Espacio de María del Carmen "sphínx" difusión de contenidos











{24 mayo, 2017}   Lluvia

Landscapes

Rain

Lluvia, lluvia de medianoche, sólo la lluvia salvaje
sobre esta barraca gris, y soledad, y yo
recordando de nuevo que al final moriré
y no podré oír la lluvia ni ofrecer mi gratitud
por su forma de lavarme, dejándome lo más limpio
que he estado desde que nací a esta soledad.
Benditos son los muertos sobre los que llueve la lluvia:
pero ahora rezo para que ninguno de los que amé
se esté muriendo esta noche o yazga aún despierto
y en soledad, escuchando la lluvia,
sufriendo o sintiendo así una compasión
impotente entre los vivos y los muertos,
como agua fría entre juncos quebrados,
incontables juncos quebrados, altos y tiesos,
que, como yo, no poseen un amor que esta lluvia salvaje
no haya disuelto salvo el amor por la muerte,
si acaso es amor hacia aquello que es perfecto y
no puede, me cuentan las tempestades, decepcionar.

Edward Thomas

 

Rain



{23 mayo, 2017}   Manu Ginobili

 

*Manu Ginobili ha tenido una ilustre carrera en la NBA. Su título se ejecuta con los Spurs será recordado como él, Tony Parker y Tim Duncan formaron uno de los trios más grandes para jamás jugar el juego. Cuando se retire será un miembro del Salón de la Fama, no sólo por su increíble carrera internacional, sino por todo lo que hizo como miembro de los Spurs.

Su jubilación podría muy bien ser pronto. Ha habido un sentimiento durante todo el año que esta sería la última temporada de Ginobili como profesional y esa sensación se sintió en toda la arena. Así que los fans de Spurs hicieron lo que mejor saben hacer. Ellos aplaudieron lo más fuerte que pudieron para Manu. Fue increíble.

Manu Ginobili, San Antonio Spurs.jpg

New Jersey Nets vs. San Antonio Spurs 2.11.12; Hardwood Classic Night: Spurs wearing ‘70-’71 ABA Texas Chaparrals Uniforms; Prudential Center, Newark, NJ
Matthew D. Britt – Flickr: Manu Ginobili, San Antonio Spurs

Emanuel Ginobili




Sir Roger Moore Allan Warren.jpgStarsR.I.P.   Good bye 007…

Foto del actor Roger Moore. Fuente imagen: Allan warren – Trabajo propio

Sir Roger George Moore (Londres, 14 de octubre de 1927 – 23 de mayo de 2017)1 fue un actor de cine y televisión británico. Moore fue más conocido por su interpretación en la serie El Santo desde 1962 hasta 1969 y por ser el sucesor de George Lazenby, quien había suplido a Sean Connery en el papel del espía británico James Bond. Moore personificó al Agente 007 desde 1973 y hasta 1985. Moore se desempeñó como embajador de Unicef desde 1991 hasta su muerte.

Biografía
Moore nació en Stockwell, Londres, sus padres fueron Lillian “Lily” Pope, una ama de casa, y George Moore, un policía.Inicialmente, Moore quiso ser dibujante de historietas, y de hecho su primer empleo fue en este ámbito en una revista. No conforme con su elección, trabajó como modelo masculino, y además quiso ser actor, para eso tomó clases de actuación en una modesta academia en Londres. Debido a su gran apostura y belleza masculina, no le fue difícil abrirse en el medio teatral y del cine de entonces. Uno de sus primeros papeles como actor fue ser uno de los centuriones de César y Cleopatra (1945). Ya definida su meta en el cine, siguió cursos de Arte Dramático en la Royal School de Londres, trabajó poco a poco después en el teatro y en la radio.

En 1953 se trasladó a Estados Unidos, donde rodó al lado de Jean Peters la película Manos peligrosas, aunque sólo alcanzó la fama cuando en 1957 regresó a Inglaterra para encarnar a Ivanhoe en la serie televisiva del mismo título.

Desde 1962 hasta 1969 trabajó en la serie El Santo interpretando al personaje Simon Templar, creado por Leslie Charteris, un ladrón que roba a personajes de cuestionable moral o abiertamente criminales, la serie televisiva sería muy famosa en la pantalla chica y Moore es aún el actor más identificativo del personaje. En 1971 interpretó al lord Brett Sinclair en la serie The Persuaders! (conocida en España como Los Persuasores y en Hispanoamérica como Dos tipos audaces ) junto a Tony Curtis (como Danny Wilde). El argumento involucraba a dos millonarios aventureros resolviendo misterios y ayudando a personas, especialmente bellas mujeres, en problemas. La serie duró una temporada de 24 episodios.

En 1973, James Bond llamaría a su puerta: Sean Connery había dejado muy encasillada su imagen con dicho personaje y Moore debió darle su clásico estilo de inglés apuesto y galante. Se mantuvo en siete películas de la misma saga, y debido a su edad (58 años) ya no pudo representar más al personaje y fue sustituido por el actor Timothy Dalton.

El 11 de octubre de 2007, Moore fue galardonado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood por su trabajo en televisión y en películas. La estrella de Moore fue la nº 2350 instalada, y está adecuadamente ubicada en el 7007 de Hollywood Boulevard.

Roger Moore estaba retirado del cine y se dedicaba a actividades humanitarias. Moore apareció en la campaña publicitaria de Londres para organizar las Olimpiadas de 2012, y, aunque ya no actuaba en el cine, puso su voz en la película Here Comes Peter Cottontail: The Movie, y más recientemente en la película Agent Crush.

El 23 de mayo de 2017, Roger Moore fallecía en Suiza a los 89 años a causa de un cáncer.

Fuente: Wikipedia

Roger Moore at the 2012 Monte-Carlo Television Festival.
Fuente imagen: Frantogian – Trabajo propio

Roger Moore




Ilustración de Herman Moll donde se describe detalladamente el proceso que siguen los castores para construir sus diques.

Beaver-Szmurlo.jpgCarburn Park in Calgary, Alberta. Photo by Chuck Szmurlo taken July 30 2005 with a Nikon D70 and a Nikon 70-200 f2.8 lens
Cszmurlo

Hoy se dice que hay más castores que habitantes en Tierra del Fuego.

Cambian la dinámica de ríos y arroyos, convierten tramos en lagunas, algunos árboles cortados rebrotan pero una lenga cortada…muere; sus diques obstruyen caminos, un verdadero problema para el ecosistema.
Introducidos en un área donde no habitan sus depredadores naturales, como lo es Tierra del Fuego, los castores han modificado miles de hectáreas de terreno y son considerados como una plaga imparable por la población local. Todo surgió en 1946, cuando el Ministerio de Marina de Argentina liberó a 25 parejas de castores norteamericanos en el noreste del lago Fagnano y en las orillas del río Claro, localizados en la Isla Grande de Tierra del Fuego. Con la introducción de la especie se planeaba mantener una población controlada para fomentar la industria peletera en la región, ya que en la misma no había especies que pudieran utilizarse para tales fines.También se dice que fueron llevados a la zona por la marina argentina para que fueran cazados y con sus pieles se hicieran gorros para los oficiales de la propia marina. Sin embargo, su intento por mantener a la población controlada fracasó, pues algunos de los animales se dispersaron siguiendo los cursos de agua y colonizaron la región.30 Alrededor de 1964 llegaron a tierras chilenas. Incluso han cruzado el Canal Beagle, como lo prueba su presencia en la Isla Navarino, y hay evidencias de que cruzaron el Estrecho de Magallanes, pues se han hallado ejemplares en la Península de Brunswick, llegando por lo tanto a territorio continental.


Los castores pasan la mayor parte del tiempo en el agua.

 

Dique en Tierra del Fuego.
User:IlyaHaykinson – Trabajo propio

Se desconoce el número exacto de castores que habitan en esta región. La mayoría de las fuentes estiman su población entre los 70.000 y 100.000 ejemplares, aunque algunos han calculado que podrían ser hasta 200.000. Se piensa que tan solo en la Isla Navarino hay aproximadamente 20.000 individuos. Independientemente de su número, los castores han causado graves alteraciones en los ecosistemas de la zona, principalmente en Chile, donde el problema se volvió tan extremo que se ha permitido la caza de 10.000 ejemplares por año para reducir su población, además de permitir la venta de sus pieles y carne. Como resultado, entre 2004 y 2007 se cazaron en Tierra del Fuego cerca de 11.700 castores. En Argentina, la Legislatura de la provincia de Tierra del Fuego calificó al castor como “especie dañina y perjudicial”. Al principio no contaban con depredadores en la zona, lo que influyó notoriamente en su rápida expansión, pero con el paso del tiempo, el zorro culpeo y el puma se convirtieron en sus enemigos, colaborando con su erradicación. A pesar de todos los esfuerzos por detenerlos, los castores continúan expandiéndose, por lo general hacia el norte, y se calcula que avanzan a un ritmo de entre seis y ocho kilómetros por año. Desde 2001, los dos países involucrados han comenzado a cooperar en planes orientados al control de la población de castores, con el propósito final de erradicarlos definitivamente para el año 2015.

Una diferencia notable entre Tierra del Fuego y la mayor parte de América del Norte es que en los árboles del sur del continente no crecen vástagos, algo que sí sucede con algunos árboles norteamericanos como sauces y álamos. Gracias a los vástagos, los bosques norteamericanos son capaces de regenerarse más rápidamente que los fueguinos. Por esta razón, el castor se acopla perfectamente con los bosques de su zona nativa, mientras que en la región sudamericana tiende a desequilibrar los ecosistemas. La especie vegetal que más se ha visto afectada por la actividad de los castores en Tierra del Fuego es la lenga (roble de Tierra del Fuego, haya o roble blanco especie de árbol representativa del bosque andino Patagónico).

Árboles de más de 25 cm de diámetro, derribados por castores en una noche.

Árbol cortado y abandonado por castores, probablemente por ser demasiado grueso/ Allen – Beaver damage and wind damage

Actualmente están trabajando en ello para el control de la especie.

Castor

 



{19 mayo, 2017}   Fallece Alberto Ure

StarsUno de los grandes directores de teatro de vanguardia argentinos, un gran maestro de actores, dramaturgo, autor y ensayista; reconocido y aclamado…

Alberto Ure (n. en Buenos Aires el 18 de febrero de 1940-18 de mayo de 2017) fue un director de teatro y televisión argentino. También se dedicó a escribir y adaptar guiones teatrales, así como a la escritura de artículos de opinión sobre teatro, política, cultura y televisión y teoría teatral, que fueron publicados en distintos medios y recopilados en libros. Falleció de un accidente cerebrovascular el 18 de mayo de 2017

Murió Alberto Ure, reconocido director teatralUre escribió una sola obra: La familia argentina. (Foto: Archivo) Clarín.

Carrera
Dedicado lector y espectador de obras teatrales, tomó clases de actuación durante los años 1966 y 1967 junto a Carlos Gandolfo, y también algunas clases junto a Augusto Fernández. Al segundo año de estudios ya se desempeñaba como asistente de dirección de Gandolfo. La obra en la que fue asistente era Salvados, de Edward Bond, que había sido prohibida a las veinte representaciones:

Esa censura me enseñó que las escenas que más me atraían eran transgresoras y que la inteligencia teatral tenía concepciones ingenuamente liberales sobre el poder político y sobre el lugar que ocupaba el teatro en la cultura argentina, a la que no consideraban, en esos años, zona de conflicto

En 1968 dirige su primera obra: Palos y Piedras, de su autoría, y ese mismo año también dirigió Atendiendo al Sr. Sloane, del autor británico Joe Orton. En 1969 realiza un seminario en la Universidad de Nueva York (Estados Unidos) con el director teatral y profesor universitario de estudios teatrales Richard Schechner, quien difundía ideas del director de teatro polaco Jerzy Grotowski. El mismo duró cuatro meses, y al regresar a Buenos Aires, abrió su propio estudio teatral donde realizó seminarios, especializándose en psicodrama psicoanalítico y en técnicas experimentales de teatro.

En 1975 comenzó a desempeñarse como docente titular en la cátedra de Dirección en el Conservatorio Nacional de Arte Escénico. Con la llegada al poder en 1976 de la dictadura militar (el autodenominado Proceso de Reorganización Nacional) tuvo que dejar esta labor docente y debió exiliarse en España. Allí dio clases en el Conservatorio Real de Madrid, en el Goethe Institut y dirigió una obra teatral. Luego fue contratado por el Goethe Institut para dirigir y dar clases en Brasil. Una vez de regreso en Buenos Aires, iba a dirigir la obra Telarañas, de Eduardo Pavlovsky, que fue prohibida,6 y se dedicó sólo a dirigir obras comerciales, como Espía por amor con Graciela Alfano, en su debut en el teatro.5

Participó como director en Teatro Abierto en los años 1980 con dos obras de Elio Gallípoli, El 16 de octubre y Barón V; y en 1990 y 1991 fue director contratado del Teatro Municipal General San Martín. También se desempeñó como director adjunto del Centro Cultural Recoleta entre 1990 y 1993, siendo el director el reconocido escritor Miguel Briante.

En televisión, se desempeñó como director de cásting de Canal 2 y de Canal 13, y realizó la puesta en escena de Bárbara Narváez (1985) y de Zona de riesgo (1993).

Premio del FNA a la trayectoria, Diploma Konex, Premio Teatro del Mundo.

En el año 1998 fue víctima de un accidente cerebrovascular, del que se recuperó lentamente y dejó mermada su movilidad, lo cual lo mantuvo un tiempo alejado de la actividad teatral (Wikipedia)

Obras como director
1968 – Palos y Piedras.
1968 – Atendiendo al Sr. Sloane.
1973 – Casa de muñecas.
1974 – Hedda Gabler.
1974 – La reina blanca.
1974 – Sucede lo que pasa.
1977 – Telarañas.
1980 – Espía por amor
1984 – El campo.
1986 – Puesta en claro.
1987 – El padre.
1988 – Antígona.
1989 – Mal de padre.
1990 – Los invertidos.
1991 – Noche de reyes.
1994 – Amor, valor y compasión
1995 – En familia
1996 – Don Juan.
1997 – Diez minutos para enamorarse.
2001 – La familia argentina.
2002 – Solomonólogos (monólogo del actor Antonio Grimau).
Libros publicados
2003 – Sacate la careta.
2009 – Rebeldes y exquisitos.
2009 – Ponete el antifaz.
Premios
1990 – Premio María Guerrero por Los invertidos.
1996 – Premio Molière por Don Juan.
1998 – Premio del Fondo Nacional de las Artes a la trayectoria.
1999 – Premio Teatro del Mundo a la Trayectoria del Centro Cultural Ricardo Rojas.
2003 – Premio Teatro del Mundo de Ensayo por el libro Sacate la careta.
2004 – Diploma al Mérito Konex: Memorias y testimonios.
2013 – Premio Podestá

Enlaces externos




ChrisCornellTIFFSept2011.jpgStars

Chris Cornell at the 2011 Toronto International Film Festival.
gdcgraphics – http://www.flickr.com/photos/gdcgraphics/6664888181

Christopher John Boyle (Seattle, 20 de julio de 1964-Detroit, 17 de mayo de 20171 ), más conocido como Chris Cornell, fue un guitarrista y cantautor estadounidense que adquirió fama por ser el vocalista de Soundgarden, Audioslave y Temple of the Dog.2 Comenzó su carrera como baterista, antes de convertirse en guitarrista y cantante.3 Según la revista Hit Parade ocupa el puesto número 4 de las mejores voces de la historia del heavy metal, hard rock. En una encuesta del sitio web de la revista Rolling Stone, lo sitúa en el puesto número 9 de los mejores cantantes de la historia, y según Planet rock ocupa el puesto número 22 de lista de las 40 mejores voces del rock.

Sus inicios
Chris Cornell nació en Seattle, Washington, lugar donde vivió durante su infancia. Sus padres son Ed Boyle (farmacéutico) y Karen Cornell (contable). Ambos padres y sus cinco hermanos son de religión católica irlandesa. A los 7 años comenzó a tomar clases de piano, interesándose en Lynyrd Skynyrd, The Beatles y Alice Cooper. Alrededor de los catorce años, sus padres se divorciaron y junto con sus hermanos tomó el apellido de soltera de su madre, Cornell.

A raíz del divorcio de sus padres, Chris sufrió un caso grave de depresión durante su adolescencia, debido al cual sólo salía de su casa en raras ocasiones. Llegando al extremo de no salir durante un año completo, tiempo en el cual abandonó el piano y se dedicó a tocar la batería y la guitarra.

Esta elección vino acompañada del abandono del instituto, comenzando a trabajar como ayudante de cocina.

La primera banda de Chris, fue llamada The Jones Street Band y hacía covers de Rush, AC/DC, Sex Pistols y The Ramones. En esta banda Cornell ejercía las labores de cantante.

Así pasó el tiempo hasta que en 1972 Chris se mudó de su casa y se unió a una banda llamada The Shemps, que había sido fundada por Matt Dentino, compañero de Kim Thayil. Pasado un tiempo, Cornell se mudó con el bajista de la banda, Hiro Yamamoto. En 1984, luego de la separación de la banda, Chris y Hiro le propusieron a Kim crear una nueva banda. Esta nueva agrupación fue bautizada Soundgarden, con Hiro en el bajo, Kim en la guitarra y Chris en la batería y voz.

Soundgarden
Junto con Red Hot Chili Peppers, Nirvana, Pearl Jam, y Alice in Chains, Soundgarden es considerada una de las mayores bandas de principios de los años 90, además de ser una de las más oscuras, como AIC. Cuando se descubrió el movimiento grunge de Seattle, estas bandas salieron a la luz internacional de inmediato, alcanzando el nombre de “bandas precursoras del movimiento Grunge”.

La historia de Soundgarden comienza en Illinois. Tras graduarse en secundaria, Kim Thayil y el bajista Hiro Yamamoto, junto con el futuro fundador de Sub Pop, Bruce Pavitt, se mudaron a Olympia, Washington, donde pretendían asistir a la universidad de Evergreen. La creciente escena musical los atrajo hacia Seattle, donde Yamamoto compartió vivienda y comenzó a tocar con un baterista llamado Chris Cornell. Thayil se unió al dúo en 1984, y los tres músicos se llamaron a sí mismos Soundgarden, en alusión a una escultura eólica tubular del parque Magnuson, en Seattle, que hace sonidos cuando el viento sopla a través de ella.

Scott Sundquist se les unió como baterista un año después, poniendo a Cornell al frente de la banda como cantante. Sundquist grabó junto con el grupo las canciones que aparecerían en el disco recopilatorio “Deep Six”, pero en 1986 abandonó la formación para buscarse un trabajo estable y fue reemplazado por Matt Cameron, quien fuera parte de Skin Yard anteriormente.

Una vez conformado, el grupo grabó “Screaming Life”(1987) que traía el single “Hunted Down”. Un año después saldría su segundo EP, “Fopp”(1988). A partir de estos dos trabajos, algunos de los grandes sellos se comienzan a interesar por la banda. Bruce Pavitt sería el productor de ambos discos.

Sin embargo, “Ultramega OK”, el primer LP de la banda, fue producido y editado por SST Records. Este disco incluye los temas “Beyond the wheel” y “All your lies”, además de presentar versiones del bluesman Howlin’ Wolf y de John Lennon & Yoko Ono. Estos temas fueron, “Smockestack lightnin” y “Two minute silence”, convertidos en “One minute of silence”. El disco recibió una excelente crítica a nivel mundial, elevando aún más la popularidad de la banda, hecho que despertó el interés de A&M Records, sello con el que graban “Louder than Love”(1989), que recibe una nominación a los premios Grammy. De este disco se destacan los singles “Hands All Over” y el tema “Loud Love”.

Tras este trabajo, el bajista Hiro Yamamoto decide cambiar la senda musical por sus estudios universitarios, dejando así ese año para que Chris Cornell se dedique a proyectos personales, entre los que destaca el gran tributo al fallecido Andrew Wood (por una sobredosis de heroína), exvocalista de Mother Love Bone e íntimo amigo y compañero de cuarto del vocal de Soundgarden. Este disco es bautizado como “Temple of the dog” y participan Chris Cornell como frontman, en conjunto con un Eddie Vedder primerizo en cuanto al tema vocal, pero con un excelente registro. Cabe destacar que fueron grabados varios temas del disco para agregar a Eddie, quien en la actualidad es uno de los mejores amigos del mentor del grupo. A ellos se suman Stone Gossard, Mike McCready, Jeff Ament y Matt Cameron, quienes sin Cornell, son el staff oficial de Pearl Jam en la actualidad y la única banda importante del “sonido seattle” que sobrevive sin interrupciones hasta la fecha.

En lugar de Hiro, Jason Everman tomó el bajo, pero al igual que con Nirvana, su permanencia sería de muy corta duración, ya que solamente grabó el cover “Come together” (The Beatles) y apareció en el vídeo “Loud Love”. Es aquí donde aparece Ben Shepherd.

En 1991, Soundgarden publica “Badmotorfinger”, mostrando una solidez sonora y madurez musical de alto nivel, con influencias claras de Led Zeppelin y The Stooges. Temas como “Rusty Cage” o el poderoso “Outshined” hacen que el disco llegue al número 39 del Billboard. La crítica especializada dijo que si no existiera “Nevermind” o el clásico “Ten” de Pearl Jam, hoy hablaríamos de “Badmotorfinger” como el mejor disco de ese año.

Posterior a este disco, en 1992, girarían por el mundo con Guns N’ Roses, Skid Row y Faith No More entre otros, y participarían en la segunda edición de Lollapalooza, festival de Rock alternativo creado por Perry Farrell.

Fue el año 1994 el que vio nacer el disco “Superunknown”, clave para la comunidad grunge y un título imprescindible del soundtrack de los años 90. Michael Beinhorn fue coproductor de este trabajo, que presenta himnos como “Spoonman” y “Black Hole Sun”. Destacable es la oscuridad que presenta el tema “4th of July”. “Superunknown” llegaría al número uno de las listas americanas.4

A finales de 1994, durante la gira del disco Superunknown, los médicos descubrieron que Cornell había forzado severamente sus cuerdas vocales. Soundgarden tuvo que cancelar diversos shows para evitar que éstas quedasen dañadas de forma permanente. Cornell utilizó este tiempo para colaborar con el mítico Alice Cooper en su álbum “Last Temptation”, y escribió junto a él la canción “Stolen Prayer”, en la que también canta.

Tras este acierto del grupo, en 1996 nace “Down On the Upside”, emulando los logros de su anterior disco. Clara fue la esencia punk que depositaron en “Ty Cobb”, el sentimiento y tono de balada de “Blow up the upside world”, y la energía de “Burden in my Hand”.

El grupo dejaría de existir en 1997, entregando como despedida para su público los discos “A & B sides”, recopilatorios de sus mejores éxitos.

Cornell se hizo tan famoso como Soundgarden durante la existencia del grupo, principalmente gracias a sus excepcionales habilidades y espectro vocales. Su capacidad de producir tonos altos casi “gritando” las notas le da a su registro de barítono una amplitud aún mayor.

La voz de Soundgarden, también fue el productor del álbum Uncle Anesthesia de la banda Screaming Trees. Además, actuó en la película Singles (Vida de Solteros), de Cameron Crowe, haciendo un cameo y actuando en el escenario. También aportó su tema Seasons a la banda sonora de la película.

En esta película participan también los componentes de Pearl Jam, Alice In Chains y otros artistas de corte similar.

Cornell también colaboró en el disco “Sap” de Alice In Chains y fue parte del proyecto llamado M.A.C.C. que grabó el tema ” Hey Baby (Land Of The New Rising Sun)” para el disco tributo de 1993 a Jimi Hendrix, “Stone Free”.

Post-Soundgarden
Tras la separación de Soundgarden, Cornell colaboró con Alain Johannes y Natasha Shneider de la banda Eleven, (exmiembros de Queens of the Stone Age) banda creada por Jack Irons y compañía, con quienes lanzó un álbum solista llamado Euphoria Morning en 1999. Con el Grupo salió de gira, pero la grabación del disco fue con el baterista Greg Upchurch, quien fue sustituido en contadas ocasiones por Irons que era miembro ya honorario del grupo. De la mano con esto, se realizaron presentaciones en televisión y radio, shows como “Letterman” y sesiones privadas.

Euphoria Morning
Este álbum melancólico, de rock suave, está dedicado a la memoria de Jeff Buckley músico y amigo de Chris, el cual falleció de manera trágica, ahogado en la Rivera Wolf, ubicada en Memphis. Aparte de ser amigos, admiraban su trabajo de manera mutua. La canción “Wave Goodbye” es para su amigo.

Pero pese a las buenas críticas y el gran peso melódico que contiene, el álbum no fue un éxito comercial, más bien es un éxito a nivel musical, el verdadero éxito al cual apuntó el ex-vocalista de Soundgarden. Aún teniendo en cuenta que Can’t Change Me, single del álbum, fue nominado para Mejor presentación vocal de rock masculino en los premios Grammy del 2000. Además, Chris aportó a la banda sonora de la película Grandes Esperanzas (Great Expectations) la canción Sunshower, bonus track de la edición japonesa del disco Euphoria Morning en conjunto con la versión de “Can’t change me” en francés.

Hizo una nueva versión de la canción Mission para la banda sonora del film Misión: Imposible II, que se tituló Mission 2000.

Audioslave
Chris Cornell también fue frontman de Audioslave,5 banda aclamada por la crítica formada por tres de los exmiembros de Rage Against The Machine, Tom Morello, Tim Commerford y Brad Wilk. Este grupo comenzó como una idea de Rick Rubin, productor que ya había trabajado con Soundgarden.

Un día, Cornell recibió la visita de Tom Morello junto con Rubin, para plantear la idea de un grupo, a lo cual accedió pidiendo cambiar el nombre. Siempre se habló de la mega-banda, en la cual se reemplazaría a Zack de la Rocha, motivo por el cual Chris pidió el cambio de nombre y no se llamarían más Rage Against The Machine y pasaron a ser Civilian, aunque en un comienzo también serían llamados Cochise, por el nombre de su primer single, en homenaje al célebre cacique norteamericano.

En mayo de 2005 ofrecieron un histórico show en La Habana, Cuba, en la que fue las primeras aperturas en la Isla hacia un show de una banda de rock norteamericano.

Cornell, participó en la grabación de tres discos, entre ellos Audioslave, disco homónimo que tuvo gran éxito en los rankings de la música con temas como “Cochise” y “Like a Stone”, sencillos promocionales que dieron la vuelta al mundo. Pronto sería el momento de Out of Exile que traía temas tan suaves como “Doesn´t Remind Me” y otros repletos de poder como “Your Time Has Come” y abriendo paso a las baladas rockeras de años anteriores como por ejemplo “Be Yourself”.

Revelations sería su último disco, lanzado el 5 de septiembre de 2006, cuyos temas promocionales fueron Original Fire y Revelations.

Aunque la noticia era sabida desde antes, el 15 de febrero de 2007, Chris Cornell anunció públicamente que dejaba la banda por diferencias personales y musicales irreconciliables entre sus miembros. En su despedida, les deseó lo mejor a los otros tres miembros restantes del grupo.

Carry On
Chris Cornell lanzó el día 5 de junio de 2007 su segundo disco como solista, llamado “Carry on” que, entre otros títulos, incluye “You Know My Name” de la banda sonora de Casino Royale, “Billie Jean” (versión del original de Michael Jackson) y los sencillos “No Such Thing” y “Arms Around Your Love” para los cuales ha editado videoclips. Los músicos que lo acompañaron fueron la banda Run through the desert.

Scream
En marzo de 2009 el último trabajo solista de Chris saldría a la luz. El disco Scream, producido por Timbaland, fue su último trabajo con Run through the desert. La canción “Ground Zero” formó parte de la presentación de la serie “Life on Mars”. Los temas “Part of me”, Ground Zero”, “Scream” y “Long Gone” tuvieron videoclip. Scream tuvo críticas positivas y negativas. De una u otra forma, la incursión de Cornell en el pop moderno fue un intento por innovar su música en un género desconocido anteriormente.

Colaboraciones
En 2009, Chris Cornell participó en la grabación de Slash, el primer álbum en solitario de su amigo Slash de Guns N’ Roses, que salió en abril de 2010. Chris Cornell interpreta la canción “Promise” del álbum. El 26 de marzo de 2010 fue puesta en línea por amazon.com. En 2010 formó parte del disco “Guitar Heaven” de Santana, donde interpretó el tema “Whole lotta love” de Led Zeppelin. Ese mismo año grabó el tema “Lies” en colaboración con la banda Gabín.

Reunión de Soundgarden
El 1 de enero de 2010, Cornell anunció a través de su cuenta de Twitter8 la reunión de Soundgarden, tras 12 años de separación. Pronto, la banda anunciaría su participación en el festival Lollapalooza y en 2012 lanzaron un nuevo disco llamado King Animal.

Songbook Tour
En el año 2010, Chris Cornell comenzó a dar una serie de conciertos acústicos en «Roxy» y «Troubadour» interpretando temas de toda su carrera y varios covers.
Frente a la buena recepción del público en el año 2011 anunció varias fechas en distintos lugares de Estados Unidos. Sus shows íntimos permiten apreciar al máximo su calidad vocal y destreza en la guitarra[cita requerida]. El tour continuó en octubre con fechas en Nueva Zelanda y Australia. Finalmente amplió sus horizontes en noviembre hacia Argentina, Chile, Brasil y Perú.

Higher Truth
El 18 de septiembre de 2015 lanzó su 5º disco de estudio solista llamado Higher Truth. Su primer sencillo en este disco se llama “Nearly Forgot My Broken Heart”, que fue lanzado con su respectivo video el 10 de septiembre, en donde Chris Cornell actúa como un condenado a la horca, video que cuenta con la participación especial de Eric Roberts. El disco salió a la venta el 18 de septiembre de 2015, poniéndose a la vez a disposición de su descarga en internet o su escucha por diferentes aplicaciones musicales. El disco fue recibido con críticas mixtas.

Muerte
El 18 de mayo del año 2017, el mánager de Cornell, Brian Bumbery, anunció a The Associated Press9 que Cornell fue encontrado muerto, ahorcado en el baño de la habitación del hotel en el que se hospedaba, después de su última presentación en Detroit con la banda Soundgarden. La causa de la muerte fue suicidio por ahorcamiento.

Fuente: Wikipedia

 




“El Problema del Caballo” obra de Claudia Fontes representa a la Argentina en la 57° edición de la Bienal de Arte de Venecia. La obra se encuentra en el Pabellón Argentino en el Arsenal de Venecia.

Bienal de Venecia: apareció el caballo argentino

Caballo, niña, artista. Fontes posa junto a su obra, en Venecia.

Fuente imagen/ EFE/ANDREA MEROLA

Bienal de Venecia: apareció el caballo argentino

Impactante. “El problema del caballo”. La obra llega casi hasta el techo de un pabellón de 5 metros de altura.

En el pabellón argentino en la Bienal de Arte de Venecia -la más antigua, las más prestigiosa del mundo-, la artista Claudia Fontes los cuestiona. Y lo hace, justamente, con un caballo que corcovea mientras una chica ¿lo apacigua? y, cerca, un muchacho está como decidiendo si lanzar o no lanzar una piedra.

El problema del caballo -así se llama la obra que representa al país-

“A mí me gustan los monumentos para desafiarlos” dijo la artista (Haedo, 1964) a Clarín en una nota aparecida el domingo. Allí contaba que los monumentos “suelen ser obras conmemorativas de personajes masculinos que han torcido la historia para un lado o para el otro, sobre todo a través de batallas territoriales. Existe todo un código: según cómo se represente el caballo, relata cómo luchó y murió su jinete. Mi caballo tiene que ver con eso”.

Bienal de Venecia: apareció el caballo argentino

Ternura. La niña que calma al enorme caballo. /Cancillería

En esta ocasión, el curador del envío argentino es Andrés Duprat, director del Museo Nacional de Bellas Artes. La elección de un a obra estuvo a cargo de una comisión formada por varios curadores.

Fuente: Clarín




Mecanismo Anticitera (Fragmento A – anverso)

 

El mecanismo de Anticitera es una computadora analógica antigua diseñada para predecir posiciones astronómicas y los eclipses de hasta diecinueve años con propósitos astrológicos y calendáricos, predecir también la fecha exacta de seis certámenes griegos antiguos: los Juegos de Olimpia, los Juegos Píticos, los Juegos Ístmicos, los Juegos Nemeos, los Juegos de Dodona y los de la isla de Rodas.

Se debía encontrar alojado en una caja de madera con dimensiones 340 mm x 180 mm x 90 mm; el dispositivo es un complejo mecanismo de relojería compuesto de al menos 30 engranajes de bronce. Los restos fueron encontrados como 82 fragmentos separados de los cuales solo siete contenían inscripciones importantes o engranajes. El engranaje más grande (claramente visible en el Fragmento A a la derecha) mide aproximadamente 140 mm de diámetro y originalmente contaba con 223 dientes.

El artefacto fue recuperado entre 1900 y 1901 de un antiguo naufragio cercano a la isla griega de Anticitera.Supuestamente construido por científicos griegos, el instrumento data de entre los años 150 a. C. y 100 a. C., o, según una observación reciente, el año 200 a. C.

Después de que el conocimiento de esta tecnología se perdió en algún momento en la antigüedad, artefactos tecnológicos que se acercaran a la complejidad y habilidad de construcción de este instrumento no aparecieron nuevamente hasta que se inició el desarrollo de relojes astronómicos en Europa hacia el siglo XIV.

Todos los fragmentos recuperados del mecanismo de Anticitera se custodian en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas

Reconstrucción moderna de 2007 del mecanismo por Mogi Vicentini.
I, Mogi
Antikythera Machine mechanical model

Descubrimiento
El mecanismo de Anticitera fue descubierto a 45 metros bajo el agua cerca de Glyfadia, en la isla griega de Anticitera. Los restos del antiguo naufragio se encontraron en abril de 1900 por parte de un grupo de buzos recolectores de esponjas; estos recuperaron numerosos artefactos, incluyendo estatuas de bronce y mármol, alfarería, vidriería, joyería, monedas y el mecanismo. Los hallazgos fueron enviados al Museo Arqueológico Nacional de Atenas para su análisis y almacenamiento. El mecanismo pasó inadvertido durante dos años como un bulto de bronce corroído y madera hasta que el equipo del museo empezó a unir las piezas más obvias del mecanismo.

El 17 de mayo de 1902, cuando el arqueólogo Valerios Stais examinaba los restos se dio cuenta de que una de las piezas de roca tenía un engranaje incrustado. Stais, inicialmente, creyó que se trataba de un reloj astronómico pero la mayoría del equipo creía que el instrumento era tecnológicamente muy avanzado y muy complejo como para haber sido construido en la misma época que el resto de las piezas encontradas. Las investigaciones fueron abandonadas hasta que el instrumento captó la atención de Derek John de Solla Price en 1951. En 1971, Price y un físico nuclear llamado Charalampos Karakalos analizaron los 82 fragmentos con rayos X y rayos gamma. Price publicó un extensivo ensayo de 70 páginas sobre los resultados en 1974.

Se desconoce cómo llegó el mecanismo al barco, pero se ha propuesto que se planeaba llevar el instrumento a Roma con el resto del botín para la celebración del triunfo de Julio César.

Origen
Aunque generalmente es referido como la primera computadora analógica, la calidad y complejidad de la manufactura del mecanismo sugieren que este tiene predecesores aún no descubiertos hechos en el periodo helenístico. Su construcción está basada en teorías de la astronomía y matemáticas desarrolladas por astrónomos griegos y se estima que se construyó a principios del segundo siglo a. C.

En 1974, el historiador de la ciencia británico y profesor de la Universidad Yale Derek John de Solla Price concluyó, gracias a ajustes de los engranajes y a inscripciones en las caras del mecanismo, que el instrumento fue hecho alrededor del año 87 a. C. y perdido pocos años después. Jacques Cousteau y sus asociados visitaron el naufragio en 197621 y recuperaron monedas que dataron entre los años 76 y 67 a. C.A pesar de que el avanzado estado de corrosión ha vuelto imposible la realización de un análisis de su composición, se cree que el dispositivo está hecho de una aleación de cobre y estaño (aproximadamente 95 % cobre y 5 % estaño). Las instrucciones de uso están escritas en koiné con rasgos dialectales corintios y la creencia que se impone entre los profesionales es la de que el mecanismo fue creado en el mundo de habla griega.

Los resultados arrojados por el Proyecto de Investigación del Mecanismo de Anticitera sugieren que el concepto del mecanismo se originó en las colonias de Corinto, ya que el dialecto de las inscripciones así lo determina. Más en concreto, Siracusa era una muy próspera antigua colonia de Corinto y el hogar del gran ingeniero Arquímedes, lo que podría implicar una conexión con la escuela de Arquímedes.8 Otra teoría sugiere que las monedas encontradas por Jacques Cousteau en la década de los 70 en el naufragio se remontan a la época en que se construyó el mecanismo y su origen es la ciudad griega de Pérgamo, hogar de la famosa Biblioteca de Pérgamo. Gracias a la cantidad de manuscritos sobre ciencia y arte, es la segunda biblioteca más importante, después de la Biblioteca de Alejandría, del periodo helenístico.

El navío que transportaba el mecanismo también llevaba vasijas con un estilo proveniente de Rodas; esto lleva a la creencia de que el mecanismo fue construido en una academia fundada por el estoico filósofo Posidonio en esa isla griega. Rodas era un puerto comercial con mucho tráfico y también era un centro de ingeniería astronómica y mecánica, hogar de Hiparco de Nicea, quien estuvo activo desde el año 140 a. C. hasta el año 120 a. C. El hecho de que el mecanismo recurra a la teoría de Hiparco sobre el movimiento de la Luna indica que él pudo haberlo diseñado o contribuido en su construcción.

Michael Edmunds, profesor de la Universidad de Cardiff, dirigió un estudio sobre el mecanismo en el año 2006; describió el instrumento como “simplemente extraordinario, único de su especie” y mencionó que su astronomía era “exactamente correcta”. Evaluó el mecanismo como “más valioso que la Mona Lisa”.

En el año 2014, un estudio conducido por Carman y Evans argumentaba que el origen del mecanismo era en realidad el año 200 a. C.Según Carman y Evans, el estilo de predicción aritmética babilónico encaja mejor con el modelo predictivo del mecanismo que el estilo trigonométrico tradicional griego.

A mediados de 2014, una expedición de buceo al naufragio, iniciada por el Ministro Helénico de Cultura y Deportes, esperaba descubrir más fragmentos del mecanismo de Anticitera, pero se tuvo que abortar prematuramente la operación debido al mal tiempo. Se tiene planeada una nueva expedición en la primavera de 2015

Fuente: Wikipedia

Esquema del mecanismo conocido del artefacto.
Lead Holder – File:Meccanismo_di_Antikytera.jpg

Mecanismo de Anticitera

Doodle de Google

115º aniversario del descubrimiento del mecanismo Antikythera




Perito Moreno Glacier Patagonia Argentina Luca Galuzzi 2005.JPGGlaciar Perito Moreno, en el Parque nacional Los Glaciares, sur de Argentina
I, Luca Galuzzi

El parque nacional los Glaciares está ubicado en la provincia de Santa Cruz, Argentina, comprende una superficie de 726 927 ha (7240 km²). El 15 de febrero de 1877, el Perito en límites, Francisco Pascasio Moreno bautizó al lago que dá origen al Río Santa Cruz, con el nombre de Lago Argentino, plantando una bandera Argentina. Llegó a ser uno de los primeros hombres blancos en la zona, y a estar muy cerca del glaciar, que en su honor lleva su nombre, sin poder conocerlo. Fue designado parque nacional en 1937 y es el más grande del país. Su toponimia se refiere a sus glaciares, que constituyen la mayor capa de hielo fuera de las áreas polares. La superficie del parque nacional Los Glaciares se subdivide en dos áreas de manejo: parque nacional con 539 300 ha, y el área protegida con recursos manejados con 178 500 ha. Esta última se divide en tres sectores llamados reservas nacionales: Zona Viedma, Zona Centro, y Zona Roca. Parte de la tierra del parque es de dominio privado. El decreto N.° 2149/90 del 10 de octubre de 1990 designó a la primera área como reserva natural estricta.

Debido a su espectacular belleza, su interés glaciológico y geomorfológico, y parte de su fauna en peligro de extinción, la UNESCO lo declaró «Patrimonio de la Humanidad» en el año 1981, conformando uno de los nueve de su país. Es el parque nacional argentino más occidental del país.

El decreto ley N.º 105 433 de 1937 destinó varias áreas de la Patagonia andina a la categoría de reservas para ser creados parques nacionales, entre ellas el área de Los Glaciares. En septiembre de 1942 mediante el decreto ley Nº 129 433 el área de la reserva de Los Glaciares fue ampliada con el margen costero sobre el Canal de los Témpanos y la costa Norte del lago Rico. En abril de 1945 mediante el decreto ley N.º 9504 (ratificado por la ley N.º 13 895)3 declaró parque nacional a la reserva. En 1971, mediante la Ley N° 19 292, se establecieron los límites actuales del parque y su zonificación como parque nacional y reserva nacional.

Perito Moreno Glacier Patagonia Argentina Luca Galuzzi 2005.JPGGlaciar Perito Moreno, en el Parque nacional Los Glaciares, sur de Argentina
I, Luca Galuzzi

Sus límites por el oeste siguen en todo momento la línea divisoria internacional chileno-argentina entre los paralelos 49º 15′ y 50º 50′ Sur (desde el cerro Chaltén hasta el monte Stokes), por lo que han sido modificados de acuerdo a la demarcación resultante del Acuerdo para precisar el recorrido del límite desde el Monte Fitz Roy hasta el Cerro Daudet de 1998 firmado el 16 de diciembre de 1998, estando indefinido en el sector del cordón Mariano Moreno. Abarca parte del campo de hielo Patagónico Sur y todos los glaciares que de él descienden hacia el lado oriental. El centro geográfico de este parque nacional se ubica hacia las coordenadas 49°59′00″S 73°09′00″O.

En este parque nacional se halla ubicado el lago Argentino, en cuyos brazos se encuentran los glaciares. El más conocido es el glaciar Perito Moreno. Además, se encuentran otros, que también destacan por su magnitud, como el glaciar Spegazzini, glaciar Upsala, glaciar Seco, glaciar Onelli (ubicado en la Bahía Onelli), etc.

Indudablemente, lo más destacable de este Parque nacional son sus campos de hielo, que en total ocupan una superficie aproximada de 2600 km² (esto implica que más de un 30% de la superficie del Parque se encuentra ocupada por hielo). Desde éstos descienden 47 glaciares mayores. El más conocido de los glaciares es el Perito Moreno, que se expande sobre las aguas del Brazo Sur del Lago Argentino, con un frente de 5 km. y una altura, por sobre el nivel del lago, de 60 metros.

El glaciar Upsala, ubicado sobre el brazo Norte del mismo lago, es el de mayor tamaño; exhibe un largo de 50 km y un ancho de casi 10 km.

En el sector norte del parque se encuentra el imponente macizo Fitz Roy que se destaca por su altura (3405 metros) y por su monumental aspecto de escarpadas laderas por las que bajan glaciares con el entorno de los cordones cordilleranos circundantes.

Este parque nacional fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1981.

Por el reconocimiento colectivo de la Comunidad de Naciones expresado en los artículos de la convención del Patrimonio Mundial EL PARQUE NACIONAL LOS GLACIARES ha sido inscrito en la lista del PATRIMONIO NATURAL MUNDIAL. Estos glaciares, generados hace siglos y aún milenios en las crestas de las montañas, son testimonio remanente de enormes masas idénticas que dominaron parte del planeta durante los últimos dos millones de años y que presenciaron el fantástico episodio del nacimiento de la humanidad. Que el hombre sepa preservar este sitio y más aún, preservarse a sí mismo para que las generaciones futuras puedan contemplar este relicto de la edad del hielo. Octubre de 1981

Los cerros Fitz Roy/Chaltén y Torre en medio de los campos de hielo.
Marianocecowski – Taken by me in 2004.

Flora y Fauna
A las montañas y glaciares se suma el atractivo de los bosques subantárticos dominados por la lenga, el guindo y muchos arbustos como el notro o ciruelillo y el calafate, que ofrecen vistosas y coloridas flores.

El bosque cuenta con la presencia del gran cérvido llamado huemul, que durante el invierno baja de las praderas de altura en busca de refugio y alimento, también merodea el puma y en las zonas esteparias se encuentran guanacos; existen también “vacas cimarronas” llegadas a fines de siglo XIX.

Entre la avifauna, merecen destacarse el carpintero negro patagónico, la cotorra austral, el picaflor de corona granate, el choique y el cóndor.

En los ambientes acuáticos se encuentra una gran diversidad de aves, que incluye cisnes cuello negro y patos como el zambullidor grande y el de los torrentes.

Hacia el este, las estribaciones de los Andes se desdibujan en la meseta patagónica y el bosque da paso a la estepa. Aquí habitan guanacos, zorros grises y zorrinos patagónicos y maras. Entre las aves se destaca la gran corredora de la zona, el ñandú petiso (choique).

Los principales ejemplares de su flora son árboles del género Nothofagus como la lenga, el ñire, el coihue de Magallanes o guindo; además, hay un representate de las coníferas, el ciprés de las guaitecas (Pilgerodendron uviferum). Es importante la presencia de un arbusto de sabrosos frutos llamado calafate, el sector oriental del Parque corresponde a la estepa en la cual predominan especies arbustivas como el calafate, el neneo, llareta, senecio, paramela, mata negra, y gramíneas como especies de coirones entre otras.

Clima

Los cerros Fitz Roy/Chaltén y Torre en medio de los campos de hielo.
Frío, ventoso en primavera, menos viento en otoño. Lluvioso de marzo a mayo. Frío nival en invierno (desde junio a septiembre) y, en la zona de glaciares y montañas, frío nival durante todo el año.

Aspectos culturales
Durante los últimos 3000 años la región del Lago Argentino estuvo ocupada por grupos cazadores-recolectores con una alta movilidad para el aprovechamiento de espacios situados tanto en la estepa como en el bosque en alturas variables desde 200 a 1100 msnm. La economía, centralizada en la explotación del guanaco, se basaba en la utilización complementaria de los distintos ambientes existentes en diferentes momentos del año.

Las investigaciones de los sitios arqueológicos han detectado también materiales provenientes del océano Pacífico, lo cual nos estaría indicando el acceso directo a esas zonas o la existencia de redes de intercambio. (Wikipedia)

80º aniversario del Parque Nacional Los Glaciares

El Doodle de Google




Ferdinand Monoyer.jpg

Ferdinand Monoyer (Lyon, Francia, 9 de mayo de 1836-11 de julio de 1912) fue un oftalmólogo francés, conocido por introducir la dioptría en 1872 y por haber inventado la tabla de Monoyer, usada para probar la agudeza visual.

[[Ta la de Monoyer]]. Leyendo hacia arriba en ambos extremos (ignorando la última línea), se puede ver el nombre “Ferdinand Monoyer”.

Biografía
Hijo de un médico militar francés, nació el 9 de mayo de 1836 en Lyon y fue profesor de Física Médica en la Facultad de Medicina de la Universidad de Estrasburgo en 1871.Más tarde fue Director de la Clínica Oftálmica de la Facultad de Medicina de la Universidad de Nancy de 1872 a 1877. También fue Profesor de Medicina Física de la Facultad de Medicina de la Universidad de Lyon de 1877 a 1909.

La revista Annales d’Oculistiques publicaría en 1872 un texto de Monoyer titulado «Sur l’introduction du système métrique dans le numérotage des verres de lunettes et sur le choix d’une unité de réfraction»,el cual sería la primera vez que proponía aplicar el significado “dioptría” a la unidad de potencia de una lente, expresada como la inversa de distancia focal en metros. En 1875, el Congreso de Oftalmología de Bruselas adoptaba la dioptría como unidad internacional de refracción en óptica media, siendo la que sigue siendo utilizada hoy en día.

Tiempo después, para también medir la agudeza visual con la corrección óptica ajustada, Monoyer inventó una tabla de optotipos formada por diez hileras de letras, con dos modelos, una para medir la agudeza visual a tres metros de distancia y otra, a cinco. El paciente debía nombrar la letra que el doctor le marcara, logrando así llegar a los límites del nivel de agudeza visual del paciente. Todo esto llevo a una mayor composicion del espacio tiempo en cuanto a la medicina ocular.

Monoyer murió a la edad de 76 años. Su tumba está situada en los cementerios de la Guillotière en Lyon. El sábado 13 de julio de 1912, una larga procesión de amigos y miembros de la Facultad de Medicina de la Universidad de Lyon acompañaron al profesor Monoyer a su último lugar de descanso; el profesor Hugounenq destacó la carrera de Monoyer como presidente de la Universidad de Lyon, el profesor Asociado Nogier habló en nombre de los estudiantes del difunto maestro y el Dr. Louis Dor hizo un discurso en nombre de la Sociedad Oftalmológica de Lyon.

== Biografía == FELIZ CUMPLANOS 9/05/2017 HOLA SOY ANDRES


[[Ta la de Monoyer]]. Leyendo hacia arriba en ambos extremos (ignorando la última línea), se puede ver el nombre “Ferdinand Monoyer”.
Hijo de un médico militar francés, nació el 9 de mayo de 1836 en Lyon y fue profesor de Física Médica en la Facultad de Medicina de la Universidad de Estrasburgo en 1871. Más tarde fue Director de la Clínica Oftálmica de la Facultad de Medicina de la Universidad de Nancy de 1872 a 1877. También fue Profesor de Medicina Física de la Facultad de Medicina de la Universidad de Lyon de 1877 a 1909.

La revista Annales d’Oculistiques publicaría en 1872 un texto de Monoyer titulado «Sur l’introduction du système métrique dans le numérotage des verres de lunettes et sur le choix d’une unité de réfraction»,el cuál sería la primera vez que proponía aplicar el significado “dioptría” a la unidad de potencia de una lente, expresada como la inversa de distancia focal en metros. En 1875, el Congreso de Oftalmología de Bruselas adoptaba la dioptría como unidad internacional de refracción en óptica media, siendo la que sigue siendo utilizada hoy en día.

Tiempo después, para también medir la agudeza visual con la corrección óptica ajustada, Monoyer inventó una tabla de optotipos formada por diez hileras de letras, con dos modelos, una para medir la agudeza visual a tres metros de distancia y otra, a cinco. El paciente debía nombrar la letra que el doctor le marcara, logrando así llegar a los límites del nivel de agudeza visual del paciente. Todo esto llevo a una mayor composicion del espacio tiempo en cuanto a la medicina ocular.

Monoyer murió a la edad de 76 años. Su tumba está situada en los cementerios de la Guillotière en Lyon. El sábado 13 de julio de 1912, una larga procesión de amigos y miembros de la Facultad de Medicina de la Universidad de Lyon acompañaron al profesor Monoyer a su último lugar de descanso; el profesor Hugounenq destacó la carrera de Monoyer como presidente de la Universidad de Lyon, el profesor Asociado Nogier habló en nombre de los estudiantes del difunto maestro y el Dr. Louis Dor hizo un discurso en nombre de la Sociedad Oftalmológica de Lyon.

Fuente: wikipedia

Bibliografía




Qué dúo!

Y una perlita…

Nature Boy

Domingo 7 de Mayo de 2017 /Domingo 14 de Mayo de 2017.
18.00 hs en la Usina del Arte Agustín Caffarena 1
La Boca
Ciudad de Buenos Aires

Entrada gratuita
Se entregan hasta 2 por persona desde 2 horas antes de la función.

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Abelardo Castillo (Ciudad de Buenos Aires, 27 de marzo de 1935; 2 de mayo de 2017) fue un escritor argentino

Abelardo Castillo nació en Buenos Aires, pero asume como lugar de nacimiento, por decisión, la ciudad costera bonaerense de San Pedro, a donde se traslada con su padre, en 1946, y donde vive hasta los 18 años.

Publica sus primeros cuentos en 1959. Gana un premio en el concurso de la revista Vea y Lea en 1959 (jurado: Borges, Bioy Casares y Manuel Peyrou).

Funda El Grillo de Papel, continuada por El Escarabajo de Oro, una de las revistas literarias de más larga vida (1959-1974), caracterizada por su adhesión al existencialismo, al compromiso sartreano del escritor. Luego, desde 1977 hasta 1986, dirige El Ornitorrinco, siendo incluido3 en 1979 en las «listas negras» de intelectuales prohibidos durante la dictadura.

Su primera obra de teatro, El otro Judas, escrita a los 22 años (1957) y publicada y estrenada en 1961, reitera el problema de la culpa que asume el traidor del Nazareno, tal vez como un secreto instrumento de Dios e, incluso, desde el acto existencial de la responsabilidad de un hombre por todos los hombres. Culpa y castigo que son tema de numerosos cuentos de este narrador; un hilo conductor por los arrabales, las casas, los boliches, los cuarteles, las calles de la ciudad o pequeños pueblos de provincia, donde sus personajes llegan, por lo general, a situaciones límite. No son pocas las veces que parecen concurrir a una cita para dirimir un pleito con su propio destino. La fatalidad de los sucesos hace recordar a Borges, una de sus devociones, de quien toma a veces cierta entonación criolla y distante. En otros cuentos, largos períodos apenas puntuados por la coma, aluden a la violencia, al vértigo de las imágenes, el vivir en tensión de sus criaturas.

Muchos de sus relatos incursionan en el delirio y lo fantástico y, algunos (“La casa de ceniza”, “Las panteras y el templo”) son explícitos o secretos homenajes a Poe, a quien Abelardo Castillo transformó en personaje teatral en Israfel, obra premiada en París por un jurado internacional y que tuviera un largo éxito en Argentina.

Ha obtenido numerosos premios nacionales e internacionales y algunos de sus cuentos, novelas y obras de teatro, han sido traducidos al inglés, francés, italiano, sueco, alemán, eslovaco, esloveno, ruso, polaco, húngaro, griego y macedonio.

1935: Abelardo Castillo nace en Buenos Aires, el 27 de marzo. En 1946 se traslada con su padre a San Pedro, donde el escritor vivirá hasta los dieciocho años.
1953: regresa a Buenos Aires.
1959: su cuento Volvedor gana un concurso de la revista Vea y Lea con un jurado formado por Jorge Luis Borges, Adolfo Bioy Casares y Manuel Peyrou. Junto con Arnoldo Liberman, Humberto Costantini, Oscar Castello y Víctor García Robles funda la revista de literatura El Grillo de Papel, de la que llegarán a aparecer seis números. Allí aparece su cuento «El marica».
1960: el gobierno de Arturo Frondizi prohíbe la publicación de El Grillo de Papel, por su adscripción al pensamiento de izquierda y, singularmente, a la lectura del marxismo desarrollada por Jean-Paul Sartre. Ya en el editorial del Nº 1 de El Grillo… se declaraba: «Creemos que el arte es uno de los instrumentos que el hombre utiliza para transformar la realidad e integrarse a la lucha revolucionaria».
1961: hacia mayo, dirige y funda conjuntamente con Liliana Heker El Escarabajo de Oro. La revista, que aparecerá hasta 1974, apuntó a una fuerte proyección latinoamericana y es considerada una de las más representativas de la generación del 60. Formaron parte de su consejo de colaboradores Julio Cortázar, Carlos Fuentes, Miguel Ángel Asturias, Augusto Roa Bastos, Juan Goytisolo, Félix Grande, Ernesto Sabato, Roberto Fernández Retamar, Beatriz Guido, Dalmiro Sáenz, entre otros. Allí publicaron por primera vez sus textos Liliana Heker, Ricardo Piglia, Sylvia Iparraguirre, Humberto Constantini, Miguel Briante, Jorge Asís, Alejandra Pizarnik, Isidoro Blaisten, Bernardo Jobson y muchos otros. En noviembre, la editorial Goyanarte de Buenos Aires publica el libro de cuentos Las otras puertas. Un jurado integrado por Juan Rulfo, José Bianco, Guillermo Cabrera Infante y José Antonio Portuondo le concede la Mención Única (Premio Publicación) en el Premio Casa de las Américas (Cuba), categoría cuentos por Las otras puertas. La editorial El Grillo de Papel (de Buenos Aires), publica su tragedia El otro Judas. La obra se estrena en el Teatro de Los Independientes, con dirección de Onofre Lovero.
1962: en marzo, Las otras puertas se publica en Cuba en una edición de la Casa de las Américas. Castillo recibe la Faja de honor de la Sociedad Argentina de Escritores (SADE) por Las otras puertas.
1963: su obra de teatro Israfel, en cuatro actos, basada en la vida del poeta Edgar Allan Poe, recibe el Primer Premio Internacional de Autores Dramáticos Latinoamericanos Contemporáneos del Institute International du Theatre, UNESCO, París. El jurado estaba integrado por Eugène Ionesco, Claude-André Puget (Francia) Christopher Fry (Inglaterra), Diego Fabbri (Italia), Heinrich Schnitzler (Austria), Marc Connelly y Rosamond Gilder (Estados Unidos), Arki Kivinaa y Jack Wtikka (Finlandia), Alfonso Sastre (España) y Bohdan Korseniewski (Polonia).
1964: El otro Judas obtiene el Primer Premio en el Festival de Teatro de Nancy. En El Escarabajo de Oro aparece su ensayo Discusión crítica a «La crisis del marxismo». La editorial Losada, dentro de su colección Teatro en el Teatro, publica la obra Israfel.
Abelardo Castillo era poco pero favorablemente conocido como autor dramático, en virtud de haber hecho sus primeras armas desde el escenario propicio de Los Independientes mediante un singular enfoque del mito de Judas Iscariote, contrapersonaje evangélico, que poetas, novelistas y dramaturgos de diversas épocas han coincidido en reivindicar, pincelada de sombra que realza el resplandor de la tragedia del Gólgota. En ’Israfel’, el protagonista, haz de luz y sombra, involucra otro mito que atañe a otra pasión, y a otro calvario y camino de amargura: aquel arrebato del espíritu que florece en la pureza del canto poético, y, consecuente con él, la Vía Crucis del tránsito lastimoso del creador ante los filisteos. Porque el personaje que revive en este drama se llamó Edgar Poe, sobre cuyo genio el alegórico cuervo aún clama su fatídico ’never-more’. (…) El planteo conceptual del drama es en extremo sencillo y transparente, situándolo en la repulsa a la materialidad, desde que -como ha dicho Ramón Gómez de la Serna, precisamente de Poe- vegetar en la plena materialidad es como no vivir, y sólo se vive de verdad gracias al contraste de lo material con lo espiritual. En el simbolismo de Castillo, el poeta maldito se yergue con la conciencia de su genio en ruptura con la incomprensión. Tal la lucha, a veces más allá de la muerte. De ahí el título, ’Israfel’, que sugiere un anuncio de apocalipsis y hace pensar en las terribles trompetas que proclaman la hora del Juicio Final. (…) Me acojo con placer a las bellas tradiciones olvidadas de nuestro teatro, al saludar, en Abelardo Castillo, el advenimiento de un dramaturgo; aparición siempre milagrosa. Palabras mayores.

Edmundo Guibourg, en el prólogo de la primera edición
1965: con dirección de Carlos Giménez, El otro Judas representa a la Argentina en los Festivales Mundiales de Teatro Universitario de Varsovia y Cracovia, y obtiene el Primer Premio y el Gran Premio.
1966: la Editorial Jorge Álvarez, de Buenos Aires, publica Cuentos crueles. Israfel se estrena en el Teatro Argentino de Buenos Aires con dirección de Inda Ledesma y protagonizada por Alfredo Alcón. Luego es presentada en España, Checoslovaquia, México, Perú y Venezuela.
1967: en noviembre, la Editorial Estuario, de Buenos Aires, en una colección dirigida por Juan Carlos Martini, publica la nouvelle La casa de ceniza.
Escribí este largo cuento, o esta nouvelle, en 1956. Tenía 21 años, estaba en el servicio militar y habitaba el mundo gótico de Poe. La casa de Usher y las desniveladas habitaciones del colegio de William Wilson están, notoriamente, en el origen «arquitectónico» de mi casa; mi edad cuando la inventé, y mi incapacidad para la vida castrense, son quizá su explicación psicológica. Nunca, hasta hoy, pensé seriamente publicar esta historia, nunca la sentí como un hecho literario, sino más bien como un homenaje o una despedida. Si ahora me animo a dejarla ir es porque, al releerla, descubrí que me es menos ajena de lo que yo sospechaba: he rastreado en ella una idea análoga a la de El candelabro de plata; he visto, no sin asombro, párrafos idénticos a los que años más tarde imaginé inventar en Israfel.

Abelardo Castillo, en el postfacio que escribió para la primera edición
1968: la editorial Stilcograf, de Buenos Aires, reúne con el título de Tres dramas las obras El otro Judas, A partir de las siete y Sobre las piedras de Jericó.
1969: conoce en el Café Tortoni a Sylvia Iparraguirre, quien se convertirá en su mujer.
1972: con el título de Los mundos reales, la Editorial Universitaria, de Santiago de Chile, publica en agosto una selección de cuentos provenientes de Las otras puertas, Cuentos crueles y Las panteras y el templo, todavía inédito. A través de El Escarabajo de Oro, conoce al escritor Julio Cortázar.
1974: con la publicación del número 48, deja de aparecer El Escarabajo de Oro.
1975: la obra Sobre las piedras de Jericó se estrena en el Teatro Armando Discépolo (Buenos Aires) con dirección de Luis Vives.
1976: Editorial Sudamericana publica el libro de cuentos Las panteras y el templo. Dirige El Ornitorrinco, revista de la que es cofundador, junto a Liliana Heker y Sylvia Iparraguirre. La revista, que se editará hasta 1985, es considerada una de las publicaciones más importantes en el campo de la resistencia cultural a la dictadura militar instaurada el 24 de marzo de este año.
1982: en enero, la editorial Galerna, de Buenos Aires, edita la antología de cuentos El cruce del Aqueronte. En el prólogo, Castillo explica:
El cruce del Aqueronte no es, no quiere ni simula ser, un libro nuevo. Es apenas un nuevo libro: una compilación o mapa personal en el que he reunido narraciones inéditas, textos no incluidos hasta hoy en libro y, sobre todo, cuentos publicados hace años. Le debo esta aclaración al lector atento, suponiendo que esa especie, como tantas otras, no se haya extinguido en la Argentina. O por decirlo así, se la debo a mi lector, suponiendo que el pronombre posesivo no suene aquí algo delirante o descomunal. En todo caso, me la debía a mí mismo: a una cierta ética que no toca sólo a la literatura (…) Quiero, pues, quedar en paz con quien me lea. Libros de cuentos, yo sólo he publicado tres: Las otras puertas, Cuentos crueles y Las panteras y el templo. Estos tres, y los que le sigan, integran un ciclo cuyo título general es Los mundos reales. El cruce del Aqueronte no pertenece a esa obra: es una selección a la que deliberadamente no voy a llamar antología

La obra El señor Brecht en el salón dorado es representada en función única en el Salón Dorado del Teatro Colón de Buenos Aires con música de Alicia Terzián. Luego se reestrena en Teatro Abierto, bajo la dirección de Raúl Serrano.

1984: recibe el Premio Konex – Diploma al Mérito a la primera obra publicada después de 1950.
1985: en abril, la editorial Emecé publica El que tiene sed, su primera novela; la protagoniza, entre otros, Jacobo Fiskler, un transparente homenaje a Jacobo Fijman.
1986: recibe el Primer Premio Municipal de Literatura por su novela El que tiene sed. Con la salida del número 14, deja de publicarse El Ornitorrinco.
1988: en agosto, aparece en Emecé el libro de ensayos Las palabras y los días.
El más antiguo [de estos textos] es anterior a 1960; el más reciente lo estoy redactando ahora. Su origen es casi oral. Fueron pensados, en su mayoría, para ser leídos en un programa de radio que, hacia 1975, compartíamos alegremente con Sylvia Iparraguirre y que tuvo la ambigua fortuna de ser prohibido tres veces en un mismo día, el 24 de marzo de 1976. Se llamaba Otras aguafuertes porteñas y, como es fácil verlo, estaba puesto bajo la advocación de Roberto Arlt. Las palabras y los días sigue estándolo. (…) He notado que en este libro abunda lo demasiado personal, como si no supiera escribir, sobre el tema que sea, más que apelando a la primera persona. Ya es tarde para corregirme. Hablo siempre de mí mismo, decía Unamuno, porque soy el hombre que tengo más a mano.

Abelardo Castillo, en el prólogo del libro
1991: en octubre, Emecé publica Crónica de un iniciado, novela cuya escritura se extendió durante casi treinta años.
Comencé mi primera lectura ingenua en idish, leyendo de atrás para adelante, leyendo, como se debe, la contratapa. Al llegar a la parte que dice: «Las ráfagas de la posmodernidad» confieso que me emocioné. Me trajo recuerdos. Recuerdo ―me dije― la última discusión con Castillo sobre los posmodernistas. Fue hace 25 años. Un cuarto de siglo, me dije con nostalgia y evoqué el Tortoni y los posmodernistas en la madrugada. Recuerdo a algunos: Juan Ramón Jiménez, Alfonsina Storni, Baldomero Fernández Moreno, González Lanuza y, sobre todo, Pedro Miguel Obligado y Francisco López Merino. Pedro Miguel Obligado y su traducción del cuervo de Poe; Francisco López Merino y su poema Ligeia, que escribió en homenaje a Poe. Me decepcionó, pese a la promesa de la contratapa, no encontrarlos en el libro. Salvo esto, como diría Borges, «no sé de un libro más ardido y volcánico, más trabajado por la desolación». Personalmente, creo que Crónica de un iniciado es una de las novelas más importantes que ha dado la literatura argentina. (…) Horacio, en su Epístola a los Pisones, aconseja guardar nueve años el manuscrito antes de publicarlo. Castillo se pasó en 21 años. Estuvo treinta escribiendo esta novela. Supongo que durante esos treinta años hizo otras cosas también. Pero yo recuerdo muchas noches y madrugadas en el Tortoni, viernes que se extendían desde el alba al crepúsculo, cuando Castillo solía tener sed y yo podía beber cosas más interesantes que la estólida agua mineral que bebo ahora, y Costantini, De Lellis, Marechal, Cortázar, Jobson, no estaban muertos, y Castillo nos leía las infinitas y cambiantes versiones de los capítulos de esta novela. (…) El reverendo padre Marcos Pizzariello, en su audición Tres minutos con usted, dijo una vez: «Todo tiene su fruto, todo tiene su precio». Castillo nos ha dejado una novela fundamental, una lección de literatura. Ese es el fruto. Veamos el precio. El pacto con el diablo de Esteban Espósito es el pacto de Castillo con la literatura. El precio es atroz. Justifica el fuego e instaura un lugar donde toda envidia es vana; toda vanidad, efímera; todo resentimiento, inútil; todo odio, insignificante; todo dolor, posible. El precio es la palabra, destrozarse en la palabra. El lema de El Escarabajo de Oro fue una frase de Nietzsche: «Di tu palabra y rómpete». Creo que la palabra ha sido dicha, Crónica de un iniciado ha sido escrita, el pacto está cumplido.

Isidoro Blaisten, texto escrito para la presentación de la novela y reproducido en la revista La Maga el 28 de noviembre de 1991
1992: la editorial Emecé publica en septiembre un nuevo libro de cuentos: Las maquinarias de la noche, cuarto volumen de la serie Los mundos reales. En este libro se encuentra «El tiempo y el río», un cuento dedicado a Florencio Sánchez.
1993: muere su padre, Abelardo Castillo. Recibe el Premio Nacional Esteban Echeverría por el conjunto de su obra. En una coproducción argentino-uruguaya y con guion y dirección de Jorge Rocca, se filma la película Patrón, según su cuento homónimo.
1994: recibe el Premio Konex de Platino, otorgado por la Fundación Konex, al mejor cuentista argentino del quinquenio 1989-1993.
1995: la editorial Emecé reúne su Teatro completo. El 6 de julio se estrena la película Patrón, según su cuento homónimo.
1996: recibe el Premio de Honor de la Provincia de Buenos Aires, compartido con Ernesto Sabato y Marco Denevi.
1997: la Editorial Perfil publica el volumen de ensayos Ser escritor. La Editorial Alfaguara reúne en un volumen sus Cuentos completos.
Abelardo Castillo arrastra desde hace tiempo el estigma de ser algo así como ’el’ escritor de los ’60. La renovación de la literatura argentina que supuso esa generación suele resumirse y trivializarse en pocas palabras (compromiso, por ejemplo). En cambio se da como obvio algo que no lo era en absoluto hasta entonces: a principios de los sesenta empezó a leerse a Borges no en contra de sino en paralelo a autores como Arlt, Marechal o Cortázar. Desde entonces, la literatura argentina pudo integrar con naturalidad dentro de un sistema de lecturas lo que hasta entonces era una dicotomía insalvable. Mientras Cortázar disimulaba a través de sus pirotecnias estilísticas que estaba escribiendo siempre el mismo puñado de cuentos, Borges, en cambio, lo hacía enfáticamente explícito (aun cuando no lo fueran). Una y otra modalidad son, en realidad, anverso y reverso de la misma cosa. Después de Borges y Cortázar, no puede no saberse esta lección, y estos Cuentos completos permiten ver por qué Castillo es el cuentista más poderoso de los sesenta (solo Walsh y Briante, en sus mejores cuentos, están a la altura de los mejores de Castillo, pero uno y otro, por diferentes motivos, dejaron una suma de cuentos menor).

Juan Forn, reseña publicada en Radar Libros n.º 7, suplemento del diario Página/12, en 1997
1999: Seix Barral publica El Evangelio según Van Hutten, su cuarta novela.
2000: en mérito al conjunto de sus obras, es distinguido con el Premio a la Trayectoria otorgado por la Asociación de Libreros Argentinos.
2001: se filma el cortometraje Negro, basado en su cuento Negro Ortega, con guion y dirección de Eduardo Pinto y Oscar Frankel.
2004: vuelve a recibir el Premio Konex – Diploma al Mérito, al mejor cuentista del quinquenio 1994-1998. Seix Barral anuncia para marzo de 2005 la publicación de su quinto libro de cuentos: El espejo que tiembla.
2007: recibe el Premio Casa de las Américas de Narrativa José María Arguedas por El espejo que tiembla.
2011: Recibe el Gran Premio de Honor de la SADE.
2013: La editorial Alfaguara anuncia la publicación de sus Diarios.
2014: la editorial Alfaguara publica, en un volumen, sus Diarios (1954-1991) y anuncia la edición de otro volumen que incluirá los diarios de 1991 en adelante. Recibe el Premio Konex de Brillante como la figura más importante de la última década de las Letras Argentinas.

Fallecimiento
Abelardo Castillo falleció en Buenos Aires el 2 de mayo de 2017 debido a una cirugía de la que no pudo recuperarse, provocándole una infección intestinal, según informaron allegados al escritor. Tenía 82 años de edad.

Novelas
La casa de ceniza (1968)
El que tiene sed (1985), Primer Premio Municipal
Crónica de un iniciado (1991), Segundo Premio Nacional
El evangelio según Van Hutten (1999)
Cuentos
Las otras puertas (1961)
Cuentos crueles (1966)
Las panteras y el templo (1976)
El cruce del Aqueronte (1982)
Las maquinarias de la noche (1992)
Los mundos reales (1997) – Cuentos completos
El espejo que tiembla (2005)
Del mundo que conocimos (2017)
Teatro
El otro Judas (1961) 1.er. Premio Festival de Teatro de Nancy en 1964.
Israfel (1964), 1.er. Premio Internacional de la UNESCO
Tres dramas (incluye El otro Judas, A partir de las 7 y Sobre las piedras de Jericó) (1968)
Teatro Completo (incluye El otro Judas, A partir de las 7, Israfel, Sobre las piedras de Jericó, El señor Brecht en el Salón Dorado, Salomé) (1995)
Ensayos
Discusión crítica a «La “crisis” del marxismo»
Las palabras y los días (1989)
Ser escritor (2005)
Desconsideraciones (2010)
Otros
El oficio de mentir, entrevistas con María Fasce (1997)
Diarios (1954-1991) (2014)

Galardones

Abelardo Castillo.
Mención Especial Premio Casa de las Américas 1961
Premio Internacional de Autores Contemporáneos (UNESCO)
Premio Municipal de Novela
Premio Nacional Esteban Echeverría
Premio Konex – Diploma al Mérito 1984
Premio Konex de Platino 1994
Premio Konex – Diploma al Mérito 2004
Premio Casa de las Américas de Narrativa José María Arguedas 2007
Gran Premio de Honor de la Sociedad Argentina de Escritores 2011
Premio Konex de Brillante 2014

Reportaje
(por María Esther Gilio), fragmento

-¿Qué es la poesía para usted?
-No es un género, no es escribir versos, es una actitud frente al mundo. Cuando uno lee novelas como El gran Meaulnes, de Alain Fournier, está ante un objeto poético. El Adan Buenosayres, de Marechal, está atravesado en todo sentido por la poesía. Los cuadernos azules, de Adán, son la obra de un poeta que escribe en prosa.

-Pensemos un poco en Jorge Luis Borges…
-Yo no creo que Borges sea un gran poeta cuando escribe en verso, gran poeta en el sentido en que lo son Vallejo o Neruda. Siempre hay en su poesía algo de prosista, de hombre que sabe escribir verso, pero que no es poeta. Sin embargo, hay zonas de su prosa que son hondamente poéticas.

-¿Cuándo podemos decir «he aquí un poeta»?
-Yo diría que el poeta lo es por su manera de situarse ante el mundo.

Referencias

  1.  https://www.youtube.com/watch?v=wMGayaZoqKM
  2.  Gigena, Daniel. «Murió el escritor Abelardo Castillo». La Nación. Consultado el 2 de mayo de 2017.
  3.  «Revelan los nombres de intelectuales prohibidos por la dictadura militar». La Nación. 8 de noviembre de 2013. Consultado el 8 de noviembre de 2013.

(Biografía extraída en parte de El cuento argentino 1959-1970, publicado en la colección Capítulo de la editorial Centro Editor de América Latina).



{2 mayo, 2017}   *Bienvenido Mayo!

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Mayo, en Les très riches heures del duque de Berry. /hermanos Limbourg – R.M.N. / R.-G. Ojéda/Très Riches Heures du duc de Berry – mois de mai – Google Art Project.jpg
Ce mois est illustré par la cavalcade traditionnelle du 1er mai : des jeunes gens vont à cheval, précédés de joueurs de trompettes. Ils partent en forêt chercher des rameaux qu’ils porteront sur la tête ou autour du cou. À cette occasion, les dames arborent une longue robe verte, comme c’est ici le cas de trois d’entre elles. Plusieurs personnages portent des feuillages dans leur coiffure. Les constructions de l’arrière-plan ont donné lieu à des interprétations divergentes. Il pourrait s’agir du palais de la Cité à Paris avec le Châtelet à gauche, la Conciergerie et la tour de l’Horloge.

Mayo

Canción de Flor de Mayo

 

Flor de Mayo, como un rayo
de la tarde, se moría…
Yo te quise, Flor de Mayo,
tú lo sabes; ¡pero Dios no lo quería!

Las olas vienen, las olas van,
cantando vienen, cantando irán.

Flor de Mayo ni se viste
ni se alahaja ni atavía;
¡Flor de Mayo está muy triste!
¡Pobrecita, pobrecita vida mía!

Cada estrella que palpita,
desde el cielo le habla asi:
«Ven conmigo Florecita,
brillarás en la extensión igual a mí.»

Flor de Mayo, con desmayo,
le responde: «¡Pronto iré!»

Se nos muere Flor de Mayo,
¡Flor de Mayo, la Elegida, se nos fue!

Las olas vienen, las olas van,
cantando vienen, llorando irán…

«¡No me dejes!», yo le grito;
«¡No te vayas, dueño mío:
el espacio es infinito
y es muy negro y hace frío, mucho frío!»

Sin curarse de mi empeño,
Flor de Mayo se alejó,
y en la noche, como un sueño,
misteriosamente triste se perdió.

Las olas vienen, las olas van,
cantando vienen, ¡ay cómo irán!

Al amparo de mi huerto
una sola flor crecía:
Flor de Mayo, y se me ha muerto…
Yo la quise, ¡pero Dios no lo quería!

Amado Nervo

 

Mes de las Flores

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Mayo mes de la Virgen María

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El 1° de mayo se conmemora en todo el mundo el Día Internacional del Trabajador en homenaje a los llamados Mártires de Chicago…

Socialists in Union Square, N.Y.C..jpgImágenes de celebraciones del Día Internacional de los Trabajadores en varios países del mundo y en distintas épocas entre los siglos XX y XXI.Manifestación peronista durante el 1º de Mayo.jpgManifestación durante el primer gobierno de Perón en alusión al Día Internacional de los Trabajadores.Manifestacio barcelona primer de maig alternatiu 2009.JPGManifestacion alternativa del primero de mayo en barcelona en 2009. CGT, Revolta Global, PCPC, PSUC viu, CO.BAS, Endavant, Maulets, CNT, IAC/Goelro – Trabajo propioВерной дорогой идёте, товарищи!.JPG1st of May in Russia (Severodvinsk) Schekinov Alexey Victorovich – Trabajo propio

Día Internacional de los Trabajadores

Doodle de Google:

Día del Trabajo 2017

En la actualidad, muchos países rememoran el Primero de Mayo como el origen del movimiento obrero moderno. Hay algunos que no lo hacen, siendo en general países de colonización británica, como los Estados Unidos de América y Canadá, que celebran el Labor Day (Día del Trabajo) el primer lunes de septiembre; Nueva Zelanda, el cuarto lunes de octubre. En Australia, cada estado federal decide la fecha de celebración: el primer lunes de octubre en el Territorio de la Capital Australiana, Nueva Gales del Sur y Australia Meridional; el segundo lunes de marzo, en Victoria y Tasmania; el primer lunes de marzo, en Australia Occidental; y el primero de mayo en Queensland y el Territorio del Norte. Debido a que la festividad tiene un carácter oficial en muchos países, actualmente parte de la población continúa participando en las celebraciones y sus reivindicaciones, mientras que otra parte toma el día de descanso para actividades de ocio, etc.



{29 abril, 2017}   Arte con arena



{29 abril, 2017}   Feliz día!!!



{28 abril, 2017}   Marie Harel

Imagen relacionada

Marie Harel
 Inventora de queso camembert
Marie Harel (nacida Marie Catherine Fontaine 28; de abril de, 1761  – 9 de noviembre 1844) fue un fabricante de queso , que, según la leyenda local, inventó el queso camembert , junto con el abad Charles-Jean Bonvoust. [2] Ella trabajó como fabricante de queso en el Manor de Beaumoncel, e hizo Camembert según la costumbre local. Su principal contribución fue haber iniciado una dinastía de fabricantes de queso empresariales que desarrollaron la producción de queso camembert a gran escala, en particular su nieto Cyrille Paynel, nacido en 1817, que crearon una fábrica de queso en la comuna de Le Mesnil-Mauger en Calvados.

El Doodle de Google de 28 de abril, 2017, conmemora Mme. Harel y su invención.

Marie Harel, creadora del queso camembert, homenajeada por Google
Vida personal
Marie Harel nació Marie Catherine Fontaine el 28 de abril, 1761, en Crouttes (Orne), cerca de Vimoutiers en Normandía . El 10 de mayo de 1785, en Camembert, Orne , se casó con Jacques Harel, un obrero en Roiville . Ella murió el 9 de de noviembre de 1844, en Vimoutiers, Orne. 

Invención de Camembert 
Desde finales del siglo 17, un queso de renombre se está produciendo en la región del camembert de Normandía. En su Diccionario Geográfico, publicado en 1708 Thomas Corneille escribió: “Vimonstiers: […] todos los lunes un gran mercado se lleva a cabo, a la que se traen excelentes quesos de Livarot y el Camembert.” Sin embargo, según una leyenda posterior, que apareció a principios del siglo 20, la invención de queso Camembert se atribuyó a Marie Harel que habría contado con el asesoramiento de un sacerdote refractario , Abad Charles-Jean Bonvoust, que estaba oculto en 1796 -97 en el Manor de Beaumoncel en la que trabajaba. Se supone que era natural de Brie, y pasa a Marwith una corteza enmohecida comestible, tal como se produjo en su área nativa. En realidad, Bonvoust vino de Pays de Caux . Esta historia apócrifa, para los que no hay pruebas, se sigue a menudo se acepta como verdadero.

Marie Harel hizo queso camembert según la costumbre local. Ella inició una dinastía de fabricantes de queso empresariales que producen queso camembert a gran escala, en particular, su nieto Cyrille Paynel, nacido en 1817, que creó una fábrica de queso en la comuna de Le Mesnil-Mauger en Calvados.

El éxito de la producción de camembert en la primera mitad del siglo 19 fue en gran parte debido a los descendientes de Harel, que se consideraban los únicos usuarios legítimos de la denominación “Camembert”. Sin embargo, a partir de 1870, otros fabricantes de queso Norman disputadas este monopolio familia.

Una estatua de Marie Harel se puede ver en Vimoutiers. Una leyenda dice que murió en Champosoult , pero en realidad era su hija, también llamada Marie (1781-1855), que murió allí. 

Tipos de quesos

Ref:

  1.  “Marie Harel’s 256th Birthday”. http://www.google.com. Retrieved 28 April 2017.
  2.  Kilpatrick, Ryan (28 April 2017). “Google Doodle Celebrates Inventor of Camembert Marie Harel”. Time. Retrieved28 April 2017.
  3.  Gérard Roger-Gervais, L’Esprit du camembert, Cheminements, 2005, p.53
  4. Sarka-SPIP, Collectif. “CHAMPOSOULT (61) : cimetière – Cimetières de France et d’ailleurs”.

También:

  • Pierre Boisard, Le Camembert, mythe français, Paris, Odile Jacob, 2007.

 

Camembert de Normandie (AOP) 11.jpgFuente: Camembert de Normandie (Protected Designation of Origin)
Coyau / Wikimedia Commons

El Camembert de Normandie (Camembert de Normandía) es un queso francés fabricado en Normandía. Se beneficia de una denominación de origen controlada desde 1983 y es una DOP por el reglamento de la Comisión Europea n.º 1107/96. La zona de producción de esta denominación de origen destaca en el departamento de Calvados, pero incluye otros cuatro: Eure, Mancha, Orne y Sena Marítimo. Es uno de los emblemas de la gastronomía francesa.

Es un queso de origen francés de pasta blanda, untuosa y suave. Se trata de una denominación genérica para este queso, que actualmente se elabora en todo el mundo. Francia no ha solicitado la protección del término genérico «camembert», pero sí de uno en particular, que es el Camembert de Normandie (AOC y DOP).

En origen, el camembert proviene de la región francesa de Normandía, departamento de Orne, específicamente en municipio homónimo. Se llama simplemente camembert al queso de fabricación industrial. Un camembert fermier, en cambio, es un queso fabricado específicamente en Normandía. El camembert au calvados es una especialidad fabricada en Normandía. El camembert de Madame Clément está fabricado en Québec (Canadá).

Historia
El Camembert de Normandía se comenzó a fabricar en 1791 por Marie Harel, siguiendo los consejos de un sacerdote de Brie que durante la Revolución francesa se refugió en su casa. Era una granjera de la ciudad de Camembert, cerca de Vimoutiers en el departamento de Orne. Este queso se popularizó cuando se inauguró la línea ferroviaria París-Granville (1855), Marie Paynel, hija de Marie Harel, entregó a Napoleón III un queso camembert. Al emperador de Francia le gustó e hizo que se lo llevaran con asiduidad al Palacio de las Tullerías.

Desde 1880 se envasa en pequeñas cajas de madera, lo que facilitó su transporte a largas distancias. En 1910 sufrió otro cambio, y es que la corteza, que era azulada, pasó a ser blanca, gracias a la introducción del moho Penicillium candidium.

Elaboración
Es un queso elaborado a partir de leche cruda de vaca que ha pastado en los prados normandos. El proceso de fabricación es muy tradicional ya que debe ser depositado en los moldes con un cucharón, y hace falta un mínimo de cinco cucharones para hacer un camembert. Cada pasada de cucharón debe hacerse cada cuarenta minutos para asegurar un escurrido máximo. No se prensa ni se cuece. Madura durante un periodo de 3 a 5 semanas.

Producción: 13.280 toneladas en 2004 (+23,0% desde 1996). Hoy en día existen 10 talleres de fabricación de camembert AOC, todas ubicadas en la región de Normandía. Las etiquetas deben incluir la denominación «Camembert de Normandie», acompañada por las palabras «Appellation d’Origine» y el logotipo con las iniciales «INAO».Típica caja de madera del camembert de Normandía.
LAGRIC – Trabajo propio
Emballage marque commerciale Isigny Sainte-Mère (camembert de Normandie AOP)

Características

Típica caja de madera del camembert de Normandía.
Es un queso que tiene un 45% de materia grasa. Tiene forma de cilindro pequeño plano, de un tamaño máximo de 12 centímetros y un peso medio de 250 gramos. Es obligatorio comercializarlo en una caja de madera. La corteza es mohosa y de color blanco, no debiendo estar cuarteada ni pegajosa. Tiene una pasta firme y flexible, es cremosa, de color amarillo claro. El aroma es ligeramente afrutado, sin amoníaco, pues un sabor amargo y amoniacal es un camembert pasado. Adquiere un sabor fuerte cuando madura. El buen Camembert, posee un aroma puro y un pronunciado toque a setas, cremoso y complejo, con notas a hierba fresca. Se puede emplear en muchos platos, pero, normalmente, se toma crudo untado por encima de una rebanada de pan ya que su sabor sutil y textura no sobrevive a la acción del calor.

Su período óptimo de degustación se extiende desde abril a agosto tras una maduración de 6 a 8 semanas, pero es igualmente bueno de marzo a noviembre. Sirve para entremeses, sándwiches, tentempiés, meriendas o picnics; ideal sobre pan especialmente si es baguette o galletas; con frutas como la manzana, la pera o nueces; de postre; como queso de mesa o para canapés y volovanes. Marida bien con vino blanco (Bouzy) y con tinto (Bergerac, Pomerol), un burdeos o un Beaujolais frutal. También puede acompañarse con sidra de Pays d’Auge.

Ref:

  • Camembert: A National Myth per Pierre Boisard, ISBN 0-520-22550-3 (afirma que el camembert ha sido uno de los primeros alimentos globalizados)

Enlaces externos




El 26 de abril de 2017 Cassini adentrándose entre los anillos de Saturno donde cumplirá su última misión antes de desintregrarse el 15 de septiembre del mismo año. Es la primera sonda espacial en adentrarse en los anillos del planeta.

Cassini en su maniobra de inserción

Animación del Cassini-Huygens
NASA – Converted from MPEG to animated GIF by User:Traroth with XnView and the Gimp

La sonda Cassini en su paso entre Saturno y sus anillos




Un hermoso festival para la familia,  donde se conmemoraron los 80 años de la Parroquia. Un montón de emociones encontradas, varias generaciones, padres, abuelos, nietos, bisnietos.

Estas son las pequeñas cosas que llenan el espíritu. El compartir en comunidad, con sueños, proyectos, fe y esperanza, donde en esta vida todos tenemos una misión…un camino…

A la Parroquia que me vio crecer…recuerdo de escuela, de grupo juvenil, de catequistas, de guitarreadas y mateadas…mi homenaje! (MC)

Gracias!

Hearts

“VIDA”




Der moderne Buchdruck (La imprenta), cuarta escultura (de seis) que se pudo contemplar en la exposición berlinesa Walk of Ideas con motivo de la Copa Mundial de Fútbol de 2006.
Lienhard Schulz – Trabajo propio

Books

Libros antiguos en la biblioteca de Merton College (Universidad de Oxford, Reino Unido).
Tom Murphy VII – Trabajo propio

 Conmemoración celebrada a nivel mundial con el objetivo de fomentar la industria editorial y la protección de la propiedad intelectual por medio del derecho de autor. Desde 1995 es una celebración internacional promovida por la UNESCO, el 23 de abril de 1996 se inició en varios países y en 2008 la celebración ya había alcanzado más de cien

El día 23 de abril fue elegido como «Día Internacional del Libro», pues supuestamente coincide con el fallecimiento de Miguel de Cervantes, William Shakespeare y el Inca Garcilaso de la Vega en la misma fecha en el año 1616. Realmente Cervantes falleció el 22 y fue enterrado el 23 cuando se consignó la fecha del fallecimiento, mientras que Shakespeare murió el 23 de abril del calendario juliano, que corresponde al 3 de mayo del calendario gregoriano. En esta fecha también fallecieron William Wordsworth (en 1850) y Josep Pla (en 1981).

La Unión Internacional de Editores propuso esta fecha a la UNESCO, con el objetivo de fomentar la cultura y la protección de la propiedad intelectual por medio del derecho de autor. La Conferencia General de la UNESCO la aprobó en París el 15 de noviembre de 1995, por lo que a partir de dicha fecha el 23 de abril es el «Día Internacional del Libro y del Derecho de Autor».

Capital Mundial del Libro

Foro sobre leer en voz alta afuera de la biblioteca del campus del Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey, Campus Ciudad de México.
En 2001 por iniciativa de la UNESCO se nombró a Madrid Capital Mundial del Libro.

Desde entonces cada 23 de abril, un comité de selección, integrado por representantes de la Unión Internacional de Editores (UIE), la Federación Internacional de Libreros (FIL), la Federación Internacional de Asociaciones de Bibliotecarios (IFLA) y la UNESCO,elige a diferentes ciudades del mundo que realizan durante el año actividades culturales relacionadas con los libros. En 2002 ocupó el puesto Alejandría, Nueva Delhi en 2003, Amberes en 2004, Montreal en 2005, Turín en 2006, Bogotá en 2007, Ámsterdam en 2008, Beirut en 2009, Liubliana en 2010, Buenos Aires en 2011, Ereván en 2012, Bangkok en 2013, Port Harcourt en 2014, Incheon en 2015, Wroclaw en 2016, Conakry en 2017 y Atenas en 2018

 

El libro antiguo

El libro comprendido como una unidad de hojas impresas que se encuentran encuadernadas en determinado material que forman un volumen ordenado, puede dividir su producción en dos grandes períodos: desde la invención de la imprenta de tipos móviles hasta 1801, y el periodo de producción industrializada.

Así libro antiguo es aquél libro que fue producido en el período manual de la imprenta, es decir que fue impreso con tipos móviles metálicos, estos libros fueron publicados desde la creación de la imprenta en el siglo XV hasta el siglo XIX.

La aparición de la imprenta de tipos móviles en 1440, revolucionó el proceso de producción del libro, aunque algunos procesos de la fabricación se mantuvieron igual que en la época de los scriptoria, la imprenta hizo relativamente más sencilla la producción de libros.

La coexistencia del desarrollo de la imprenta con el comienzo del movimiento humanista y la reforma luterana impulsaron el crecimiento de la industria del libro, puesto que vieron en él un medio de difusión masivo. Pero también existían otras circunstancias que ayudaron a la propagación del libro impreso, el auge de las universidades desarrolló un mercado más amplio para los libros entre las élites intelectuales laicas y religiosas. En medio siglo, la segunda mitad del siglo XV, el libro impreso se convirtió en un importante negocio internacional, los libreros e impresores fueron ante todo empresarios. Pero el libro también debe su expansión a la atención que algunos monarcas y religiosos pusieron en la imprenta, en 1468 el papa Paulo II ordenó imprimir las epístolas de san Jerónimo, por su parte el rey de Francia Carlos VII mandó a Nicolas Jenson a Alemania para aprender la técnica de impresión, con el tiempo los más importantes soberanos en Europa protegieron el desarrollo de la imprenta.

La superioridad de la imprenta sobre la xilografía fue incuestionable, la escritura era regular, impresión a ambas caras, rapidez de impresión y la posibilidad de volver a utilizar los caracteres para imprimir otros textos.

Se puede establecer una cronología del libro antiguo dividida en siglos, tomando como base ciertas características comunes en un siglo determinado:

Incunables siglo XV
Renacentistas siglo XVI
Barroco siglo XVII
Neoclásico siglo XVIII
Ilustrado siglo XIX

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Trompe l’oeil che rappresenta le ante di una libreria appartenuta a Padre Giambattista Martini (sinistra cm. 165,5×78; destra cm. 165,5×75,5). Museo internazionale e biblioteca della musica di Bologna.

 

Desde los orígenes, la humanidad ha tenido que hacer frente a una cuestión fundamental: la forma de preservar y transmitir su cultura, es decir, sus creencias y conocimientos, tanto en el espacio como en el tiempo.

El planteamiento de esta cuestión supone: por un lado, determinar la forma de garantizar la integridad intelectual del contenido de la obra y la conservación del soporte en el que fue plasmada, y por otro, encontrar el medio por el cual se mantendrá inalterada la intención o finalidad para la cual se concibió.

Los orígenes de la historia del libro se remontan a las primeras manifestaciones pictóricas de nuestros antepasados, la pintura rupestre del hombre del paleolítico. Con un simbolismo, posiblemente cargado de significados mágicos, estas pinturas muestran animales, cacerías y otras escenas cotidianas del entorno natural del hombre antiguo, que trataba de dominar las fuerzas adversas de la naturaleza capturando su esencia mediante su representación. Son el más antiguo precedente de los primeros documentos impresos de que se tiene memoria.

Libros.
User:David Monniaux, flickr user 007 Tanuki, User:Jorge Ryan, and User:ZX95 – File:Uncut book p1190369.jpg , File:Used books 001.jpg , and File:Austria – Admont Abbey Library – 1407.jpg

Comunicación oral y formas rudimentarias
Las señales gestuales fueron la primera forma de expresar y transmitir mensajes. La palabra hablada es la manera más antigua de contar historias. Mediante fórmulas de valor mnemotécnico2 se estructuraban narraciones, que pasaban de generación en generación como valiosa herencia cultural de los más diversos grupos humanos. Dichas reglas mnemotécnicas ayudaban tanto a la memorización como a la difusión de los relatos. Es el caso de los poemas homéricos, que han merecido valiosos estudios sobre el particular. Posiblemente, gran parte de las tradiciones y leyendas han tenido semejante inicio. Esta transmisión oral tenía el inconveniente de los «ruidos» que deformaban el mensaje. La mayoría de las veces era el narrador (rapsoda, aeda, juglar) quien en función de sus intereses la deformaba de una u otra forma.

La escritura
Cuando los sistemas de escritura fueron inventados en las antiguas civilizaciones, el hombre utilizó diversos soportes de escritura: tablillas de arcilla, ostracon, placas de hueso o marfil, tablas de madera, papiros, tablillas enceradas, planchas de plomo, pieles curtidas, etc.

La escritura fue el resultado de un proceso lento de evolución con diversos pasos: imágenes que reproducían objetos cotidianos (pictografía); representación mediante símbolos (ideografía); y la reproducción de sílabas y letras.

Los más antiguos vestigios de escritura se encuentran, hacia finales del IV milenio a. C., en el Antiguo Egipto, con jeroglíficos, y la antigua Mesopotamia, mediante signos cuneiformes (escritura cuneiforme; utilizaban una varilla con sección triangular, que al hendir en placas de arcilla, dejaba una marca en forma de cuña). La usaron los sumerios, acadios, asirios, hititas, persas, babilonios etc. La escritura egipcia, que perduró más de tres milenios, mediante jeroglíficos, representaba ideas abstractas, objetos, palabras, sílabas, letras y números. Evolucionó en las escrituras hierática y demótica. Otros pueblos, como los hititas y los aztecas también tuvieron tipos propios de escritura.

La producción de libros en Europa crecía desde 500 hasta 1800 por el factor de más de 70 000.11 El evento clave era la invención de la imprenta por Gutenberg en el siglo XV.
Tentotwo – Trabajo propio Data from: Buringh, Eltjo; van Zanden, Jan Luiten: “Charting the “Rise of the West”: Manuscripts and Printed Books in Europe, A Long-Term Perspective from the Sixth through Eighteenth Centuries”, The Journal of Economic History, Vol. 69, No. 2 (2009), pp. 409–445 (416–417, tables 1&2)

El auge del libro

La producción de libros en Europa crecía desde 500 hasta 1800 por el factor de más de 70 000.11 El evento clave era la invención de la imprenta por Gutenberg en el siglo XV.
No es sino hasta mediados del siglo XVIII, una vez que el libro ha superado las dificultades tecnológicas que le impedían convertirse en una mercancía, que este inicia su rápido ascenso dentro del gusto de las minorías ilustradas de la sociedad.

La invención de la imprenta y el desarrollo del papel, así como la aparición de centros de divulgación de las ideas, permitieron la aparición del escritor profesional que depende de editores y libreros principalmente y ya no del subsidio público o del mecenazgo de los nobles o de los hombres acaudalados.

Además, surge una innovación comercial que convierte al libro en una mercancía de fácil acceso a los plebeyos y los pobres, que consiste en las librerías ambulantes, donde el librero cobra una cantidad mensual para prestar libros, que al ser devueltos le permiten al lector-usuario recibir otro a cambio.

El mismo libro, se convierte en un avance que da distinción a los lectores como progresistas en un siglo en que el progreso es una meta social ampliamente deseada y a la que pueden acceder por igual nobles y plebeyos, creando una meritocracia de nuevo cuño.

A pesar de lo anterior, la minoría que cultiva el gusto por el libro se encuentra entre los nobles y las clases altas y cultivadas de los plebeyos, pues sólo estos grupos sociales saben leer y escribir, lo que representa el factor cultural adicional para el inevitable auge del libro.

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La censura de libros
Otro importante factor que fomentó el aprecio por los libros fue la Censura, que si bien solía ejercerse también en periodos anteriores a los siglos XVII y XVIII, es precisamente en esta época cuando adquiere mayor relevancia, puesto que los libros se producen por millares, multiplicando en esa proporción la posibilidad de difundir ideas que el Estado y la Iglesia no desean que se divulguen.

En 1757 se publicó en París un decreto que condenaba a muerte a los editores, impresores y a los autores de libros no autorizados que se editarán, a pesar de carecer de dicha autorización. La draconiana medida fue complementada con un decreto que prohibía a cualquiera que no estuviera autorizado a publicar libros de tema religioso. En 1774, otro decreto obligaba a los editores a obtener autorizaciones antes y después de publicar cada libro y en 1787, se ordenó vigilar incluso los lugares libres de censura.

Estas medidas lo único que lograron fue aumentar el precio de los libros y obligar a los libreros ambulantes a no incluirlos en su catálogo, con lo cual incrementaron el negocio de los libros prohibidos, que de esta manera tenían un mayor precio y despertaban un mayor interés entre la clase alta que podía pagar el sobrevalor, con lo cual se fomentaron en el exterior, en Londres, Ámsterdam, Ginebra y en toda Alemania, las imprentas que publicaban libros en francés. Así fueron editados hasta la saciedad Voltaire, Rousseau, Holbach, Morell y muchos más, cuyos libros eran transportados en buques que anclaban en El Havre, Boulogne y Burdeos, desde donde los propios nobles los transportaban en sus coches para revenderlos en París.

En tanto la censura se volvió inefectiva e incluso los censores utilizaron dicha censura como medio para promover a astutos escritores y editores. Así, por ejemplo, cuando el todopoderoso ministro Guillaume-Chrétien de Lamoignon de Malesherbes revocó la autorización para publicar L’Encyclopédie, fue él mismo quien protegió a la obra cumbre de la Ilustración para después distribuirla de manera más libre, lo mismo hizo para proteger Emile y La nouvelle Éloise.

Confección de un libro
Normalmente, un libro es impreso en grandes hojas de papel, donde se alojan 8 páginas a cada lado. Cada una de estas grandes hojas es doblada hasta convertirla en una signatura de 16 páginas. Las signaturas se ordenan y se cosen por el lomo. Luego este lomo es redondeado y se le pega una malla de tela para asegurar las partes. Finalmente las páginas son alisadas por tres lados con una guillotina y el lomo pegado a una tapa de cartón. Toda esta tarea se realiza en serie, inclusive la encuadernación.

En el caso de que las hojas no sean alisadas mediante un proceso de corte, se habla de un libro intonso.

Las imprentas más modernas pueden imprimir 16, 32 y hasta 64 páginas por cara de grandes hojas, luego, como se mencionara más arriba, se las corta y se las dobla. Muchas veces el texto de la obra no alcanza a cubrir las últimas páginas, lo que provoca que algunos libros tengan páginas vacías al final del mismo, aunque muchas veces son cubiertas con propaganda de la editorial sobre textos del mismo autor o inclusive otros de su plantilla.

Los importantes avances en desarrollo de software y las tecnologías de impresión digital han permitido la aplicación de la producción bajo demanda (en inglés el acrónimo P.O.D.) al mundo del libro. Esto está permitiendo eliminar el concepto de “Libro Agotado” al poder reimprimirse títulos desde un sólo ejemplar, y se está fomentando la edición de libros en tiradas muy cortas que antes no eran rentables por los medios tradicionales.

Cómo aplicación más innovadora, las librerías electrónicas más reconocidas están además ofertando a todo el mundo libros que no son fabricados hasta que son vendidos. Esto es posible sólo por estar dados de alta en los sistemas de producción de compañías internacionales como Lightning Source, Publidisa, Booksurge, Anthony Rowe, etc.

El libro electrónico

A finales de 1971 comenzó a desarrollarse lo que hoy denominamos libro digital o electrónico. Michael Hart fue el impulsor del Proyecto Gutenberg, que consistía en la creación de una biblioteca digital totalmente gratis, donde podíamos encontrar obras de autores como Shakespeare, Poe y Dante entre otros, todas ellas obras de dominio público. En 1981 se produce un importante avance, ya que sale a la venta el primer libro electrónico: Random House’s Electronic Dictionary. Sin embargo, fue en marzo de 2001 cuando el libro digital (también conocido como eBook) experimentó su máxima expansión gracias al novelista Stephen King, quien lanzó al mercado a través de la red su novela Riding the Bullet. La obra, en apenas 48 horas, vendió 400 000 copias, al precio de dos dólares y medio la copia.El mes siguiente Vladímir Putin también sacó a través de Internet sus memorias.

Desde este momento comenzaron a aparecer varias editoriales electrónicas y muchas tiendas virtuales empezaron a incorporar libros electrónicos en sus catálogos.

El libro como indicador de celebridad
En el año 2000 se recogían los siguientes datos: “Si la celebridad de un individuo consiste en que se escriba un libro sobre él, […] Jesucristo es aún el personaje que goza de más fama en el mundo actual”, dice el periódico británico The Guardian. Una investigación que tomó como base los libros de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, con sede en Washington, D.C., reveló la existencia de 17 239 obras acerca de Jesús, casi el doble que de William Shakespeare, quien alcanza el segundo lugar, con 9801. Vladimir Lenin resulta el tercero, con 4492, seguido de Abraham Lincoln, con 4378, y de Napoleón I, con 4007. El séptimo puesto, con 3595, lo ocupa María, la madre de Jesús, quien es la única mujer entre los treinta principales. La siguiente es Juana de Arco, con 545. Encabeza la nómina de compositores Richard Wagner, tras quien vienen Mozart, Beethoven y Bach. Picasso es el número uno de los pintores, seguido de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. Da Vinci, sin embargo, se lleva la palma en la lista de científicos e inventores, superando a Charles Darwin, Albert Einstein y Galileo Galilei. “No figura ningún personaje vivo en los treinta primeros lugares”, agrega el rotativo.

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Partes del libro

Sobrecubierta: No todos los libros la tienen, pero es relativamente frecuente.
Cubierta: se llama también “pasta” es consistente. Constituye el aspecto externo del libro y se extienden por la cubierta, lomo y la contracubierta.
Lomo: es donde se imprimen los datos de título, número o tomo de una colección, el autor, logotipo de la editorial, etc.
Guardas: hojas que unen las tapas con el resto del libro.
Anteportada o portadilla: va antes de la portada y se pone el título.
Contraportada: Página par posterior a la portadilla, generalmente blanca.
Portada: se indican los datos del libro.
Página de derechos de propiedad o de créditos: Reverso de la portada. Es la página de propiedad literaria o copyright, editor, fechas de las ediciones del libro, reimpresiones, depósito legal, título en original si es una traducción, créditos de diseño, etc.
Hojas de cortesía o de respeto: folios en blanco que se colocan al principio y al final del libro.
Cuerpo de la obra: conjunto de hojas que constituyen el texto del libro.
Página: Cada una de las hojas con anverso y reverso numerados.
Cita
Dedicatoria (Texto con el cual el autor dedica la obra, se suele colocar en el anverso de la hoja que sigue a la portada. No confundir con dedicatoria autógrafa del autor que es cuando el autor, de su puño y letra, dedica la obra a una persona concreta.)
Paratexto
Epígrafe
Prólogo o introducción: Es el texto previo al cuerpo literario de la obra.
Índice: es una lista ordenada que muestra los capítulos, artículos materias u otros elementos del libro, etc.
Prefacio = Avant-propos
Preámbulo
Presentación
Capítulo
Bibliografía
Colofón
Epílogo
Biografía: En algunos libros se suele agregar una página con la biografía del autor o ilustrador de la obra.

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Tipos de libros

De acuerdo con el contenido los libros se pueden clasificar en:

Científicos
Literatura y lingüísticos
De viaje
Biografías
Libro de texto
Libros de gran formato (Coffee Table Book)
De referencia o consulta
Monografías
Recreativos
Poéticos
En las bibliotecas se suele utilizar el Sistema Dewey de clasificación por materias.

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Bibliografía

  • Barbier, Frédéric (2005). Historia del libro. Madrid: Alianza Editorial. ISBN 84-206-7755-8.
  • Buringh, Eltjo; van Zanden, Jan Luiten (2009). «Charting the “Rise of the West”: Manuscripts and Printed Books in Europe, A Long-Term Perspective from the Sixth through Eighteenth Centuries». The Journal of Economic History. Vol. 69, No. 2.
  • Castillo, Antonio (2005). Historia mínima del libro y la lectura. Madrid: Siete Mares. ISBN 84-933012-5-6.
  • Chivelet Villarruel, Mercedes (2003). Historia del libro. Boadilla del Monte: Acento Editorial. ISBN 84-483-0738-0.
  • Dahl, Svend (1999). Historia del libro. Madrid: Alianza Editorial. ISBN 84-206-6728-5. Parece corresponder a una reimpresión de Dahl, Svend (1997). Historia del libro. Barcelona: Ediciones Altaya. ISBN 84-487-0908-X.
  • Díaz-Plaja, Aurora (2005). Pequeña historia del libro. Barcelona: Editorial Mediterrània. ISBN 84-8334-642-7.
  • Escolar Sobrino, Hipólito (1994). De los incunables al siglo XVIII: historia ilustrada del libro español. Madrid: Fundación Germán Sánchez Ruipérez. ISBN 84-86168-91-0.
  • —; Carrión Gútiez, Manuel (1996). Los manuscritos : historia ilustrada del libro español. Madrid: Fundación Germán Sánchez Ruipérez. ISBN 84-86168-77-5.
  • — (2004). Manual de historia del libro. Madrid: Gredos. ISBN 84-249-2263-8.
  • IliN, Martín. Historia del Libro. México: Ediciones Quinto sol. ISBN 9789505165063.
  • Martín Abad, Julián (2004). Los libros impresos antiguos. Valladolid: Universidad de Valladolid. ISBN 84-8448-279-0.
  • Martínez de Sousa, José (1999). Pequeña historia del libro. Gijón: Trea Ediciones. ISBN 84-95178-50-8.
  • — (2005). Manual de edición y autoedición. Madrid: Ediciones Pirámide. ISBN 84-368-1931-4.
  • Millares Carlo, Agustín (1993). Introducción a la historia del libro y de las bibliotecas. Madrid: Fondo de Cultura Económica. ISBN 84-375-0371-X.
  • Pedraza Gracia, José Manuel; Clemente, Yolanda; de los Reyes, Fermín (2003). El libro antiguo. Madrid: Síntesis.ISBN 978-8497561532.
  • Thiollet, Jean-Pierre (2005). Je m’appelle Byblos. París: H & D. ISBN 2 914 266 04 9.

Foro sobre leer en voz alta afuera de la biblioteca del campus del Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey, Campus Ciudad de México.
Talento Tec – Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey, Campus Ciudad de México

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{22 abril, 2017}   Usina del Arte

La Usina del Arte es un centro cultural y sala de espectáculos que ocupa el edificio de la vieja Usina Don Pedro de Mendoza en el barrio de La Boca, Buenos Aires.

Inauguración Usina de las Artes.jpgThe Arts Powerhouse (Usina de las Artes), inaugurated on May 23, 2012, in a former Italian-Argentine Electric Company (CIAE) facility originally built in 1916 in La Boca, Buenos Aires.
Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires – Flickr: Inauguración Usina de las Artes

 

Historia

El edificio fue diseñado por el arquitecto Juan Chiogna para alojar una super-usina de la Compañía Ítalo-Argentina de Electricidad (CIAE), y construido por Martignone e Hijos entre 1912 y 1916, cuando fue inaugurado. Entre 1919 y 1921, el complejo fue ampliado con nuevas instalaciones para abastecer a la demanda creciente de Buenos Aires. Durante los siguientes 80 años funcionó proveyendo de electricidad de la ciudad, pasando a manos de SEGBA cuando el servicio fue estatizado. Con la privatización de los servicios públicos durante el menemismo (década de 1990), la usina quedó definitivamente abandonada y comenzó su ruina.

Luego de una década de abandono, entre agosto y septiembre del año 2000, el Gobierno Nacional (Presidente Fernando de la Rúa) y el de la ciudad (Jefe de Gobierno Aníbal Ibarra) decidieron emprender como tarea conjunta la recuperación del edificio para ubicar allí al Auditorio de la Ciudad de Buenos Aires, sede definitiva de las orquestas Sinfónica Nacional y Filarmónica de Buenos Aires. El Gobierno de la Nación aportaría el bien y el de la Ciudad confeccionaría el proyecto y financiaría el emprendimiento.

El bien estaba en manos de la ONABE, quien exigió demostrar que el edificio era apto para el fin estipulado con antelación a la cesión del mismo. Se conformó entonces un equipo profesional dirigido por el Arq. Álvaro Arrese e integrado por los arqs. Rodolfo Gassó, Juan Meoz y Sergio Richonnier, con el asesoramiento acústico del ing. Rafael Sánchez Quintana y estructural del Ing. José Norberto Galay, que realizó el anteproyecto presentado a la ONABE, resultando aprobado el uso de Auditorio para el bien pocos días antes de la crisis de 2001.
Vista desde la Autopista Balbín.
El Gobierno de la Ciudad dio comienzo a los trabajos, cuya iniciación tenía un plazo perentorio de dos años, comenzando la restauración del edificio anexo, ocupado hoy por el Museo del Cine, y encarando la mensura del edificio principal y sus sótanos inundados y el desarrollo del proyecto definitivo para el llamado a licitación. Se contó a este fin con financiación del BID para contratar los asesores necesarios para el desarrollo del proyecto definitivo, sumando al grupo básico encargado de las tareas a los ingenieros Julio Blazco Diez en acondicionamiento, Alfredo Otheguy en instalaciones eléctricas y Gustavo Basso en acústica, además de otros especialistas.

Jorge Telerman da comienzo a los trabajos en julio de 2007, junto con la ministra de Cultura, Silvia Fajre. El proyecto incluía una gran nave en la que funcionarán dos salas o auditorios (uno para 1700 espectadores y otro para 500). Los mismos se desarrollaron con fuerte impulso, aprobándose la documentación ejecutiva elaborada por la empresa Caputo.

A los cinco meses de asumir la jefatura de gobierno Mauricio Macri, cambió el nombre del proyecto a “Usina de las Ideas” e inauguró una primera etapa en julio de 2011, para que sea sede de las IV Jornadas de Humanización del Espacio Público.

A fines de mayo de 2012, fue anunciado un nuevo cambio de nombre para el centro cultural, pasando a llamarse “Usina del Arte”, y se hizo pública la inauguración de la sala principal del complejo el día 23 de ese mes. El jefe de gobierno encabezó el acto al cual concurrieron los ex jefes de gobierno Fernando de la Rua y Jorge Telerman, además de artistas como Marta Minujín, y el complejo abrió al público con un homenaje a Astor Piazzolla, aunque solo se podía acceder para eventos puntuales, en horarios restringidos.

En junio de 2013, fue habilitada al público la Sala de Cámara de la Usina del Arte, con un ciclo de conciertos.Fachadas restauradas.
Laura Valerga – Trabajo propio

Vista desde la Autopista Balbín.
Gelpgim22 (Sergio Panei Pitrau) – Trabajo propio
Usina de la Música en La Boca, ciudad de Buenos Aires. Vista desde la Autopista Buenos Aires – La Plata.

Arquitectura:

La Usina “Don Pedro de Mendoza” fue diseñada como parte de un plan de edificios para la Ítalo-Argentina de Electricidad, por el arquitecto italiano Juan Chiogna. Para todas estas usinas, el arquitecto utilizó el estilo neorrenacentista florentino que remitía al norte de Italia, de donde él era oriundo. Esto generó una serie de edificios similares ubicados en puntos muy distantes de Buenos Aires y sus alrededores, que comparten la misma estética de ladrillo a la vista, ventanas en arco de medio punto y torrecitas medievales.

El edificio se destaca por la torre con reloj que está sobre la Avenida Pedro de Mendoza y se puede ver a la distancia, especialmente desde el viaducto de la Autopista Balbín que lleva a la ciudad de La Plata. Los interiores son grandes salas para los generadores eléctricos, con techos de cerchas de hierro y cubierta de chapa de zinc.

La primera etapa del edificio, fue inaugurada en julio de 2011, la segunda etapa inaugurada en mayo de 2012, comprende una sala principal llamada “Sinfónica” para concierto filarmónicos, con una capacidad de 1200 espectadores, que tendrá un escenario móvil y tres pisos de palcos, pullman y bandejas laterales; dentro del edificio principal de la usina, y el Salón Dorado, para exposición para obras de arte. La tercera etapa, es una sala de ensayo para 250 artistas en la planta baja, ocupando la misma superficie del escenario de la sala principal, y una “Sala de Cámara”, para 400 espectadores. La sala tiene 2 pisos de palcos laterales más un nivel de platea y en ella pueden presentarse orquestas de música de cámara.Por otro lado, se prevé que habrá un anexo con dos pequeñas salas de ensayo, una biblioteca y un bar para los músicos. Debajo del foyer se ubicarán 12 camarines para los músicos. Además habrá una sala de televisión y grabación y un salón de 59 metros por 18 con una altura libre máxima de 20 metros que conforma un espacio flexible para la realización de múltiples eventos.

Fuente:Wikipedia

 

Foyer en la noche inaugural.
Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires – Flickr: Inauguración Usina de las Artes
Interior view of the Arts Powerhouse (Usina de las Artes), located in La Boca, Buenos Aires.


Sala sinfónica en la noche inaugural.
Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires – Flickr: Inauguración Usina de las Artes
Auditorium in the Arts Powerhouse (Usina de las Artes), located in La Boca, Buenos Aires.

Espectáculos realizados

 

Ref:

  1.  Buenos Aires tendrá su propio auditorio lanacion.com, 21 Nov 2007
  2. La “Usina de las Ideas”, camino a ser una realidad clarin.com, 14/07/2011
  3.  USINA DE IDEAS, NUEVO CENTRO CULTURAL Buenos Aires SOS, 14/07/2011
  4.  Una nueva sala sinfónica, en la vieja usina de La Boca clarin.com, 21/05/2012
  5.  Un faro que intenta iluminar el futuro lanacion.com, 20 de mayo de 2012
  6. La Usina del Arte, un espacio cultural de todos buenosaires.gov.ar, 2012-05-24
  7.  Infraestructura cultural de seis años de actuación. Dirección General de Infraestructura, Ministerio de Cultura y Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires
  8. Gestión Cultural, Sandra Diaz compiladora, Gobierno de Buenos Aires Ministerio de Cultura.
  9. Usina de la Musia, Memoria descriptiva, Compendio de la Construcción, Buenos Aires,2010
  10.  Usina de la Música, Memoria Acústica, Álvaro Arrese, Gustavo Basso, Revista Vivienda 2008.
  11. Preludio para la Usina de La Música, Clarín Diario de Arquitectura, Buenos Aires, 14 de febrero de 2006 pags. 1, 12 a 15
  12. http://infobaires24.com.ar/gobierno-la-ciudad-cobra-sobreprecios-lo-publica-pagina/
  13.  http://www.argnoticias.com/politica/El-Gobierno-de-la-Ciudad-publico-por-error-como-cobra-sobreprecios-20160717-0024.html
  14.  Macri inauguró la primera etapa de la obra Usina de Ideas buenosaires.gov.ar, 13 de julio de 2011

Enlaces externos



{22 abril, 2017}   Día de la Tierra 2017

 

Día de la Tierra 

Earth Day / ONU

El Doodle de Google le rinde homenaje

Día de la Tierra 2017

Earth flag PD.jpg

Earth flag PD.jpg

La Bandera de la Tierra no es una bandera oficial, ya que no hay ningún ente gobernante oficial de la Tierra. La bandera tiene una transferencia fotográfica de una imagen de la NASA, sobre un fondo azul oscuro. Se ha asociado con el Día de la Tierra. Pese a que la bandera originalmente estaba sujeta a derechos de autor, un juez sentenció que el derecho de autoría era inválido.
John McConnell – from : Earth flag created solely from public domain sources and released into the public domain by Derrick Coetzee.



{21 abril, 2017}   Prince a un año de su muerte.

Cantante y multinstrumentista, tocaba treinta instrumentos.

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The american artist Prince.
Nicolas Genin from Paris, France – Prince, People au Défilé Channel, Printemps-Eté 2010

Prince en el Festival de Coachela en 2007.
penner – http://flickr.com/photos/penner/2450784866
Prince playing at Coachella 2008.

Prince Rogers Nelson

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Descubren 40 genes nuevos relacionados con la inteligencia humanaFuente: pixabay.com/RT

El estudio confirma el factor clave de la herencia en el coeficiente intelectual.

Origen: Descubren 40 genes nuevos relacionados con la inteligencia humana




FOTO: Descubren una luna que orbita el tercer planeta enano más grande del sistema solar

Fuente: imagen ilustrativa NASA/RT

Un estudio revela que el gran planeta enano 2007 OR10 cuenta con una luna de hasta 400 kilómetros en diametro.

Origen: FOTO: Descubren una luna que orbita el tercer planeta enano más grande del sistema solar




Un policía de la Fuerza Nacional de Seguridad Pública de Brasil patrulla las calles cerca de la favela de Chapadão durante una ofensiva anticriminal en Rio de Janeiro.

Fuente:Ricardo Moraes Reuters/RT

Un niño afgano bajo una cascada turbia en las afueras de Jalalabad, Afganistán.Parwiz Parwiz Reuters /RT

Si ya está cansado de las noticias sobre acontecimientos políticos, en esta galería le recordamos que cada semana en distintos rincones del planeta siempre hay lugar para momentos curiosos, conmovedores e inusuales de la vida cotidiana. Repase cómo ha vivido el mundo los últimos siete días.

Origen: Viaja alrededor del mundo con estas 10 fascinantes imágenes de los últimos 7 días

La preparación de auxiliares de vuelo en una escuela de formación profesional en Shijiazhuang, China. Reuters

Un canguro observa a un jugador de golf en el club de golf Gold Creek en Canberra, Australia. Reuters /RT




¿Qué es lo que intenta colarse en la 'bóveda del fin del mundo' desde hace varios años?

La Bóveda Global de Semillas de Svalbard, en la isla de Spitsbergen, Noruega. Fuente: Christopher Michel / CC BY 2.0 /RT

El depósito en el archipiélago noruego de Svalbard ha vivido ciertas ‘intrusiones’ desde hace varios años. Los creadores del proyecto aún no son capaces de evitarlas.

Origen: ¿Qué es lo que intenta colarse en la ‘bóveda del fin del mundo’ desde hace varios años?




Comprendiendo al creador: Descubren uno de los mecanismos esenciales para la formación de la vidaFuente: Imagen ilustrativa.Hannibal Hanschke / Reuters/RT

Los científicos ahora esperan profundizar en los métodos de transferencia de información a nivel molecular, responsables de iniciar los procesos genéticos, la reproducción y la evolución.

Origen: Comprendiendo al creador: Descubren uno de los mecanismos esenciales para la formación de la vida



{21 mayo, 2017}   Teleonomía

La teleonomía es un término ideado por Jacques Monod que se refiere a la calidad de aparente propósito y de orientación a objetivos de las estructuras y funciones de los organismos vivos, la cual deriva de su historia y de su adaptación evolutiva para el éxito reproductivo.

El término fue acuñado por Monod por contraposición al de teleología (aplicable a finalidades que son planeadas por un agente que pueda internamente modelar o imaginar varios futuros alternativos, proceso en el cual tiene cabida la intención, el propósito y la previsión) alrededor de 1970 y expuesto en su libro El azar y la necesidad. Un proceso teleonómico, sin embargo, como podría entenderse por ejemplo la propia evolución, da lugar a productos complejos sin contar con esa guía o previsión. La evolución comprende en gran parte la retrospección, pues las variaciones que la componen efectúan involuntariamente “predicciones” sobre las estructuras y funciones que mejor pueden hacer frente a circunstancias futuras, participando en una competición que elimine a los perdedores y seleccione a los ganadores para la generación siguiente.

A medida que se acumula información sobre las funciones y las estructuras más beneficiosas, se produce la regeneración del entorno mediante la selección de las coaliciones más aptas de estructuras y funciones. La teleonomía, en ese sentido, estaría más relacionada con efectos pasados que con propósitos inmediatos.

Ref:

Alfredo Marcos, “Teleología y teleonomía en las ciencias de la vida”, Diálogo Filosófico, nº 22, pp. 42-57, Madrid, 1992

La piedra angular del método científico es el postulado de la objetividad de la naturaleza. Es decir, la negativa sistemática a considerar que podrían dar lugar a la interpretación del conocimiento “real” de los fenómenos dados en términos de causas finales, es decir, “proyecto”. […] postulado puro, por siempre imposible de demostrar, porque es evidentemente imposible imaginar una experiencia que podría demostrar la no existencia de un proyecto, un objetivo perseguido, en cualquier lugar en la naturaleza. Pero el postulado de la objetividad es consustancial a la ciencia, guió toda su prodigioso desarrollo durante tres siglos. Es imposible deshacer, incluso temporalmente, o en un campo limitado, sin dejar que la ciencia misma. La objetividad, sin embargo, nos obliga a reconocer la naturaleza teleonómico de los seres vivos, que admitir que en sus estructuras y funcionamiento, se dan cuenta y llevar a cabo un proyecto. Por lo que hay allí, al menos en apariencia, una profunda contradicción epistemológica. El problema central de la biología es esta contradicción en sí, que es resolver si es sólo aparente, o probar completamente insoluble si es que es así. “Jacques Monod, El azar y la necesidad, ed. del Umbral, coll. Puntos, pp. 37-38

 

“La invariancia precede necesariamente teleonomía. O, para ser más explícita, la idea darwiniana de que la aparición, evolución, el refinamiento progresivo de las estructuras más intensamente teleonómicas se deben a alteraciones que ocurren en una estructura que ya tiene la propiedad de invariancia capaces de Por lo tanto, “mantener la oportunidad” y por lo tanto sujeto a los efectos para el juego de la selección natural. “(El azar y la necesidad. París, Editions du Seuil, 1970, p. 37)

 

“Todos los otros diseños que se han propuesto para explicar explícitamente lo extraño de los seres vivos, o están envueltos implícitamente por ideologías religiosas como por la mayoría de los principales sistemas filosóficos, asumen el supuesto contrario: que la invariancia está protegido, ontogenia guiada, evolución guiada por un principio teleonómico inicial que todos los fenómenos son manifestaciones. “(El azar y la necesidad. París, Editions du Seuil, 1970, p. 38)

TELONOMÍA: Término creado por  Jacques Monod

Jacques Monod nobel.jpgNobel prize medal.svgPremio Nobel de Fisiología o Medicina en 1965

Jacques Monod, Nobel Prize in Physiology or Medicine 1965

Antes de su trabajo doctoral, Monod pasó un año en el laboratorio de Thomas Hunt Morgan en el Instituto de Tecnología de California trabajando sobre la genética de la Drosophila, lo que le supuso una auténtica revelación, y probablemente le influyó en el desarrollo de su concepción genética de la bioquímica y del metabolismo.

Su trabajo doctoral exploró el crecimiento de bacterias en mezclas de azúcares, documentando la utilización secuencial de dos o más azúcares. Acuñó el término diauxie para referirse a las observaciones frecuentes de dos fases distintas de crecimiento de las bacterias que se desarrollan en dos azúcares. Teorizó sobre el crecimiento de cultivos bacterianos y promovió la teoría quimiostática como un sistema de cultivo continuo de gran alcance para investigar la fisiología bacteriana.

Al lado de François Jacob descubrió el sistema operón lac, el cual controla la expresión de variados genes en bacterias. Este sistema brindó el primer ejemplo de un mecanismo de regulación transcripcional. También sugirió la existencia de moléculas de ARN mensajero, las cuales decodifican la información codificada en el ADN y las proteínas.

Monod y sus colaboradores experimentaron con una bacteria común, Escherichia coli, pero el concepto básico descubierto es aplicable para todos los organismos vivos.

La idea clave es que E. coli no gasta energía fabricando enzimas si no tiene la necesidad de metabolizar la lactosa, dado que otros azúcares como la glucosa están presentes. Este concepto se denomina regulación genética negativa.

Monod también realizó importantes contribuciones al campo de la enzimología con su propuesta de la teoría de la regulación alostérica en 1965, formulada conjuntamente con Jeffries Wyman (1901-1995) y Jean-Pierre Changeux.8

Trabajos filosóficos
En sus obras sobre el origen de la vida (especialmente en su libro titulado El azar y la necesidad), sostuvo la idea de que la vida en la Tierra surgió por un inusual (monstruoso) accidente químico, y que era poco probable que se duplicase en el vasto universo. Su sugerencia más llamativa fue que este accidente no fue simplemente de baja probabilidad, si no de probabilidad cero, un evento único e irrepetible…

“El hombre por fin se sabe solo en la inmensidad insensible del universo, de la que ha surgido solo por casualidad. Su destino no está escrito en ninguna parte, ni es su deber. El reino de lo anterior o la oscuridad de lo posterior; esta es su elección”, escribió en 1971.

 Utilizó la evaluación sombría de la vida, de la que forma parte la frase anterior, como una plataforma para defender el ateísmo y el absurdo y la inutilidad de la existencia. Monod dijo que somos simplemente agentes químicos secundarios en un majestuoso pero impersonal drama cósmico, un espectáculo irrelevante por no deseado. Sus puntos de vista estaban en oposición directa a las certezas religiosas de sus antepasados los conocidos hermanos Frédéric Monod (1794-1863) y Adolphe Monod (1802-1856) (ambos pastores luteranos). En 1973 fue uno de los firmantes del Segundo Manifiesto Humanista.

El azar y la necesidad

Asteroide lleva su nombre

 

 




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