, una esucela independiente en el pueblo de Frant en Sussex (hoy East Oriental). 

En 1926, con catorce años, ingresó en el internado de Sherborne en Dorset. Su primer día de clase coincidió con una huelga general en Inglaterra, pero su determinación por asistir a clase era tan grande que recorrió en solitario, con su bicicleta, los más de 96 kilómetros que separaban Southampton de su escuela, pasando la noche en una posada. Tal hazaña fue recogida en la prensa local. 

La inclinación natural de Turing hacia la matemática y la ciencia no le atrajo el respeto de sus profesores de Sherborne, cuyo concepto de educación hacía mayor énfasis en los clásicos. En la escuela de Sherbone, ganó la mayor parte de los premios matemáticos que se otorgaban y, además, realizaba experimentos químicos por su cuenta aunque la opinión del profesorado respecto a la independencia y ambición de Turing no era demasiado favorable. A pesar de ello, Turing continuó mostrando una singular habilidad para los estudios que realmente le gustaban, y llegó a resolver problemas muy avanzados para su edad (16 años) sin ni siquiera haber estudiado cálculo elemental.

 

La Universidad y sus estudios sobre computabilidad

El King’s College de Cambridge, donde estudió en 1931 y se convirtió en miembro en 1935. Su sala de computación lleva actualmente su nombre.
Debido a su falta de voluntad para esforzarse con la misma intensidad en el estudio de los clásicos que en el de la ciencia y la matemática, Turing suspendió sus exámenes finales varias veces y tuvo que ingresar en la escuela universitaria que eligió en segundo lugar, King’s College, Universidad de Cambridge, en vez de en la que era su primera elección, Trinity. Tras su graduación, se trasladó a la Universidad estadounidense de Princeton, donde trabajó con el lógico A. Church. Recibió las enseñanzas de Godfrey Harold Hardy, un respetado matemático que ocupó la cátedra Sadleirian en Cambridge, y que posteriormente, fue responsable de un centro de estudios e investigaciones matemáticas entre 1931 y 1934. En 1935 Turing fue nombrado profesor del King’s College.

Alan_Turing

 

“En cualquier formalización consistente de las matemáticas que sea lo bastante fuerte para definir el concepto de los números naturales, se puede construir una afirmación que ni se puede demostrar ni se puede refutar dentro de ese sistema”, mientras que el segundo afirma: “Ningún sistema consistente se puede usar para demostrarse a sí mismo”

 

Turing se preguntó:

¿Y si para luchar contra una máquina como Enigma hiciese falta otra máquina?

Análisis criptográfico (desciframiento de códigos)

El Bombe replicaba la acción de varias máquinas Enigma.
Un día después de la declaración de guerra de Gran Bretaña, en septiembre de 1939, Turing fue convocado a Bletchley Park, donde se encontraba el Servicio Británico de Descifrado. Las nueve mil personas que trabajaban allí, se dedicaron a intentar interpretar las comunicaciones alemanes cifradas en código morse.

El cifrado lo hacían a través de una máquina de sistema rotatorio llamada Enigma (máquina). Enigma había sido inventada en 1918 por Arthur Scherbius. Era similar a una máquina de escribir, en la cual cada vez que una letra era pulsada, era sustituida por tres rotores internos, cuyo resultado era más de 10.000 billones de configuraciones distintas. Debido al carácter portátil de la máquina, los operadores podían estar ubicados en los puestos de mando, interior de los tanques, submarinos, en bombardeos, etc. Independientemente de su locación, los operadores, llevaban las instrucciones de cómo debían colocarse los rotores, y las posiciones cambiaban cada pocos días.

El equipo liderado por Turing, a través de ecuaciones y cálculos, encontraron pautas en los mensajes con lo que pudieron detectar una pequeña parte de su funcionamiento. Sin embargo, todavía no podían descifrarlos. Fue entonces, cuando Turing se preguntó:

¿Y si para luchar contra una máquina como Enigma hiciese falta otra máquina?

Archivo:TuringBombeBletchleyPark.jpg

El Bombe replicaba la acción de varias máquinas Enigma.

A raíz de esta pregunta, Turing pudo poner en práctica sus teorías: diseñó la máquina Bombe. Bombé buscaba la configuración de los rotores de la máquina Alemana, implementando una cadena de deducciones lógicas para cada combinación posible. Gracias a las mejoras del matemático, Gordon Welchman, el 14 de marzo de 1940, el primer prototipo estaba terminado. Al cabo de un tiempo disponían con más de 200 bombas 

Los trabajos del Servicio Británico Descifrado, dirigidos por Turing, fueron determinantes para acortar la guerra. Algunos historiadores afirman que su trabajó acortó 2 años la duración de la guerra, salvando alrededor de 14.000 vidas.  Al final la guerra, las bombas se desmantelaron y todo el trabajo permaneció en secreto hasta los setenta. En 1974 el capitán W.F. Winterbotham escribió el libro The Ultra Secret

Archivo:Prueba de Turing.svg

Estudios sobre cibernética

Trabajó junto a Norbert Wiener en el desarrollo de la cibernética. Esta rama de estudios se genera a partir de la demanda de sistemas de control que exige el progresivo desarrollo de las técnicas de producción a partir del siglo XX. La cibernética pretende establecer un sistema de comunicación entre el hombre y la máquina como premisa fundamental para administrar los sistemas de control. Sus estudios profundizaron en esta relación estableciendo el concepto de interfaz y cuestionando los límites de simulación del razonamiento humano.

Estudios sobre la formación de patrones y la biología matemática
Turing trabajó desde 1952 hasta que falleció en 1954 en la biología matemática, concretamente en la morfogénesis. Publicó un trabajo sobre esta materia titulado «Fundamentos químicos de la morfogénesis» en 1952. Su principal interés era comprender la filotaxis de Fibonacci, es decir, la existencia de los números de Fibonacci en las estructuras vegetales. Utilizó ecuaciones de reacción-difusión que actualmente son cruciales en el campo de la formación de patrones. Sus trabajos posteriores no se publicaron hasta 1992 en el libro Obras completas de A. M. Turing.

En 2014, científicos británicos demostraron que la morfogénesis química efectivamente puede explicar cómo células que son idénticas pueden diferenciarse.

INTELIGENIA ARTIFICIAL

HISTORIA     Inteligencia Artificial
Artículo principal: Historia de la inteligencia artificial
El término «inteligencia artificial» fue acuñado formalmente en 1956 durante la conferencia de Dartmouth, pero para entonces ya se había estado trabajando en ello durante cinco años en los cuales se había propuesto muchas definiciones distintas que en ningún caso habían logrado ser aceptadas totalmente por la comunidad investigadora. La IA es una de las disciplinas más nuevas junto con la genética moderna.
Las ideas más básicas se remontan a los griegos, antes de Cristo. Aristóteles (384-322 a. C.) fue el primero en describir un conjunto de reglas que describen una parte del funcionamiento de la mente para obtener conclusiones racionales, y Ctesibio de Alejandría (250 a. C.) construyó la primera máquina autocontrolada, un regulador del flujo de agua (racional pero sin razonamiento).
En 1315 Ramon Llull en su libro Ars magna tuvo la idea de que el razonamiento podía ser efectuado de manera artificial.
En 1936 Alan Turing diseña formalmente una Máquina universal que demuestra la viabilidad de un dispositivo físico para implementar cualquier cómputo formalmente definido.
En 1943 Warren McCulloch y Walter Pitts presentaron su modelo de neuronas artificiales, el cual se considera el primer trabajo del campo, aun cuando todavía no existía el término. Los primeros avances importantes comenzaron a principios del año 1950 con el trabajo de Alan Turing, a partir de lo cual la ciencia ha pasado por diversas situaciones.
En 1955 Herbert Simon, Allen Newell y J. C. Shaw, desarrollan el primer lenguaje de programación orientado a la resolución de problemas, el IPL-11. Un año más tarde desarrollan el LogicTheorist, el cual era capaz de demostrar teoremas matemáticos.
En 1956 fue inventado el término inteligencia artificial por John McCarthy, Marvin Minsky y Claude Shannon en la Conferencia de Dartmouth, un congreso en el que se hicieron previsiones triunfalistas a diez años que jamás se cumplieron, lo que provocó el abandono casi total de las investigaciones durante quince años.
En 1957 Newell y Simon continúan su trabajo con el desarrollo del General Problem Solver (GPS). GPS era un sistema orientado a la resolución de problemas.
En 1958 John McCarthy desarrolla en el Instituto de Tecnología de Massachusetts (MIT) el LISP. Su nombre se deriva de LISt Processor. LISP fue el primer lenguaje para procesamiento simbólico.
En 1959 Rosenblatt introduce el Perceptrón.
A finales de la década de 1950 y comienzos de la de 1960 Robert K. Lindsay desarrolla «Sad Sam», un programa para la lectura de oraciones en inglés y la inferencia de conclusiones a partir de su interpretación.
En 1963 Quillian desarrolla las redes semánticas como modelo de representación del conocimiento.
En 1964 Bertrand Raphael construye el sistema SIR (Semantic Information Retrieval) el cual era capaz de inferir conocimiento basado en información que se le suministra. Bobrow desarrolla STUDENT.
A mediados de los años 60, aparecen los sistemas expertos, que predicen la probabilidad de una solución bajo un set de condiciones. Por ejemplo DENDRAL, iniciado en 1965 por Buchanan, Feigenbaum y Lederberg, el primer Sistema Experto, que asistía a químicos en estructuras químicas complejas, MACSYMA, que asistía a ingenieros y científicos en la solución de ecuaciones matemáticas complejas.
Posteriormente entre los años 1968-1970 Terry Winograd desarrolló el sistema SHRDLU, que permitía interrogar y dar órdenes a un robot que se movía dentro de un mundo de bloques.
En 1968 Marvin Minsky publica Semantic Information Processing.
En 1968 Seymour Papert, Danny Bobrow y Wally Feurzeig desarrollan el lenguaje de programación LOGO.
En 1969 Alan Kay desarrolla el lenguaje Smalltalk en Xerox PARC y se publica en 1980.
En 1973 Alain Colmenauer y su equipo de investigación en la Universidad de Aix-Marseille crean PROLOG (del francés PROgrammation en LOGique) un lenguaje de programación ampliamente utilizado en IA.
En 1973 Shank y Abelson desarrollan los guiones, o scripts, pilares de muchas técnicas actuales en Inteligencia Artificial y la informática en general.
En 1974 Edward Shortliffe escribe su tesis con MYCIN, uno de los Sistemas Expertos más conocidos, que asistió a médicos en el diagnóstico y tratamiento de infecciones en la sangre.
En las décadas de 1970 y 1980, creció el uso de sistemas expertos, como MYCIN: R1/XCON, ABRL, PIP, PUFF, CASNET, INTERNIST/CADUCEUS, etc. Algunos permanecen hasta hoy (Shells) como EMYCIN, EXPERT, OPSS.
En 1981 Kazuhiro Fuchi anuncia el proyecto japonés de la quinta generación de computadoras.
En 1986 McClelland y Rumelhart publican Parallel Distributed Processing (Redes Neuronales).
En 1988 se establecen los lenguajes Orientados a Objetos.
En 1997 Gari Kaspárov, campeón mundial de ajedrez, pierde ante la computadora autónoma Deep Blue.
En 2006 se celebró el aniversario con el Congreso en español 50 años de Inteligencia Artificial – Campus Multidisciplinar en Percepción e Inteligencia 2006.
En el año 2009 ya hay en desarrollo sistemas inteligentes terapéuticos que permiten detectar emociones para poder interactuar con niños autistas.
En el año 2011 IBM desarrolló una supercomputadora llamada Watson, la cual ganó una ronda de tres juegos seguidos de Jeopardy!, venciendo a sus dos máximos campeones, y ganando un premio de 1 millón de dólares que IBM luego donó a obras de caridad.11​
En 2016, un programa informático ganó cinco a cero al triple campeón de Europa de Go.12​
Existen personas que al dialogar sin saberlo con un chatbot no se percatan de hablar con un programa, de modo tal que se cumple la prueba de Turing como cuando se formuló: «Existirá Inteligencia Artificial cuando no seamos capaces de distinguir entre un ser humano y un programa de computadora en una conversación a ciegas».
Como anécdota, muchos de los investigadores sobre IA sostienen que «la inteligencia es un programa capaz de ser ejecutado independientemente de la máquina que lo ejecute, computador o cerebro».

Un asistente automático en línea dando servicio de atención al cliente en un sitio web – una de las muchas aplicaciones primitivas de la inteligencia artificial.
Bemidji State University
An example of an automated online assistant.



{4 octubre, 2018}   *Francisco de Asís

Francisco de Asís en la pintura de Francisco Pacheco (Museo de Bellas Artes de Sevilla).
Francisco Pacheco – 

Archivo:San Francesco.jpg

Francisco de Asís

Fundador de la Orden de los Frailes Menores

Asís (Umbría-Ducado de Spoleto-Sacro Imperio Romano Germánico)
Fallecimiento 4 de octubre de 1226 (44 años)
Asís (Umbría-Estados Pontificios)
Venerado en Iglesia católica, Iglesia anglicana. La Iglesia luterana evangélica en América lo conmemora como «renovador de la Iglesia».
Canonización 16 de julio de 1228, en Asís, por el papa Gregorio IX
Principal santuario Basílica de San Francisco de Asís (Italia)
Orden religiosa Orden de Frailes Menores Ver y modificar los datos en Wikidata

Festividad
4 de octubre
17 de septiembre Impresión de los Sacros Estigmas a San Francisco.
Atributos estigmas, calavera (en representación no sólo del rechazo de la vida de placer, sino de la “hermana muerte”), lobo, aves
Patronazgo animales, medio ambiente, belenistas, comerciantes (en particular fabricantes de telas, sastres y tejedores), Italia, Perú, Filipinas, Quito (Ecuador), Milagro (Ecuador), Azogues (Ecuador), Meycauayan (Filipinas), Arribeños (Argentina), Telchac Pueblo (México), Tlaltenco (México), San Francisco de Conchos (México), California (EE. UU.), Real de Catorce (México), San Francisco del Rincón (México).

Es un santo umbro (italiano), diácono, y fundador de la Orden Franciscana, de una segunda orden conocida como Hermanas Clarisas y una tercera conocida como tercera orden seglar, todas surgidas bajo la autoridad de la Iglesia católica en la Edad Media. Destaca como una de las grandes figuras de la espiritualidad en la historia de la cristiandad.

De ser hijo de un rico comerciante de la ciudad en su juventud, pasó a vivir bajo la más estricta pobreza y observancia de los Evangelios. En Egipto, intentó infructuosamente la conversión de los musulmanes al cristianismo. Su vida religiosa fue austera y simple, por lo que animaba a sus seguidores a hacerlo de igual manera. Tal forma de vivir no fue aceptada por algunos de los nuevos miembros de la orden mientras ésta crecía; aun así, Francisco no fue reticente a una reorganización. Es el primer caso conocido en la historia de estigmatizaciones visibles y externas.​ Fue canonizado por la Iglesia católica en 1228, y su festividad se celebra el 4 de octubre. En italiano es conocido también como il poverello d’Assisi, es decir, ‘el pobrecillo de Asís’.

Bajorrelieve de terracota policromada que representa el encuentro de san Francisco de Asís y santo Domingo de Guzmán, exponentes decisivos de las órdenes mendicantes del siglo XII. Museo Nacional Alinari de la Fotografía.
Romualdo Alinari – https://archive.org/details/histoireartistiq00gill

Francisco dando un sermón a las aves, según fresco de Giotto en la Basílica dedicada al santo.
Creator:St. Francis Master

San Francisco de Asís




Professora Rita Segato concede entrevista à Secom UnB (39390738295).jpg

Anthropologist Rita Laura Segato
Universidade de Brasília from Brasília, Brasil – Professora Rita Segato concede entrevista à Secom / UnB

Fuente imagen: Ser Amantio di Nicolao (talk | contribs) Transferred from Flickr via #flickr2commons/20 July 2018 Thumbnail for version as of 19:39, 20 July 2018 3,000 × 2,000 (3.87 MB) S

Rita Laura Segato (Buenos Aires, 14 de agosto de 1951) es una antropóloga y feminista argentina residente entre Brasilia y Tilcara. Es especialmente conocida por sus investigaciones que se han orientado a las cuestiones de género en los pueblos indígenas y comunidades latinoamericanas, a la violencia de género y a las relaciones entre género, racismo y colonialidad. Considera que las relaciones de género son un campo de poder y que es un error hablar de crímenes sexuales sino que deben considerarse “crímenes del poder, de la dominación, de la punición”

Trayectoria
Estudió primaria en la Escuela Escuela Normal en Lenguas Vivas Juan Ramón Fernández y la secundaria en el Colegio Nacional de Buenos Aires (1970). Egresó también del Conservatorio Municipal Manual de Falla (1967) y de la Escuela Nacional de Danzas (1973). Cursó la licenciatura en Ciencias Antropológicas en la Universidad de Buenos Aires hasta su primer cierre en 1974. Se especializó en etnomusicología en el Instituto Interamericano de Etnomusicología y Folklore de Caracas con Isabel Aretz (1975), donde permaneció como investigadora del archivo de música latinoamericana hasta 1980.

En 1984 obtuvo su doctorado en antropología social en la Universidad Queen’s de Belfast donde estudió Antropología de la Música con John Blacking y Antropología Social con Milan Stuchlick y Gerd Baumann.

Fue profesora del Departamento de Antropología de la Universidad de Brasilia entre 1985 y 2010. En 2011 migró a la docencia en los posgrados interdisciplinares de Bioética y de Derechos Humanos de la misma universidad, además de actuar como profesora visitante en diversos programas de doctorado de América Latina.

En 1993 se acercó al análisis de la violencia contra las mujeres por un encargo del gobierno de la ciudad de Brasilia en 1993. Inicialmente creyó que era un lugar de paso, pero el análisis de las violencias machistas la ha acompañado hasta su reciente jubilación.

Es investigadora del Consejo Nacional de Investigaciones de Brasil desde 1998.

Entre sus libros destacan Las estructuras elementales de la violencia (2003), La nación y sus otros (2007) y Las nuevas formas de la guerra y el cuerpo de las mujeres (2014).

En el 2006 realizó una investigación sobre los crímenes desde Ciudad Juárez.

A partir del análisis del feminicidio de Ciudad Juárez, Segato propone pensar la violencia contra las mujeres como un sistema de comunicación que muestra la fuerza y la impunidad de aquellos que desde el Estado y lo paraestatal reinan en la frontera.

Si el acto violento es entendido como mensaje y los crímenes se perciben orquestados en claro estilo responsorial, nos encontramos con una escena donde los actos de violencia se comportan como una lengua capaz de funcionar eficazmente para los entendidos, los avisados, los que hablan, aun cuando no participen directamente en la acción enunciativa. Es por eso que, cuando un sistema de comunicación con un alfabeto violento se instala, es muy difícil desinstalarlo, eliminarlo. La violencia constituida y cristalizada en forma de sistema de comunicación se transforma en un lenguaje estable y pasa a comportarse con el casi-automatismo de cualquier idioma.
Rita Segato. Contratapa del libro La escritura en el cuerpo de las mujeres asesinadas en Ciudad Juárez.

Reconocimientos
Premio Latinoamericano y Caribeño de Ciencias Sociales concedido por CLACSO (2017)

Título Doctora Honoris Causa otorgado por la Universidad Autónoma de Entre Ríos (2018)

Título Doctora Honoris Causa otorgado por la Universidad Nacional de Salta (2018)

Posición sobre la violencia de género
Considera que la violencia contra las mujeres de la forma en la que puede observarse en Argentina tiene relación con el momento mundial en el que “hay poder de dueños” en una época de “dueñidad” lo que irrumpe en el inconsciente colectivo en la manera en que los hombres que obedecen a un mandato de masculinidad, que es un mandato de potencia, prueban su potencia mediante el cuerpo de las mujeres.

Prefiere hablar de violencia de género que de violencia contra las mujeres, explica “prefiero llamarla así, el concepto de género fue un hallazgo para poder hablar de una estructura que organiza los cuerpos desde un teatro de sombras y es una categoría muy útil”.

Considera que la violencia de género tiene un “efecto llamada”, es “contagiosa” y puede ser transformada en espectáculo.

Sobre la creencia generalizada sobre si la reincidencia es ineludible en el caso del violador considera que “es obligatorio pensar que todo ser humano puede cambiar. Es muy difícil a veces. Hay que dar las condiciones para que lo pueda hacer, condiciones que no están dadas en la actualidad.”

Acuñó el término femigenocidio para describir los crímenes cometidos contra las mujeres que alcanzan el grado de lesa humanidad o genocidio, y que no prescriben.

 

Libros
Santos e Daimones. O politeísmo afrobrasileiro e a tradição arquetipal (1ª edición). Editora da Universidade de Brasilia. 1995. Reeditado en 2005
Las Estructuras Elementales de la Violencia. Ensayos sobre género entre la antropología, el psicoanálisis y los Derechos Humanos (1ª edición). Prometeo – Universidad Nacional de Quilmes. 2003.  Colección: Derechos Humanos. Viejos problemas, nuevas miradas Dirigida por Baltasar Garzón.
La nación y sus otros: raza, etnicidad y diversidad religiosa en tiempos de políticas de la identidad (1ª edición). Prometeo Libros. 2007. 
Los presos hablan sobre los derechos humanos en la cárcel (1ª edición). La Grieta, por Donde Asoma la Palabra. 2009.En coautoría con Rodolfo Brardinelli y Claudia Cesaroni
La escritura en el cuerpo de las mujeres asesinadas en Ciudad Juárez (1ª edición). Tinta Limón. 2013.
L’Oedipe Noir (París: Petite Bibliothèque Payot, editorial Payot et Rivages, 2014)
Las nuevas formas de la guerra y el cuerpo de las mujeres (México, DF: Pez en el Árbol, 2014)
Reinventar la izquierda en el siglo XXI (1ª edición). Universidad Nacional de General Sarmiento. 2014.  (Obra colectiva)
Aníbal Quijano: textos de fundación (1ª edición). Del Signo. 2014. . (En coautoría)
Des/decolonizar la universidad (1ª edición). Del Signo. 2015.  (En coautoría)
Genealogías críticas de la colonialidad en América Latina, África, Oriente (1ª edición). CLACSO. 2016. (Obra colectiva)
Construir estrategias para erradicar la violencia de género (1ª edición). Al Margen. 2016.(Obra colectiva)
La crítica de la colonialidad en ocho ensayos (1ª edición). Prometeo Libros. 2016. 
La guerra contra las mujeres (1ª edición). Tinta Limón – Traficantes de sueños. 2017. 
Mujeres intelectuales : feminismos y liberación en América Latina y el Caribe (1ª edición). Consejo Latinoamericano de Ciencias Sociales – CLACSO. 2017.  (Obra colectiva)
Más allá del decenio de los pueblos afrodescendientes (1ª edición). Consejo Latinoamericano de Ciencias Sociales – CLACSO. 2017.  (Obra colectiva)
Contrapedagogías de la crueldad (1ª edición). Prometeo Libros. 2018. 

Obras notables:      *La nación y sus otros
*Las estructuras elementales de la violencia

Fuente: wikipedia




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Paris – El jefe de Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, Mauricio Macri, se reune con escitores y dibujantes en el Salón del Libro de París. De izquierda a derecha Joaquín Lavado “Quino”, Hernán Lombardi, María Kodama, Hermenegildo Sábat y Juan José Sebrelli. Foto:GCBA…Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires – https://www.flickr.com/photos/buenosairesprensa/5535546507/

Hermenegildo «Menchi» Sábat (Montevideo, 23 de junio de 1933- Buenos Aires, 2 de octubre de 2018), fue un dibujante de prensa uruguayo nacionalizado argentino que vivió y trabajó en Buenos Aires.

Biografía
Proveniente de una familia de artistas, su padre fue el dibujante, periodista y escritor Juan Carlos Sábat Pebet y su abuelo fue Hermenegildo Sábat Lleó, nacido en España, que llegó a Uruguay a corta edad, se dedicó a la pintura y fue un popular caricaturista. Su madre era de Buenos Aires.

Publicó sus primeros dibujos a los quince años en el diario Acción de Montevideo. Trabajó como fotógrafo, impresor ófset, redactor, periodista. Fue nombrado en 1965, redactor del diario El País, ocasión en la que tomó la decisión de renunciar, porque no deseaba asumir la tarea de conducir un periódico, y abrazó su vocación de artista plástico.

Desde 1966 en la Argentina y hasta su muerte desarrolló su carrera de caricaturista en los periódicos La Opinión, Primera Plana, Atlántida y desde 1973 Clarín, donde ilustró la página de política.

Se nacionalizó argentino en 1980.

En su necrológica, Clarín publicó:

Conoció a reyes, guitarristas incomparables y premios Nobel. Conversó con Jorge Luis Borges, cruzó cartas con Julio Cortázar, estuvo en fiestas cerca de Truman Capote, fotografió al clarinetista Benny Goodman, dibujó al Che Guevara y recibió un premio homenaje de manos de García Márquez

Reconocimientos
Ha recibido numerosos homenajes y premios: el Premio Konex en 1982 y el Konex de Brillante en 2017.2​ El premio María Moors Cabot, otorgado por la Universidad de Columbia en 1988. Fue declarado «personalidad emérita de la cultura argentina» y «Ciudadano Ilustre de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires» en 1997. Recibió el doctor honoris causa de la Universidad de la República (Uruguay) y fue declarado «ciudadano ilustre de Montevideo (en 2003), entre otros galardones.

Ha sido reconocido por su «conducta intachable frente al poder».3​ Dio su testimonio en el filme Gardel, el alma que canta dirigido en 1985 por Carlos Orgambide y en Tango, Bayle nuestro dirigida en 1988 por Jorge Zanada. Es miembro de la Academia Nacional de Periodismo.

Fue ganador del Premio Nuevo Periodismo CEMEX+FNPI en la modalidad Homenaje, entregado por CEMEX y por la Fundación Nuevo Periodismo presidida por Gabriel García Márquez.

En 2009 participó con un original de una caricatura de El Dante, realizado para el diario Clarín, en la muestra Bicentenario: 200 años de Humor Gráfico que el Museo del Dibujo y la Ilustración realiza en el Museo Eduardo Sívori de Buenos Aires, homenajeando a los más importantes creadores del Humor Gráfico en Argentina.

Docencia
En 1982 creó la Fundación Artes Visuales, la cual presidió, donde en su taller de Monserrat enseñaba dibujo, pintura, grabado e ilustración, en procura de infundir «respeto por el arte».

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Astor Piazzolla, Hermenegildo Sábat, mural cerámico en el Subte de Buenos Aires.
Controversias
En 2008, durante el conflicto patronal agropecuario, la presidenta de Argentina, Cristina Fernández de Kirchner, manifestó en un acto su rechazo hacia una ilustración de Sábat (en la que él la había dibujado con la boca vendada), calificándola como «mensaje cuasi mafioso».

El dibujante respondió “No hubo ni militares ni civiles que me acusaran de acosar al sexo masculino”, agregando que su única opción era “No dibujarla más”. Sabat recordó que, entre otras mujeres, había dibujado a Billie Holiday, Alicia Moreau de Justo, Tita Merello y Frida Kahlo y afirmó que hasta ese momento nunca se le había acusado de abusar, opinar o atacar de manera canallesca al sexo femenino.

El Foro de Periodismo Argentino (FOPEA) expresó su “rechazo” por los dichos de la Presidenta y afirmó que Sabat “es un maestro de periodismo y un artista reconocido a nivel internacional por su talento y convicciones democráticas”.

También periodistas afines a la Presidente, como Horacio Verbitsky defendieron al dibujante:

Rozar con la sombra de una sospecha al gran maestro del periodismo, que desde hace cuarenta años regala excelencia y ética, a una persona exquisita como Menchi Sábat, que cuestionó las peores atrocidades cuando nadie se animaba, es una tontería indigna de quien la cometió. Sábat no es Clarín, como antes no fue La Opinión, ni Primera Plana, ni Atlántida. Es un artista maravilloso y el mejor analista político del país. Su obra admirable requiere de un esfuerzo de interpretación. CFK entendió que era un mensaje para que no dijera algo. Pero, ¿por qué dar por sentado que el autor del mensaje es Menchi y no que, gracias a su impresionante sensibilidad para detectar corrientes profundas de la sociedad, interpretó con ese dibujo la intolerancia de las patronales rebeldes, que intenta silenciar a quien apenas lleva cien días de gobierno? La obra de un gran artista no es obvia ni unívoca. En cualquier caso, Sábat tiene derecho a opinar lo que quiera sin que nadie ponga en duda que lo hace de buena fe, como cada acto de su vida, de trabajador austero y obsesivo. Por eso, éste sí es un mensaje mafioso. Los admiradores incondicionales del Maestro decimos: “No se metan con el Menchi”.

 

En 2012, en el marco de un fallo judicial contra la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual (impulsada por la Presidenta) y favorable al Grupo Clarín, Sábat publicó en ese diario una imagen de la presidenta con un ojo golpeado, que suscitó repudios de diversos sectores. Días después la Legislatura porteña reunió votos suficientes para repudiar la caricatura al ser un “acto de violencia de género”.​ La Legislatura consideró sexista, misógina a la caricatura y que constituía un acto de violencia simbólica contra la mujer, prohibido por la ley 26.485.

Tiempo después Sabat fue cuestionado por su caricatura de Santiago Maldonado, quien había desaparecido el 1 de agosto de 2017 tras la represión de Gendarmería y fuera encontrado ahogado en el río Chubut meses después

Fuente: wikipedia

 




Alrededor de 200 referentes del ámbito público y privadose reunieron esta semana en el marco del capítulo local del Women20.

W20: arrancó el debate entre las líderes argentinas.

Alrededor de 200 mujeres líderes de Argentina se reunieron esta semana en el marco del capítulo local del Women20, el plan de empoderamiento económico de la mujer en el marco de la presidencia argentina del G20. En el encuentro, que se realizó en Buenos Aires, se debatieron sobre los impedimentos que existen actualmente para que las mujeres lleguen a puestos de decisión y, a su vez, se expusieron diferentes propuestas para aumentar su participación en lugares claves. Las conclusiones que surjan después de la serie de debates que se darán en las próximas semanas se elevarán a la cumbre del G20, donde se decidirá -entre el 1 y 3 de octubre- qué planteos se suman a la declaración final.

Graciela Adán, presidenta de la Fundación Global y delegada del W20, fue la organizadora de la jornada de presentación de la comisión “Mujeres en puestos de decisión” -una de las seis comisiones que integran Women 20-, que contó con numerosas mujeres destacadas, como la empresaria y cochair del W20 Andrea Grobocopatel, quien hizo una presentación del W20 en el inicio del evento.

Para dar inicio al debate, se presentó una encuesta realizada a más de 200 referentes del sector corporativo, público y organizaciones de la sociedad civil para conocer sus propuestas y empezar a trabajar en un primer acercamiento a los factores de desigualdad de género al interior de las organizaciones, así como delinear expectativas relacionadas con medidas concretas de acción.

La directora de la consultora CIO, Cecilia Mosto, presentó los resultados, entre los que se incluyeron las propuestas de las entrevistas sobre qué acciones que podrían llevarse adelante en el corto plazo para mejorar el acceso de la mujer a los puestos de conducción, las encuestadas propusieron:

mejorar los procesos de acceso y movilidad en las organizaciones (por ejemplo, implementar CV ciegos en la selección de personal, mejorar los procesos de reclutamiento, promoción y desarrollo de carrera, y fortalecer los canales de ascenso y movilidad en función del mérito),
implementar dispositivos y modalidades que permitan combinar el crecimiento laboral y personal (entre ellos, una extensión de la licencia, involucrar a los varones en los debates en torno al género, y promocionar del uso de herramientas tecnológicas colaborativas) y,
por último, destacaron la importancia de generar espacios de debate y concientización para sensibilizar sobre la problemática.
Más tarde, la consultora y especialista en management femenino Lidia Heller, y la exsenadora María Eugenia Estenssoro, conversaron sobre las estructuras de poder y los roles dentro de las instituciones. Anabel Perrone, directora ejecutiva de la Fundación YPF, forma parte del equipo de trabajo y se encargó de coordinar los paneles.

“Este diálogo continúa a través de cuatro mesas o grupos de discusión, que se llevarán a cabo en la Fundación YPF, la Fundación Telefónica, Fundación Voces Vitales y AmCham, así como también en el interior del país, como en las provincias de Córdoba o Buenos Aires”, explicó Graciela Adán. “Allí se discutirán los impedimentos y las propuestas para que las mujeres puedan acceder a puestos de decisión que, luego, elevarán al Foro Nacional de Debate del W20 Argentina, que será el 27 de marzo. Esas conclusiones serán las que se lleven a la conversación internacional, que se debatirá con el resto de los países para elevar, ahí sí, las conclusiones finales al G20”.

W20: arrancó el debate entre las líderes argentinas.

Fuente: Clarín

Sitio Oficial W20




En este día de 1788, Mary Prince nació en Brackish Pond, Bermuda. Vendido de maestro a amo durante toda su vida, Prince terminó en la isla de Antigua en 1815, donde se unió a la iglesia de Moravia en 1817 y aprendió a leer. A pesar de no haber recibido una educación formal, Prince fue reconocida como Héroe Nacional de las Bermudas por su trabajo para abolir la esclavitud.

En diciembre de 1826, Prince se casó con Daniel James, un antiguo esclavo que había logrado comprar su libertad. Su amo en ese momento la castigó por casarse con un hombre negro libre con permiso y en dos años el esposo y la esposa se separaron porque la familia de Prince se mudó a Inglaterra llevándola con ellos.

Después de la aprobación de la Ley de comercio de esclavos de Gran Bretaña en 1808, ya no se permitía la esclavitud en Inglaterra, aunque la institución de la esclavitud continuó en las colonias británicas. Prince era legalmente libre en suelo británico, pero no tenía medios para mantenerse. Bajo las reglas imperantes de la época, si intentaba regresar a casa con su esposo, correría el riesgo de volver a ser esclavizada.

En 1829, Prince se convirtió en la primera mujer en presentar una petición al Parlamento, en defensa de su derecho humano a la libertad. Ese mismo año, algunos de sus socios en el movimiento “abolicionista” antiesclavista introdujeron un proyecto de ley que proponía que cualquier esclavo de las Indias Occidentales traído a Inglaterra por sus propietarios debía ser liberado. No pasó, pero el impulso comenzó a cambiar a favor de la causa abolicionista.

Dos años después, Prince publicó su autobiografía, convirtiéndola en la primera mujer negra en publicar una narración de esclavos en Inglaterra. Su libro jugó un papel decisivo en convertir a la opinión pública británica contra la institución centenaria de la esclavización humana.

“He sido esclavo yo mismo”, escribió Prince en La historia de Mary Prince, una esclava de las Indias Occidentales . “Sé lo que sienten los esclavos: puedo decir por mí mismo qué sienten otros esclavos y qué me han dicho. El hombre que dice que los esclavos son bastante felices en la esclavitud, que no quieren ser libres, ese hombre es ignorante o una persona mentirosa. Nunca escuché a un esclavo decir eso “.

Publicado en 1731, el libro causó sensación, pasando por tres impresiones solo en el primer año. En uno de los muchos pasajes desgarradores del libro, Mary recordó haber sido vendida “como ovejas o ganado” el mismo día que sus hermanas menores Hannah y Dina fueron vendidas a diferentes maestros. “Cuando terminó la venta, mi madre se abrazó y nos besó, y se lamentó por nosotros, rogándonos que mantuviéramos un buen corazón y cumpliéramos con nuestros nuevos maestros. Fue una triste despedida; uno fue por un lado, el otro, y nuestra pobre mamá se fue a casa sin nada “.

Se presentaron dos demandas por calumnias contra el editor del libro en 1833, y Mary Prince testificó en ambas, reprendiendo efectivamente cualquier afirmación de que el libro era inexacto o difamatorio. Después de eso, no hay constancia de sus movimientos: es posible que se haya quedado en Inglaterra o haya regresado a casa con su esposo en Bermuda.

El 1 de agosto de 1838, unos 800,000 esclavos que vivían en colonias británicas en todo el Caribe finalmente fueron liberados, tras la aprobación de la Ley de Abolición de la Esclavitud de Gran Bretaña, que fue aprobada por el Parlamento dos años después de la publicación del libro de Mary Prince.

Feliz cumpleaños Mary Prince!

 

Homenaje del Doodle de Google

230º aniversario del nacimiento de Mary Prince




Fallece a los 94 años Charles Aznavour

2014.06.23. Charles Aznavour Fot Mariusz Kubik 04.jpgStars Glitter gifs Q.E.P.D.

Charles Aznavour (b. May 22, 1924) – French singer Fuente. Mariusz Kubik –

Trabajo propio

Charles Aznavour (París, Francia; 22 de mayo de 1924-Mouriès, Bocas del Ródano, Francia; 1 de octubre de 2018), registrado al nacer con el nombre de Shahnourh Varinag Aznavourián Baghdassarian (Շահնուր Վաղինակ Ազնավուրյան Բաղդասարյան), fue un cantante, compositor y actor francés de origen armenio, considerado en todo el mundo como «el embajador de la chanson (canción francesa)». Aún activo hasta los 94 años de edad, cuando falleció, era uno de los cantantes franceses más populares y de carrera más extensa en la historia de la música universal, siendo el más conocido internacionalmente; llegó a vender doscientos millones de disco Aznaour conocido por críticos y admiradores con el apodo de «Charles Aznavoice». Se le atribuye la frase «El show debe continuar»

Inicios y consagración en la música
Nació en París de padres armenios, su verdadero nombre era Shahnourh Varinag Aznavourián Baghdassarian. Debutó en la canción junto a su hermana Aída, al mismo tiempo que en el teatro en 1933, donde interpretó desde los once años diferentes papeles infantiles.

Su encuentro en 1941 con Pierre Roche fue decisivo para él: los dos hombres escribieron juntos canciones y las interpretaron a dúo. “J’ai bu”, cantada por Georges Ulmer, ganó en 1947 el Grand Prix. El dúo actuaba entonces en la primera parte de los conciertos de Édith Piaf, hasta que Roche se fue a Quebec. Aznavour escribió canciones para estrellas como la Piaf («Jézébel»), Juliette Gréco («Je hais les dimanches»), Eddie Constantine («Et bâiller, et dormir»), pero al principio de su carrera tuvo muchas dificultades para triunfar. Más tarde, supo explotar este periodo de su vida en una canción que recoge el estado de ánimo de un fracasado en el mundo de la canción: «Je m’voyais déjà».

Su primer gran triunfo fue en 1953, cuando actuó en el teatro Olympia: «Sur ma vie» se convirtió en su primer gran éxito. Canciones como «Viens pleurer au creux de mon épaule», «Tu t’laisses aller», «La mamma», «Comme ils disent», son cada una de ellas un pequeño bosquejo de la vida cotidiana, un fragmento de vida. Aznavour posee una capacidad especial para resumir en pocas frases una situación en la que se encuentran muchas personas. También ha sabido explotar muy bien su persona, su talla, su voz: sus defectos se han convertido en cualidades.

Muy pronto conquistó al público estadounidense y, más tarde, recorrió el mundo con su música. En 1994 grabó con Frank Sinatra el clásico «You Make Me Feel So Young» para el álbum Duets del legendario crooner norteamericano.

Papeles en el cine

Charles Aznavour en 1956.
Paralelamente ha tenido una carrera cinematográfica, demasiado discreta para su gusto, revelándose como un actor de talento en Tirez sur le pianiste («Disparen sobre el pianista») (1960) de François Truffaut, Un taxi pour Tobrouk (1961) de Denys de La Patellière, La prueba de valor (1970) de Michael Winner, Diez negritos (1974) de Peter Collinson y en El tambor de hojalata (1979) de Volker Schlöndorff.

En 1982 vuelve a ser una estrella internacional de cine al interpretar el papel de Naphta en Der Zauberberg («La montaña mágica»), película dirigida por Hans W. Geißendörfer. En 2002 actuó en Ararat.

Últimos años
En 2002, Aznavour colaboró en el disco Duets del legendario cantautor y músico cubano Compay Segundo, grabando a dúo la canción «Morir de amor».

En 2009, su canción «For me, formidable» sonaba en la banda sonora de la película Siete almas protagonizada por Will Smith. También en ese año, Aznavour publicó un álbum doble: Dúos, donde cantaba con estrellas de varias generaciones como Liza Minnelli, Elton John, Plácido Domingo, Sting, Josh Groban y Laura Pausini. Gracias al uso de nuevas tecnologías, Aznavour ha podido grabar un dueto con la difunta Édith Piaf, con quien actuó «cientos de veces» pero sin llegar a registrar dichas actuaciones.

A los 87 años de edad, entre septiembre y octubre de 2011, realizó una larga serie de conciertos en el teatro Olympia de París y en otras ciudades francesas.En 2014, coincidiendo con su 90.° aniversario emprendió una nueva gira de conciertos, que le llevó a escenarios de varios países, como el Gran Teatro del Liceo en Barcelona.

Vida privada
Residió habitualmente en Ginebra (Suiza), donde trabajaba como embajador de Armenia.

Casado en tres ocasiones, tuvo en total seis hijos: Seda (1946), Charles (1952), Patrick (1956, muerto a los 25 años), Katia (1969, corista junto a él desde 1996), Misha (1971) y Nicolás (1977), y una nieta llamada Leila.

Charles Aznavour en 2007.
en:User talk:Xavierphoto Xavier Thomas http://photo75.online.fr – [1]
Charles Aznavour



{29 septiembre, 2018}   *Homenaje a Michael Jackson 60 años

Precioso homenaje a Michael Jackson por su 60 cumpleaños, realizado por niños de todo el mundo.



{25 septiembre, 2018}   Virgen del Rosario de San Nicolás

Virgen Maria San Nicolas 2.jpgPilgrins in line, waiting to see the holy image of Nuestra Señora del Rosario de San Nicolás (Virgin Mary of San Nicolás) inside the Sanctuary built in her honor. San Nicolás de los Arroyos, Buenos Aires, Argentina.
Mushii – Trabajo propio

 

La Virgen del Rosario de San Nicolás es una de las muchas advocaciones con la que se venera la figura de la Virgen María en el catolicismo. El día 25 de mayo del año 2009 fue coronada. Esta imagen genera uno de los fenómenos de peregrinación católicos más importantes de la República Argentina.

Virgen del Rosario San Nicolás







Con 42 niveles movibles, que alcanzan la altura de once metros, se compone la cara del conocido escritor checo Franz Kafka. Este busto de 39 toneladas, debido al artista David Černý, se instaló en noviembre de 2014 junto al nuevo centro comercial Quadrio, directamente sobre la estación de metro Národní Třída.



{21 septiembre, 2018}   *Primavera!!!

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Alegoría de la primavera
(Allegoria della primavera) Sandro Botticelli, c. 1477-1478

Detalle de Flora

Las tres Gracias

Céfiro y Cloris

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Equinoccio de Primavera 2018                  Doodle de Google

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{20 septiembre, 2018}   Planeador del azúcar

Petaurus breviceps-Cayley.jpg

 

El planeador del azúcar ( Petaurus breviceps ) es una pequeña zarigüeya planetaria , omnívora , arbórea y nocturna perteneciente a la infraclase marsupial . El nombre común se refiere a su preferencia por los alimentos azucarados como la savia y el néctar y su capacidad para deslizarse por el aire, al igual que una ardilla voladora .  Tienen hábitos y apariencia muy similares a los de la ardilla voladora, a pesar de no estar estrechamente relacionados, un ejemplo de evolución convergente .  El nombre científico , Petaurus breviceps , se traduce del latín como “bailarín de cuerdas de cabeza corta”, una referencia a sus acrobacias de dosel . 

El planeador del azúcar se caracteriza por su membrana deslizante, conocida como patagium , que se extiende desde sus patas delanteras hasta sus patas traseras,  una a cada lado de su cuerpo. El deslizamiento sirve como un medio eficiente para llegar a los alimentos y evadir a los depredadores. El animal está cubierto de un pelaje suave, de color gris pálido a marrón claro con una capa de sombra , siendo más claro en su parte inferior.

El planeador del azúcar es endémico de partes de Australia continental , Nueva Guinea y ciertas islas de Indonesia ; y se introdujo en Tasmania , probablemente en la década de 1830. Es una mascota exótica popular, pero está prohibida en algunas regiones, incluidas partes de Australia y los Estados Unidos.

La subespecie longicaudatus (cola larga) atraída por el agua azucarada en un árbol en el Parque Nacional Crater Lakes, Queensland. La membrana deslizante es visible a lo largo de su costado.
Joseph C Boone – Trabajo propio

 

Planeadores del azúcar masculinos y femeninos que comen gusanos de la harina de un cuenco

Planeadores del azúcar masculinos y femeninos que comen gusanos de la harina de un cuenco

En todo el mundo, el planeador del azúcar es popular como mascota exótica y, a veces, se considera una mascota de bolsillo .

En Australia, los planeadores del azúcar se pueden mantener en Victoria, Australia del Sur y el Territorio del Norte. Sin embargo, no se les permite tener mascotas como mascotas en Australia Occidental , Nueva Gales del Sur , el Territorio de la Capital Australiana , Queensland o Tasmania .

Los planeadores del azúcar son populares como mascotas en los Estados Unidos, donde se crían en grandes cantidades. La mayoría de los estados y ciudades permiten a los planeadores de azúcar como mascotas, con algunas excepciones como California, Hawai ,  Alaska y Nueva York . En 2014, Massachusetts cambió su ley, permitiendo que los planeadores de azúcar se mantuvieran como mascotas. Algunos otros estados requieren permisos o licencias.  Los criadores de planeadores del azúcar están regulados y autorizados por el Servicio de Inspección Zoosanitaria y Fitosanitaria ( APHIS ) del Departamento de Agricultura de los Estados Unidos ( USDA ) a través de la Ley de Bienestar Animal . 

La especie está dividida en siete subespecies; tres ocurren en Australia, cuatro en Nueva Guinea, aunque el debate sobre la delineación actual de especies continúa. Estas siete subespecies están actualmente designadas por pequeñas diferencias morfológicas , como el color y el tamaño corporal. Sin embargo, el análisis genético utilizando ADN mitocondrial indica que las subespecies morfológicas pueden no representar poblaciones genéticamente únicas.

Petaurus breviceps distribution.png

Planeador de azucar . Australia




Rachid Taha.jpgStars Glitter gifs

Algerian singer-songwriter Rachid Taha.
Fuente imagen: Unknown – http://www.knittingfactoryrecords.com/artists/rachid-taha/news/rachid-taha-algerian-roots-american-rock-n-roll

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Fuente imagen: French-Algerian singer Rachid Taha performing live in 2007
mtr0212 – https://www.flickr.com/photos/mtr0212/2087024811/

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Fuente imagen: MorganeC
Les Hotels Paris Rive Gauche – AlainB – rachid taha séance photo Hôtel des Grands Hommes
Llegó a Francia a los diez años de edad.

Se hizo famoso con una versión de Douce France, de Charles Trenet, interpretada con su grupo Carte de Séjour.

Proponía una música emblemática de tendencia a la mezcla de las clases y tradiciones culturales, característica de las músicas del mundo, en distintos géneros musicales, como el raï, el tecno y el rock. Creó, al compás de sus álbumes, un discurso musical inventivo y original. Además, su voz ronca y áspera ofrecía una versión muy moderna del raï contemporáneo. Reunió, en 1997, todos sus éxitos con el título Carte Blanche, antes de mencionar, entre un planteamiento respetuoso y contribuciones tecnológicas, sus raíces argelinas con Diwan, álbum de reanudaciones de grandes clásicos de la canción árabe.

En 2014 se dio a la fama en España cantando junto a India Martínez el tema principal de la película El Niño.

Falleció el 12 de septiembre del 2018, a la edad de 59 años, en su casa de París, debido a un infarto.

Ref:

Nota en la página web del periódico estadounidense New York Times sobre Rachid Taha (en inglés) (Consultado miércoles, 12 de septiembre del 2018)

Telecinco.es (18 de agosto de 2014). «India Martínez pone voz a la película de ‘El Niño’ producida por Telecinco Cinema».

Lavozdealmeria.es (2 de septiembre de 2014). «‘El niño’, mejor estreno español del año».

Marolle, Emmanuel; Poussel, Marie (12 de septiembre del 2018). «Le chanteur Rachid Taha est décédé». Le Parisien(París). Consultado el 12 de septiembre del 2018.




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Adam Elsheimer –

La Exaltación de la Santa Cruz (en griego: Ὕψωσις τοῦ Τιμίου Σταυροῦ; en latín: Exaltatio Sanctæ Crucis), es una fiesta religiosa de la Iglesia católica, la Iglesia ortodoxa y otras denominaciones cristianas. En ella se conmemora la Cruz en la que fue crucificado Jesucristo. La fecha de esta celebración es el 14 de septiembre y en América Latina el 3 de mayo . En esta festividad el cristiano recuerda el papel central que juega la Cruz en su vida, respondiendo al llamado de Jesucristo: “— Si alguno quiere venir detrás de mí, que se niegue a sí mismo, que tome su cruz y que me siga”. (Mateo, 8, 24).

Historia
La Iglesia católica, muchos grupos protestantes y ortodoxos celebran la fiesta de la Exaltación de la Santa Cruz el 14 de septiembre, ya que ese día es el aniversario de la consagración de la iglesia del Santo Sepulcro de Jerusalén en 335. También se dice que ese día se conmemora la recuperación de la Cruz por Heraclio en el 628 de manos de los persas, que la tenían en su poder desde un tiempo después de su muerte.

Liturgia
En la liturgia se tiene constancia de esta celebración desde el siglo IV. En la liturgia romana de la Iglesia católica celebra este día como “fiesta del Señor”, segunda categoría litúrgica entre las fiestas de los santos, celebrándose en todas las iglesias. Si cae en domingo, tiene preferencia ante la celebración dominical. El color litúrgico del día es el rojo. Tradicionalmente, en esta fiesta se exponen las reliquias de la Santa Cruz, si existen en el templo, u otras cruces.

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Ganesha o Ganesh es uno de los dioses más conocidos y adorados del panteón hinduista.1​ Tiene cuerpo humano y cabeza de elefante. Es ampliamente reverenciado como removedor de obstáculos, patrono de las artes, de las ciencias y señor de la abundancia

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How We Used to Celebrate Ganesh Chaturthi 30 Years Ago!

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Shubh Ganesh Chaturthi

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En medio de la psicosis creciente desatada por una bacteria, este miércoles al mediodía se sumó otro caso, ahora en la provincia de Río Negro. Un bebé de 20 meses de Viedma murió en un sanatorio privado de General Roca, infectado por el streptococcus pyogenes. El fallecimiento se produjo el 3 de septiembre, pero las autoridades sanitarias locales lo confirmaron recién ahora. Este caso se suma a otro difundido horas antes, de un hombre de 38 años de Pergamino, el primer adulto que falleció por la enfermedad.

Guardia del Hospital Pedro Elizalde. (Lucía Merle)

Guardia del Hospital Pedro Elizalde. (Lucía Merle)

El bebé “ya tenía una patología previa, estaba con neumonía y se sobreinfectó”, informó María de las Mercedes Iberó, secretaria de relaciones Institucionales del Ministerio de Salud de Río Negro.

Respecto del caso de Pergamino, según detallaron desde la cartera de Salud bonaerense a Clarín, la víctima era un hombre de 38 años, productor de turismo, que presentó “neumonía con derrame pleural, que evolucionó en 48 horas a sepsis y falleció”.

Guardia del Hospital Pedro Elizalde colapsada por la cantidad de consultas sobre bacteria que se cobró varias vidas. (foto Lucía Merle)

En la Provincia se notificaron cuatro casos de estreptococo invasivo. Además del caso de Pergamino se registró la muerte de una nena de Avellaneda de 7 años falleció en el hospital Elizalde (una de las dos primeras víctimas que se notificó). También en ese centro de salud porteño está internada otra nena de 4 años de Bernal (también había sido informado), en tanto que un nene de 5 de Florencio Varela también se encuentra hospitalizado. Así, son hasta ahora cinco fallecidos (dos nenes en Capital, una en Rosario y otra en Misiones, y un adulto en Pergamino) y tres los pacientes internados por el streptococcus.

El director de Epidemiología bonaerense, Iván Insúa, también insistió en que no hay epidemia, ni siquiera brote. “No estamos en un brote bajo ningún punto de vista. En Estados Unidos, tienen entre 10.000 y 13.000 casos graves por año, con 1.600 fallecidos, para comparar la magnitud del problema que estamos cursando hoy”, remarcó para llevar tranquilidad.

Respecto de por qué la bacteria alcanza también a los adultos, Insúa dijo que “cualquiera puede estar afectado porque coloniza, vive de bacteria habitual en la piel o en las mucosas de los humanos, y cuando hay una baja de las defensas puede encontrar la oportunidad”. El funcionario insistió en la necesidad de la consulta precoz ante los síntomas de la enfermedad.

Por estas horas se está llevando adelante en el instituto de referencia ANLIS – Malbrán la investigación de la cepa de streptococcus pyogenes que está circulando, para determinar si efectivamente se trata de una cepa más virulenta. En el instituto hay tres equipos de profesionales abocados a esa tarea: el de Bacteriología especial, el de Resistencia antimicrobiana y el equipo de Plataforma de Genoma y bioinformática. Los equipos harán la secuenciación completa del genoma de la bacteria que permitirá identificar si se trata de una cepa más virulenta. A su vez, se realizará un perfil de respuesta o resistencia a los distintos agentes antimicrobianos o antibióticos. Esto es clave para determinar el mejor tratamiento de los casos.

La Secretaría de Salud de la Nación emitió el lunes por la tarde un comunicado en el que recomendó “fortalecer la vigilancia y el tratamiento precoz de las infecciones invasivas bacterianas”. Además, aclaró que este tipo de eventos pueden darse con mayor frecuencia en esta época del año y sugiere concurrir al centro de salud más cercano ante la aparición de cuadros respiratorios que presenten temperatura elevada, dolor de garganta, ganglios inflamados o bien infecciones en la piel. Ya este martes, en una recorrida Clarín comprobó que hay largas esperas en las guardias pediátricas públicas y privadas, en algunos casos, con esperas de seis horas.

En todos los casos de los pacientes atendidos en hospitales por la bacteria, les tomaron muestras que fueron derivadas a los servicios de Bacteriología Especial y de Antimicrobianos, ambos del Instituto ANLIS – Malbrán, para la identificación de serotipos y estudios de resistencia antimicrobiana respectivamente. “Las infecciones por la bacteria streptococcus pyogene son habituales en la población infantil (aunque pueden ocurrir en otras edades) y se presentan con mayor frecuencia hacia finales del invierno y principios de la primavera. Si bien es un evento notificable, es importante conocer situaciones como las ocurridas de manera tal de poder profundizar las investigaciones epidemiológicas por parte de las jurisdicciones”, explicó Patricia Angeleri, directora de Epidemiología y Análisis de la Situación de Salud de la Secretaría de Salud de la Nación.

Fuente: Clarín



{13 septiembre, 2018}   *Blanca Luz Brum

“La chica del fin del mundo”

“el colchón de América” (por las especulaciones que había en torno a su vida privada que le sacaban rédito a su arduo trabajo politico-cultural)

 

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Blanca Luz Brum Elizalde (Pan de Azúcar, Maldonado, 31 de mayo de 1905 – Santiago, Chile, 7 de agosto de 1985) fue una escritora y poeta uruguaya.

Más que su obra, es su vida la recordada por la posteridad: escribe poemas, artículos periodísticos, pinta y tiene actuaciones políticas y pasionales que atraviesan varias gamas del espectro. Formó parte de movimientos latinoamericanos como el de la revista Amauta, liderado por José Carlos Mariátegui en Perú, el de comunistas muralistas mexicanos a partir de su relación amorosa con David Alfaro Siqueiros, el Frente Popular de izquierda que gobernó Chile desde 1937 a 1941, del cual fue una de las organizadoras, y el peronismo de Argentina en cuya creación desempeñó un papel destacado desde la movilización obrera del 17 de octubre de 1945

Comienzos
Se casó a los 16 años con el poeta peruano –afincado en Uruguay– Juan Parra del Riego, quien según una leyenda no desmentida, la raptó del convento para casarse con ella. El 16 de noviembre de 1925 nació su hijo Eduardo y el 22 de ese mes, murió Parra del Riego.

Viuda a los 20 años, partió hacia Lima para que el niño conociera la tierra y la familia de su padre. Allí, conoció a José Carlos Mariátegui, escribió encendidos artículos en la revista Amauta. Editó una pequeña revista: Guerrilla – Atalaya de la revolución, que publicaba poesía rupturista y de contenido social.

En 1928, regresó a Montevideo, experiencia que describirá en el libro Blanca Luz contra la corriente publicado en 1936: «He nacido en esta ciudad sudamericana, he salido a cantar por todas las calles del universo, he llorado a gritos, he amado a gritos. He peleado y he regresado a esta ciudad sudamericana y todo estaba igual».

Hacia fines de 1928, logró publicar una sección semanal en el diario Justicia del Partido Comunista bajo el título de El arte por la revolución que pregona el deseo de terminar con «el arte por el arte para ponerlo al servicio de la revolución».

México – Buenos Aires
En mayo de 1929, llegó a Montevideo el muralista mexicano David Alfaro Siqueiros como delegado al Congreso de Sindicalistas. El encuentro entre ambos fue apasionado; Blanca Luz tomó a su hijo Eduardo y partieron con aquél a México, donde se casaron y vivieron tiempos difíciles: la pareja y el pequeño hijo de Blanca Luz permanecen dos meses presos. Fueron liberados, pero Siqueiros fue encarcelado otros seis meses.

En México participó de actividades culturales y políticas junto a Diego Rivera, Frida Kahlo, Tina Modotti, Sergéi Eisenstein (que filmaba ¡Que viva México!).

En 1933, la pareja llegó a Montevideo, recibida por Luis Eduardo Pombo, Francisco Pintos, Vicente Basso Maglio, Jesualdo Sosa, Carmelo de Arzadun, Justino Zavala Muniz, entre otros. Cruzaron a Buenos Aires donde fueron recibidos por la intelectualidad porteña, participaron de la peñas literarias en boga y captaron la atención del magnate periodístico Natalio Botana y su esposa, la escritora anarquista Salvadora Medina Onrubia. Botana ofreció a Siqueiros el sótano de su quinta Don Torcuato para trabajar. Allí, Siqueiros realizó una de sus obras más innovadoras: Ejercicio Plástico. El mural de Siqueiros es uno de los dos murales que el artista hizo en América latina. Para su concreción, el mexicano tuvo como colaboradores a los argentinos Antonio Berni, Lino Enea Spilimbergo, Juan Carlos Castagnino y el uruguayo Enrique Lázaro.

La modelo de las figuras femeninas, nereidas y ondinas que pueblan las paredes es Blanca Luz. La permanencia en Don Torcuato culminó en gritos y escándalo debido al romance que sostenía Blanca Luz con Botana. Siqueiros partió a Nueva York y Brum permaneció en Buenos Aires.

En 1941, Botana falleció en un accidente, la familia litigó por las propiedades y el bello Ejercicio Plástico quedó a la espera de un fallo judicial que salvase de la destrucción a la mayor obra realizada por Siqueiros fuera de México. Este mural «envolvente» es único, ya que toda la superficie visible en su interior está pintada (techo, paredes y piso).

El mural Ejercicio Plástico ha sido restaurado luego de lo cual ha permanecido en un galpón acondicionado en la Plaza Colón. Se lo exhibe en la Aduana Taylor, en el edificio del Museo del Bicentenario detrás de la Casa de Gobierno de la Argentina. Su emplazamiento ha respetado el entorno original de modo que para verlo se debe ingresar al espacio que reproduce el sótano que Botana tenía en Don Torcuato.

Chile
En 1935 -a los 30 años-, divorciada de Siqueiros, vivía en el norte de Chile, casada con Jorge Béeche, ingeniero de minas y diputado radical. A fines de 1938 nació su hija María Eugenia. Escribió poemas a sus hijos.

En 1942, Blanca Luz era la Jefa de prensa de su amigo y candidato radical a la presidencia de Chile Juan Antonio Ríos.

Argentina
A partir de 1943 se relacionó con los sectores sindicales que dieron origen al peronismo en Argentina, se desempeñó como la encargada de prensa de la Secretaría de Trabajo y Previsión Social a cargo de Juan Domingo Perón. Desempeñó un papel destacado como organizadora y agitadora en la movilización obrera del 17 de octubre de 1945, que liberó a Perón de su detención dispuesta por un golpe de Estado militar y abrió el camino a su triunfo electoral al año siguiente.

Chile – Isla Robinson Crusoe
Se divorció y se casó de nuevo con un alto ejecutivo de apellido Brunson; nació su hijo Nils, en 1948.

En marzo de 1957, ayudó al peronista Patricio Kelly a huir de la cárcel de Santiago, disfrazado de monja. Su situación se complicó y se fue a vivir a la Isla Robinson Crusoe.

En 1963 apoyó a Eduardo Frei Montalva en su campaña por la presidencia de Chile.

El triunfo de la Unidad Popular y de Salvador Allende la llenó de miedo y angustia y quiso irse de Chile. Buscó por varios medios que el gobierno de Jorge Pacheco Areco le concediera una representación cultural en alguna embajada.

Luego de el golpe de estado del 11 de septiembre de 1973, viajó desde la Isla a Santiago para marchar frente a La Moneda y donar joyas. Años más tarde, recibió una condecoración de manos de Augusto Pinochet.

Escribió sobre su vida en la isla:

«Huelo la brea y el alquitrán de los veleros, y ya estoy en ella.

Amanezco en la Isla.

De las pequeñas casitas de los pescadores que palpitan en la hondonada y en los faldeos de la isla sube el primer humo de la cocina isleña, se oye también el golpe seco del hacha que parte la leña y algún lejano balido de viejas cabras de Robinson Crusoe.

Un rumor permanente de agua que corre casi debajo de mi almohada y que desde hace siglos viene rodando desde la salvaje cumbre del Yunque, entre siglos de helechos y fósiles antiguos de perfumados sándalos.

Todo aquí es milenario.

Un resto de los seis primeros días del mundo».

Sus dos hijos varones murieron en accidentes automovilísticos: Eduardo Parra del Riego, en Lima, y Nils Brunson, en Santiago de Chile. En esta última ciudad falleció Blanca Luz Brum el 7 de agosto de 1985.

Su nieta Cecilia Brunson, curadora de arte contemporáneo, publicó en México junto a Olivier Debroise Blanca Luz Brum: Amor, me hiciste amarga (2002).

Obra
Las llaves ardientes, 1925.
Levante, Lima, 1928.
Penitenciaría-Niño Perdido, México, 1931.
Atmósfera arriba, veinte poemas, Montevideo, 1933.
Blanca Luz contra la corriente, Chile, 1935.
Cantos de América del Sur, Chile, 1939.
Del cancionero de Frutos Rivera, 1943.3​
El último Robinson, Chile, 1953.

(Wikipedia)



{12 septiembre, 2018}   *Andrea Mantegna – *Giovanni Bellini

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detalle: Probable Autorretrato Andrea Mantegna

Andrea Mantegna (Isola di Carturo, actual Piazzola sul Brenta, ca. 1431 – Mantua, 13 de septiembre de 1506) fue un pintor del Quattrocento italiano.

Vida y obra

La muerte de la Virgen, Museo del Prado, Madrid.
Andrea Mantegna – Galería online, Museo del Prado.

 

Lamentación sobre Cristo muerto, 1470-1474, Pinacoteca de Brera, Milán.
Inicios
Nació en Isola di Carturo, un burgo en las cercanías de Padua, pero que en la época pertenecía al condado de Vicenza. De niño, solía guardar ganados aunque consiguió ser, por sus propios méritos, caballero. Igualmente, a los 10 años comienza a trabajar en el taller de pintura de Francesco Squarcione en Padua. Este, al descubrir su gran talento, lo adoptó. Así, siendo consciente Squarcione de que no era el más hábil de los pintores y con el propósito de que Andrea aprendiera más de lo que él sabía, le hizo estudiar copias de yeso de estatuas antiguas y algunas pinturas sobre tela, principalmente originarias de Toscana y Roma. De este modo, Andrea aprendió mucho en su juventud. Asimismo, la rivalidad con otros discípulos de su maestro (Marco Zoppo de Bolonia, Dario de Treviso, Niccolò Pizzolo de Padua) le sirvió de ayuda y, sobre todo, de estímulo. De hecho, fue con diecisiete años cuando hizo la pintura para el altar mayor de Santa Sofía, en Padua; obra que parece de un artista experto y no de un simple muchacho. Luego, le asignaron a Squarcione la decoración de la capilla de San Cristóbal, en la iglesia de los frailes Ermitaños de San Agustín, y este confió el trabajo a Niccolò Pizzolo y a Andrea. Niccolò hizo al Padre Eterno, sentado majestuosamente en medio de los Doctores de la Iglesia, de gran calidad artística, y Andrea pintó los cuatro Evangelistas, perdidos en su mayor parte tras los bombardeos sobre la ciudad en la Segunda Guerra Mundial.

Es también a los 17 años cuando se independiza, cansado de que su talento artístico fuera apropiado por su mantenedor. Además, en 1453 se casa con Nicolosia Bellini hermana de los también reconocidos artistas Giovanni Bellini y Gentile Bellini, y, por tanto, hija de Jacopo Bellini, rival de Squarcione. Este hecho le llevará a la enemistad con el que había sido su maestro. A partir de ese episodio entre maestro y discípulo, Squarcione, fue muy duro criticando a su antiguo alumno; críticas que, a pesar de que en un primer momento hirieron a Mantegna, también le hicieron progresar.

Ciertamente, hay que reconocer que, en aquellos momentos, Padua hierve como un lugar especialmente propicio para el arte de Mantegna. Él frecuenta los anticuarios de la ciudad, prestando especial atención a la pintura y el arte de la antigua Roma y perfilando así su propio estilo.

Mecenazgo de los Gonzaga
En 1459, Luis III Gonzaga convence al autor para que se traslade a Mantua. A partir de este momento trabajará toda su vida para la familia Gonzaga, bajo el mecenazgo directo de Isabel de Este, marquesa de Mantua y esposa de Francisco II Gonzaga. Como principal fruto de estos casi 50 años de patronazgo artístico quedan los dos trabajos más importantes de Mantegna: la decoración mural de la «Cámara de los esposos» en el Palacio Ducal de los Gonzaga y Los triunfos del César, serie de grandes lienzos que hoy se conserva en el palacio de Hampton Court en Gran Bretaña. También realiza Mantegna El Parnaso (1497) para Isabel de Este (Museo de Louvre).

Realizó además, para la capilla del castillo ducal mantuano, un retablo del que forma parte el Tránsito de la Virgen que se conserva en el Museo del Prado.

Anteriormente, realizó el San Sebastián ahora conservado en Viena (Kunsthistorisches Museum), y se expande su fama por toda Italia. Tras una estancia en Roma a las órdenes del papa Inocencio VIII para restaurar distintas obras.
Lamentación sobre Cristo muerto, 1470-1474, Pinacoteca de Brera, Milán.
Posteriormente, con El Cristo muerto, Mantegna dará la pauta de la pintura de los años siguientes. Su trabajo tiene cierta semejanza con el de su contemporáneo Melozzo da Forli, seguidor de Ansuino, aunque en concreto, la original perspectiva utilizada por Mantegna para la figura su Cristo muerto es completamente inusual en la pintura renacentista.

La figura humana clásica será una de sus obsesiones, y reflejará en sus obras cuerpos de perfectas proporciones, sólidos y de gran expresividad. De hecho aunque, tras independizarse de Squarcione, logró perfeccionarse en el dibujo de figuras del natural, Andrea siempre defendió la perfección y hermosura de las buenas estatuas de la antigüedad; pensaba que los maestros de la Antigüedad combinaban en una única figura las perfecciones (que rara vez se daban juntas en un único individuo), dando lugar a ejemplares incomparables de belleza. Todo esto fue influyendo en su estilo.

Donatello será su influencia en este periodo llamado «pétreo». Los primeros años del siglo XVI estarán claramente influenciados por Mantegna en toda la pintura italiana. Además, Andrea Mantegna mejoró el método para dibujar las figuras en escorzo, vistas desde abajo, lo cual fue un invento difícil y admirable.

Fin de la vida y obra de Mantegna
Andrea construyó y pintó para su uso personal una hermosa casa en Mantua, en la cual residió toda su vida.

Los últimos años de Andrea Mantegna en la Corte de Mantua los pasó bajo la protección de Isabel de Este, unánimemente reconocida como una de las damas humanistas más ilustradas del Renacimiento Italiano que se rodeó en su pequeño estudio del Castillo de San Jorge de una importante corte de artistas y pintores del momento. Junto a ella, un casi anciano Andrea Mantegna cultivó sobre todo la temática mitológica, destacando obras como “El Parnaso”, “El Triunfo de la Virtud”, o “Isabel de Este en el Reino de Armonía”, obras todas ellas hoy depositadas en el Museo parisino del Louvre.

Andrea Mantegna moriría un día de septiembre de 1506, contando nada menos que con 75 años de edad y acuciado por varias deudas ya que, las nuevas modas pictóricas propuestas por artistas de la nueva generación habían hecho que sus encargos se resintiesen.

Grabados
A Mantegna le gustaba grabar en cobre. Produjo así, diversos grabados, un medio apropiado para difundir su dibujo incisivo. Tuvieron gran repercusión y se distribuyeron incluso en Alemania, por lo que influyeron a artistas de varios países europeos.

Con todo, su autoría no es segura: se le asignan con seguridad solamente siete planchas, y las demás se atribuyen a grabadores más o menos próximos a su círculo, como Giovanni Antonio da Brescia (Zoan Andrea) y varios anónimos diferenciados con nombres como Premier engraver y Master of 1515. La Royal Academy de Londres les dedicó especial atención en la exposición antológica Andrea Mantegna y en el correspondiente catálogo (ed. Thames and Hudson, 1992).

En 1599, ya mucho después de fallecido Mantegna, el grabador Andrea Andreani realizó una famosa serie de xilografías de chiaroscuro copiando Los triunfos del César.

Existen grabados de Mantegna en España, como El combate de los dioses marinos (Madrid, Biblioteca Nacional de España) y Cristo bajando al Limbo (Madrid, Palacio de Liria, colección de la Casa de Alba).

Por mucho tiempo Mantegna fue considerado el autor de una serie de 50 grabados particulares, el Tarot de Mantegna, enigmática obra maestra del arte del grabado. Pero, como fue demostrado por Giordano Berti en el catálogo de la exposición A casa di Andrea Mantegna. Cultura artistica a Mantova nel Quattrocento (Mantua, 2006), no se trata propiamente de un Tarot, ni tampoco de una creación del célebre pintor. Esta baraja, de la que se conservan una decena de ejemplares en diversas bibliotecas y museos, se realizó en Italia, en Ferrara o en una ciudad del Véneto, hacia 1465. Se trataba claramente de un juego educativo que representa una concepción del mundo típica de la Edad Media, es decir un cosmos en miniatura expresado por cinco grupos: condiciones humanas, Apolo y las Musas, Artes liberales, principios cósmicos y virtudes cristianas, cuerpos celestes.

Sacra Alegoría (1490; Uffizi de Florencia).

Giovanni Bellini, también conocido por su apodo Giambellino (Venecia, h. 1433 – Venecia, 26 de noviembre de 15161​) fue un pintor cuatrocentista italiano. Probablemente sea el miembro más conocido de una familia de pintores venecianos que incluyó a su padre Jacopo, su hermano Gentile y su cuñado Andrea Mantegna. Está considerado como un artista que revolucionó la pintura veneciana, haciéndola progresar hacia un estilo más sensual y colorista. Gracias al uso de pintura al óleo clara y de secado lento, Giovanni creó tintes intensos y ricos y sombras detalladas. Su suntuoso colorido y los paisajes fluidos y con atmósfera tuvieron un gran efecto en la escuela de pintura veneciana, especialmente en sus alumnos Giorgione y Tiziano.

Giovanni Bellini, Presentación en el Templo

El festín de los dioses, h. 1514 acabado por su discípulo, Tiziano, 1529; óleo sobre lienzo; Galería Nacional de Arte, Washington D. C.
Giovanni Bellini – nga.gov

Cristo bendiciendo, 1465-1470. Nótese el borde de la túnica profusamente decorado con escritura pseudo-cúfica (véase detalle).
PHGCOM y un autor más – Trabajo propio

San Francisco en éxtasis, 1480; óleo y temple sobre tabla; colección Frick, Nueva York4​
Giovanni Bellini – egGQB5gOZujX4g at Google Cultural Institute, zoom level maximum

Biografía
Aunque sus contemporáneos apreciaron a Giovanni Bellini como un gran pintor, su vida está relativamente poco documentada; numerosas obras suyas de capital importancia carecen de un encuadramiento definitivo por la escasez de datos seguros.

Orígenes

Giovanni Bellini nació en Venecia, aunque no se conoce la fecha exacta de su nacimiento. Era hijo de un artista veneciano establecido, Jacopo Bellini. Giorgio Vasari afirma que murió con noventa años en 1516, de ahí que se le considerara nacido en 1426. Pero el historiador florentino, en quien son comunes estos errores en artistas que no conoció, es desmentido por un documento del testamento de la madre de Bellini, la marsicana Anna Rinversi, redactado con ocasión de su primer parto, en 1429. No es seguro si él era el primogénito de la familia o no: las fuentes contemporáneas hablan siempre de Gentile mayor que Giovanni, e incluso podría serlo su hermana Nicolosia (que luego casó con Andrea Mantegna) o un cuarto hermano, Niccolò, descubierto sólo en el año 1985 por Meyer Zu Capellen. La fecha de nacimiento de Giovanni no estaría entonces en los años veinte sino, al menos, alrededor de 1432-1433, si no más tarde.

Luego está la cuestión de su legitimidad. Normalmente se le considera hijo natural, nacido del padre fuera del matrimonio con otra mujer, o de un matrimonio precedente al de Anna, tomando como base el documento del testamento de Anna Rinversi de noviembre de 1471, cuando, ya viuda de Jacopo, dispone que sus bienes pasaran a Niccolò, Gentile y Nicolosia. Como no menciona a Giovanni, Fiocco (1909) consideró que eso probaba que era otra su madre. Esta tesis no se apoya en ninguna otra prueba y la crítica posterior ha sido cautelosa al respecto.

Fase juvenil
Los inicios artísticos
Creció en la casa de su padre, en cuyo taller se inició en el oficio, junto a sus hermanos Gentile y Niccolò. Los comienzos de Giovanni en el arte son inseguros y deben situarse en los años 1445-1450, si bien ninguna obra conocida del artista se atribuye unánimemente a aquel período. Entre los candidatos un tiempo más probables estuvieron un San Jerónimo del Instituto Barber de Birmingham y una Crucifixión del Museo Poldi Pezzoli. La crítica más reciente, sin embargo, atribuye estas obras a la producción genérica veneciana de la primera mitad del siglo XV.

Hasta la edad de casi treinta años su pintura está dominada por un hondo sentimiento religioso y un patetismo humano. Sus pinturas de este período temprano están todas ejecutadas en el antiguo método del temple. Su obra siguió el ejemplo del taller paterno y de los Vivarini, los dos más importantes centros pictóricos de la Venecia de la época. Para encontrar una primera mención cierta de Giovanni, hay que acudir a un documento del 9 de abril de 1459, cuando a la presencia del notario veneciano Giuseppe Moisis, prestó testimonio, constando como residente en solitario en San Lio.

Esto no significa, sin embargo, que el artista trabajara ya en solitario, al menos en los grandes encargos. Un testimonio de Fra Valerio Polidoro del año 1460 revela que realizó, junto con Jacopo y Gentile, el perdido retablo Gattamelata para la basílica del Santo en Padua, destinada a una nueva capilla dedicada a los santos Bernardino y Francisco.

La fase mantegnesca
Las primeras obras de Giovanni se han relacionado a menudo, compositiva, y estilísticamente, con las de Andrea Mantegna (1431–1506), que se convirtió en su cuñado en el año 1453. A esta influencia une la de Ansuino da Forlì, con formas rotas, cierta rudeza en el sello, que se va dulcificando progresivamente, y una composición minuciosa de los elementos. Entre las primeras obras que presentan estas características se encuentran las dos tablas de La crucifixión (h. 1455) y La transfiguración (h. 1455-1460) que se encuentran en el Museo Correr de Venecia. Las figuras son sutil y crudamente expresivas, la anatomía huesuda, el paisaje amplio pero con detalles minuciosos, con líneas secas y “rocosas”.

La relación con Mantegna se ejemplifica plenamente al confrontar obras parecidas, o en algunos casos, de idéntica composición. Es el caso por ejemplo de Cristo en el Monte de los Olivos de la National Gallery de Londres (h. 1459), similar a una obra de análogo tema de Mantegna en el mismo museo (h. 1455). Las dos derivan de un dibujo de Jacopo Bellini de su cuaderno de esbozos hoy en Londres. Comparten una atmósfera lívida y enrarecida, con un paisaje rocoso y árido, y un trazo bastante forzado. En la obra de Bellini, sin embargo, los colores son menos oscuros y esmaltados, más naturales y menos “pétreos”, y las formas están dulcificadas por líneas curvas, como el pulido “cojín de roca” sobre el que Jesús se arrodilla.

Más evidente es aún la comparación entre las dos Presentaciones en el Templo (h. años 1455-1460), más antigua la de Mantegna que la de Bellini. Tienen la misma composición y personajes: la Virgen y el Niño apoyados en un marco marmóreo en primer plano, con un viejo y caduco sacerdote que se adelanta a coger al niño mientras José, en segundo plano y medio oculta, mira la escena frontalmente. En la tabla de Mantegna el marco, recurso necesario para los habituales experimentos de “ruptura” espacial hacia el espectador, rodea todo el cuadro, con dos figuras laterales, quizá el autorretrato suyo y retrato de su mujer Nicolosia, y con una entoncación a un colorido reducido, que hace parecer a los personajes austeros y sólidos como esculturas de roca. En la Presentación de Bellini hay dos más, incluido su autorretrato. Organiza el grupo de otra manera, como una pequeña muchedumbre humana; la cornisa ha dejado el sitio a un alféizar más ágil, que aisla menos las figuras respecto al espectador, y los colores, sobre todo blancos y rojos, presentan con mayor dulzura y naturalismo en las carnaciones y demás superficies.
Poco más o menos el año 1460 Giovanni debió empezar la serie de las Vírgenes con Niño, que caracterizó como tema toda su carrera. Son imágenes de dimensiones pequeñas o medianas destinadas a la devoción privada, abundantísima en la producción veneciana del siglo XV. Pueden mencionarse la Virgen con Niño del Museo Malaspina de Pavía, la de Filadelfia, la Virgen Lehman en Nueva York y la llamada Virgen griega de la Pinacoteca de Brera en Milán.

En estas obras se unen influencias bien vivas en Venecia, gracias a su actividad mercantil: bizantinas como se ve en la fijeza icónica de la divinidad, y flamencas, con su atención analítica al detalle. Además Giovanni se vio influido por la escuela toscana difundida en el Véneto en aquellos años por la presencia durante años de Donatello en Padua (1443-1453) y el ejemplo de Andrea Mantegna (1431–1506), convertido ya en cuñado en 1453, con el cual se estableció una intensa relación de intercambio personal y artístico; con las obras de su cuñado se han relacionado a menudo, compositiva y estilísticamente, las primeras obras de Giovanni.

La primera producción de Bellini tienen también características propias, dadas por “una peculiar y dulcísima tensión que siempre une a la madre y al hijo en una relación de pathos profundo”.​ La composición se toma de los iconos bizantinos y cretenses, en algunos casos con extrema fidelidad. Pero fue radical la conversión de tales estereotipos inmóviles en figuras vivas y poéticas, capaces de instaurar una relación íntima con el espectador.

La serie de la Piedad

Pietà: Cristo muerto sostenido por la Virgen y San Juan, 1460; temple sobre tabla; Pinacoteca de Brera, Milán.
También trató en aquellos años el tema de la Pietà, representación artística de Cristo muerto sostenido por la Virgen. Lo hizo en un estilo distinto y algo más personal, con menos dureza en los contornos y un tratamiento más amplio de las formas y los vestidos, pero sin atenuar la intensidad del sentimiento religioso. También esta iconografía se inspiraba en modelos bizantinos: la imago pietatis. Los prototipos de la serie son la Piedad de la Accademia Carrara de Bérgamo y la del Museo Poldi Pezzoli, que datan entre los años cincuenta y sesenta; las siguieron el Cristo muerto sujetado por dos ángeles del Museo Correr, con influencias de Mategna, la célebre Piedad de la Pinacoteca de Brera (h. 1465-1470) y la de Rímini (h. 1474).

La madurez artística
Entre el año 1464 y el 1470 Giovanni se encontró involucrado con el taller de su padre en la ejecución de cuatro grandes trípticos para la recientemente reconstruida iglesia de Santa María de la Caridad en Venecia. Se trata de los trípticos dedicados a San Lorenzo, San Sebastián, a la Virgen María y a la Natividad, que fueron desmontados y recompuestos en la época napoleónica antes de entrar en la Galería de la Academia, atribuidos a los Vivarini, donde se encuentran hoy en día. Se trata de obras interesantes, pero su ejecución se atribuye hoy en gran medida a otras personalidades, mientras que el proyecto general es obra de Jacopo Bellini. Entre los cuatros, el más autógrafo de Giovanni es el Tríptico de San Sebastián.

El políptico de San Vicente Ferrer

Transfiguración de Cristo, h. 1487; óleo sobre tabla; Museo de Capodimonte, Nápoles.
El Tríptico de San Sebastián está considerado una especie de prueba general para su primera gran obra como pintor, el Políptico de San Vicente Vicente Ferrer (1464-1468). Fue ejecutado para la capilla homónima de la basílica de San Zanipolo en Venecia. Pintó nueve compartimentos dispuestos en tres registros, sobre los que estaba presente como coronamiento también una luneta perdida con el Padre Eterno.

Los santos del registro central están caracterizados por un fuerte mecanismo plástico, subrayado por la grandeza de las figuras, las líneas enfáticas de las anatomías y de los ropajes, el uso genial de la luz que irradia desde la parte baja hacia algunos detalles, como el rostro de San Cristóbal. El espacio está dominado por el paisaje lejano sobre el fondo y la profundidad en perspectiva sugerida por pocos elementos, como las flechas en escorzo de san Sebastián o el largo bastón de san Cristóbal.

En 1470 Giovanni recibió su primer nombramiento para trabajar junto con su hermano y otros artistas en la Scuola di San Marco, donde entre otros temas le encargaron pintar un Diluvio con el arca de Noé. No ha sobrevivido ninguna de las obras del maestro de este tipo. Se han perdido la mayoría de los grandes encargos públicos de Giovanni. Hubo un famoso retablo pintado en temple para una capilla en la iglesia de San Juan y San Pablo, que desapareció en un incendio en el año 1867, junto con el San Pedro mártir de Tiziano y la Crucifixión de Tintoretto.

A la década posterior a 1470 debe asignarse probablemente la Transfiguración (a la derecha) que actualmente se conserva en el museo de Nápoles, repitiendo con mayor madurez y en un espíritu más sereno el tema de sus anteriores esfuerzos en Venecia.El famoso retablo dedicado a la Coronación de la Virgen, posiblemente del 1475, ([2]), ejecutada para la Iglesia de San Francisco de Pésaro y hoy en el museo municipal local, llevó la influencia de Bellini sobre pintores que no eran vénetos, como es el caso de Marco Palmezzano, de Forlí. Parece que es su más temprano esfuerzo en una forma de arte que previamente casi monopolizó en Venecia la escuela rival de los Vivarini. En esta obra se aprecian las influencias de Piero della Francesca: Giovanni Bellini se va alejando del estilo paterno y supera resabios del gótico tardío. Sintetiza el color con la forma y unifica en un mismo espacio los objetos y demás seres figurados.

Con este retablo alcanza Giovanni su estilo de madurez. e impostación plenamente renacentista con la forma rectangular, coronada originariamente por una Piedad que hoy se encuentra en la Pinacoteca Vaticana. El gran panel central muestra una Coronación de la Virgen marca el logro de un nuevo equilibrio, donde las lecciones de Mantegna resultan sublimadas por una luz clara al estilo de Piero della Francesca. La impostación compositiva sigue los esquemas de algunos monumentos funerarios de la época, pero registra también la extraordinaria invención del cuadro dentro del cuadro, con la espaldera del trono de Jesús y María que se abre como una cornisa, encuadrando un paisaje que parece una reducción, por dimensiones, luz y estilo, del mismo retablo en el interior de sí mismo.

Aquí se unen también los primeros influjos de Antonello da Messina, que llegó a Venecia en el año 1475, introduciendo en la ciudad el uso de la pintura al óleo, la unión del amor por el detalle flamenco y el sentido italiano de la forma y de la composición unitaria, así como la prevalencia de la luz.

Los retratos
La liberación del color y de la luz que logra en sus Vírgenes, aparece también en sus retratos cuyos paisajes de fondo representan de forma realista de la naturaleza. Giovanni Bellini muestra la naturaleza animada por el trabajo humano, o a veces también aquietada, o detenida, rodeada por gran variedad cromática y lumínica. Contemporáneamente a la amplia producción de arte sagrado, Bellini se dedicó al menos hasta finales de los años setenta a la realización de intensos retratos que, si bien escasos en número, fueron extremadamente significativos en sus resultados. El más antiguo documentado es el Retrato de Jörg Fugger de 1474, seguido por el Retrato de joven vestido de rojo y por el Retrato de un condotiero, ambos de la Galería Nacional de Arte de Washington D. C. La influencia de Antonello da Messina es evidente, pero las obras de Giovanni se distinguen por una relación psicológica entre el retratado y el espectador menos evidente, entonado en un diálogo menos directo y más formal.

En 1479 su hermano Gentile marcha a Constantinopla a trabajar para el sultán Mehmed II, por lo cual Giovanni toma su puesto en la ejecución de los frescos del Palacio Ducal veneciano, que serían destruidos en 1577 por un incendio. Después de 1479–1480 gran parte del tiempo y energía de Giovanni fueron consumidos por sus deberes como conservador de las pinturas en el gran salón del Palacio Ducal. La importancia de este encargo puede medirse por el pago que Giovanni recibió: le concedieron, primero la reversión del lugar de un agente en el Fondaco dei Tedeschi, y más tarde, como sustitución, una pensión fija anual de ochenta ducados. Además de reparar y renovar las obras de sus predecesores, se encargó, a partir del año 1492 en una serie de telas para la Sala del Consejo Mayor del Palacio Ducal, que ilustraba el papel que tuvo Venecia en las guerras de Federico Barbarroja y el papado. Estas obras, ejecutadas con grandes interrupciones y retrasos, fueron objeto de admiración universal cuando las terminó, pero no queda nada de ellas ya que desaparecieron en el incendio de 1577; tampoco han pervivido otros ejemplos de sus composiciones históricas y procesionales, que permitieran comparar su estilo en tales temas con el de su hermano Gentile.

La dedicación al palacio Ducal hizo que en estos años Giovanni no se centrara tanto en los retablos, dejando provisionalmente el campo libre, dentro de Venecia, al pintor Cima da Conegliano. Quedan, no obstante, obras de temática religiosa, de menor tamaño, que demuestran una gradual liberación de las últimas restricciones del estilo cuatrocentista; gradualmente fue adquiriendo una completa maestría en el nuevo medio al óleo y dominando todos, o casi todos, los secretos de la perfecta fusión de colores y gradación atmosférica de tonos. Va imponiendo la riqueza cromática, como se puede apreciar en obras de esta época como La transfiguración de los años 1480. Además, quedan por estudiar las relaciones entre el taller de los Bellini y el que, en los años noventa, abrió en Venecia Marco Palmezzano, pues se notan interesantes intercambios entre las obras posteriores de las dos escuelas.

 

Retablo de San Giobbe, h. 1487; óleo sobre tabla; Accademia, Venecia.
Un intervalo de algunos años, sin duda ocupados principalmente con trabajo en el Salón del Gran Consejo, parece separar el Retablo de San Giobbe (a la izquierda), y el de la iglesia de San Zaccaria en Venecia (a la derecha). Formalmente, las obras son muy parecidas, de manera que compararlas sirve para ilustrar el cambio en la obra de Bellini a lo largo de la última década del Quattrocento. Ambos cuadros son el modelo de una Sacra conversazione (conversación sagrada entre la Virgen y santos). Ambos muestran a la Virgen sentada en un trono (con el cual se aludía al trono de Salomón), en medio de columnas clasicistas. Tanto el lugar como las figuras sagradas debajo de una semi-cúpula con mosaicos dorados recuerdan la arquitectura bizantina en la San Marcos.

En el retablo de San Giobbe, Bellini maduró y ofreció una respuesta completa a las novedades introducidas por el siciliano Antonello da Mesina en Venecia, haciendo una de sus obras más renombradas, citada ya en el De Urbe Sito de Sabellico (1487-1491). El retablo, que fue ejecutado en torno al año 1480, se encontraba originalmente en el segundo altar por la derecha de la iglesia de San Giobbe en Venecia, donde con su espacialidad pintada completaba ilusoriamente la real del altar. Una gran bóveda con casetones presenta en perspectiva la composición sagrada, con pilastras laterales pintadas iguales a aquellas realmente a los lados del altar. Un profundo nicho en sombras acoge en el centro el grupo sagrado de la Virgen con Niño y ángeles músicos entre seis santos, a la sombra de un cráneo cubierto por mosaicos dorados en el más típico estilo veneciano. Se trata así de una prolongación virtual del espacio real de la nave, con figuras al tiempo monumentales y cálidamente humanas, gracias al rico empasto cromático.
Retablo de San Zaccaria, 1505; óleo sobre lienzo, transferido desde tabla; San Zaccaria, Venecia.
El imponente retablo de San Zacarías, firmado y datado en el año 1505, se conserva en el lugar de origen, la iglesia de San Zacarías de Venecia. En este retablo posterior, Bellini representa a la Virgen rodeada por (desde la izquierda): San Pedro sosteniendo sus llaves y el Libro de la Sabiduría; Santa Catalina y Santa Lucía junto a la Virgen, cada una de ellas con la palma del martirio y el símbolo de su tortura (Catalina la rueda, y Lucía un plato con sus ojos); San Jerónimo, que tradujo la Biblia griega a la primera edición en latín (la Vulgata). Estilísticamente, la iluminación en la obra de San Zaccaria se ha hecho tan suave y difusa que hace que, por comparación, la de San Giobbe parezca casi llamativa por contraste. El uso que Giovanni hace del óleo ha madurado, y las figuras sagradas parecen estar envueltas en un aire quieto, enrarecido. El retablo de San Zaccaria está considerado quizá el más bello e imponente de los retablos de Giovanni, y está datado del año 1505, el año posterior a la Virgen de Castelfranco pintada por Giorgione.

El Tríptico de los Frari
En el año 1488 Bellini firmó y dató el Tríptico de los Frari, para la Basílica de Santa María dei Frari en Venecia, donde aún se conserva. En esta obra las experimentaciones ilusionísticas del Retablo de San Giobbe se desarrollan aún más, con el marco que “sostiene” el techo pintado en tres compartimentos, iluminados con vigor de manera que parezcan reales. Detrás del trono de María se abre de hecho un nicho con mosaicos dorados, con un estudio luminoso que sugiere una vasta profundidad en perspectiva.

Palio del duque Barbarigo
También del mismo año 1488 está datado y firmado el Palio del duque Barbarigo (Virgen con Niño, san Marcos, san Agustín y Agostino Barbarigo arrodillado), en la iglesia de San Pedro Mártir en Murano, uno de los pocos episodios cronológicamente ciertos en la carrera del artista, gracias a la mención también en el testamento del dux Agostino Barbarigo. En el cuadro san Marcos[cita requerida], protector de Venecia y por lo tanto de los dogos, presenta al devoto arrodillado ante la Virgen con gesto afectuoso. La concepción espacial quattrocentesca es aquí abandonada por vez primera, en favor de una relación más libre entre la naturaleza y la Sacra conversazione, e incluso la extensión pictórica representa uno de los primeros experimentos de pintura tonal, diferente a la de Giorgione que siempre está unida al tema del lirismo profano, que aquí falta.

Hacia la maniera moderna
Al aproximarse el siglo XVI, Bellini desarrolló siempre mayormente un acercamiento innovador a la pintura y a la relación entre las figuras y el paisaje, que fue luego retomado por Giorgione, Tiziano y otros dando origen a las extraordinarias innovaciones de la pintura veneciana del Renacimiento maduro.

De la actividad de Giovanni en el intervalo entre los retablos de San Giobbe (h. 1487) y San Zaccaria (1505), hay unas pocas obras, aunque la mayoría de su producción desapareció con el fuego del Palacio Ducal de Venecia en 1577. Entre el año 1490 y 1500 data Alegoría cristiana de los Uffizi, una de las obras más enigmáticas de la producción belliniana y renacentista en general, poblada por una serie de figuras simbólicas cuyo significado aún hoy es esquivo.

La Virgen con el Niño entre las santas Catalina y María Magdalena, hoy en la Galería de la Academia, conocida como Conversación Sagrada Giovanelli data de 1500-1504. En esta tabla se lee una madurez en el estilo del artista ligada a una expresión esfumada del color, del tipo leonardesco. La luz cae de lado, avanzando mórbidamente sobre los ropajes y sobre las encarnaduras de las santas, en una atmósfera silente y absorta, puesta en evidencia por el fondo oscuro, privado de toda connotación. La composición es simétrica, como en todas las conversaciones sagradas de Giovanni, y la profundidad se sugiere sólo por la posición de lado de las dos santas, que crean una suerte de alas diagonales dirigidas al grupo sacro central. Los personajes aún están separados del paisaje de detrás, pero la vista naturalística es ya unitaria, límpida y cargada de valores atmosféricos dados por la coherente luz dorada.

El Retrato del dux Leonardo Loredan, datado hacia el año 1501 marcó la plena madurez de las lecciones de Antonello da Messina, evidente en el realismo general de las arrugas como en los vestidos, donde lo físico asume el valor de la dignidad del cargo del sujeto. Las características psicológicas son sublimadas por un solemne distanciamiento, en nombre del decoro del papel jerárquico del sujeto.

Los últimos diez o doce años de la vida del maestro lo vio asediado con más encargos de los que podía terminar. Ya en los años 1501–1504 Isabel, marquesa Gonzaga de Mantua había tenido gran dificultad para obtener la entrega por parte de él de una pintura de la Virgen y Santos (hoy perdida) para la que había pagado algo por adelantado. En 1505 ella intentó obtener, a través del Cardenal Bembo otro cuadro de él, esta vez de tema secular o mitológico. Cuál fuera el tema de esta pieza, o si realmente se llegó a entregar, es algo que se desconoce.

Se llega así a la obra maestra indiscutible de La madona del prado (h. 1505), una suma de significados metafóricos y religiosos unidos a una profunda poesía y emocionalidad. El paisaje es límpido y enrarecido, con una luminosidad serena, que representa el ideal de la quietud, entendida como conciliación espiritual, idílica y eremítica.
El festín de los dioses, h. 1514 acabado por su discípulo, Tiziano, 1529; óleo sobre lienzo; Galería Nacional de Arte, Washington D. C.
Giovanni Bellini se mantuvo activo y atento a novedades hasta el final. Sus últimas obras delatan la influencia del joven Giorgione. Durero, que visitó Venecia por segunda vez en 1506, mencionó a Giovanni Bellini como todavía el pintor más importante en la ciudad, y lleno de toda la cortesía y generosidad hacia los pintores extranjeros. En 1507 murió su hermano Gentile, y le legó el libro de esbozos de su padre Jacopo, pero la condición de terminar la Predicación de San Marcos en Alejandría(hoy en la Pinacoteca de Brera) que Gentile había dejado inacabado en la Scuola Grande di San Marco.

En la Virgen con Niño bendiciendo del Detroit Institute of Arts (1509) o la Virgen con Niño de Brera (1510) vuelve a separar el grupo sagrado del paisaje; pero hay una visión nueva que recuerda las conquistas de Giorgione, donde los elementos humanos resultan fundidos con la naturaleza. En la Virgen de Brera el análisis ha revelado la ausencia de dibujo bajo el paisaje, lo que pone en evidencia una confianza en el disponer la naturaleza llena y total. Cercana a esta obra es también una Virgen con Niño en la Galleria Borghese de Roma, quizá la última versión totalmente autógrafa del tema.

En 1513 la posición de Giovanni como único maestro (desde la muerte de su hermano y la de Alvise Vivarini) a cargo de las pinturas del Salón del Gran Consejo fue amenazada por uno de sus antiguos alumnos. El joven Tiziano deseaba una parte del mismo encargo, para que le pagasen en los mismos términos; primero se le concedió, luego se rescindió un año después y al cabo de otro año o dos se lo dieron de nuevo. Sin duda, el viejo maestro debió enfadarse por los métodos de su alumno.

En el último período de su actividad artística se enfrentó a temas mitológicos como en el año 1514 con El festín de los dioses, realizado para el studiolo del duque Alfonso de Ferrara (hoy en la Galería Nacional de Arte de Washington), técnicamente de altísimo nivel y muy cuidado. Tiziano, autor de los otros cuadros del studiolo, rehizo casi completamente el paisaje a la muerte del maestro en 1516.

De vuelta a temas religiosos, sin embargo, Giovanni Bellini es capaz aún de experimentar con soluciones modernas (en composición, formato, tema), lo que llevó a los críticos a atribuir la Embriaguez de Noé del Museo de Bellas Artes de Besanzón a Lotto o Tiziano.

Está enterrado en la Basílica de San Juan y San Pablo de Venecia, un lugar de enterramiento tradicional para los dogos.

Características estilísticas

Detalle de la Magdalena, Galería de la Academia, Venecia.
La temática de su obra es predominantemente religiosa. Trató episodios de la vida de Jesús, el tema más frecuente es el de la crucifixión, representada a veces con la Virgen y San Juan a los pies de la Cruz. Las figuras, los elementos vegetales, animales y paisajistas asumen muy a menudo un valor simbólico bien codificado, aunque para los modernos la lectura puede no resultar siempre clara. Los pequeños cuadros devocionales de la Virgen con Niño, solos o acompañados de santos, eran generalmente encargos privados. Su significado no es sólo una “relación afectuosa entre la madre y el hijo” sino algo más complejo que muchas veces prefigura la Pasión de Cristo; en casi todas las pinturas el Niño está representado en posiciones que recuerdan la muerte.

Bellini aúna el plasticismo metafísico de Piero della Francesca con el realismo humano de Antonello da Messina, alejado del exasperado realismo de los flamencos y la profundidad cromática típica del Véneto, tomando el camino hacia el llamado “tonalismo” véneto. Gracias a su cuñado Andrea Mantegna, entra en contacto con las innovaciones del Renacimiento florentino. Con él trabajó en el viaje a Padua y lo influyó en la expresividad de los rostros y en la fuerza emotiva que transmiten los paisajes del fondo. En Padua, Bellini conoció la escultura de Donatello, que en esta época imprimía una carga expresionista a su obra, acercándose a un estilo más próximo al ambiente nórdico. Finalmente, conoció la novedad, también en la perspectiva de la escuela de Forlì, gracias al taller veneciano de Marco Palmezzano, el mejor discípulo de Melozzo da Forlì.

Giulio Carlo Argan revela que los rasgos característicos de la pintura de Bellini son el “tonalismo” cromático y la fusión armónica de “naturalismo clásico” y “espiritualidad cristiana”.

Cristo bendiciendo, 1465-1470. Nótese el borde de la túnica profusamente decorado con escritura pseudo-cúfica (véase detalle).
Tanto en el sentido artístico como en el mundano, la carrera de Giovanni Bellini fue, en conjunto, muy próspera. Su larga carrera comenzó con estilos cuatrocentistas pero maduró hasta un estilo renacentista post-Giorgione. Vivió hasta ver a su propia escuela deslumbrar y superar a la de sus rivales, los Vivarini de Murano; personificó, con poder creciente y maduro, toda la gravedad devocional y también gran parte del esplendor mundano de la Venecia de su tiempo. Sus principales discípulos fueron Giorgione, Tiziano y Sebastiano del Piombo. Otros alumnos del estudio de Bellini fueron Girolamo Santacroce, Vittore Belliniano, Rocco Marconi, Andrea Previtali5​ Nicolò Rondinelli y posiblemente Bernardino Licinio.

En una perspectiva histórica, Bellini fue esencial para el desarrollo del Renacimiento italiano por su incorporación de estética del Norte de Europa. Significativamente influido por Antonello da Messina, que había pasado un tiempo en Flandes, Bellini hizo prevalente tanto el uso de la pintura al óleo, diferente de la pintura al temple que se usaba en aquella época por la mayor parte de los pintores renacentistas italianos, y el uso de un simbolismo disfrazado propio del Renacimiento nórdico. Como demuestran obras como San Francisco en éxtasis (h. 1480, a la izquierda) y el Retablo de San Giobbe (h. 1478), Bellini usa el simbolismo religioso a través de elementos naturales, como vides y rocas. Aun así, su contribución más importante al arte reside en su experimentación con el uso del color y la atmósfera en la pintura al óleo. (Wikipedia)



{11 septiembre, 2018}   Feliz día del maestro!

Homenaje Doodle de Google

Bundesarchiv Bild 183-1982-1215-012, Berlin, Volkskammer-Abgeordnete der CDU.jpg




Icona Vergine di Coromoto.jpg

Noi, MeridaItalia, rilasciamo l’Immagine sotto licenza PD-ARTE, l’immagine raffigura una Stampa della Santissima Vergine di Coromoto, Patrona del Venezuela, l’Immagine è di pubblico Dominio. distinti saluti–MeridaItalia (msg) 13:40, 11 lug 2010 (CEST)

Virgen de Coromoto. Cementerio General del Sur. Caracas.jpg

Nuestra patrona la Virgen de Coromoto
Edwin Toro – Own work
CC BY-SA 4.0

Salve, aurora jubilosa,
de una Patria soberana,
que te bendice y te aclama
con sus historias gloriosas;
salve, Virgen de los Llanos,
siempre viva del amor,
cautivas tú el corazón
de cada venezolano.
Flores de nieve en Los Andes,
olas de azul en el mar,
todo me dice un cantar,
para rimar tus bondades.
En los pliegues tricolores
de la bandera señera
guarda Venezuela entera
de su Virgen los amores.
Virgen de Coromoto, renueva la fe en toda la extensión de nuestra patria. Amén

Coromoto.jpg

Our lady of Coromoto.
Guillermo Ramos Flamerich – Own work
CC BY 2.5

 Santa María de Coromoto en Guanare de los Cospes es la Patrona de Venezuela , de la Diócesis de Guanare, y desde el 19 de noviembre de 2011 Patrona Principal de la Arquidiócesis de Caracas, luego de que la Santa Sede aprobara su designación.​ Es una advocación mariana, venerada tanto en la ciudad de Guanare, (Capital del Estado Portuguesa en Venezuela), donde apareció hace 365 años y le dejó su Santa Imagen al Cacique de la tribu de los cospes llamado Coromoto. Esta Santa Imagen, que mide 2,5 centímetros de alto por 2 centímetros de ancho, está expuesta para su veneración en la Basílica Menor Santuario Nacional de Nuestra Señora de Coromoto, construida en el sitio de la segunda aparición.

Oración
Con esta oración fue Consagrada Venezuela a Nuestra Santa Patrona Nacional, pueden hacerla para consagrar su familia y el país:

¡Oh, Madre querida de Coromoto! Tú que has acompañado el nacimiento y el desarrollo de nuestra historia patria, venimos a tus plantas a consagrarnos como pueblo, como nación que te reconoce como Madre y a decirte que somos tuyos. Queremos colocar muy cerca de tu corazón nuestras necesidades, deseos, luchas y logros. En este momento de nuestra historia, te pedimos que mires a estos tus hijos que caminan en valle de lágrimas y consuélalos mostrándonos siempre a tu Hijo. Te consagramos nuestra Patria Venezuela, con todos sus hijos, con sus familias, con los que sufren y son olvidados. Enséñanos, Virgen llanera a llevar dentro de nosotros a tu Hijo con el mismo amor y adoración con que tú le llevaste. Que esta especial consagración nos haga hijos más fieles a la Iglesia, a sus pastores y ministros. Muéstrate como Madre, como la bella Señora del río Tucupido, a todos cuantos están alejados. Recibe, Virgen de Coromoto, nuestra consagración y sostén nuestros propósitos de vivir como discípulos y misioneros de Hijo a fin que podamos llevar a plenitud nuestra vocación bautismal dando así gloria a la Santísima Trinidad.

Nota: Venezuela fue Consagrada a Nuestra Señora de Coromoto Patrona de Venezuela por el Cardenal Jorge Urosa Savino el 26 de junio del 2011.

Historia
Nuestra Señora de Coromoto es la Patrona de Venezuela. Es venerada tanto en la ciudad de Guanare, donde apareció hace 365 años, como en todo el país. Cuando la ciudad de Guanare fue fundada en 1591, los indígenas que habitaban en la región, los Cospes, huyeron hacia la selva en el norte de la nueva ciudad. Esto dificultaba la evangelización que la iglesia Católica había emprendido. Un día de 1652, el Cacique Coromoto y su mujer atravesaban una corriente de agua y vieron una Señora de extraordinaria belleza que les dijo en su idioma: “Vayan a casa de los blancos y pídanles que les eche el agua en la cabeza (el bautismo) para poder ir al cielo”. Casualmente un español llamado Juan Sánchez pasó por ahí y el Cacique Coromoto le relató lo sucedido.

Sánchez entonces le pidió que se alistara con la tribu, que él pasaría dentro de ocho días a fin de enseñarles todo lo necesario para bautizarlos. En efecto, cuando regresó los indígenas marcharon con él a un ángulo formado entre los ríos Guanaguanare y Tucupido, donde les repartieron tierras e iniciaron la catequización, a fin de prepararlos para el bautizo.

Varios de los indios recibieron el bautismo, no así el Cacique, quien echaba de menos la selva donde él mandaba y no tenía que obedecer. Esto lo hizo preparar su huida. Sin embargo, el sábado 8 de septiembre de 1652, la Virgen volvió a aparecer en su bohío, en presencia de Coromoto, su mujer, su cuñada Isabel y un sobrino de esta. (Es, por cierto, la única vez que la Santa Virgen aparece a una familia). El cacique cogió una flecha y apunta para matarla. Como la Virgen María se le acercó, Coromoto tiró la flecha e intenta empujarla, pero ella desapareció, dejándole en la mano un pequeño pergamino con su imagen.

El niño corrió a avisarle a Juan Sánchez, quien con dos de sus compañeros fueron al sitio de la aparición y recogieron la preciosa reliquia. Dieron parte a las autoridades civiles y eclesiásticas, quienes a pesar de no creerlo, resolvieron llevar el pergamino a la Iglesia de Guanare en 1654, donde permaneció en un relicario hasta 1987, cuando fue incrustada en el pedestal de la imagen de madera en que yace hoy día en el Santuario Nacional de Nuestra Señora de Coromoto, construido en el lugar de esta segunda aparición.

El cacique Coromoto huyó a la selva, y al ver que la Santísima Virgen no había logrado nada con él, permitió que lo mordiera una serpiente venenosa. Entonces volvió su corazón a Dios y comenzó a pedir el bautismo, el cual le fue administrado por alguien que pasaba por ahí. Al bautizarse se convirtió en apóstol y pidió a los indios que no se separaran del misionero y que se bautizaran. Como consecuencia de esto, los indios cospes formaron una comunidad de fieles muy fervorosa.

Hoy en día, cerca de Guanare (Estado Portuguesa), en el lugar de la segunda aparición fue construido un hermoso templo, el Santuario Nacional Nuestra Señora de Coromoto, el cual fue consagrado el 7 de enero de 1996, e inaugurado con la solemne Eucaristía presidida por su Santidad el Papa Juan Pablo II el 10 de febrero de 1996. Detrás del altar se encuentra la imagen de la virgen. Debajo de esta imagen está un relicario de oro, brillantes y perlas.

Estudios Realizados[editar]

Rostro de la Santísima Virgen de Coromoto en la Santa Reliquia de Nuestra Señora de Coromoto Patrona de Venezuela
Entre el 9 y 15 de marzo de 2009 la Santa Reliquia de Nuestra Señora de Coromoto, Patrona de Venezuela, fue sometida a un tratamiento de conservación, con la aprobación de la Conferencia Episcopal Venezolana.

Monseñor Valero Ruz, V Obispo de la Diócesis de Guanare, en una rueda de prensa, destacó que de ese modo se probó que en el mundo hay sólo dos reliquias de la Virgen auténticas y originales: la Virgen de Guadalupe, en México, y la Virgen de Coromoto, en Guanare.

Explicó que la restauración de la reliquia fue realizada por los expertos Pablo González, Carmen Díaz y Nancy Morella Jiménez, esta última responsable de restaurar el Acta de Independencia de Venezuela, acompañados por el Sr. José Luis Matheus de la Fundación María Camino a Jesús y el Padre Manuel Brito.

Igualmente el Obispo indicó que: “el proceso de restauración tardó cinco días y que se efectuó en un laboratorio instalado en el Santuario Nacional en Guanare”.

Santa Reliquia Virgen Coromoto.jpgBasílica Menor Santuario Nacional Nuestra Señora de Coromoto
Ojo izquierdo de la Santísima Virgen de Coromoto que mide menos de 1 milímetro, tiene presencia de iris se diferencia con claridad el orbe ocular, el conducto lacrimal y un pequeño punto de luz donde se pudo observar una figura humana con características especiales
El equipo interdisciplinario al realizar el estudio microscópico detectó elementos o hallazgos que hasta ahora eran desconocidos. Se comprobó la autenticidad de la Reliquia Divina como prodigio de Dios, se encontraron hallazgos sorprendentes: presencia de varios símbolos indígenas, la Corona de la Virgen y el Niño son típicamente indígenas. Los ojos de la Virgen que miden menos de 1 milímetro, tienen presencia de iris y al observar en profundidad el ojo izquierdo, tiene características de un ojo humano, se diferencia con claridad el orbe ocular, el conducto lacrimal, el iris y un pequeño punto de luz donde se pudo observar una figura humana con características especiales, hasta ahora se pensaba que los ojos de la Virgen eran unos simples puntos.

Los restauradores explicaron que: “El PH del agua donde se mantuvo sumergida la imagen por 18 minutos para ser desprendida del vidrio, dio 7, es decir un agua visiblemente amarillenta, verdosa, pero con un PH de pureza 100% inexplicable”

Rostro de la Santísima Virgen de Coromoto en la Santa Reliquia de Nuestra Señora de Coromoto Patrona de Venezuela

Ojo izquierdo de la Santísima Virgen de Coromoto que mide menos de 1 milímetro, tiene presencia de iris se diferencia con claridad el orbe ocular, el conducto lacrimal y un pequeño punto de luz donde se pudo observar una figura humana con características especiales

Uno de los expertos, Pablo González, explicó que: “la Reliquia está adherida en el papel, se observan trazos perfectos y en relieve, pero lo asombroso es que el papel no absorbió la tinta”. “Para la época, solo existía la tinta china y está más probado que ésta, al ser trazada en un papel de algodón, similar a una servilleta, no solo se adhiere sino que se expande, cosa que no ocurrió con la imagen de la Reliquia y que científicamente no tiene explicación”.

Pablo González también agregó que: “Se utilizaron técnicas de vanguardia en lo referente al control de humedad, iluminación y temperatura. Hicimos uso de los más sofisticados equipos para garantizar un trabajo perfecto: cámara de humidificación, equipos de control de humedad y temperatura y los reactivos químicos adecuados para la restauración”.

Patronazgo y Coronación

Icono de la Virgen de Coromoto.
En 1950 el Papa Pío XII la declaró Patrona de Venezuela. Luego el Papa Juan Pablo II, en su primera visita a Venezuela en 1985, la coronó en el Santuario Mariano de Guanare y el Papa Benedicto XVI elevó en 2006 al Santuario Nacional de Nuestra Señora de Coromoto a la categoría de Basílica Menor.

Nuestra Señora de Coromoto

 



{4 septiembre, 2018}   Oskar Schlemmer – Natalicio 130º

1932 Schlemmer Treppenszene anagoria.JPG1932 Schlemmer Treppenszene anagoria

130º aniversario del nacimiento de Oskar SchlemmerHomenaje de el Doodle deGoogle

Oskar Schlemmer (4 de septiembre de 1888 – 13 de abril de 1943) fue un pintor, escultor, diseñador y coreógrafo alemán asociado a la escuela Bauhaus . En 1923 fue contratado como Master of Form en el taller de teatro Bauhaus, después de trabajar en el taller de escultura. Su obra más famosa es Triadisches Ballett (Triadic Ballet), que vio actores disfrazados transformados en representaciones geométricas del cuerpo humano en lo que describió como una “fiesta de la forma y el color”

Oskar Schlemmer (Stuttgart, 4 de septiembre de 1888 – Baden-Baden, 13 de abril de 1943) fue un pintor, escultor y diseñador alemán relacionado con la Escuela de la Bauhaus.

Nacido en Stuttgart, tuvo una formación en marquetería. Entró en la Bauhaus de Weimar en 1920. Trabajó durante algún tiempo en el taller de escultura mural y, después, en el de escultura. Su obra más famosa es «Triadisches Ballett» (1922), en el que los actores aparecen disfrazados de formas geométricas. Igualmente en Slat Dance y Treppenwitz, el vestuario de los intérpretes hace de ellos esculturas vivas, como si fueran parte del escenario.También para la Danza hizo el vestuario de “Blonde Marie” con Trudi Schoop en 1938.

En 1923 fue contratado como maestro del taller de teatro. Cuando la Bauhaus se trasladó a Dessau, creó teatro de ensayo.

Sus cartas privadas, especialmente las dirigidas a Otto Meyer y Willi Baumeister, y su diario personal han dado valiosas referencias de lo que ocurría en la Bauhaus. Especialmente, habla de cómo el personal y los estudiantes reaccionaban a los muchos cambios y desarrollos que ocurrían en la escuela.

Bauhaustreppe (Escalera de la Bauhaus) de Schlemmer (1932), Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York.
Oskar Schlemmer – scanned from “DER SPIEGEL” Nr. 18/2008, p. 161

Los años Bauhaus
En 1919, Schlemmer recurrió a la escultura y realizó una exposición de su obra en la Galería Der Sturm de Berlín . Después de su matrimonio con Helena Tutein en 1920, Walter Gropius invitó a Schlemmer a Weimar para dirigir los departamentos de pintura mural y escultura en la Escuela Bauhaus antes de dirigir el taller de teatro en 1923. Sus ideas complejas fueron influyentes, convirtiéndolo en uno de los mejores. los maestros más importantes que trabajan en la escuela en ese momento. Sin embargo, debido al ambiente político intensificado en Alemania a fines de la década de 1920, y en particular con el nombramiento del arquitecto comunista radical Hannes Meyer como sucesor de Gropius, en 1929 Schlemmer renunció a su cargo y se trasladó a trabajar en el Arte. Academia en Breslau .
Schlemmer se hizo conocido internacionalmente con el estreno de su ‘Triadisches Ballett’ en Stuttgart en 1922. Su trabajo para la Bauhaus y su preocupación por el teatro son un factor importante en su trabajo, que trata principalmente de la problemática de la figura en el espacio. La gente, típicamente figuras femeninas sin rostro estilizadas, continuó siendo el tema predominante en su pintura. Mientras estuvo en Bauhaus, desarrolló el curso multidisciplinario “Der Mensch (El ser humano)”. En la forma humana, vio una medida que podría proporcionar un punto de apoyo en la desunión de su tiempo. Después de utilizar el cubismo como un trampolín para sus estudios estructurales, el trabajo de Schlemmer se interesó por las posibilidades de las figuras y su relación con el espacio que las rodea, por ejemplo, “Egocentric Space Lines” (1924). Las formas características de Schlemmer pueden verse tanto en sus esculturas como en sus pinturas. Sin embargo, también centró su atención en el diseño escénico, primero involucrándose con esto en 1929, ejecutando escenarios para la ópera ‘Nightingale’ y el ballet ‘Renard’ de Igor Stravinsky.

Vida y muerte bajo el Tercer Reich 
De 1928 a 1930, Schlemmer trabajó en nueve murales para una habitación en el Museo Folkwang en Essen . Después de dejar la Bauhaus en 1929, Schlemmer tomó un puesto en la Akademie de Breslau , donde pintó su obra más célebre, el ‘Bauhaustreppe’, (‘Bauhaus Stairway’) (1932, Museo de Arte Moderno, Nueva York). Se vio obligado a abandonar la Academia de Breslau cuando se cerró tras la crisis financiera que siguió al colapso de Wall Street , y tomó una cátedra en el Vereinigte Staatsschulen für freie und angewandete Kunst de Berlín (Escuela Estadounidense de Bellas Artes y Artes Aplicadas) en 1932, que ocupó hasta 1933 cuando se vio obligado a renunciar debido a la presión de los nazis. Los Schlemmers luego se mudaron a Eichberg, cerca de la frontera con Suiza , y luego a Sehringen antes de que sus imágenes se exhibieran en la exhibición nacionalsocialista de ” Arte degenerado “. Los últimos diez años de su vida transcurrieron en un estado de ” emigración interna “. Max Bill , en su obituario de Schlemmer, escribió que era “como si una cortina de silencio” hubiera descendido sobre él durante este tiempo.

Durante la Segunda Guerra Mundial Schlemmer trabajó en el Institut für Malstoffe en Wuppertal junto con Willi Baumeister y Georg Muche , dirigido por el filántropo Kurt Herbert. La fábrica le ofreció a Schlemmer la oportunidad de pintar sin miedo a la persecución. Su serie de dieciocho pequeñas pinturas místicas tituladas “Fensterbilder” (“Imágenes de la ventana”, 1942) se pintaron mientras miraba por la ventana de su casa y observaba a los vecinos dedicados a sus tareas domésticas. Estas fueron las últimas obras de Schlemmer antes de su muerte en el hospital de Baden-Baden en 1943.

Legado 
Las ideas de Schlemmer sobre el arte eran complejas y desafiantes incluso para el movimiento progresivo Bauhaus. Su trabajo, sin embargo, fue ampliamente exhibido tanto en Alemania como fuera del país. Su trabajo fue un rechazo de la abstracción pura, en lugar de retener un sentido de lo humano, aunque no en el sentido emocional, sino a la vista de la estructura física de lo humano. Representó cuerpos como formas arquitectónicas, reduciendo la figura a un juego rítmico entre superficies convexas, cóncavas y planas. Y no solo de su forma, estaba fascinado por cada movimiento que el cuerpo podía hacer; tratando de capturarlo en su trabajo. Además de dejar atrás un gran volumen de trabajo, también se han publicado las teorías del arte de Schlemmer. Un libro completo de sus cartas y entradas de diario de 1910 a 1943 también está disponible.

Junto con el diario de Schlemmer , sus cartas privadas a Otto Meyer y Willi Baumeister han dado una valiosa información sobre lo que sucedió en la Bauhaus; especialmente sus escritos sobre cómo el personal y los estudiantes respondieron a los muchos cambios y desarrollos en la escuela.

La primera retrospectiva de Schlemmer en los Estados Unidos fue montada por el Museo de Arte de Baltimore en 1986. 

Controversia 
En 2000, la hija del artista Ute Jaina Schlemmer, que afirmó que es dueña de la pintura Bauhaus Stairway (Bauhaustreppe) o que se le debe dinero, obtuvo una orden judicial para mantenerla en investigación mientras estaba en préstamo temporal del Museum of Modern. Arte en Nueva York a la Neue Nationalgalerie en Berlín. Antes de que se cumpliera el requerimiento judicial en la Neue Nationalgalerie, la Bauhaus Stairway ya había sido empacada y enviada a Nueva York.



{1 septiembre, 2018}   *Bienvenido Septiembre!

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The Yellow Kid

Mickey Dugan, más conocido como El Chico Amarillo (The Yellow Kid en inglés), fue el personaje principal de la serie Hogan’s Alley, una tira de prensa estadounidense obra de Richard F. Outcault y publicada entre 1895-98. Tal fue su éxito que dio lugar al término prensa amarilla al aparecer simultanéamente en el New York World de Joseph Pulitzer y el New York Journal de William Randolph Hearst. La serie también es recordada en la historia del cómic por ser la primera en usar globos o bocadillos para contener el diálogo de los personajes, aunque el chico usualmente se comunicaba a través de frases que aparecían impresas en su camisa.

Características
El Chico Amarillo era un niño con los dientes desaliñados y una tonta sonrisa, que vistiendo una camisa de dormir amarilla compartía un callejón con otros personajes igualmente desarreglados. Rara vez hablaba, siendo su lenguaje una jerga marginal, típica de gueto.

Historia

El último panel de Hogan’s Alley para la revista Truth (publicado el 9 de febrero de 1895, reimpreso en el diario New York World 8 días después).
La tira, obra de Richard F. Outcault, apareció ocasionalmente en la revista Truth (1894-1895) como una macroviñeta en blanco y negro, con el personaje jugando todavía un rol secundario.

Cuando la serie debutó el 17 de febrero de 1895 en el New York World de Joseph Pulitzer ganó pronto una inmensa popularidad en la ciudad, y desde el 5 de mayo de 1895 fue editada en color. Sobre la camisa del niño se ensayó entonces el empleo del color amarillo, que todavía no había sido resuelto satisfactoriamente, convirtiéndose en un rasgo característico del mismo.

La viñeta del 16 de febrero de 1896 ha pasado a la historia del medio, porque mostraba un globo de diálogo mediante el cual un loro exclama: “Sic em towser!”, aunque en la serie nunca dejara de coexistir este recurso con otras formas de representar los diálogos, como ya se dijo más arriba.
Un panel publicado el 15 de noviembre de 1896 en McFadden’s Row of Flats, suplemento dominical en color del New York Journal de Hearst. Notése la presencia de los globos, la violencia de la acción y el dibujo confuso y caótico.
En 1897 Outcalt continuó El Chico Amarillo en el periódico New York Journal de William Randolph Hearst. Pulitzer contrató entonces a George Luks para dibujar una segunda versión de la tira en New York World, razón por la cual El Chico Amarillo durante un tiempo apareció simultáneamente en dos periódicos competidores. El periódico New York Press acuñó el término “periodismo amarillo”, a principios de ese mismo año para describir el trabajo tanto de Pulitzer, como de Hearst.

Legado
Ambas versiones dejaron de salir en 1898, no sin haber dado origen a «una singular característica de los comics: La permanencia de un mismo protagonista y un estilo a pesar de los cambios de dibujantes».

El famoso embaucador Joseph Weil (1877-1975) fue conocido como Chico Amarillo Weil (Yellow Kid Weil), en alusión a la tira.

En 1991 la tira fue una de las 20 incluidas en la serie Historietas Clásicas, de estampillas postales conmemorativas de los Estados Unidos de América.

Un panel publicado el 15 de noviembre de 1896 en McFadden’s Row of Flats, suplemento dominical en color del New York Journal de Hearst. Nótese la presencia de los globos, la violencia de la acción y el dibujo confuso y caótico.

El último panel de Hogan’s Alley para la revista Truth (publicado el 9 de febrero de 1895, reimpreso en el diario New York World 8 días después).

The Yellow Kid no era un individuo sino un tipo. Cuando solía recorrer los barrios marginales en las tareas de los periódicos, lo encontraba a menudo, deambulaba por las puertas o se sentaba en las puertas sucias. Siempre amé al Niño. Tenía un carácter dulce y una disposición alegre, y fue generoso hasta el extremo. La malicia, la envidia o el egoísmo no eran rasgos suyos, y nunca perdió los estribos. [4] -Richard F. Outcault, de una entrevista de 1902

Los premios Yellow Kid Awards son premios de cómics italianos presentados por Italian International Comics and Cartooning Exhibition.




Nace una estrella “, nominado cuatro veces al Oscar Bradley Cooper                     (” American Sniper “,” American Hustle “,” Silver Linings Playbook “) y la galardonada y premiada superestrella musical Lady Gaga, en su primer papel protagonista. una gran película. Cooper encabeza el drama, marcando su debut como director.

En esta nueva versión de la trágica historia de amor, interpreta al experimentado músico Jackson Maine, que descubre y se enamora de la artista luchadora Ally (Gaga). Ella casi ha renunciado a su sueño de triunfar como cantante … hasta que Jack la engatusa a la luz pública. Pero incluso cuando la carrera de Ally despega, el lado personal de su relación se viene abajo, mientras Jack lucha una batalla continua con sus propios demonios internos.

El elenco de “A Star is Born” también incluye a Andrew Dice Clay, con Dave Chappelle y Sam Elliott.

Además de interpretar a Ally, Gaga, quien ganó su Oscar por la canción “Til It Happens to You” de “The Hunting Ground”, interpreta canciones originales en la película, que ella escribió con Cooper y un puñado de artistas, incluido Lukas Nelson, Jason Isbell y Mark Ronson. Toda la música es original y fue grabada en vivo.

“A Star is Born” es producida por Bill Gerber, Jon Peters, Bradley Cooper, Todd Phillips y Lynette Howell Taylor. Ravi Mehta, Basil Iwanyk, Niija Kuykendall, Sue Kroll, Michael Rapino y Heather Parry se desempeñan como productores ejecutivos. El guión es de Eric Roth y Bradley Cooper & Will Fetters.

Colaborando con Cooper detrás de escena está el director de fotografía nominado al Oscar Matthew Libatique (“Cisne Negro”), la diseñadora de producción Karen Murphy, el tres veces nominado al Oscar, el editor Jay Cassidy (“American Hustle”, “Silver Linings Playbook”, “Into The Wild “) y la diseñadora de vestuario Erin Benach.

Warner Bros. Pictures Presents, en asociación con Live Nation Productions, en asociación con Metro Goldwyn Mayer Pictures, A Jon Peters / Bill Gerber / Joint Effort Production, “A Star is Born”. Programado para ser lanzado el 5 de octubre de 2018, la película será distribuido en todo el mundo por Warner Bros. Pictures, una Warner Bros. Entertainment Company. Tiene una calificación de R.






{27 agosto, 2018}   Espuma marina en Punta del Este

Espuma marina cerca de San Francisco
Brocken Inaglory
Sea foam and Limosa fedoa at Ocean Beach in San Francisco
CC BY-SA 3.0

El por qué de la espuma:

La espuma marina es un tipo de espuma creada por la agitación del agua de mar, particularmente cuando contiene altas concentraciones de materia orgánica disuelta (incluyendo proteínas, ligninas, y lípidos)​ obtenida a partir de fuentes tales como la distribución en alta mar de las floraciones de algas. Estos compuestos pueden actuar como agentes tensoactivos o agentes espumantes. A medida que el agua de mar es batida por las olas rompientes en la zona de olas adyacentes a la costa, la presencia de estos agentes tensoactivos en estas condiciones turbulentas atrapa el aire, formando burbujas persistentes que se pegan la una a la otra a través de la tensión superficial. Debido a su baja densidad y persistencia, la espuma puede ser soplada por fuertes vientos en tierra desde el interior de la playa.







Un precedente para otras mujeres artistas
La trayectoria de Sofonisba es un referente en la historia. Pese a vivir en una época donde las mujeres estaban ausentes de las artes visuales (por imposición) su éxito abrió el camino a otras mujeres para desarrollar sus carreras artísticas.2​ Entre sus nombres se encuentran Lavinia Fontana, Bárbara Longhi, Fede Galizia y Artemisa Gentileschi.

Self-portrait at the Easel Painting a Devotional Panel by Sofonisba Anguissola.jpg

Self-portrait at the Easel Painting a Devotional Panel by Sofonisba Anguissola
Sofonisba Anguissola – Selected work 4 from Anthony Bond, Joanna Woodall (2005). Self Portrait: Renaissance to Contemporary.

Sofonisba Anguissola (Cremona, c. 1535-Palermo, 1625) fue una pintora italiana considerada la primera mujer pintora de éxito del Renacimiento. Cultivó el retrato y el autorretrato, estableciendo nuevas reglas en el ámbito del retrato femenino. A los 27 años se estableció en España, en la corte del rey Felipe II. Se le adjudica un importante papel como eslabón entre el retrato italiano y el español en el siglo XVI, además de notable influencia en el desarrollo posterior de este género en Italia.​ Su trayectoria resultó un precedente para varias mujeres artistas que habían sido excluidas de la enseñanza académica, de gremios y talleres y del mecenazgo papal, pero que sí encontraron respaldo en las cortes europeas entre los siglos XVI y XVIII

Legado
Un total de 50 obras han sido atribuidas con seguridad a Sofonisba. Sus cuadros pueden ser vistos en las galerías en Bérgamo, Budapest, Madrid (Museo del Prado), Milán (Pinacoteca de Brera), Nápoles, Siena y Florencia (Galería Uffizi). Su obra ha tenido enorme influencia en las generaciones de artistas posteriores. Su retrato de la reina Isabel de Valois con una piel de marta cibelina fue el retrato más copiado en España. Entre estos copistas se incluyen muchos de los mejores artistas del momento, como Pedro Pablo Rubens.

Estética
Con palabras de Sofonisba Anguissola, tomadas de la carta que envió al papa Pío IV junto al retrato de Isabel de Valois,7​ la artista valora que el arte busque la verdad, entendida esta como la apariencia física, ya que no puede penetrar en el alma humana.

“se col pennello si potesse così rappresentare agli occhi di Vostra Beatitudine le bellezze dell’animo di questa serenissima reina, non potria veder cosa piü maravigliosa. Ma in quelle parti, le quali con l’arte si sono potute figurare, non ho mancato di usare tutta quella diligenza che ho saputo maggiore, per rappresentare alla Santitá Vostra il vero.”
Sofonisba Anguissola. Cremona, c. 1561

Autorretrato (c. 1554)

 

Retrato de Bianca Ponzoni Anguissola, madre de la artista, 1557.

Lucia, Minerva y Europa Anguissola jugando ajedrez, 1555, Muzeum Narodowe (Museo Nacional), Poznan, Polonia.
Sofonisba Anguissola – Poster.us.com

Biografía: Sofonisba Anguissola (también escrito Anguisciola o Anquissola) nació en Cremona (actual Italia) hacia 1535. Era la mayor de siete hermanos, seis de los cuales eran niñas. Su padre, Amilcare Anguissola, era miembro de la baja nobleza genovesa. Su madre era Bianca Ponzone. Durante las cuatro generaciones anteriores, la familia tuvo una estrecha conexión con la historia antigua de Cartago, por lo que nombraron a su progenie en honor del gran general Aníbal, llamando a su hija mayor como la trágica protagonista cartaginesa Sofonisba.

Amilcare animó a sus hijas (Sofonisba, Elena, Lucia, Europa, Minerva y Ana María) a cultivarse y perfeccionar sus talentos. Como Sofonisba, cuatro de sus hermanas también fueron pintoras, aunque Sofonisba fue de lejos la que mejor lo consiguió y la más renombrada. Elena, la segunda hermana, se hizo monja (existe un retrato de ella pintado por Sofonisba) y tuvo que dejar de pintar. También dejaron la pintura Ana María y Europa, con motivo de contraer matrimonio, mientras que Lucía, la mejor pintora de las hermanas, murió joven. La otra hermana, Minerva, se hizo escritora y latinista. Asdrubale, el hermano varón, estudió música y latín, pero no pintaba. Su aristocrático padre se aseguró de que tanto Sofonisba como sus hermanas recibieran una buena educación en la que estaban incluidas las bellas artes.
A la edad de 14 años su padre la envió, junto con su hermana Elena, a estudiar con Bernardino Campi, pintor también nacido en Cremona, un respetado autor de retratos y escenas religiosas de la escuela de Lombardía. Cuando Campi se mudó a otra ciudad, Sofonisba continuó sus estudios con el pintor Bernardino Gatti (conocido como «El Sojaro»). El aprendizaje de Sofonisba con artistas locales sentó un precedente para que las mujeres fueran aceptadas como estudiantes de arte. No se sabe con certeza, pero probablemente continuó sus estudios junto a Gatti durante tres años. Su trabajo más importante de aquella época es su obra Bernardino Campi pintando a Sofonisba Anguissola, fechado en 1550 y que se encuentra en la Pinacoteca Nacional de Siena.

Bernardino Campi en un retrato de Sofonisba Anguissola (Autoritratto con Bernardino Campi, 1550)
Sofonisba Anguissola –

Sofonisba Anguissola

 



{17 agosto, 2018}   *San Martín

San Martín! que tu nombre honra y prez

de los pueblos del Sur

aseguren por siempre los rumbos

 de la patria que alumbra  tu luz

 

José de San Martín (retrato, c.1828).jpgFirma José de San Martín.svg

Yergue el Ande su cumbre más alta,
dé la mar el metal de su voz
y entre cielos y nieves eternas
se alza el trono del Libertador

Suenen claras trompetas de gloria
y levanten un himno triunfal,
que la luz de la historia
agiganta la figura del Gran Capitán.

De las tierras del Plata a Mendoza,
de Santiago a la Lima gentil
fue sembrando en la ruta laureles
a su paso triunfal, San Martín.

San Martín, el señor de la guerra,
por secreto designio de Dios,
grande fue cuando el sol lo alumbraba
y más grande en la puesta del sol.

¡Padre augusto del pueblo argentino,
héroe magno de la libertad!
A tu sombra la patria se agranda
en virtud, en trabajo y en paz.

¡San Martín! ¡San Martín! Que tu nombre
honra y prez de los pueblos del sur
aseguren por siempre los rumbos
de la patria que alumbra tu luz.

El cruce de los Andes.
José Bouchet (1848-1919) – Instituto Nacional Sanmartiniano
El Ejército de los Andes saliendo del campamento del Plumerillo. Boceto al óleo y dos tintas sobre tela; 116 x 60 cm. Museo Histórico Nacional, Buenos Aires

El Abrazo de Maipú, según Pedro Subercaseaux
Pedro Subercaseaux – Libro “Chile y Argentina, la cordillera que nos une”
El “Abrazo de Maipú” entre José de San Martín y Bernardo O’Higgins tras la victoria en la Batalla de Maipú, el 5 de abril de 1818.

San Martín




Aretha Franklin (cropped).pngStars Glitter gifs R.I.P.

Aretha Louise Franklin (Memphis, 25 de marzo de 1942-Detroit, 16 de agosto de 2018)1​ fue una cantante estadounidense de soul, R&B y góspel. Apodada como «Lady Soul» (la Dama del Soul) o «Queen of soul» (la Reina del Soul), fue una de las máximas exponentes de aquel género, y una de las más grandes transmisoras de góspel de todos los tiempos, así como una de las artistas más influyentes en la música contemporánea.

A mediados de la década de 1960 se consolidó como estrella femenina del soul, algo que usó en favor de los derechos raciales en Estados Unidos, siendo un elemento influyente dentro del movimiento racial y de la liberación femenina. En 1987, Franklin se convierte en la primera mujer en entrar en el Rock and Roll Hall of Fame.

Fue seleccionada en el primer lugar de los Los 100 cantantes más grandes de todos los tiempos según Rolling Stone en 2008.3​ Además, la misma publicación la catalogó en el lugar (23º) de mejores artistas, del listado 100 Grandes Artistas.

Aretha Franklin, The Gospel Tradition In Performance at the White House, 2015 (cut).jpg

Infancia y formación
Nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis (Tennessee), y creció en Detroit. Fue hija del predicador Clarence LeVaughn Franklin y la cantante de góspel Barbara Franklin. Su madre abandonó a su familia cuando Aretha era una niña, y poco tiempo después, murió. Su padre vio pronto el talento de Aretha, por lo que quiso que tomara clases de piano, pero ella lo rechazó y prefirió aprender por sí sola con la ayuda de grabaciones. En este tiempo, permanecía en una gira itinerante de góspel, donde uno de los primeros temas que interpretó fue «Precious Lord». Los genios del góspel Clara Ward, James Cleveland y Mahalia Jackson eran íntimos de su familia, por lo que Aretha creció rodeada de ellos. Con doce años tuvo a su primer hijo, y dos años después tuvo el segundo.

 Principios e influencias góspel en Checker (1956-1960)
Las raíces góspel de Franklin fueron una de las huellas más personales e influyentes en su carrera. Con sus hermanas Carolyn Franklin y Erma Franklin (ambas mantuvieron también carreras en solitario) cantaba en la Iglesia Bautista de Detroit (New Bethel Baptist Church), fundada y regentada por su padre, C. L. Franklin, un predicador baptista, apodado “La voz del millón de dólares” y uno de los principales confidentes del líder Martin Luther King. Aretha pasó toda su infancia dentro de este ambiente góspel y rodeada de voces del jazz como Dinah Washington y Ella Fitzgerald. Con tan solo 14 años hizo su primera grabación para el sello JVB/Battle Records, luego reeditado por Checker, The gospel soul of Aretha Franklin, en el que se podían oír composiciones góspel con un potente sonido soul, lleno de melodías a piano, instrumento que dominaba desde su infancia. En 1960, viajó hasta Nueva York para tomar clases de técnica vocal y danza. En este tiempo, empezó a grabar demos para enviar a las discográficas.

Etapa en Columbia y Harmony (1961-1966)
Tras un tiempo en el que Aretha comenzó a ser considerada una joven prodigio, se comentaba que Motown estaba interesada en ficharla, pero finalmente firmó con el sello Columbia Records, bajo la dirección de John Hammond. Aretha entró en Columbia como una artista soul, pero con el tiempo, la compañía comenzó a adentrarla en su catálogo de jazz, como se demuestra en Unforgettable: a tribute to Dinah Washington (1964), en el que rinde homenaje a una de sus grandes ídolos. Aretha no estaba de acuerdo con esta guía, ya que se sentía como una artista soul y no como una dama del jazz, aunque en esa época se pudo comprobar la versatilidad musical que poseía y en donde se pueden encontrar muchas de sus más bellas melodías como por ejemplo “Sweet bitter love”, «Skylark», «Try a little Tenderness» y muchas otras. Esto fue lo que motivo la salida por decisión propia de Aretha en 1964. En esta época, consiguió éxitos menores entre los que destacan «Operation heartbreak», «Rock-a-bye Your Baby With a Dixie Melody», «Lee Cross» y «Soulville». Tras su marcha de Columbia, editó Songs of faith (1964) con la discográfica en que debutó y donde continuaba ese sentimiento góspel. Un año más tarde, salió Once in a lifetime, bajo el sello Harmony.

Aretha Franklin

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187º aniversario del nacimiento de Ebenezer Cobb MorleyDoodle de Google homenaje

Ebenezer Cobb Morley (16 de agosto de 1831 – 20 de noviembre de 1924) fue un deportista inglés y es considerado el padre de la Asociación de Fútbol y del fútbol moderno .

Morley nació en 10 Garden Square, Princess Street en Hull [3] y vivió en la ciudad hasta los 22 años. Se mudó a Barnes en 1858 formando el Barnes Club , miembro fundador de la FA, en 1862. En 1863, como capitán del club basado en Mortlake , escribió al periódico Bell’s Life proponiendo un organismo de gobierno para el deporte. Esto condujo a la primera reunión en la Taberna de los Francmasones , que creó la FA. 

Fue el primer secretario de la FA (1863-1866) y su segundo presidente (1867-1874) y redactó las primeras Reglas de Juego en su casa de Barnes. Esta casa, No 26 The Terrace , que había llevado una placa azul a Morley, se derrumbó “como una torre de naipes” en noviembre de 2015 durante la construcción. 

Como jugador, jugó en el primer partido contra Richmond en 1863 y anotó en el primer partido representativo entre los clubes de Londres y Sheffield el 31 de marzo de 1866.

Un abogado de profesión, Morley fue un gran remero , la fundación de la Barnes y Mortlake regata por la que también fue secretario (1862-1880). Sirvió en el Consejo del Condado de Surrey para Barnes (1903-1919) y fue Juez de Paz . Morley está enterrado  en el cementerio de Barnes , un cementerio ahora abandonado en Barnes Common , Barnes . Él no tenía hijos. 

Una reunión siguió en Freeman’s Tavern donde a Morley se unieron miembros de clubes de fútbol en toda Inglaterra, quienes tuvieron aportes en la reglamentación antes de que Morley elaborara su lista de 13 reglas, que se convirtieron en el estándar de juego en Inglaterra.

Las leyes de Morley ayudaron a reducir la violencia en el campo, aunque pensó que los jugadores deberían ser capaces de “piratear la pierna delantera” y formalizaron la regla crucial que ahora llamamos offside, que evita que los jugadores permanentemente se mantengan detrás de la línea defensiva de un oponente, esperando un pase.

Morley más tarde ayudó a establecer la Asociación de Fútbol, ​​que sigue siendo el organismo rector del fútbol en Gran Bretaña. En 1863 fue elegido Secretario Honorario de la FA, ocupó el cargo hasta 1866 y fue presidente de la FA de 1867 a 1874.

Otros grupos de varios países hicieron desarrollos cruciales para el fútbol también, pero gracias a Morley “el hermoso juego” se volvió menos brutal, la acción se extendió más en el campo, y se juega de la manera que es hoy.

Morley fue objeto de un Doodle de Google el 16 de 2018 agosto, el 187 º aniversario de su nacimiento.




VIRRRRR

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Asunción de María o Asunción de la Virgen es la creencia, de acuerdo a la tradición y teología de la Iglesia católica y de la Iglesia ortodoxa, la iglesia ortodoxa oriental y algunas denominaciones protestantes como los Anglicanos de que el cuerpo y alma de la Virgen María, la madre de Jesucristo, fueron llevados al Cielo después de terminar sus días en la Tierra. No debe confundirse con la Ascensión, que hace referencia al propio Jesucristo.

Este traslado es llamado Assumptio Beatae Mariae Virginis(Asunción de la Bienaventurada Virgen María) por los católicos, cuya doctrina fue definida como dogma de fe (verdad de la que no puede dudarse) por el papa Pío XII el 1 de noviembre de 1950. La Iglesia católica celebra esta fiesta en honor de María en Oriente desde el siglo VI y en Roma desde el siglo VII. La festividad se celebra el 15 de agosto.

Asunción de María

 




Mario Moreno - Cantinflas-2.jpg

Mario Moreno “Cantinflas”
Iberia Airlines – Mario Moreno “Cantinflas”
CC BY 2.0

107º aniversario del nacimiento de Mario Moreno

Mario Fortino Alfonso Moreno Reyes (Ciudad de México, 12 de agosto de 1911 – 20 de abril de 1993), conocido como Mario Moreno y como Cantinflas, fue un actor, productor, guionista y comediante del cine mexicano. El personaje se asoció con la identidad nacional de México y le permitió a Cantinflas establecer una larga y exitosa carrera cinematográfica que incluyó una incursión en Hollywood. Charlie Chaplin comentó una vez que era el mejor comediante vivo para entonces.​ En los Estados Unidos, es recordado como coprotagonista con David Niven en la película ganadora del Óscar a la Mejor Película titulada La Vuelta al Mundo en 80 Días, por la cual Moreno ganó un Globo de Oro al Mejor Actor – Comedia o musical.

Se dice que el estilo de salir a hacer comedia, disfrazado de «peladito», lo tomó del comediante Manuel Medel. El humor de Cantinflas tan cargado de aspectos lingüísticos del habla mexicana, tanto en la entonación, como en el léxico o la sintaxis, fue tan celebrado por todos los países hispanohablantes que surgió toda una gama léxica de nuevas palabras: ser un cantinflas, cantinflear, cantinflada, cantinflesco o cantinflero.

A pesar de que algunas de sus películas fueron dobladas al inglés y al francés, los juegos de palabras tan particulares en español resultaban difíciles de traducir. Su gran éxito lo logró entre el público hispanohablante, en Hispanoamérica, Guinea Ecuatorial y España.

Como pionero del cine mexicano, Mario Moreno contribuyó a su florecimiento durante la Época de Oro del Cine Mexicano. En su vida también fungió como empresario y se involucró en la política de México. Aunque fue conservador, su reputación como portavoz de los desprotegidos le proporcionó autenticidad y se convirtió en una figura importante en la lucha contra el charrismo sindical, que es la práctica del gobierno de un solo partido, para manejar y controlar a los sindicatos.

El 29 de agosto de 2014 fue estrenada una película en su memoria protagonizada por el actor español Óscar Jaenada, que se centra en su llegada al cine de Hollywood, a finales de la década de 1950

Mario Fortino Alfonso Moreno Reyes (Cantinflas) fue el sexto de los catorce hijos del matrimonio formado por el cartero Pedro Moreno Esquivel y María de la Soledad Reyes Guízar. De los catorce hijos, sobrevivieron solo ocho al parto: Pedro, José, Catalina, el propio Mario, Eduardo, Esperanza, Enrique y Roberto. Nació en el barrio mexicano de Santa María la Ribera, pero se crió en el de Tepito.

Se dedicó a diversos trabajos, fue ayudante de zapatero, para después “ascender” a bolero (limpiabotas), mandadero, cartero, taxista, empleado de billar, boxeador y hasta torero. A principios de 1928 se alistó en el ejército mexicano como soldado de infantería con estudios de mecanógrafo, pero el 23 de mayo de ese año su padre envió una carta al ejército en la que solicitaba la baja de su hijo. El motivo no era otro que la edad de Mario: tenía 16 años y había mentido, fingiendo que tenía 21.

Se casó con la moscovita Valentina Ivanova Zuvareff el 27 de octubre de 1934. Tenía 23 años y permanecieron juntos hasta la muerte de ella, en 1966. Debido a la imposibilidad de la pareja de tener hijos, en 1962 adoptaron a Mario Arturo Moreno Ivanova.

Su personalidad cómica lo llevó a las carpas de los circos y de ahí pasó al teatro y al cine. En los escenarios populares compartió créditos con el socio artístico de sus primeros años, Manuel Medel Ruiz, con el que además filmó tres películas entre 1937 y 1939.

Moreno fue presidente de la Asociación Nacional de Actores (ANDA) y fue el primer secretario general del Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica (STPC). Tras retirarse, Mario Moreno dedicó su vida a ayudar a los demás a través de la caridad y de organizaciones de beneficencia, sobre todo las de ayuda a la infancia.

Bajo los escenarios, Mario era una persona culta y reservada, que aplicaba el perfeccionismo en sus trabajos.

Inicios en el espectáculo
Antes de comenzar su vida profesional, exploró un número de posibles carreras como la de químico, el boxeo e incluso ser torero profesional antes de unirse al mundo del espectáculo como bailarín. Para 1930, ya se presentaba en el circuito de carpas de la ciudad de México y se turnaba entre las carpas Ofelia, Sotelo de Azcapotzalcuaco y finalmente la carpa Valentina, donde conoció a su futura esposa. Al principio trató de imitar a Al Jolson, pintándose la cara de negro, pero después formó su propio personaje inspirándose en los habitantes de los barrios pobres, con pantalones holgados, una soga como cinto y un bigote muy particular. En las carpas bailaba, realizaba acrobacias y otros varios orificios.

Retrato de Mario Moreno Cantinflas
Daniel Alvarado Silvera – Trabajo propio
Homenaje a Cantinflas
CC BY-SA 4.0

Cantinflas

 




Mapa del mar de los Sargazos, con indicación de las corrientes marinas circundantes.

El Mar de los Sargazos fue uno de los descubrimientos de Cristóbal Colón en su primer viaje a América y en el siglo siguiente se comenzó a gestar fama de cementerio de barcos.

El mar de los Sargazos es una región del océano Atlántico septentrional que se extiende entre los meridianos 70º y 40º O y los paralelos 25º a 35º N, y que en los siglos XVII al XVIII tuvo la tétrica fama de ser lugar de cementerio de buques de navegación a vela. Es el único mar definido por características físicas y biológicas sin incluir la presencia de costas.

Historia de su denominación
Fueron los navegantes portugueses quienes pusieron el nombre al alga y al mar. El sargazo es un alga que forma grandes conjuntos enmarañados, que se mantienen a flote por medio de vejigas llenas de gas, y se extienden hasta el horizonte. Con frecuencia, los barcos portugueses se veían frenados por las algas, e incluso llegaban a quedar atascados en ellas, lo que daba a las tripulaciones tiempo de sobra para estudiarlas. Como éstos hombres venían de un país donde abundan las vides, los conjuntos de vejigas de gas de aquella planta les parecieron racimos de uvas de una variedad denominada salgazo. Así fue como el mar de los Sargazos adquirió su nombre. El sargazo desciende de un tipo de alga que suele crecer adherida a las rocas cerca de la costa, pero se adaptó del todo a la vida pelágica y ahora flota en las capas superiores del océano.

Es el lugar elegido por las anguilas para el desove durante todo el año.

En la literatura
Las características singulares del mar de los sargazos, con una extensión equivalente a 1/3 de la superficie de Estados Unidos constituyó un formidable escollo para la navegación a vela, inspirando innumerables leyendas y mitos sobre las que posteriormente se crearon obras de ficción:

Alice Munro
En su libro “”La vida de las mujeres””, hace mención varias veces al conocimiento de este mar como prueba de inteligencia entre niños.

William Hope Hodgson ambientó en el Mar de los Sargazos varios de sus cuentos de terror marino, en un estilo similar al de H.P. Lovecraft.
Horacio Quiroga lo menciona al mar de los Sargazos en su cuento Los Buques Suicidantes
El «mar super sargazo» es la dimensión donde van las cosas perdidas, según propuso Charles Hoy Fort, escritor e investigador de fenómenos anormales.
El libro de A. Bertram Chandler «En el universo alternativo»2​ parece haberse inspirado en la idea de Fort, ya que describe un «super mar» en el espacio, donde los protagonistas descubren muchas naves espaciales y marinas perdidas, algunas históricas y otras ficticias, que «han atravesado una barrera dimensional».
Arthur C. Clarke lo nombra en “2001 Una odisea espacial”.
Ernesto Sabato lo nombra en “Sobre héroes y tumbas”, también como una fortaleza infranqueable.
Julio Cortázar lo menciona en “Prosa del observatorio”.
Jean Rhys sitúa la acción de su segunda novela en el Caribe, titulada Ancho mar de los Sargazos.
Adrian Conan Doyle, escritor inglés hijo de Sir Arthur Conan Doyle, sitúa en él la acción del relato titulado “El enamorado de los llanos coralinos”.
Julio Verne lo describe en su novela: 20.000 leguas de viaje submarino.
Patrick O’Brian lo menciona en la décima novela de la saga Aubrey-Maturin “La costa más lejana del mundo”, dando precisiones sobre la posición donde los vientos alisios pierden fuerzas y las maniobras que debían efectuar las naves a vela en el S. XVIII para evitar quedar atrapadas.
El primer disco de Skay Beilinson (Ex guitarrista de los Redonditos de ricota) se llama “A traves del mar de los sargazos.”

Sargassum weeds closeup.jpg

Sargassum natans
James St. John – Sargassum natans (brown algae) (San Salvador Island, Bahamas) 2 CC BY 2.0

(Wikiespecies)

 

Sargassum (sargazo) es un género de macroalgas planctónicas pluricelular de la clase Phaeophyceae (algas pardas) en el orden Fucales. Las algas, que pueden crecer en varios metros, son pardas o verde negruzcas y diferenciadas en rizoides, estipes y lámina. Algunas especies tienen vesículas llenas de gas para mantenerse a flote y promover la fotosíntesis. Muchas tienen texturas duras que, entrelazadas y con cuerpos robustos pero flexibles, las ayudan a sobrevivir a corrientes fuertes.
Sargassum bacciferum.
Las espesas masas de sargazos proveen un ambiente propicio para un distintivo y especializado grupo de organismos marinos que, muchos de los cuales, todavía se desconocen. Los sargazos se encuentran comúnmente en los detritos de la playa, cerca de sus lugares de crecimiento en el mar, por lo que suelen llamarse maleza del Golfo y, coloquialmente, como la maleza del engaño.

Las especies de Sargassum se encuentran en las áreas tropicales del mundo, y es la más obvia macrófita de áreas costeras donde el sargazo está cerca de arrecife de coral. Las algas crecen subsidiariamente pegadas al coral y a rocas. En otros casos (por ejemplo, en el Mar de los Sargazos), flotan a la deriva poblaciones inmensas de Sargassum.

(Wikipedia)

 




A pesar de que su madre los rechazó, fueron criados por veterinarios del zoológico del altiplano de Tlaxcala.




Banda  de sonido de la tira 100 días para enamorarse.




Jean-Paul Pelissier

Jean-Paul Pelissier Reuters AP

La inundación repentina que se ha producido en el sudoeste de Francia ha provocado más de una decena de muertos. En cuestión de horas, durante la noche de 14 a 15 de octubre, se registró en la región una cantidad de precipitaciones equivalente a la de siete meses, lo que resultó en la peor inundación en la zon desde 1891, señala Reuters. Las áreas de las localidades Conques-sur-Orbiel, Villegailhenc y Villardonnel han sido las más castigadas.

Origen: Así fue la mortal y devastadora inundación en Francia, la peor sufrida en el país desde el siglo XIX

Jean-Paul Pelissier Reuters AP
RT




Un hallazgo "extraordinario" cambia la historia de la destrucción de Pompeya

Fuente: Ruinas de la antigua ciudad romana de Pompeya, cubiertas de cenizas por la erupción del Vesubio en el año 79.
Fuente: I. Bocharov / Sputnik

RT

Una inscripción hallada por científicos italianos desmiente, aparentemente, la fecha exacta de la catastrófica erupción del Vesubio.

Origen: Un hallazgo “extraordinario” cambia la historia de la destrucción de Pompeya




Una serie de potentes terremotos se registra cerca de Nueva Caledonia

Fuente: earthquake.usgs.gov

RT

El epicentro de los sismos se ha localizado en el océano Pacífico a 10 kilómetros de profundidad.

Origen: Una serie de potentes terremotos se registra cerca de Nueva Caledonia




El Fondo Mundial para la Naturaleza ha calificado a Bután como “uno de los lugares más felices del mundo”. Staff Photographer

Ahora en el país hay solo cerca de un centenar de coches eléctricos, pero las autoridades planean aumentar su número.Singye Wangchuk Reuters

Bután, país ubicado entre la India y China con una población de unos 800.000 habitantes, aboga por la protección del medio ambiente y es el único país en todo el mundo que absorbe tres veces más dióxido de carbono del que produce. Entre las medidas que adoptan las autoridades locales para preservar la naturaleza y parar el cambio climático están el control de la tala y la importación de bosques, la limitación del volumen del turismo, así como el desarrollo del transporte eléctrico.

Origen: Así vive el país que no contamina la Tierra

En el 2015, el país entró en el Libro Guinness de los Récords al plantar un número de árboles sin precedentes.Marcus Ferrar Reuters

Otra importante fuente de ingresos es la hidroelectricidad, que equivale al 32,4% de las exportaciones de Bután.Desmond Boylan Reuters




"Llegarán los superhumanos": Revelan el último temor de Stephen Hawking

El físico Stephen Hawking, Nueva York, EE.UU., el 12 de abril de 2016
Lucas Jackson / Reuters/RT

En su predicción final, uno de los científicos más célebres del mundo sugiere que gracias a la ingeniería genética surgirá una nueva especie de personas mejoradas.

Origen: “Llegarán los superhumanos”: Revelan el último temor de Stephen Hawking




FOTOS: Hallan un caracol atrapado vivo en ámbar hace 99 millones de años

Foto ilustrativa
Fuente: Igor Zarembo / Sputnik/RT

El espécimen tiene el cuerpo estirado, como si tratara de escapar de la trampa.

Origen: FOTOS: Hallan un caracol atrapado vivo en ámbar hace 99 millones de años




FOTOS: Descubren una tumba romana "extremadamente misteriosa y rara"

Fuente: David Pickel / Universidad de Stanford/RT

Un chico, fallecido por malaria, fue enterrado con una piedra en su boca que debía impedirle levantarse de entre los muertos y propagar la enfermedad entre los vivos.

Origen: FOTOS: Descubren una tumba romana “extremadamente misteriosa y rara”




El súper alimento oxigenante cerebral que pasa desapercibido para muchos

La planta pira forma parte del paisaje urbano de Caracas, Venezuela.
Fuente: Nathali Gómez / RT

Esta hierba, que ha sido subestimada desde tiempos coloniales, posee una altísima cantidad de nutrientes.

Origen: El súper alimento oxigenante cerebral que pasa desapercibido para muchos




'Hackers' accedieron a los datos de 29 millones de usuarios de Faceboook

Foto ilustrativa
Fuente: Dado Ruvic / Reuters/RT

Así lo ha anunciado la propia red social a través de un comunicado.

Origen: ‘Hackers’ accedieron a los datos de 29 millones de usuarios de Faceboook




Amy Winehouse volverá a los escenarios en 2019 en forma de holograma

Amy Winehouse se presenta en los Brit Awards en Earls Court, Londres (el Reino Unido), 20 de febrero de 2008.
Fuente: Alessia Pierdomenico / Reuters/RT

La fallecida cantante británica, al igual que Roy Orbison y María Callas, ‘actuará’ póstumamente a través de las nuevas tecnologías.

Origen: Amy Winehouse volverá a los escenarios en 2019 en forma de holograma



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