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MEMORIA ARTÍSTICA

CICLO DE ALTA COMEDIA TRAILER

 

La Comedia no tiene actos ni escenas. La representación se interrumpirá una primera vez, sin bajar el telón, cuando el Director de la Compañía y el primero de los Personajes se retiran para concertar la escenificación, desalojando entonces los actores el escenario; y una segunda vez, cuando por error, el maquinista dejará caer el telón.

Seis personajes en busca de un autor

Argumento

Cuando se representaba “El juego de los papeles”, comedia del mismo autor; se presentan en el escenario sus personajes: el padre, un cincuentón; la madre, muy afligida; la hijastra, rebelde; el hijo, soberbio; el niño y la niña.

Sorprendido, el director de la obra escucha al padre lo siguiente: ellos vienen en busca de un cualquiera que quiera darles realidad en su obra ya que su problema radicaba en que todos ellos procedían de la fantasía del escritor quien después de concebirlos en su imaginación, no los pasó al papel, no los inscribió en una obra. Por eso están allí, anhelando existir, consumar y manifestar su propio destino; y como en el teatro no hay ningún autor, insisten para que el director de la compañía los vea y les ayude a dar forma en su drama. Con dicha finalidad, le relatan sus propias historias, cada uno reviviéndola a su manera, compadeciéndose sólo de sí mismos: el padre y la madre habían procreado en el matrimonio un hijo, pero tiempo después había surgido un romance entre la madre y el secretario del padre, por lo que el esposo los había dejado “libres”. En esta segunda relación, la madre tendría tres hijos con el secretario, pero una vez fallecido éste, la madre hubo de retomar a la ciudad en busca de trabajo. Entretanto la hijastra, la primera habida con el secretario, obligada por la necesidad, trabajaba con Madama Pace, que era dueña de una casa de citas y de la que el padre era cliente por sus asiduas visitas. En estas circunstancias, por esas casualidades de la vida y sorpresivamente, la madre encuentra al padre y a la hijastra antes de que compartan el lecho. Afligido, el padre decide acoger en su casa a toda la familia. Allí el hijo mayor los trata con indiferencia, como a intrusos, por lo que la madre suplica que frene su hostilidad. Simultáneamente a estos episodios, la niña cae en la fuente del jardín y el niño se mata con un revólver en el escenario, en tanto que la hijastra huye lanzando una amarga risotada.

Personajes
Compañía de teatro
El director, quien está a cargo de la producción teatral de El juego de los papeles, es exigente y busca llevar a cabo el ensayo de su obra, que cuando sus intentos de retomar sus ensayos son frustrados él se altera e intenta expulsar a los personajes de el escenario; aunque posteriormente es conmovido por la historia de los personajes y accede a llevar a cabo su petición.
Primer actor, uno de los talentos que será parte de la obra, quien luego tendrá que personificar a El padre.
Primera actriz, una diva a quien le tocará interpretar a La hijastra, parece tener una relación con el Primer actor.
Joven actor, le tocará ser el personaje de El hijo.
Joven actriz, será La madre.
Director de escena, conserje,etc…, ayudantes del director.
La familia[editar]
El padre, quien arrastra a todos para buscar a alguien que escriba su historia.
La madre, esposa de El padre, que después se fue con otro hombre.
La hijastra, hija de La madre con su segunda pareja.
El hijo, único hijo de El padre y La madre; hermanastro de La hijastra, El muchacho y La niña.
El muchacho, hermano de La hijastra.
La niña, la más pequeña de la familia, hermana de La hijastra y de El muchacho.
Madama Pace, quien le ofrece trabajo a La hijastra cuando su padre muere.

 

Luigi Pirandello
(Agrigento, Italia, 1867 – Roma, 1936) Escritor italiano. Hijo de un rico comerciante, estudió en las universidades de Palermo, Roma y Bonn. Tras graduarse en ésta última en 1891, regresó a Italia. En 1894, una vez hubo concluido su primera novela, L’esclusa, contrajo matrimonio y publicó su primer libro de relatos, Amores sin amor.
Luigi Pirandello

En 1897 fue contratado como profesor de literatura italiana, y en 1904 apareció su novela El difunto Matías Pascal, que recogía muchos elementos biográficos del autor y constituyó un enorme éxito. A la publicación del ensayo L’umorismo siguieron el drama Pensaci, Giacomino!, el volumen de relatos La trampa, y la novela Si gira…

Con la representación, en 1917, de la pieza teatral Así es si así os parece, se decantó claramente por el género dramático, en el cual creó escuela por su peculiar construcción de la pieza teatral, sus recursos escénicos y la complejidad de sus personajes. A partir de 1920 publicó varias comedias, entre ellas La señora Morli, que abordaba el tema de la doble personalidad, y Seis personajes en busca de autor, que fue un fracaso clamoroso. Con Enrique IV, puesta en escena en 1922, recuperó el favor del público.

Tras abandonar la enseñanza para dedicarse por entero a la creación literaria, y reconocido ya en todo el mundo, en 1925 asumió la dirección del Teatro d’Arte de Roma y cuatro años después fue nombrado miembro de la Academia de la Lengua de Italia. A esta época pertenecen los dramas Esta noche se improvisa, Lázaro, Como tú me quieres y No se sabe cómo.

La obra dramática de Pirandello extrema los elementos en plena disolución de un realismo en crisis y la ficción teatral en varios planos para romper el espacio escénico tradicional; tal orientación lo vincula a las figuras clave (Alfred Jarry, Bertolt Brecht, Antonin Artaud) de las que arranca el teatro del siglo XX. En 1934 le fue otorgado el Premio Nobel de Literatura.

Fuente biográfica: Biografías y vidas

 



{22 marzo, 2019}   Boccaccio, Boccaccino.

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Mujer gitana

Boccacio Boccaccino (Ferrara, antes de 1466 – Cremona, 1525), fue un pintor renacentista italiano.

Su primer aprendizaje lo realizó probablemente bajo Domenico Panetti. Encontramos atestiguada su presencia en Génova hacia 1493, donde fue contratado para pintar una tabla de altar (perdida) para la iglesia de Santa Maria della Consolazione. En 1497 fue liberado de prisión en que se encontraba en Milán por un agente de Hércules I de Este, duque de Ferrara, para quien trabajó hasta 1500. Probablemente a causa de un asesinato tuvo que marchar a Venecia, donde residía en 1505. Después se trasladó a Cremona, donde se conserva un ciclo de frescos de su mano en la catedral, representando Escenas de la Vida de la Virgen. Murió en dicha ciudad en 1525.

 

Luigi Lanzi destaca su obra por la riqueza de sus drapeados, la variedad en el color, la espiritualidad y gracia de sus figuras, así como la harmonía de sus paisajes. Muchos trabajos anteriormente atribuidos a artistas como Perugino, Pinturicchio y Garofalo le son ahora adjudicados.

Hijo y pupilo suyo fue el también pintor Camillo Boccaccino. Fueron sus alumnos Garofalo y Galeazzo Campi.

 

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Cristo llevando la Cruz

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Virgen con el niño

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Matrimonio místico de Santa Catalina con los Santos Rosa, Pedro, Juan el Bautista, anuncio a los pastores, la huida de Egipto y los magis a caballo.

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Piedad



{21 marzo, 2019}   *Bienvenido Otoño!

 

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Follaje otoñal visto desde la montaña Hogback, Wilmington.
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Giuseppe Arcimboldo – Autumn, 1573

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Antoni Viladomat – Autumn – Google Art Project

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This picture was in a series – ‘Autumn in my hometown Dalian and beside my feet’ made for my… memory-store of autumn and free-time outdoor hiking to feel healthy. It’s the head of a red-seeded dandelion (Wikipedia introduction: https://en.wikipedia.org/wiki/Taraxacum_erythrospermum), with the nickname in my family – ‘Umbrellas Mother’. You knew, every seed-son is carrying an ‘umbrella’ for travelling to a place named ‘Unknown Far-land’. In the imagination of autumn, when you blow one gently after a small prayer, those umbrellas usually carried your dreams and good wishes to somewhere your feet couldn’t touch or reach again, or to some people living in ‘Far-land’ whom you couldn’t see again… Sons of ‘Umbrellas Mother’: in autum breeze, please bring my missing and best wishes to those living in ‘Far-land’. Hopefully, you can hear its voices in the wind crossing the sea and remember a dream of mine in heart……

Jason M. C., Han – Own work

 

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Clifden, Southland, New Zealand
Alvin Feng from Seattle – Fall Foliage

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Equinoccio de Otoño 2019

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{21 marzo, 2019}   * Johann Sebastian Bach

 

Johann Sebastian Bach

El Doodle de Google le rinde homenaje

¡Hoy celebramos el compositor y músico alemán de renombre mundial Johann Sebastian Bach con nuestro primer Doodle basado en AI! Hecho en colaboración con los equipos Google Magenta y Google PAIR, el Doodle es una experiencia interactiva que anima a los jugadores a componer una melodía de dos medidas de su elección. Con solo presionar un botón, el Doodle utiliza el aprendizaje automático para armonizar la melodía personalizada con el estilo de música de Bach (o un híbrido de estilo rock de los 80 de Bach si encuentras un huevo de Pascua muy especial en el Doodle … :)) .

¿El primer paso para desarrollar el Doodle? Creando un modelo de aprendizaje automático para potenciarlo. El aprendizaje automático es el proceso de enseñar a una computadora a encontrar sus propias respuestas al mostrarle muchos ejemplos, en lugar de darle un conjunto de reglas a seguir, como se hace en la programación tradicional de computadoras. El modelo utilizado en el Doodle de hoy fue desarrollado por Anna Huang, residente de Magenta Team AI, quien desarrolló Coconet: un modelo versátil que se puede usar en una amplia gama de tareas musicales, como armonizar melodías o componer desde cero (consulte más de estas técnicas). Detalles en la publicación del blog Magenta de hoy).

Específicamente, Coconet recibió capacitación en 306 de las armonizaciones de coral de Bach. Sus corales siempre tienen cuatro voces, cada una con su propia línea melódica, mientras crean una rica progresión armónica cuando se tocan juntas. Esta estructura concisa los convirtió en buenos datos de entrenamiento para un modelo de aprendizaje automático.

Luego vinieron nuestros socios en PAIR que usaron TensorFlow.js para permitir que el aprendizaje automático ocurriera completamente dentro del navegador web (en lugar de hacerlo utilizando toneladas de servidores, como tradicionalmente lo hace el aprendizaje automático). Para los casos en que la computadora o el dispositivo de una persona no sean lo suficientemente rápidos para ejecutar el Doodle con TensorFlow.js, el Doodle también se entrega con las nuevas Unidades de Procesamiento de Tensor (TPU) de Google, una forma de manejar rápidamente las tareas de aprendizaje automático en los centros de datos. Doodle primero!

Estos componentes, combinados con el arte y la ingeniería del equipo de Doodle, ayudaron a crear lo que se ve hoy.

Johann Sebastian Bach nació en la pequeña ciudad alemana de Eisenach en este día en 1685 (bajo el antiguo calendario juliano). Creció en una gran familia musical: su padre tocaba múltiples instrumentos y también trabajó como director de los músicos de la ciudad. Su hermano mayor, también músico, crió a Bach joven a partir de los 10 años después de la muerte de su padre. Conocido principalmente como un organista excepcional durante su vida, Bach también entendió cómo construir y reparar los complejos mecanismos internos de los órganos tubulares (que se muestran en el Doodle interactivo de hoy).

Bach fue un hombre humilde que compuso música a un ritmo prolífico (¡a veces al ritmo de una cantata por semana!), Y atribuyó su éxito a la inspiración divina y una ética de trabajo estricta. Vivió para ver solo un puñado de sus obras publicadas, pero más de 1,000 que sobrevivieron en forma de manuscrito ahora se publican y realizan en todo el mundo.

La reputación de Bach se disparó después del “resurgimiento de Bach” del siglo XIX, a medida que el mundo de la música adquiría un nuevo aprecio por su uso innovador de la armonía de cuatro partes, las modulaciones de la clave y el dominio del contrapunto y la fuga. Quizás la mejor medida de su legado es su impacto en otros artistas, que van desde lo clásico hasta lo contemporáneo a lo largo de los siglos.

Sin embargo, los músicos no fueron los únicos afectados por la música de Bach. Después del lanzamiento de la sonda de espacio profundo Voyager 2, el científico y autor Lewis Thomas sugirió que la raza humana transmita su música a los confines más alejados del sistema solar. “Votaría por Bach, toda Bach”, escribió. “Estaríamos jactándonos, por supuesto”.



{12 marzo, 2019}   World Wide Web

30º aniversario de la World Wide Web

“Vago pero emocionante”.

Así fue como el jefe de Sir Tim Berners-Lee respondió a su propuesta titulada “Gestión de la información: una propuesta”, presentada este día en 1989, cuando el inventor de la World Wide Web era un ingeniero de software de 33 años. Inicialmente, Berners-Lee imaginó “una gran base de datos de hipertexto con enlaces mecanografiados”, llamada “Malla”, para ayudar a sus colegas del CERN (un gran laboratorio de física nuclear en Suiza) a compartir información entre varias computadoras.

El jefe de Berners-Lee le dio tiempo para desarrollar el humilde diagrama de flujo en un modelo funcional, escribiendo el lenguaje HTML, la aplicación HTTP y WorldWideWeb.app, el primer navegador web y editor de páginas. En 1991, los servidores web externos estaban en funcionamiento.

La Web pronto revolucionaría la vida tal como la conocemos, iniciando la era de la información. Hoy en día, hay casi 2 mil millones de sitios web en línea. Ya sea que lo use para correo electrónico, tareas, juegos o ver videos de lindos cachorros, es probable que no pueda imaginar la vida sin Internet.

Para no confundirse con Internet, que había evolucionado desde la década de 1960, la World Wide Web es una aplicación en línea basada en innovaciones como el lenguaje HTML, las “direcciones” de URL y el protocolo de transferencia de hipertexto o HTTP. La Web también se ha convertido en una comunidad descentralizada, basada en los principios de universalidad, consenso y diseño ascendente.

“Hay muy pocas innovaciones que realmente lo han cambiado todo”, dijo Jeff Jaffe, CEO de World Wide Web Consortium. “La web es la innovación más impactante de nuestro tiempo”.

¡Feliz 30 aniversario de la World Wide Web!

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WWW




Religion Glitter gifs

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Debut cinematográfico de Niní Marshall, en el rol de Catita. Filmada en Lumiton y estrenada el 6 de Julio de 1938 en el cine Monumental. Elenco: Mecha Ortiz, Tito Lusiardo, Alicia Barrié, Pepita Serrador, Sabina Olmos, Fernando Borel, Alita Román, Enrique Roldán, Hilda Sour y Alimedes Nelson. Libro y dirección de Manuel Romero.










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Faces Graphics Facebook graphics Nice day

*MUJER*

MUJER DECIDIDA, INTUITIVA, AMOROSA, GUERRERA, LUCHADORA, SENSIBLE, EMPRENDEDORA, INCANSABLE, CREATIVA, FUERTE COMO UN ROBLE PERO A LA VEZ FLEXIBLE COMO EL BAMBÚ.

*FELIZ DÍA DE LA MUJER!!!

 

 






{6 marzo, 2019}   Carnaval Gualeguaychu







Dirigida por Juan Sires sobre guión de Julio Porter y Raúl Gurruchaga. Se estrenó el 20 de septiembre de 1956 y tuvo como protagonistas principales a José Cibrián, Ana María Campoy, Francisco Álvarez y Tito Gómez.

Una pareja de actores argentinos que hacían una comedia “Ana y Pepe” similar a “Yo amo a Lucy”.



{2 marzo, 2019}   Desi Arnaz – Natalicio

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Desi Arnaz, nacido Desiderio Alberto Arnaz y de Acha III (Santiago de Cuba, Cuba, 2 de marzo de 1917 — Hollywood, Estados Unidos, 2 de diciembre de 1986), fue un actor y músico cubano.

Biografía
Procedente de una familia cubana acomodada que abandona la isla en 1933 para establecerse en Miami, Arnaz intenta varias profesiones para ayudar a su familia hasta que es aceptado como guitarrista para el Sexteto Siboney.

Después de trabajar brevemente con Xavier Cugat en Nueva York, Arnaz regresa a Miami para dirigir su propio combo e introducir la conga a las audiencias norteamericanas. Fue tan grande el éxito, tanto local como nacional, que Arnaz vuelve a Nueva York para crear su propia banda. Se le ofreció un papel en el musical de Broadway Too Many Girls de 1939 y más tarde lo lleva a la versión cinematográfica en Hollywood. Fue en esta ocasión que conoce a su futura esposa Lucille Ball, con quien se casa el 30 de noviembre de 1940.

Arnaz participa en otras tres películas antes de enrolarse en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial. Durante los dos años de servicio era responsable de entretener a las tropas. Antes de ser retirado como activo, logra formar una nueva orquesta, grabando varios éxitos a fines de los años 1940s y trabajar como director de orquesta en el show radial de Bob Hope de 1946 a 1947.

En 1951 Arnaz dirige sus esfuerzos en desarrollar los episodios de la famosa serie televisiva I Love Lucy, que se rodó por seis años en los estudios de la CBS y se convirtió en el programa de televisión más exitoso de la historia. El matrimonio con Lucille Ball llega a su fin en 1960.

Se retira del negocio de espectáculos y se muda momentáneamente a Baja California con su segunda esposa Edith. Muere el 2 de diciembre de 1986 en Hollywood debido a un cáncer de pulmón, a la edad de 69 años.

I Love Lucy
El 15 de octubre de 1951, Arnaz se estrenó en I Love Lucy, en la que interpretó una versión ficticia de sí mismo, el líder de la orquesta cubana Enrique “Ricky” Ricardo, con Lucille Ball, su esposa verdadera. Ball insistió en que Arnaz interpretara a su esposa y coprotagonista en el aire para que los dos pudieran pasar más tiempo juntos.

La idea original era que la pareja actuaba como una exitosa pareja de famosos cuyas carreras glamorosas interfirieron con sus esfuerzos por mantener un matrimonio normal. La investigación del mercado indicaba que no sería popular. Por esta razón, Jess Oppenheimer lo cambió para hacer que Ricky Ricardo fuera un joven líder de la orquesta en apuros, y Lucy una esposa ordinaria que tenía fantasías de hacer negocios, pero no tenía el talento.

Inicialmente, la idea de tener a Ball y al claramente latino Arnaz retratando a una pareja casada encontró resistencia cuando se les dijo que el acento cubano y el estilo latino de Desi no serían agradables para los espectadores estadounidenses. La pareja superó estas objeciones, sin embargo, al viajar juntos, durante el verano de 1950, en un acto de vodevil en vivo que desarrollaron con la ayuda del payaso español Pepito Pérez, junto con los escritores de programas de radio de Ball.

Una gran parte del material de su acto de vodevil, incluida la memorable rutina de sellos de Lucy, se usó en el episodio piloto de I Love Lucy. Se recrearon segmentos del piloto en el sexto episodio de la primera temporada del programa. Durante su tiempo en el programa, Desi se convirtió en el emprendedor más exitoso de TV.

Desilu Productions
“Desilu Productions” era una productora estadounidense que fue propiedad de los cónyuges Desi Arnaz y Lucille Ball. Hasta 1962, “Desilu Productions” era la segunda más grande productora de los Estados Unidos, solo superada por “Revue Productions” de MCA. Cuando MCA compró Universal Studios, se convirtió en la productora más popular. Desilu Productions produjo diversos programas de renombre, como Star Trek, I Love Lucy y Los Intocables, y se vendió en 1967. Durante siete años, Desi Arnaz y Lucille Ball fueron propietarios de Desilu Productions, antes de que Ball comprara su parte de la compañía a Arnaz. En 1967, la compañía volvió a tener éxito financiero y fue vendida a Golf + Western por diecisiete millones de dólares. Entonces, Gulf + Western transformó Desilu Productions en otra compañía icónica, Paramount Television.

Desi Arnaz

102º aniversario del nacimiento de Desi Arnaz

Doodle de Google homenaje



{28 febrero, 2019}   Olga Ladyzhenskaya

97.º aniversario del nacimiento de Olga LadyzhenskayaDoodle de Google homenaje

 

7 de marzo de 2019
97.º aniversario del nacimiento de Olga Ladyzhenskaya

El Doodle de hoy celebra a Olga Ladyzhenskaya, una matemática rusa que triunfó sobre la tragedia personal y los obstáculos para convertirse en uno de los pensadores más influyentes de su generación.

Nacida en la ciudad rural de Kologriv en este día de 1922, Ladyzhenskaya se inspiró para amar el álgebra por su padre, un matemático descendiente de la nobleza rusa. Tenía solo 15 años cuando su padre fue encarcelado y ejecutado por las autoridades soviéticas que lo acusaron de ser un “enemigo del estado”. Posteriormente, su madre y sus hermanas vendieron vestidos, zapatos y jabón para llegar a fin de mes. A pesar de graduarse de la escuela secundaria con excelentes calificaciones, más tarde se le negó la admisión a la Universidad Estatal de Leningrado debido a su apellido.

Después de años de enseñar matemáticas a estudiantes de secundaria, Ladyzhenskaya finalmente tuvo la oportunidad de asistir a la Universidad Estatal de Moscú, estudiando con el reconocido matemático Ivan Petrovsky. Allí, obtuvo su doctorado y luego dirigió el Laboratorio de Física Matemática en el Instituto Matemático Steklov. Más tarde, ella eligió quedarse en Rusia a pesar del colapso de la Unión Soviética y las presiones económicas que siguieron.

Autor de más de 250 artículos, los métodos de Ladyzhenskaya para resolver ecuaciones diferenciales parciales siguen siendo profundamente influyentes. Miembro de la Sociedad Matemática de San Petersburgo desde 1959, se convirtió en su presidenta en 1990. Más allá de las matemáticas, también era una amante de la naturaleza y las artes.

Reconocida por numerosas instituciones internacionales, fue galardonada con la Medalla de Oro de Lomonosov por la Academia de Ciencias de Rusia en 2002 por sus impresionantes contribuciones al mundo de las matemáticas.

Olga Ladyzhenskaya



{26 febrero, 2019}   Pieter Bruegel

El triunfo de la muerte 1562

Censo en Belén 1566

Pieter Brueghel1​ llamado el Viejo, /ˈpitəɾ ˈbɾøːxəl/ (Breda o Breugel, h. 1525 – Bruselas, 5 o 9 de septiembre de 1569) fue un pintor y grabador brabanzón. Fundador de la dinastía de pintores Brueghel, es considerado uno de los grandes maestros del siglo XVI, y el más importante pintor holandés de ese siglo. Con Jan Van Eyck, el Bosco y Pedro Pablo Rubens, es considerado como una de las cuatro grandes figuras de la pintura flamenca.

La biografía de Pieter Brueghel el Viejo presenta lagunas debido a la ausencia de fuentes escritas. Los historiadores a menudo se ven reducidos a formular hipótesis. Entre otros datos, el lugar y la fecha de su nacimiento se prestan frecuentemente a conjeturas. Karel van Mander dice que nació «cerca de Breda en el pueblo cuyo nombre tomó para transmitirlo a sus descendientes». Sin embargo, había dos pueblos con el nombre de Brueghel o Brogel, uno en el Brabante Septentrional a unos 55 km de la actual villa holandesa de Breda, y el otro –que era doble y se denominaba Grote (Gran) Brogel y Kleine (Pequeño) Brigel- estaba situado en el actual Limburgo belga, alrededor de 71 km de Breda, y perteneciente en aquella época al principado de Lieja. Diversos biógrafos e historiadores han establecido posteriormente que Kleine-Brogel y Grote-Brogel estaban a alrededor de 5 km de Brée que, en el siglo XVI, se llamaba Breede, Brida o en latín Breda. Van Mander no habría pensado en que Breda en Brabante pudiera se confundida con Breede-Brida-Breda en Limburgo. Así pues, el problema no está resuelto.

Para calcular la fecha de su nacimiento se tienen en cuenta dos hechos. El primero, que se sabe cuándo murió, en 1569, y que se produjo «en la flor de la vida» (medio aetatis flore) lo que quiere decir entre los 35 y 45 años. El segundo, que fue admitido como maestro en los liggeren («registros») del gremio de San Lucas en Amberes en 1551,​ siendo así que esto solía ocurrir entre los 21 y 25 años.4​ Con ello se puede situar la fecha de nacimiento de Brueghel entre 1525 y 1530, por lo que es un contemporáneo de Felipe II de España.

También es insegura la ortografía exacta de su apellido, siendo las formas más frecuentes Brueghel, Bruegel y Breugel.Tampoco es seguro que adoptase ese apellido por ser el del lugar de nacimiento, porque para el siglo XVI ya existían los apellidos como nombres de familia.

Fuente: Wikipedia

Pieter Brueguel

 




Fragmento de la película de 1932 “El rosal de la Sra. Husson” según el cuento de Guy de Maupassant del mismo título.

René Albert Guy de Maupassant (pronunciación en francés: /ɡid(ə) mopasɑ̃/; Dieppe, Normandía; 5 de agosto de 1850 – París, 6 de julio de 1893) fue un escritor francés, autor principalmente de cuentos, aunque escribió seis novelas.

 

Biografía
Existe controversia acerca del otro lugar exacto de su nacimiento, generada por el biógrafo fecampés Georges Normandy en 1926. Según una primera hipótesis, habría nacido en Fécamp, en el Bout-Menteux, el 5 de agosto de 1850. Según la otra hipótesis habría nacido en el castillo de Miromesnil, en Tourville-sur-Arques, a ocho kilómetros de Dieppe, como establece su partida de nacimiento. No obstante, todo parece apuntar a que el auténtico lugar de nacimiento fue este último.

Tuvo una infancia como la de cualquier muchacho de su edad, si bien su madre lo introdujo a edad temprana en el estudio de las lenguas clásicas. Su madre, Laure, siempre quiso que su hijo tomara el testigo de su hermano Alfred Le Poittevin, a la sazón íntimo amigo de Flaubert, cuya prematura muerte truncó una prometedora carrera literaria. A los doce años, sus padres se separaron amistosamente. Su padre, Gustave de Maupassant, era un indolente que engañaba a su esposa con otras mujeres. La ruptura de sus padres influyó mucho en el joven Guy. La relación con su padre se enfriaría de tal modo que siempre se consideró un huérfano de padre. Su juventud, muy apegada a su madre, Laure Le Poittevin, se desarrolló primero en Étretat, y más adelante en Yvetot, antes de marchar al liceo en Ruan. Maupassant fue admirador y discípulo de Gustave Flaubert al que conoció en 1867. Flaubert, a instancias de la madre del escritor de la cual era amigo de la infancia, lo tomó bajo su protección, le abrió la puerta de algunos periódicos y le presentó a Iván Turgénev, Émile Zola y a los hermanos Goncourt. Flaubert ocupó el lugar de la figura paterna. Tanto es así, que incluso se llegó a decir en algunos mentideros parisinos que Flaubert era su padre biológico.

El escritor se trasladó a vivir a París con su padre tras la derrota francesa en la guerra franco-prusiana de 1870. Comenzó a estudiar Derecho, pero reveses económicos familiares y la mala relación con su padre le obligaron a dejar unos estudios que, de por sí, ya no le convencían y a trabajar como funcionario en varios ministerios, hasta que publicó en 1880 su primera gran obra, «Bola de sebo», en Las veladas de Médan, un volumen naturalista preparado por Émile Zola con la colaboración de Henri Céard, Paul Alexis, Joris Karl Huysmans y Léon Hennique. El relato, de corte fuertemente realista según las directrices de su maestro Flaubert, fue calificado por este como una obra maestra.

Su presencia en Las veladas de Médan y la calidad de su relato, permitió a Maupassant adquirir una súbita y repentina notoriedad en el mundo literario. Sus temas favoritos eran los campesinos normandos, los pequeños burgueses, la mediocridad de los funcionarios, la guerra franco-prusiana de 1870, las aventuras amorosas o las alucinaciones de la locura: La Casa Tellier (1881), Los cuentos de la becada (1883), El Horla (1887), a través de algunos de los cuales se transparentan los primeros síntomas de su enfermedad.

Su vida parisina y de mayor actividad creativa, transcurrió entre la mediocridad de su trabajo como funcionario y, sobre todo, practicando deporte, en particular el remo al que se entregó con denuedo en los pueblos de los alrededores de París en compañía de amistades de dudosa reputación. De vida díscola y sexualmente promiscuo,3​ jamás se le conoció un amor verdadero; para él el amor era puro instinto animal y así lo disfrutaba. Escribió al respecto: «El individuo que se contente con una mujer toda su vida, estaría al margen de las leyes de la naturaleza como aquel que no vive más que de ensaladas».4​ Y por añadidura, el carácter dominante de su madre lo alejó de cualquier relación que se atisbase con un mínimo de seriedad.

Su carácter pesimista, misógino y misántropo, estaba motivado por la poderosa influencia de su mentor Gustave Flaubert y las ideas de su filósofo de cabecera, Schopenhauer.​ Abominaba de cualquier atadura o vínculo social, por lo que siempre se negó a recibir la Legión de Honor o a considerarse miembro del cenáculo literario de Zola, al no querer formar parte de una escuela literaria en defensa de su total independencia. El matrimonio le horrorizaba; suya es la frase «El matrimonio es un intercambio de malos humores durante el día y de malos olores durante la noche». No obstante, pocos años después de su muerte, un periódico francés, L’Eclair, informó de la existencia de una mujer8​ con la que habría tenido tres hijos. Identificada en ocasiones por algunos biógrafos como la “mujer de gris”,​ personaje que aparece en las Memorias de su criado François Tassart,​ se llamaba Josephine Litzelmann, natural de Alsacia y, sin duda, judía.​ Los hijos se llamaban Honoré-Lucien, Jeanne-Lucienne y Marguerite. Si bien sus supuestos tres hijos reconocieron ser hijos del escritor, nunca desearon la publicidad que se les dio.​

Atacado por graves problemas nerviosos, síntomas de demencia y pánico heredados —reflejados en varios de sus cuentos como el cuento Quién sabe, escrito ya en sus últimos años de vida— como consecuencia de la sífilis, intentó suicidarse el 1 de enero de 1892. El propio escritor lo confesó por escrito: «Tengo miedo de mí mismo, tengo miedo del miedo, pero, ante todo, tengo miedo de la espantosa confusión de mi espíritu, de mi razón, sobre la cual pierdo el dominio y a la cual turbia un miedo opaco y misterioso». Tras algunos intentos frustrados, en los que utilizó un abrecartas para degollarse, fue internado en la clínica parisina del Doctor Blanche​ donde murió un año más tarde. Está enterrado en el cementerio de Montparnasse, en París.

Guy de Maupassant

Sentado sobre la obra de Balzac y Flaubert

 

 

 

 



{26 febrero, 2019}   *Carnaval

Carnival Graphics Carnival Graphics




De qué trata la fe bahá'í y cómo se expande por Sudamérica

De qué trata la fe bahá’í y cómo se expande por Sudamérica
Casa de Adoración Bahá’í de Sudamérica, con vista a Santiago de Chile.
Fuente: Leandro Lutzky / RT

En 2016 se construyó un imponente templo en Santiago de Chile y desde ese entonces 1.600.000 personas lo han visitado.

Origen: De qué trata la fe bahá’í y cómo se expande por Sudamérica

BahaismSymbol.PNG

Casa Universal de Justicia con sede en Bandera de Israel Israel
Símbolo Estrella de Nueve Puntas
Templos Casas de adoración bahaíes
Clero No hay
Comunidades Asambleas Espirituales Locales y Nacionales
Religiones relacionadas Judaísmo, cristianismo, islam, hinduismo, budismo, zoroastrismo, babismo

Templo bahaí conocido como “The Baha’i House of Worship” en Wilmette (muy cerca de Chicago), Illinois, Estados Unidos.
multisanti (Santiago Díaz) from Santiago de Compostela, España – Templo Baha’i

Una de las características más sublimes de la revelación de Bahá’u’lláh, una enseñanza especial no transmitida por ninguno de los profetas del pasado, es la ordenación y nombramiento del Centro de la Alianza. Mediante este nombramiento y provisión Él ha salvaguardado y protegido la religión de Dios contra las diferencias y el cisma, haciendo imposible que nadie cree una nueva secta o facción en el credo.
‘Abdu’l-Bahá

Bahahísmo

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Bahá’í House of Worship for South America, Santiago, Chile
Hclasalle – Own work

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Fuente: wikipedia




Fendi store opening - Karl Lagerfeld (14091153382).jpgStars Glitter gifs R.I.P.

Karl Otto Lagerfeld (Hamburgo, Alemania, 10 de septiembre de 1933 – Neuilly-sur-Seine, Francia, 19 de febrero de 2019) fue un diseñador de moda alemán, considerado uno de los más influyentes de la segunda mitad del siglo XX.1​ Debía gran parte de su popularidad a su labor para la firma Chanel, a su actividad como fotógrafo y también a sus llamativas apariciones públicas, en las que por lo general estaba rodeado de celebridades del espectáculo y super modelos.

Orígenes acomodados
Su padre Otto Lagerfeld era miembro de una familia de banqueros sueca e hizo su fortuna al introducir la leche en polvo en Alemania. Su madre Elizabeth Bahlmann era miembro de una familia noble alemana. Karl fue su único hijo en común; nació diez años después de que la pareja se casara, cuando su madre tenía 42 y su padre 60. Ambos habían tenido otros hijos en matrimonios anteriores.

Moda
Inicios de su carrera
Lagerfeld emigró a París en 1953. En 1955, a los veintidós años, Lagerfeld fue premiado con un puesto de trabajo en la casa de modas Pierre Balmain, tras haber ganado un concurso patrocinado por el Secretariado Internacional de Lana. No era la primera vez que participaba; años antes Yves Saint Laurent.

Al servicio de varias firmas
Lagerfeld se hizo un nombre como creador independiente, colaborando con una variedad de diferentes casas de moda que incluyen nombres como Chloé, Fendi y Chanel. Además, en los 80 fundó su propia marca, llamada Karl Lagerfeld, la cual lanzó perfumes y líneas de ropa.

Lagerfeld era conocido por su gusto y costumbres elitistas, de una excentricidad a veces snob, que no dudaba en mezclar con guiños a la cultura de consumo y a las estrellas populares. A principios de la década de 1990 eligió a nudistas y a una estrella italiana de filmes eróticos (Moana Pozzi) para que desfilasen con su colección Blanco y negro para la firma Fendi. A las críticas contra Pozzi, Lagerfeld respondió: «Las mujeres comunes caminan como Moana y como modelos al 50%».

Produjo piezas legendarias como bañador con agua burbujeante brotando en el frente, un vestido imitando un automóvil con una parrilla de radiador y parachoques, y un sinfín de sombreros excéntricos.

Lagerfeld trabajó como diseñador por las casas de moda más importantes:

1955-1958: Pierre Balmain
1958-1963: Jean Patou
1963-1978, 1992-1997: Chloé
1965-2019: Fendi
1974-2019: Karl Lagerfeld
1983-2019: Chanel
2004: Hennes & Mauritz (H&M)
En la edición francesa de la revista Architectural Digest en mayo de 2012, Lagerfeld muestra su apartamento en París.2​ Él también reveló su vasta colección de pins Suzanne Belperron y broches y se utiliza el color de uno de sus anillos de calcedonia azul como el punto de partida Chanel para la primavera / verano 2012 colección.3

Colaboraciones y proyectos
En 2004 diseñó algunos atuendos para la gira internacional de Madonna Re-Invention Tour y recientemente, diseñó algunos para la gira “Showgirl” de Kylie Minogue.

Lagerfeld colaboró con la firma de moda sueca H&M. El 12 de noviembre de 2004, H&M ofreció un número limitado de diferentes prendas en centros comerciales seleccionados, para mujeres y hombres. Sólo dos días después de haber surtido los centros comerciales, H&M había anunciado que todas sus prendas habían sido agotadas. Lagerfeld ha dicho que no teme que trabajar con firmas más populares manche su imagen.

En el 2017, colaboró con la tienda Falabella, ofreciendo diferentes productos como polos, blusas, pantalones, zapatos, zapatillas, bolsos, entre otros.

Labor como fotógrafo
También fue fotógrafo y produjo Visonaire 23: The Emperor’s New Clothes, una serie de fotografías de desnudos del modelo sudafricano David Miller. En 1996 recibió el premio de cultura de la asociación alemana de fotografía.

Además, el hecho de que «el rey de la moda» o el “Kaiser” (como llamaban a Karl en Alemania y en otros diversos países de Europa) estuvo personalmente interesado en el grupo musical Tokio Hotel, demostró que el líder de dicho grupo, Bill Kaulitz, está muy familiarizado con el mundo de moda. En otoño de 2009 Lagerfeld fotografió a Kaulitz para la Vogue alemana, lo que fue un gran honor para Bill:

“Empecé a estar interesado en esto a una edad muy temprana, también cosí y diseñé unas cosas por mí mismo y por supuesto es un sueño hacer algo para alguien como Karl Lagerfeld, para mí fue completamente un momento genial y por supuesto estuve feliz de que él se diese cuenta, él mirase y le gustase y eso, también creo que él es súper”. (Bill Kaulitz, cantante de Tokio Hotel).

En 2010, fue el fotógrafo elegido para el tradicional Calendario Pirelli del año siguiente. Caracterizó a las modelos (entre ellas, la actriz Julianne Moore) como personajes mitológicos y (por primera vez en dicho calendario) incluyó desnudos masculinos.

Como director creativo de Chanel, realizó personalmente las campañas publicitarias de la casa, con sus propias fotografías.

Pérdida de peso
Lagerfeld también fue famoso por una drástica transformación de su cuerpo, cuando perdió alrededor de 36 kilos en un año. “De repente me quise vestir diferente, usar prendas diseñadas por Hedi Slimane” afirmó. “Pero esta ropa, lucida por chicos muy, muy flacos -y no por hombres de mi edad- requería que perdiese por lo menos 36 kilos. Me costó exactamente trece meses”.

La dieta creada especialmente para Lagerfeld por el Dr. Jean-Claude Houdret, se transformó en un libro llamado “La dieta de Karl Lagerfeld” (“The Karl Lagerfeld Diet”).

Claramente, el peso fue un tema para Lagerfeld y es en ese contexto que durante 2012 hizo gran polémica al decir que la cantante Adele estaba “demasiado gorda”, declaración que inmediatamente fue respondida por la británica, quien aseguró estar conforme con su físico, sobre todo porque siente que así representa a la mayoría de las mujeres.



{14 febrero, 2019}   Historia de San Valentín

 

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James.lebinski – en:Image:Gladys_as_a_Valentine.jpgMiss Valentine 1922.png

San Valentín

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{13 febrero, 2019}   ¡Feliz #DíaMundialdelaRadio!

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La Asamblea General de las Naciones Unidas hace suya la resolución aprobada por la Conferencia General de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura en su 36ª reunión en que proclamó Día Mundial de la Radio el 13 de febrero, día en que se estableció la Radio de las Naciones Unidas en 1946.

Día Mundial de la Radio, 13 de febrero
El 18 de diciembre de 2012 la Asamblea General de las Naciones Unidas en la Resolución 67/124 hace suya la resolución aprobada por la Conferencia General de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura en su 36ª reunión en que proclamó Día Mundial de la Radio el 13 de febrero, día en que se estableció la Radio de las Naciones Unidas en 1946.

 

En el Día Mundial de la Radio: diálogo, tolerancia y paz
La radio sigue siendo el medio de comunicación más dinámico, reactivo y atractivo que existe, al tiempo que va adaptándose a los cambios del siglo XXI y ofreciendo nuevas formas de interacción y participación. Ante el peligro de que las redes sociales y la fragmentación del público nos agrupen en “burbujas” informativas formadas únicamente por personas afines, la radio figura en una posición única para unir a comunidades diversas y fomentar el diálogo positivo y el cambio. La radio nos informa y nos transforma a través del entretenimiento, la información y la participación del público. Al tener una radio, nunca se está solo y siempre se cuenta con la compañía de un buen amigo.
El Día Mundial de la Radio es un buen momento para que las personas de todo el mundo celebren la radio y cómo este medio de comunicación da forma a nuestras vidas. La radio es el medio perfecto para contrarrestar los llamamientos a la violencia y la propagación de conflictos, especialmente en regiones potencialmente más expuestas a tales realidades.
Sobre esa base, el Día Mundial de la Radio en 2019 celebra el tema “Diálogo, tolerancia y paz”. Al proporcionar una plataforma para el diálogo y el debate democrático sobre temas de actualidad, como la migración o la violencia contra las mujeres, la radio puede ayudar a sensibilizar y difundir nuevas perspectivas positivas. Asimismo, la radio puede ayudar a difundir la tolerancia y superar las diferencias para reunir a las personas en torno a objetivos y causas comunes, como el derecho a la educación y a la salud para todos.
Organización de las Naciones Unidas.

 

Origen
La idea de establecer el Día Mundial de la Radio nació del presidente de la Academia Española de la Radio, Jorge Álvarez, que en enero de 2008 solicitó la instauración de esta celebración al Director General de la UNESCO, Koichirō Matsuura. Fue en noviembre de 2011 cuando finalmente la 36.ª Conferencia General de la UNESCO proclamó el Día Mundial de la Radio a propuesta formal del Gobierno de España y a través del embajador permanente de España,3​ Ion de la Riva. En 2012 la Academia Española de la Radio impulsó la creación del Comité Internacional del Día Mundial de la Radio4​ para promover las celebraciones anuales de este día y así contribuir al prestigio de este medio de comunicación en todo el mundo.

 

Temas del Día Mundial de la Radio

Año Tema
2019 “Diálogo, tolerancia y paz”
2018 Radio y Deportes
2017 La radio eres tú
2016 La radio en tiempos de desastre y emergencia
2015 Jóvenes y radio
2014 Igualdad de género en la radio
2013 Día Mundial de la Radio 2013
2012 Día Mundial de la Radio 2012

 

Cita:

«La radio no tiene futuro, los rayos x resultaran una farsa y las maquinas voladoras mas pesadas que el aire son imposibles».

William Thompson.

Microphone Graphics

 




Adoración de los Magos, de Gentile da Fabriano.
Gentile da Fabriano – The Yorck Project (2002) 10.000 Meisterwerke der Malerei (DVD-ROM), distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH. ISBN: 3936122202.

Caligrafía pseudo-cúfica en la aureola de la Virgen María, detalle de la Adoración de los Magos (1423) de Gentile da Fabriano. La caligrafía está además dividida por rosetas como las que aparecen en los platos mamelucos

Gentile da Fabriano (Gentile di Niccolò di Giovanni Massi; Fabriano, h. 1370 – Roma, 1427) fue un pintor italiano, uno de los principales exponentes del estilo gótico internacional en Italia. Encarnó en su siglo la típica figura del artista itinerante, que prefería moverse para encontrar las más variadas ocasiones de trabajo ofrecidas por las cortes antes que quedarse establecido en un taller. Su pintura poética y fabulosa, el gusto por la línea y un uso incomparable de los elementos decorativos lo llevaron a la cúspide de la escuela italiana de la época, recibiendo encargos de grandísimo prestigio. Al visitar Florencia, entró en contacto con el naciente Humanismo en el arte y, aunque sin renunciar al estilo propio, inició una consciente transición entre el decorativismo tardogótico y la esencia renacentista.

La coronación de la Virgen (h. 1420), Museo J. Paul Getty, Los Ángeles
Gentile da Fabriano

 

Gentile nació en o cerca de Fabriano alrededor de los años 1370-1375, en la región de las Marcas, al este de Italia. Gentile quedó huérfano a temprana edad, tras la muerte de su madre en algún momento antes del año 1380 y su padre, Niccolò di Giovanni Massi, que era comerciante de paños, ese mismo año se retiró a un monasterio, donde murió en el año 1385.

En cuanto a su formación, se cree que conoció el arte de la escuela sienesa y que pudo haber sido aprendiz de algún pintor toscano. Comenzó a pintar dentro de la tradición fabrianesa (Allegretto Nuzi, Francescuccio Ghissi,…), y no se puede excluir una formación más lejana a la vista de la complejidad y la riqueza de sus obras posteriores, en Milán o en Venecia que eran los grandes centros artísticos del norte de Italia. Desde joven empezó a trasladarse por los centros de las Marcas y Lombardía. No dejó obras en las Marcas, aunque se le atribuye (de manera insegura) una Virgen con Niño en la catedral de Sant’Angelo in Vado, cerca de Urbino. Se ha señalado la posibilidad de que se formara en Pavía, centro cultural y artístico en el que existía un importante taller de miniatura, durante la última década del siglo XIV. De esta temporada en Pavía sería muestra la Virgen con el Niño entre los santos Nicolás de Bari, Catalina de Alejandría y un donante (1395-1400), ejecutada para la iglesia de San Nicolás en Fabriano y que actualmente se conserva en la Gemäldegalerie de Berlín; las características estilísticas están unidas principalmente a la cultura del gótico tardío lombardo, impuesta sobre tradiciones de Umbría y las Marcas.

Se conoce poco de su carrera temprana, suponiéndose que estuvo en Venecia a partir del año 1405, donde se inscribió en la Scuola dei Mercanti. Se sabe seguro que permaneció allí, al menos, entre el año 1408 y 1414. La prueba de que estaba allí en el año 1408 la proporciona el primer documento seguro sobre Gentile, relativo a un cuadro que había pintado en Venecia para el coleccionista Francesco Amadi y que fue pagada el 27 de julio de 1408. Para la iglesia de Santa Sofía pintó una tabla, perdida. En 1408-1409 le encargaron la decoración mural de la Sala del Maggior Consiglio en el palacio ducal, para la cual ejecutó el fresco con la Batalla entre Otón III y los venecianos, perdida como el resto de los frescos, por culpa del clima veneciano, que tiende a dañar rápidamente los frescos, por lo que se sustituyó en el siglo siguiente por pintura sobre tela. Esta obra la acabó hacia el año 1415 y le reportó gran fama. Aquí conoció seguramente a Pisanello, que fue su asistente entre el año 1415 y 1420 y lo ayudó a pintar los frescos del palacio ducal, y quizá a Michelino da Besozzo.

De su obra veneciana en general, se duda si queda algo o no; algunas fuentes dicen que no queda nada, y otras mencionan una pintura, pero sin identificarla. En Venecia tuvo dos alumnos destacados. Al ya mencionado Pisanello transmitió a Pisanello su estilo refinado y minucioso, con gusto por los metales preciosos. El otro fue Jacopo Bellini, que trabajó en su taller y que con el tiempo fue pintor famoso por derecho propio y patriarca de una familia de pintores notables, con sus hijos Giovanni y Gentile.

 

Clases sociales de la época
En cuanto a clases sociales, sólo la nobleza podía permitirse obras caras. La misma aristocracia alardeaba de poder pagando el elevado coste de la escultura y objetos en oro y plata (platos, copas, joyas y coronas). Esto nos muestra el continuo exhibicionismo. Del mismo modo, los tapices, la obra de arte mueble más cara del periodo. La clase media emergente y en especial los prósperos burócratas de Europa habían de conformarse con pinturas sobre tabla, era belleza que sólo la nobleza podía permitirse.(Wikipedia)


Virgen de la Humildad (h. 1420), Museo Nacional de San Mateo, Pisa

 

The Crippled and Sick Cured at the Tomb of Saint Nicholas sc203.jpg

 



{11 febrero, 2019}  

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{10 febrero, 2019}   Molière

 

Pierre Mignard - Portrait de Jean-Baptiste Poquelin dit Molière (1622-1673) - Google Art Project (cropped).jpg

Portrait of Molière painted at Avignon c. 1658, after which Molière and the artist formed a lasting friendship
Pierre Mignard – The png version was converted to jpg at Quality “8” with Photoshop

 

Citas


«Hay que comer para vivir y no vivir para comer» (El avaro).
«Entonces, hace más de cuarenta años que hablo en prosa sin saberlo» (El burgués gentilhombre).
«La debilidad humana es tener/Curiosidad por conocer/Lo que no querríamos saber» (Anfitrión).
«No se ven los corazones» (El misántropo).
«Cubríos ese seno que debiera ver» (Tartufo).
«Señora, es para mi un gran honor; y soy muy afortunado para ser tan feliz y tener la dicha de que hayáis tenido la bondad de concederme el honor de honrarme con vuestra presencia» (El burgués gentilhombre).
«No hacen otra cosa que reprocharme mi predilección por la grandeza» (El burgués gentilhombre).

Molière

 

Hoy Doodle celebra la vida y obra del actor y dramaturgo Molière, quien es considerado el dramaturgo de cómic más importante del mundo y quizás el mejor artista de la historia del teatro francés. Sus obras satíricas lanzaron intrépidamente la locura humana y el ballet, la música y la comedia combinados en un nuevo género que transformó la bufonería en una ingeniosa crítica social.

En este día de 1673, Molière estrenó su última obra, Le Malade Imaginaire (The Imaginary Invalid) , un comedie-ballet en tres actos que satiriza a la profesión médica. Molière protagonizó el papel principal de Argan, un hipocondríaco severo que trata de convencer a su hija de que abandone su verdadero amor y se case con el hijo de su médico, para ahorrar en las facturas médicas. En la moda clásica de Molière, el diálogo de la obra empuja los vicios y las pretensiones de sus personajes hasta el punto de lo absurdo. Today’s Doodle ofrece una visión de las escenas más memorables de Molière de The Imaginary Invalid y otros clásicos como School for Wives, Don Juan y The Miser .

Bautizado en París en 1622 como Jean-Baptiste Poquelin, Molière era hijo de un exitoso fabricante de muebles y tapicero de la corte real. Rechazando la oferta de su padre de asumir el oficio familiar, asumió el nombre artístico de Molière y comenzó toda una vida en el teatro durante la década de 1640. Durando años de dificultades financieras, Molière fue encarcelada por deudas antes de su avance en 1658, cuando su compañía se presentó ante una audiencia real en el Louvre.

A pesar del apoyo real, la implacable pluma de Molière ofendió a los poderosos intereses que intentaron censurar su trabajo. Su sátira religiosa Tartuffe se realizó por primera vez en 1664 e inmediatamente fue prohibida por el tribunal del rey Luis XIV. Cinco años después, se levantó la prohibición y Tartuffe llegó a ser considerado una de sus obras maestras.

Inspirando a las futuras generaciones de comediantes, el espíritu de Molière vive hoy a través del trabajo de humoristas y satiristas que comparten un intrépido compromiso con la hipocresía que ensartan con ideas afiladas. Como escribió Molière en el prefacio de Tartufo : “El deber de la comedia es corregir a los hombres entreteniéndolos”.

Celebrating Molière



{5 febrero, 2019}   El año del cerdo de tierra

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El signo del cerdo en la astrología china Hai (亥) es el signo de la duodécima Rama Tierra. Su representación animal es el cerdo o jabalí (猪). En la cultura china, el cerdo está asociado con la fertilidad y la virilidad. Los niños nacidos en el Año del Cerdo son considerados muy afortunados, pues serán felices y honrados.

En el ciclo sexagesimal continuo, cada doce años corresponde a Hai, y es comúnmente llamado “el año del cerdo” o “el año del jabalí” (猪年). Hay cinco tipos de cerdo, el nombre de los elementos chinos. En la cultura japonesa, el animal es específicamente un jabalí. En japonés, el carácter (豚)es de cerdo y el carácter( 猪) denota el jabalí, aunque China no hace tal diferenciación. La comunidad china residente en España realiza una fusión con la cultura española y llama a este año 贝鲁斯年 (Bèlûsî nián) o “Año del Berlus” en castellano.



{4 febrero, 2019}   San Blas

El refranero español es pródigo en frases y sentencias de uso común que hacen referencia a Blas de Sebaste:

«Por san Blas la cigüeña verás, y si no la vieres: año de nieves». Hace referencia a la llegada de las cigüeñas a España, que se produce a principios de febrero excepto en años muy fríos.
«Por San Blas las cigüeñas verás, y si no las vieres mal año esperes».Refrán en parte contradictorio con el anterior, y que anuncia que los fríos pueden prolongarse más de lo deseable para el campo.
«Por san Blas, hora y media más». Refiere que en la fecha de la festividad de Blas de Sebaste, transcurrido casi un mes y medio de invierno, la duración del día es manifiestamente más prolongada. En algunos lugares «Por San Blas, una hora más».10​
«Por san Blas, el besugo atrás». Refrán muy popular en el País Vasco, y que avisa que ha terminado la temporada ideal para consumir este pescado.
«San Blas bendito, cúrame la garganta y el apetito».
«San Blas, tú me llamarás». Refiere que la afección de garganta provocará en el propio fiel el recordatorio del santo.
«San Blas, San Blas, que se ahoga este animal». Cuando alguien se atraganta mientras se le da en la espalda para que se le pase. Este refrán es muy típico en Alhama de Granada.

 

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Valentino Rovisi, Saint Blaise with Mary Magdalene and Saint John of Nepomuk, 1780, oil on canvas, San Biagio church in Alleghe
Stanisław Gurba – Trabajo propio

Oración a San Blas

¡Oh!, glorioso San Blas, que con vuestro martirio habéis dejado a la Iglesia un ilustre testimonio de la fe, alcanzadnos la gracia de conservar este divino don, y de defender sin respetos humanos, de palabra y con las obras, la verdad de la misma fe, hoy tan combatida y ultrajada.
Vos que milagrosamente salvasteis a un niño que iba a morir desgraciadamente del mal de garganta, concedednos vuestro poderoso patrocinio en semejantes enfermedades; y sobre todo obtenedme la gracia de la mortificación cristiana, guardando fielmente los preceptos de la Iglesia, que tanto nos preservan de ofender a Dios. Así sea….

 

Icono ruso del siglo XVII, que representa a Blas de Sebaste

Blas de Sebaste, venerado como san Blas, fue un médico, obispo de Sebaste (Sebastensis armenorum) en Armenia (actual Sivas, Turquía), y mártir cristiano. Hizo vida eremítica en una cueva en el bosque del monte Argeus, que convirtió en su sede episcopal. Fue torturado y ejecutado en la época del emperador romano Licinio, durante las persecuciones a los cristianos de principios del siglo IV.

Su culto se extendió por todo Oriente, y más tarde por Occidente. En la Edad Media, se llegaron a contabilizar solamente en Roma 35 iglesias bajo su advocación. Su festividad se celebra 3 de febrero en las Iglesias de Occidente y el 11 de febrero en las de Oriente.

Se lo considera patrono de los enfermos de garganta (faringe) y de los otorrinolaringólogos. También es patrono de la República del Paraguay, de numerosas localidades españolas y de Dubrovnik (Croacia). En esta ciudad, su festividad es emblemática y casi milenaria (se remonta como mínimo al año 1190) y se incorporó en 2009 a la lista del patrimonio cultural inmaterial de la Humanidad por la UNESCO

Candelabro con dos velas cruzadas, utilizado en la celebración de la bendición de las gargantas en la festividad de San Blas.
Andreas Püttmann – Fotografía propia

Más detalles
Bandera de Dubrovnik, con la imagen de San Blas.
DIREKTOR – Trabajo propio

San Blas






{1 febrero, 2019}   *Homenaje a María Elena Walsh

Oración a la justicia

Señora de ojos vendados
que estás en los tribunales
sin ver a los abogados,
baja de tus pedestales.
Quítate la venda y mira
cuánta mentira.

Actualiza la balanza
y arremete con la espada,
que sin tus buenos oficios
no somos nada.

Lávanos de sangre y tinta,
resucita al inocente
y haz que los muertos entierren
el expediente.

Espanta a las aves negras,
aniquila a los gusanos
y que a tus plantas los hombres
se den la mano.

Ilumina al juez dormido,
apacigua toda guerra
y hazte reina para siempre
de nuestra tierra.

Señora de ojos vendados,
con la espada y la balanza
a los justos humillados
no les robes la esperanza.
Dales la razón y llora
porque ya es hora.

María Elena Walsh

Archivo General de la Nación Argentina 1962 Buenos Aires, Maria Elena Walsh firmando sus libros en la librería El Ateneo.jpg

Frases

Cada día tenía que inventarme coraje para enfrentarlo, repasar mi insignificancia, cubrirme de una desdicha que hoy me rebela. Me sentía averiguada y condenada. Suelo evocar con rencor a la gente que, mayor en mundo, tuvo mi verde destino entre sus manos y no hizo más que paralizarlo. Con generosa intención, con protectora conciencia, Juan Ramón me destruía, y no tenía derecho a equivocarse porque él era Juan Ramón, y yo, nadie. ¿En nombre de qué hay que perdonarlo? En nombre de lo que él es y significa, más allá del fracaso de una relación.
María Elena Walsh.

Como a sus vanas hojas

el tiempo me perdía.
Clavada a la madera de otro sueño
volaban sobre mí noches y días.

Poblándome de una
nostalgia distraída
la tierra, el mar, me entraban en los ojos
y por ociosas lágrimas salían.
María Elena Walsh (“Balada del tiempo perdido”, frag., en Baladas con Ángel.)

Porque me duele si me quedo,
pero me muero si me voy
con todo y a pesar de todo
mi amor yo quiero vivir en vos.

Hace tiempo que somos como niños y no podemos decir lo que pensamos o imaginamos. Cuando el censor desaparezca, ¡porque alguna vez sucumbirá demolido por una autopista!, estaremos decrépitos y sin saber ya qué decir. Habremos olvidado el cómo, el dónde y el cuándo y nos sentaremos en una plaza como la pareja de viejitos del dibujo de Quino que se preguntaban: “¿Nosotros qué éramos…?”.
María Elena Walsh

“A lo largo de la historia, hombres doctos o brutales supieron con certeza qué delito merecía la pena capital. Siempre supieron que yo, no otro, era el culpable. Jamás dudaron de que el castigo era ejemplar. Cada vez que se alude a este escarmiento la Humanidad retrocede en cuatro patas”.3​
María Elena Walsh
Publicado en Clarín (Buenos Aires), 12 de septiembre de 1991.

¡No nos dejemos arrebatar la eñe! Ya nos han birlado los signos de apertura de interrogación y admiración. Ya nos redujeron hasta el apócope […] Sigamos siendo dueños de algo que nos pertenece, esa letra con caperuza, algo muy pequeño, pero menos ñoño de lo que parece […] La supervivencia de esta letra nos atañe, sin distinción de sexos, credos ni programas de software. Luchemos para no añadir más leña a la hoguera donde se debate nuestro discriminado signo […] La eñe también es gente.22​
María Elena Walsh, diario La Nación (Buenos Aires), 1996

Uno de los homenajes que se le rindió fue con el unipersonal Vivir en vos basado en su vida y su bibliografía interpretado por la actriz Virginia Lago y adaptado por Javier Margulis magistralmente dirigida por Rubens W. Correa en los años 1987, 1992 y 2001.

María Elena Walsh, 1971.jpg

ENSEÑÓ A  NIÑOS Y GRANDES A PENSAR.

GRACIAS!!!



{1 febrero, 2019}   Sirenas y Sirenos

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John William Waterhouse A Mermaid
John William Waterhouse – BBC Your Paintings (now available by Art UK)

Pintura de John Collier.
John Collier – Trabajo propio, user:snotty

En el cuento La sirenita, de Andersen, la protagonista es una sirena enamorada que acude a una bruja para que le dé piernas a cambio de su dulce voz.
Bertall (1820-1882); original uploader was Sapcal22 at fr.wikisource – Transferred from

Sirena de bronce de Antoni Alsina, en Madrid, España (1922).
Luis García

 

Las sirenas son doncellas marinas que engañan a los navegantes con su gran belleza y la dulzura de su canto; de la cabeza al ombligo tienen cuerpo de virgen y forma semejante al género humano, pero poseen una escamosa cola de pez, que siempre ocultan en el mar

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The Garden of Earthly Delights, detail (zeeridder).
Hieronymus Bosch –

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Merman

P. Gasparis Schotti, regis curtani … Physica curiosa, sive, Mirabilia naturæ et artis libris XII. comprehensa: quibus pleraq [ue], quæ de angelis, damonibus, hominibus, spectris, energumenis, monstris, portentis, animalibus, meteoris, y c. rara, arcana, curiosaq [ue] circumferuntur, ad veritatis trutinam expenduntur: variis ex historia ac philosophia petitis disquisitionibus excutiuntur, e innumeris exemplis illustrantur

Cuentos de romance;  basado en cuentos en el Libro del romance (1906) (14782513935) .jpg

Two sleeping water creatures, similar to mermaids. Etching b Wellcome V0007454.jpg

Dos criaturas de agua durmiendo, similares a las sirenas. Grabado de JH Mortimer, 1780. Colecciones iconográficas Palabras clave: sirenas; impresiones de retratos; mermen John Hamilton Mortimer; grabados

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Muenchen Neue Pinakothek Boecklin Spiel Wellen 01
Arnold Böcklin – Obra propia de Ad Meskens .

Un sireno o falsa sirena es el nombre que reciben los falsos cuerpos de sirenas hechos por el hombre; los cuales eran vendidos o exhibidos al público como reales.

Aunque nunca se ha demostrado la existencia de los sirenos, a través de la historia existen narraciones de marinos que aseguraron verlos, entre ellos marineros que viajaban con Cristóbal Colón y otros de Henry Hudson; lo cual hizo que sean creíbles estas falsas sirenas.




Música de pasarela (moda) y de la serie Verdades Secretas

 







 

Mercedes Sosa, by Annemarie Heinrich.jpg

 

Homenaje a Mercedes Sosa

Homenaje Doodle de Google

 

“Nunca pensé que cantaría para ganarme la vida”, dijo Mercedes Sosa, la poderosa vocalista argentina ampliamente conocida como “la voz de los que no tienen voz”. También conocida como “La Negra” debido a su pelo largo y negro, la poderosa de Sosa. La voz le brindó la oportunidad de actuar en el Lincoln Center y el Carnegie Hall en la ciudad de Nueva York, así como en la Capilla Sixtina y el Coliseo en Roma. Una fuerza impulsora detrás del movimiento “Nueva Canción”, sus canciones se casaron con la música tradicional tradicional sudamericana con letras poderosas que abogan por los derechos humanos.

Nacida el 9 de julio de 1935 en la norteña provincia argentina de Tucumán, el linaje familiar de Mercedes Sosa provino del pueblo indígena aymara. Su herencia influyó profundamente en su estilo y, a los 15 años, ganó un concurso de talentos de radio por su música tradicional tradicional. Un dramático punto de inflexión de su carrera sucedió en este día en 1965, cuando el cantante Jorge Cafrune invitó a Sosa al escenario durante su presentación en el famoso Festival Cosquín Folk de Argentina. Su actuación recibió una gran ovación y para el año siguiente, ella había firmado un contrato de grabación.

Muchas de las canciones más conocidas de Sosa fueron escritas por otros, pero sus interpretaciones de canciones como “Gracias a la Vida” de Violeta Parra y “Si Se Calla El Cantor” de Horacio Guarany ayudaron a catapultar. ella en la fama. Lanzó unos 70 álbumes en el transcurso de una carrera de casi seis décadas, explorando diversos géneros como el tango argentino, la nueva trova cubana, la bossa nova brasileña, el rock y la música sacra. En años posteriores, colaboró ​​con artistas como Luciano Pavarotti, Sting, Joan Baez e incluso Shakira.

Sin temor a cantar la verdad al poder, se exilió de su tierra natal durante varios años y finalmente pudo regresar a su hogar en 1982. Continuó actuando en todo el mundo y más tarde se convirtió en embajadora de buena voluntad de la UNESCO.




Comienzará este miércoles en Ostende y continuará en Mar del Plata. En el encuentro participan casi 50 pensadores y artistas.

Postal Diego Medina/VHO

El debate no se apaga, las ideas menos. Aunque el mar y la arena estén cerca y tienten. Este miércoles, a las 16, comienza la tercera edición de La Noche de las Ideas, programa de charlas, performances y debates organizado por el Ministerio de Relaciones Exteriores de Francia, con el apoyo del Gobierno nacional, auspicio de revista Ñ y apoyo de la Fundación Medifé. Este miércoles y jueves el ciclo tendrá como sede el Viejo Hotel Ostende (Biarritz 799) y continúa viernes y sábado en el Museo MAR de Mar del Plata.

Se presentarán casi 50 personalidades del campo de la filosofía, el arte, la música y la literatura, entre autores franceses y argentinos. Todas las actividades contarán con entrada gratuita y habrá un lema: “De cara al presente, revisitar el pasado, imaginar futuros inéditos”.

La conferencia inaugural, este miércoles a las 17, está a cargo de Barbara Cassin, quien responderá una pregunta: ¿cuándo se está realmente en casa? La filósofa francesa es una lúcida analista de la política europea y las migraciones, así como del resurgir de los movimientos

Barbara Cassin, filósofa francesa.

Bárbara Cassin Filósofa francesa

En el marco del extenso programa (que se puede consultar de manera íntegra en la web ifargentine.com.ar) también disertarán las escritoras María Negroni y Silvia Hopenhayn y el científico Diego Golombek.

Por otra parte, se verán –en ambas sedes del encuentro– performances de Nicola Costantino y Esteban Feune de Colombi, quien realizará una lectura de poemas participativa. En el campo de la música, el periodista Eddie Babenco mantendrá conversaciones e interludios musicales con tres figuras como Antonio Birabent, Willy Crook y Fernando Blanco.

Andrés Duprat, director del Museo Nacional de Bellas Artes. / Juárez.

Andrés Duprat, Andrés Duprat, director del Museo Nacional de Bellas Artes. / Juárez

En tanto, este miércoles a las 18, el director del Museo Nacional de Bellas Artes, Andrés Duprat, encabezará la charla “En busca de la experiencia perdida”, en el bar del Viejo Hotel Ostende. En simultáneo, a pocos metros, el escritor, guionista y periodista francés Olivier Guez explorará los vínculos entre el pasado y el futuro de la ciudad de Berlín y su simbología. Habitual colaborador de diarios globales como The New York Times o Le Monde, en 2017 Guez recibió el Premio Renaudot en Francia por su libro La desaparición de Josef Mengele, que reconstruye la vida del nazi en Sudamérica.

El performer Esteban Feune Colombi en acción. / Andres D'Elia

El performer Esteban Feune Colombi en acción. / Andres D’Elia

El jueves, a las 19, el escritor, crítico y traductor Carlos Gamerro combinará ficción con historia para disertar sobre los argentinos en París y su vínculo con la literatura. Un rato antes, a las 18, con la premisa de imaginar el futuro de este siglo XXI, se presentará la historiadora y actriz francesa Mélanie Traversier. El análisis sobre la tecnología y cómo nos transforma también tendrán lugar.

Fuente nota: Clarín

La Noche de las Ideas reúne desde 2016 a museos, centros culturales, universidades, bibliotecas y cinemas, en el mundo entero, para una larga noche de intercambio en torno a un tema común, este año “De frente al presente”. ¡Más de 50 ciudades interconectadas (Los Angeles, Bogotá, París, Túnez, Dakar, New Delhi, Tokyo…) en los 5 continentes participan en esta larga noche de intercambio!

En México, celebraremos la tercera edición de la Noche de las Ideas en el Museo Tamayo el 31 de enero de 2019, de las 18 horas a la medianoche. Especialistas franceses y mexicanos de disciplinas variadas (filosofía, artes visuales, sociología, antropología, derecho, periodismo, música) se encontrarán para debatir sobre “La urgencia de los cambios” que deben de emprender nuestras sociedades para enfrentar los retos globales actuales: nuevas tecnologías, cambio climático y migraciones.

Charlas, proyecciones de cine, conciertos y performances artísticos compondrán esta noche de reflexión colectiva.

¡Descubre el programa de la noche de las ideas 2019!



{28 enero, 2019}   Monjas Queen Rock



{28 enero, 2019}   Toile de Jouy – Moda

Fuente imagen Velvetbrighton – Photo from Velvet Brighton website – http://www.velvetstore.co.uk/toile.html
A photo of toile de jouy fabric on a french reproduction style chair.

La toile de Jouy es un tejido de algodón tipo «indiana», pintado o estampado solamente por el anverso. Se puede considerar un tipo de chintz con diseños característicos de escenas pastoriles, en principio, en un solo color sobre fondo claro.

El diseño suele ser monocromático, en rojo, granate, violeta (o berenjena) sobre un fondo crudo o ahumado, también sobre otros colores degradados, rosa, azul claro o marino, verde claro u oscuro, incluso beis o gris. Algunas veces el patrón está invertido; esto es, el diseño en crudo o humo sobre un fondo fuertemente coloreado.

El nombre proviene de Jouy (actualmente Jouy-en-Josas, Francia), el lugar donde Christophe-Philippe Oberkampf, en 1760,​ estableció una «real fábrica» de estas telas por su proximidad con Versalles y por la disponibilidad de un curso de agua, el río Bièvre, indispensable en la manufactura de un tejido estampado.

La toile de Jouy se utiliza básicamente para decoración, cortinas, tapicerías… Los motivos decorativos de la toile de Jouy se utilizan también en papel pintado para decorar paredes o en accesorios de vestir como delantales, foulards, chales, echarpes…

Historia:

Ejemplos de toile de Jouy en diversos colores.
Desde la segunda mitad del siglo XVI, los comerciantes portugueses y holandeses importaban, de la India, tejidos de algodón con estampados brillantes, como el chintz. La aceptación y popularidad de estas «indianas» hacía peligrar la industria textil francesa y provocó que en tiempo de Luis XIV, en 1686, se prohibiera la importación y fabricación de indianas.

Cuando en 1759 se levanta la prohibición, el industrial alemán Oberkampf se instala en Francia y las telas procedentes de su manufactura son rápidamente aceptadas por la nobleza y la alta burguesía. En 1783, el rey Luis XVI le concede el título de «real fábrica».

La toile de Jouy y otras indianas llegan a España a través de Francia. Se fabricaban con éxito en Cataluña cuya primera fábrica de indianas data de 1736.

Evolución
La toile de Jouy se hizo popular en las colonias británicas de Norteamérica a finales del siglo XVIII, antes y después de su independencia. En Williamsburg se conserva una área histórica con diversos edificios restaurados que presentan decoración en toile de Jouy.​ La restauración tuvo lugar en la década de los 30 del siglo XX y produjo una repopularización de la toile de Jouy en los Estados Unidos. Igualmente ocurrió en la década de los 70, debido a la celebración del Bicentenario de los Estados Unidos.

Los motivos de los tejidos, como parte integrante de la moda, influyen sobre otros ámbitos de la cultura, como la cerámica. Así, existen varios ejemplos: el chintz, las chinoiseries… También la toile de Jouy ha dejado su impronta en la cerámica inglesa, la mayólica de Delft o en la fabricada en La Cartuja de Sevilla.

Fuente: wikipedia

Blue Toile Lavender Sachets.jpg

Fuente imagen Blue Toile Lavender Sachets
Flickr: Le Petit Poulailler –

Burg Rabenstein (4).JPG

Die Burg Rabenstein wird heute als Hotel genutzt.
User: Benreis at wikivoyage shared

Se ha utilizado en cortinados, cubrecamas, tapizados de sillas y sillones, almohadones, hasta empapelado de pared; pero ahora está a la moda en ropa y zapatos

 

François Barraud – Toile de Jouy-ARTE
François Barraud – http://bp1.blogger.com/_rl



{25 enero, 2019}   *Una coreografía perfecta!

Este director enseña a bailar a sus alumnos, con el objetivo de que los niños hagan más actividad física y usen menos sus computadoras y teléfonos




Fuente imagen: Archivo La Nación

A raíz de las fuertes precipitaciones que se produjeron en las regiones del Noroeste Argentino (NOA) y el Litoral, el Gobierno nacional declaró el estado de emergencia hídrica por ciento ochenta días. Esta medida fue oficializada hoy a través del boletín oficial .

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El decreto 67/2019 expresa que las intensas precipitaciones ocurridas este mes fueron de una magnitud sin precedentes y que superaron los registros históricos. Esto ocasionó desbordes de cursos de agua en distintas regiones del país y originó insuficiencias en el funcionamiento de desagües pluviales. En consecuencia, se inundaron los barrios cercanos a los cauces, se generaron complicaciones en la red de caminos y los habitantes de las distintas regiones sufrieron pérdidas materiales.

Además, mediante el Decreto N° 99/19 del Poder Ejecutivo de la Provincia de Chaco se declaró el estado de Emergencia Hidro-Meteorológica en varias localidades de esa provincia.

El decreto 67 aclara que la magnitud y extraordinariedad de los acontecimientos requieren que todas las áreas del Gobierno Nacional aúnen esfuerzos para brindar soluciones inmediatas y efectivas para amortiguar su impacto el ámbito social, económico y productivo.

Fuente nota: La Nación




Fuente: bancodeimaginesgratis.com

 



{9 enero, 2019}   Relax…vacances…

MiscellaneousMiscellaneous

Fantasy

Cómo la tierra y el sol y también la lunay el éter común y la vía láctea y el olimpo extremo y también de los astros el ardiente vigor comenzaron
a nacer…

Sin embargo, una vez que todo luz y noche fue llamado,
y estas <cosas> según sus virtudes propias a éstos y a estos otros <fueron atribuidas>, todo lleno está a la vez de luz y de noche invisible;
de ambas por igual, puesto que a ninguna de ambas nada pertenece.

De la NATURALEZA

Fragmento 1

Las yeguas me arrastran tan lejos como el ánimo anhela
me llevaron. Y una vez que en el afamado camino
de la Diosa me hubieron puesto, que lleva rectamente al hombre que sabe,
por allí me condujeron. Por allí me llevaban las hábiles yeguas
tirando del carruaje; las doncellas indicaban el camino.

En los cubos del eje con estridente sonido rechinaban
ardiendo (acelerado por dos vertiginosas
ruedas, de ambos lados) cuando se apresuraban a escoltar
las doncellas Helíades, abandonadas ya las moradas de la noche
hacia la luz, habiendo con sus manos los velos de la cabeza retirado.

Allí [están] las puestas de los senderos de la noche y del día
y en torno a ellas, dintel y umbral de piedra,
y ellas mismas, etéreas, cerradas por inmensas batientes hojas
de las que Dice, la de los múltiples castigos, las llaves guarda de doble uso.
Le hablaron las doncellas con blandas palabras

y sabiamente persuadieron a que el enclavijado cerrojo
prontamente de las puertas les quitase. Y éstas de la entrada
el inmenso abismo produjeron al abrirse. Los broncíneos
postes en sus goznes uno tras otro giraron
de clavijas y pernos guarnecidos. Y a través de las puertas,

derecho por el camino, carro y caballos las doncellas condujeron.
Y la diosa benevolente me recibió; con su mano
mi mano derecha cogiendo, con estas palabras a mí se dirigió:
Mancebo, de auriga inmortales compañero,
que con sus yeguas que te traen, a nuestra morada llegas,

¡alégrate!, que no una mala moira te envió a seguir
este camino (pues fuera del sendero de los mortales está),
sino Temis y Dice. Y así tendrás todo que averiguar,
tanto de la persuasiva verdad el corazón imperturbable
como de los mortales los pareceres en los que verdadera convicción no hay,

y aprenderás también esto: cómo lo múltiple pareciente
tenía que hacerse aceptable, penetrándolo todo por todas partes.

 

Fragmento 11

Cómo tierra, sol y luna
y éter común y celestial Vía Láctea y Olimpo
extremo y fuerza ardiente de los astros, fueron impelidos
a llegar a ser.
Fragmento 12 |

|

Los [anillos] más estrechos se llenaron de fuego sin mezcla,
los siguientes, de noche; y entre ambos se lanza una porción de llama.
Y en medio de estos, la diosa que todo lo conduce,
pues en todas partes rige el doloroso nacimiento y la mezcla,
enviando a lo masculino lo femenino para mezclarse y, a su vez, contrariamente, lo masculino a lo femenino.

PARMENIDES DE ELEA

 




▪ Debutando en el CES 2019, “Elevate”, el vehículo de movilidad definitiva (UMV), prepara a las comunidades en caso de un desastre natural.
▪ Las ruedas con patas robóticas permiten a los usuarios conducir, caminar o incluso escalar en el terreno más peligroso.

Cualquier primer respondedor le dirá que las primeras 72 horas después de un desastre natural son las más importantes para salvar vidas. Sin embargo, muchas veces debido a la naturaleza del desastre (incendio forestal, terremoto, huracán o inundación), puede ser difícil para las misiones de búsqueda y rescate y ayuda humanitaria alcanzar y obtener ayuda inmediata para los necesitados.

La necesidad de un transporte eficiente, rápido y resistente para la asistencia por desastre es lo que llevó a Hyundai a desarrollar el primer vehículo con patas móviles. Elevate es el primer Ultimate Mobility Vehicle (UMV), una tecnología de mezcla que se encuentra en los coches eléctricos y los robots, lo que le permite atravesar un terreno más allá de las limitaciones de incluso el vehículo todo terreno más capaz.

“Cuando se produce un tsunami o un terremoto, los vehículos de rescate actuales solo pueden entregar personal de emergencia al borde del campo de escombros. Tienen que recorrer el resto del camino a pie. Elevate puede conducir al lugar y escalar directamente sobre escombros de inundación u hormigón derrumbado ”, dijo John Suh, vicepresidente de Hyundai y jefe de Hyundai CRADLE. “Esta tecnología va mucho más allá de las situaciones de emergencia: las personas con discapacidades en todo el mundo que no tienen acceso a una rampa ADA podrían llamar a un Hyundai Elevate autónomo que podría caminar hasta su puerta principal, nivelarse y permitir que su silla de ruedas ruede directamente. – Las posibilidades son ilimitadas “.

El concepto Elevate se basa en una plataforma modular de EV con la capacidad de cambiar diferentes cuerpos para situaciones específicas. La arquitectura robótica de la pata tiene cinco grados de libertad más los motores de propulsión de cubo de rueda y está habilitada por lo último en tecnología de actuadores eléctricos. Este diseño tiene una capacidad única para andar en mamíferos y reptiles, lo que le permite moverse en cualquier dirección. Las patas también se pliegan hacia arriba en un modo de manejo almacenado, donde se corta la alimentación de las juntas, y el uso de un sistema de suspensión pasiva integrado maximiza la eficiencia de la batería. Esto permite que Elevate conduzca a velocidades de autopista como cualquier otro vehículo. Pero ningún otro puede escalar una pared de cinco pies, atravesar un espacio de cinco pies, caminar sobre diversos terrenos y lograr un ancho de vía de 15 pies de ancho, todo mientras mantiene su cuerpo y pasajeros completamente nivelados. Además, la combinación de movimiento con ruedas con patas articuladas proporciona un nuevo paradigma de movilidad al permitir velocidades de marcha más rápidas, posturas de conducción dinámicas únicas y control de torsión al final de cada pierna.

“Al combinar el poder de la robótica con la última tecnología EV de Hyundai, Elevate tiene la capacidad de llevar a las personas a donde no ha habido un automóvil y redefinir nuestra percepción de la libertad vehicular”, dijo David Byron, gerente de diseño de Sundberg-Ferar. “Imagínese un automóvil varado en una zanja de nieve a solo 10 pies de la carretera, pudiendo caminar o escalar el terreno traicionero, regresar a la carretera y salvar a sus pasajeros lesionados. Este es el futuro de la movilidad vehicular”.

Dentro del Elevate, los pasajeros experimentarán un vehículo totalmente diseñado para abordar el terreno más difícil cómodamente. Las mejoras de ingeniería incluyen:
▪ Piernas robóticas con cinco grados de libertad más propulsión en la rueda.
▪ Habilidad para caminar en estilo de mamífero y reptil para el movimiento omnidireccional
▪ Capaz de escalar una pared vertical de cinco pies
▪ Paso sobre un espacio de cinco pies
▪ Los motores que no se pueden mover hacia atrás permiten que las patas se bloqueen en cualquier posición
▪ Plataforma modular de vehículos eléctricos.




Fahrelnissa Zeid’s 118th Birthday

Homenaje Doodle de Google

Princesa Fahrelnissa Zeid.jpg

Princesa Fahrelnissa Zeid

Fahrelnissa Zeid (en árabe : الأميرة فخر النساء زيد , Fakhr un-nisa o Fahr-El-Nissa , 7 de enero de 1901 – 5 de septiembre de 1991) fue una artista turca mejor conocida por sus pinturas abstractas a gran escala con patrones caleidoscópicos. Utilizando dibujos, litografías y esculturas, su trabajo combinó elementos del arte islámico y bizantino con abstracción y otras influencias de Occidente. Zeid fue una de las primeras mujeres en ir a la escuela de arte en Estambul. Vivió en diferentes ciudades y se convirtió en parte de las escenas de vanguardia en Estambul, Berlín antes de la guerra y París de la posguerra. Su trabajo ha sido expuesto en varias instituciones en París, Nueva York y Londres, incluido el Instituto de Arte Contemporáneo en 1954. En la década de 1970, se mudó a Amman, Jordania, donde inició una escuela de arte. En 2017, la Tate Modern de Londres organizó una importante retrospectiva de la artista y la llamó “una de las artistas más grandes del siglo XX”.  Su trabajo más grande que se vendió en una subasta, Towards a Sky (1953), se vendió por poco menos de un millón de libras en 2017. 

En la década de 1930, se casó con la familia real Hachemita de Irak, y fue la madre del Príncipe Ra’ad bin Zeid y la abuela del Príncipe Zeid bin Ra’ad .

Fahrünissa Şakir (sentada a la izquierda) con su familia, Büyükada (c. 1910)
Fahrelnissa Zeid nació como Fahrünissa Şakir (en lo sucesivo, Zeid), en una familia otomana de élite en la isla de Büyükada . Su tío, Cevat Çobanlı Pasha, fue el gran visir del Imperio Otomano desde 1891 hasta 1895. El padre de Zeid, Sakir Pasha, fue nombrado embajador en Grecia, donde conoció a la madre de Zeid, Sara İsmet Hanım. En 1913, el padre de Zeid recibió un disparo mortal y su hermano, también llamado Cevat, fue juzgado y condenado por su asesinato.

Zeid comenzó a dibujar y pintar a una edad temprana. Su primer trabajo conocido es un retrato de su abuela, pintado cuando tenía 14 años.  En 1919, Zeid se inscribió en la Academia de Bellas Artes para Mujeres, en Estambul.

En 1920, a la edad de diecinueve años, Zeid se casó con el novelista İzzet Melih Devrim. Para su luna de miel, Devrim llevó a Zeid a Venecia, donde fue expuesta a las tradiciones de la pintura europea por primera vez. Tuvieron tres hijos juntos. Su hijo mayor, Faruk (nacido en 1921), murió de escarlatina en 1924. Su hijo Nejad (nacido en 1923) se convirtió en pintor, y su hija Şirin Devrim (nacida en 1926) se convirtió en actriz.

Zeid viajó a París en 1928 y se matriculó en la Académie Ranson , donde estudió con el pintor Roger Bissière . A su regreso a Estambul en 1929, Zeid se inscribió en la Academia de Bellas Artes de Estambul. 

Su hermano Cevat Şakir Kabaağaçlı era novelista y su hermana Aliye Berger era pintora. 
Princesa Zeid con sus hijos Princesa Shirin y el Príncipe Raad, Berlín (1937)

El príncipe y la princesa Zeid Al-Hussein con sus hijos, la princesa Shirin y el príncipe Raad, en Bagdad (1938)
1930–1944 
Zeid se divorció de Devrim en 1934 y se casó con el príncipe Zeid bin Hussein de Irak, quien fue nombrado primer embajador del Reino de Irak en Alemania en 1935. La pareja se mudó a Berlín, donde Zeid organizó muchos eventos sociales en su papel de esposa de embajadora. Después de la anexión de Austria en marzo de 1938, el príncipe Zeid y su familia fueron llamados a Irak, estableciendo su residencia en Bagdad .

Zeid se deprimió en Bagdad y por consejo de un médico vienés regresó a París poco después. Pasó los siguientes años de su vida viajando entre París, Budapest y Estambul, intentando sumergirse en la pintura y recuperarse. En 1941, ella estaba de vuelta en Estambul y se enfocaba en su pintura.

Zeid se involucró con el Grupo de Estambul, un grupo de pintores de vanguardia que trabajaba en la recién formada República de Turquía bajo el mando de Mustafa Kemal Atatürk .  Aunque su asociación con el grupo fue de corta duración, la exhibición con el Grupo d desde 1944 le dio a Zeid la confianza para comenzar a exhibir por su cuenta. La artista abrió su primera exposición personal en su casa en Maçka, Estambul en 1944. 

1945–1957 
En 1945, Zeid limpió las habitaciones de su apartamento en Estambul y realizó su primera exposición individual. En 1946, después de otras dos exposiciones individuales en Esmirna en 1945 y en Estambul en 1946, Zeid se mudó a Londres, donde el Príncipe Zeid Al-Hussein se convirtió en el primer Embajador del Reino de Irak ante la Corte de St. James . Zeid continuó pintando, convirtiendo una habitación de la embajada iraquí en su estudio. 

A partir de 1947, la práctica de Zeid se volvió más compleja y su trabajo pasó de la pintura figurativa a la abstracción. Zeid fue influenciado por los estilos abstractos que salieron de París en el período de posguerra. Ella fusionó de manera única sus raíces persa, bizantina, cretense y oriental con los conceptos, estilos y técnicas del modernismo en su práctica pictórica. 

Ella expuso en Londres en la Galería de San Jorge en 1948. Reina Isabel La Reina Madre asistió a la inauguración. Debido a su posición en la familia real iraquí, muchos miembros de la alta sociedad asistieron a sus inauguraciones y exposiciones. El crítico de arte Maurice Collis revisó su exposición de 1948 y posteriormente se hicieron amigos. El destacado crítico de arte y curador francés Charles Estienne se convirtió en uno de los principales defensores de la obra de Zeid.

Durante la siguiente década, viviendo entre Londres y París, Zeid realizó algunas de sus obras más fuertes, experimentando con lienzos abstractos monumentales que sumergen al espectador en universos caleidoscópicos a través de su uso intensivo de líneas y colores vibrantes.  Zeid expuso en la Galerie Dina Vierny en 1953, mostrando sus trabajos abstractos más recientes, como El pulpo de Tritón y el mar de los Sargazos . La exposición viajó al Instituto de Artes Contemporáneas de Londres en 1954. A mediados de la década de 1950, Zeid estaba en el apogeo de su carrera. En este período, se hizo amiga de un grupo de artistas internacionales como Jean-Michel Atlan, Jean Dubuffet y Serge Poliakoff, que experimentaron con la abstracción gestual. 
En 1958, Zeid convenció a su esposo, el príncipe Zeid al-Hussein, para que no regresara a Bagdad como regente interino mientras su gran sobrino, el rey Faisal II , se iba de vacaciones como solía hacer. La pareja fue a su casa de vacaciones en la isla de Ischia en el Golfo de Nápoles . El 14 de julio de 1958 hubo un golpe militar en Irak y toda la familia real fue asesinada. El príncipe Zeid y su familia escaparon por poco de la muerte, y se les dio solo 24 horas para desocupar la embajada iraquí en Londres. El golpe detuvo la carrera de Zeid como pintor y azafata en Londres.

Zeid y su familia se mudaron a un apartamento en Londres y, a la edad de cincuenta y siete años, Zeid cocinó su primera comida. La experiencia la llevó a comenzar a pintar en huesos de pollo, y más tarde creó esculturas de los huesos moldeados en resina , llamados paléokrystalos . En su pintura, comenzó a alejarse de la abstracción, y comenzó a pintar retratos de su familia y otras personas cercanas a ella. 

Unos años más tarde, su hijo menor, el príncipe Raad , se casó y se mudó a Amman , Jordania. En 1970, el príncipe Zeid Al-Hussein murió en París y Zeid se unió a su hijo en Amman en 1975. Fundó el Instituto Real Nacional de Jordania Fahrelnissa Zeid de Bellas Artes en 1976, y durante los siguientes quince años enseñó y fue mentora de un grupo. De mujeres jóvenes hasta su muerte en 1991. 

Retrospectivas 
El Museo Ludwig celebró su primera retrospectiva en el mundo occidental en 1990. En octubre de 2012, Bonhams vendió varias de sus pinturas en una subasta por un total de £ 2,021,838, estableciendo un récord mundial para el artista. 

En 2017, la Tate Modern de Londres organizó una gran retrospectiva del artista. Según un artículo en The Guardian , la exposición pretendía sacar a la artista “fuera de la oscuridad para asegurarse de que no se convierta en otra artista femenina olvidada por la historia”. La galería central de la exposición albergó pinturas abstractas a gran escala de Zeid de finales de los años cuarenta y cincuenta. Exhibida en esta sala, su obra de cinco metros titulada My Hell (1951) se mostró en el Reino Unido en su exposición de 1954 en el ICA de Londres. La última galería se dedicó a retratos en los que Zeid se concentró en sus últimos años en Amman, así como a esculturas de resina. Todas las obras de la exposición fueron prestadas de colecciones internacionales y Tate Modern adquirió una de las pinturas, Sin título C , “por lo que ahora puede ser parte de nuestra narrativa”, según la Directora de Tate Modern, Frances Morris. [1] Comisariada por Kerryn Greenberg, curadora de International Art y Vassilis Oikonomopoulos, curadora asistente de la Tate Modern, la exposición viajó a Deutsche Bank KunstHalle a fines de 2017, y estará disponible en el Museo Sursock en Beirut en la primavera de 2018. Istanbul Modern prestó ocho obras a la exposición retrospectiva y también organizó la exposición Fahrelnissa Zeid en la primavera de 2017 con obras de su colección, centrada en la práctica de Zeid entre los años 1940 y 1970.  El director de Istanbul Modern , Levent Çalıkoğlu, declaró: “El interés tardío de los museos y la comunidad artística occidentales en las obras de Zeid … está restaurando el valor que merece”. 

La biografía Fahrelnissa Zeid: Painter of Inner Worlds , escrita por Adila Laïdi-Hanieh, ex alumna de Zeid, fue publicada en 2017 por la editorial londinense Art / Books para coincidir con la exposición retrospectiva en Tate Modern.  Fuente: Wikipedia

 



{6 enero, 2019}   Madame Ghis

Guylaine Saint-Pierre Lanctôt , también conocida como Madame Ghis, es una ensayista y oradora de Quebec . Comprometida en la promoción de la medicina no convencional , fundó y presidió el Colegio Americano de Flebología.
Después de 20 años de experiencia médica y propietaria de varias clínicas médicas en América del Norte, ella ha estado involucrada en la controversia que rodea la vacunación y la resistencia fiscal . Su libro Mafia Medical (1994) fue un libro exitoso . Se sabe que abandonó su cuenta bancaria, tarjeta de crédito, tarjeta de seguro de salud y ya no hizo su declaración de impuestos para disociarse del “sistema financiero”. Ella fue a la cárcel por esta razón en 2008, negándose a firmar la libertad condicional que se hizo en su nombre de estado civil; según ella, es “la personalidad jurídica creada por el gobierno que posee la propiedad” y que ha decidido negar.
Hermosas piernas a cualquier edad , 1988
Mafia medica , 1994
El juicio de la mafia médica , 1998.
¿Qué demonios he venido a hacer en esta Tierra? Lléname , 2001
Sra. Ghis – Escape a la prisión , 2008
Evolución hacia la nueva especie , 2008.
Autoridad hacia la omnipotencia , 2008



{6 enero, 2019}   *Epifanía

Bartolomé Esteban Murillo - Adoration of the Magi - Google Art Project.jpg

Bartolomé Esteban Murillo – Adoration of the Magi – Google Art Project

Adoración de los Magos por El Greco, 1568.

Epifanía

Reyes Magos



{6 enero, 2019}   *Reyes Magos

Graphics Christmas three kings Graphics Christmas three kings

Graphics Christmas three kings Graphics Christmas three kings




Es de 110.700 kilómetros por hora, casi 3.400 kilómetros más que el promedio. El fenómeno se conoce como perihelio. Cuál es la explicación de la ciencia.

El planeta Tierra, más “rápido” que nunca.

Este jueves 3 de enero está marcado en los calendarios de los amantes del espacio. La Tierra se sitúa en el perihelio, mayor proximidad al Sol en su órbita anual, lo que produce la máxima velocidad, acelerando 3.420 kilómetros por hora sobre el promedio.

La Tierra gira alrededor del Sol, describiendo una órbita elíptica de 930 millones de kilómetros, a una velocidad media de 107.280 kilómetros por hora, lo que supone recorrer la distancia en 365 días y casi 6 horas; de ahí que cada cuatro años se cuente uno bisiesto.

Pero, de acuerdo con la segunda ley de Kepler, esa velocidad de traslación varía, aumentando hasta ser máxima en el perihelio (la menor distancia al Sol) con 110.700 kilómetros por hora y reduciéndose hasta ser mínima en el afelio, con 103.536 kilómetros por hora.

Según las estimaciones, el afelio llegará el 5 de julio este año.

Kepler se dio cuenta de que la línea que conecta a los planetas y al Sol abarca igual área en igual lapso. Esto significa que cuando los planetas están cerca del Sol en su órbita se mueven más rápidamente que cuando están lejos.

Así, la velocidad orbital de un planeta será menor cuando esté a mayor distancia del Sol, mientras que a distancias menores la velocidad orbital será mayor. La distancia media del Sol es en promedio de 150 millones de kilómetros. En el afelio alcanza los 152,09 millones de kilómetros y en el perihelio baja a 147,10 millones de kilómetros de distancia.

Fuente: DPA

Fuente:  Clarín/DPA




Madonna sorprendió a un grupo de fanáticos anoche en Stonewall en Nueva York para conmemorar el 50 aniversario de los disturbios que ocurrieron en el legendario bar, que provocó el movimiento por los derechos de los homosexuales.

Madge no solo apareció y dijo algunas palabras acerca de los significados históricos de los eventos que se desarrollaron en 1969, cuando la policía allanó el Stonewall Inn y comenzó a arrestar a los clientes, ella llevó a su hijo, David Banda, a tocar la guitarra mientras se presentaba. Like a Prayer ‘y la exitosa canción de Elvis,’ Can’t Help Falling in Love ‘.

Digamos que la multitud estaba amando cada momento de ello. Antes no se mencionaba que el cantante estaría allí, pero para las 150 personas afortunadas que estaban dentro del bar esa noche, definitivamente era una víspera de Año Nuevo para recordar.



{1 enero, 2019}   Mis deseos para este 2019!

 




Yasuyoshi Chiba

El paso del ciclón Idai por el sudeste de África ha dejado más de 400 muertos y más de 1,5 millones de damnificados en Mozambique, Zimbabue y Malaui, pero se prevé que la cifra de víctimas mortales se incrementará drásticamente en los siguientes días. De momento, se desconoce la magnitud total del daño provocado por el ciclón, que ya ha sido calificado como el peor desastre que haya sufrido el hemisferio sur, debido a que todavía quedan zonas inundadas que son inaccesibles.

Origen: Más de 400 muertos y 1,5 millones de damnificados: El peor desastre en el sudeste de África

Fuente imágenes:Yasuyoshi Chiba/AFP

RT

 




FOTOS: Presentan en un zoo de Polonia un pingüino albino

Fuente: Michal Ryniak / Reuters/RT

Durante los primeros 3 meses de vida, el pichón vivió separado del resto porque otros congéneres podían hacerle daño.

Origen: FOTOS: Presentan en un zoo de Polonia un pingüino albino




El patinaje artístico a través de los ojos de una joven estrella rusa (VIDEO)

La patinadora rusa Yevguéniya Medvédeva en los Juegos Olímpicos de Invierno de Pyeongchang 2018.
Fuente: Damir Sagolj / Reuters/RT

Este viernes, la rusa Yevguéniya Medvédeva se llevó el bronce en el Mundial de patinaje artístico en Saitama (Japón), en el que su compatriota Alina Zaguítova se alzó con el oro.

Origen: El patinaje artístico a través de los ojos de una joven estrella rusa (VIDEO)




Argentina acoge la conferencia de la ONU sobre Cooperación Sur-Sur: ¿Qué es y por qué es importante?

Panorámica de la ciudad de Buenos Aires.
Fuente: Ramiro Torrents / Gettyimages.ru/RT

Con la presencia de los presidentes de Chile, Paraguay y Uruguay, el encuentro reunirá a 1.500 representantes de 193 naciones.

Origen: Argentina acoge la conferencia de la ONU sobre Cooperación Sur-Sur: ¿Qué es y por qué es importante?




'Fetus in fetu': El extraño caso de la bebé que nació "embarazada" de su hermano gemelo

Imagen ilustrativa

Fuente_Pixabay Pexels/ RT

El fenómeno se da en uno de cada millón de nacimientos, dijo el médico encargado de este caso.

Origen: ‘Fetus in fetu’: El extraño caso de la bebé que nació “embarazada” de su hermano gemelo

 

 




VIDEO, FOTO: Un dron capta impresionantes imágenes de 'la puerta del infierno'

Fuente: El cráter de Darvaza, Turkmenistán.
Daniel Kreher / http://www.globallookpress.com/RT

Este enorme cráter de Turkmenistán lleva envuelto en llamas más de 40 años.

Origen: VIDEO, FOTO: Un dron capta impresionantes imágenes de ‘la puerta del infierno’



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