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Compañero Fiel

Capitán el perro que no se movió de la tumba de su amo desde que murió.

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Durante casi once años, a las seis de la tarde, en un ritual de fidelidad, cada día “Capitán” visitó la tumba de su “dueño”, Miguel Guzmán, que murió el 24 marzo de 2006.

“El perro más famoso de Córdoba” apareció en los medios por primera vez en 2012, cuando un periodista de La Voz del Interior escuchó lo que venía conmoviendo a todos desde hacía rato. Después Capitán llegó a Clarín y, días más tarde, a Francia.

Un equipo llegó desde París hasta la villa serrana con el guión ya hecho para contar su historia. Una historia que dio la vuelta al mundo.

La familia de Miguel fue a visitar su tumba, meses después de su muerte. Ahí se encontraron con el “raza puro perro” que creían que se había perdido o que había sido atropellado por un auto. Se dieron cuenta de que había seguido el rastro de su dueño y había encontrado su nuevo hogar.

El director del Cementerio municipal de Villa Carlos Paz, Héctor Baccega, había contado a La Voz que “Capitán apareció acá solo y dio vueltas por todo el cementerio, hasta que llegó también solo a la tumba de su dueño. No lo llevó nadie hasta ahí. Y eso no es todo: cada día, a las seis de la tarde, va y se acuesta frente a esa tumba”.

La insuficiencia renal la arrastraba desde hacía cuatro años. Y recibía una alimentación especial gracias a la Fundación Proteccionista de Animales (FUPA). Cristhian Stempels, el veterinario que lo atendió desde el primer diagnóstico, tomó una decisión crucial: “Podríamos haberlo internado, pero era para que muera en la veterinaria, así que preferimos dejarlo y atenderlo en el cementerio, donde él vivía y se sentía tranquilo”, dijo.

Las entidades proteccionistas de Córdoba piden que Capitán sea enterrado junto a su dueño. Pero el Concejo de Carlos Paz propone algo muy distinto. El municipio quiere cremarlo, sepultar sus restos en una plazoleta y construir un monumento en su honor, según informan medios de Córdoba

El proyecto deberá ser tratado por el Concejo de Representantes, ya que se trata de un espacio público y sería debatido en la sesión. Los restos de Capitán están bajo el cuidado de las integrantes de FUPA y se analizan los pasos a seguir.

No quieren que el perro más famoso de Córdoba se convierta en un atractivo turístico. Pero sí en un mensaje esperanzador para el cuidado de los animales.

Fuente: Clarín

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{15 febrero, 2018}   Jan van Eyck

Cita:

“Als ich kan”
“Lo mejor que puedo”

Nota: Lema personal, que aparece escrito en varios de sus cuadros.

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«firma de Jan van Eyck», detalle

Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa, 1434.Jan van EyckWeb site of National Gallery, London

Archivo: Eyck madonna rolin.jpg

La Virgen del Canciller Rolin wikidata: Q1516449
Descripción
Der Maler zeigt uns die Visión de los asaltantes Stifters, dem die Madonna erscheint. Detailreichen Landschaft im Hintergrund. Die perspektivische Darstellung, realisiert durch den Mosaikboden und dem weiten Ausblick ist hier schon vollständig durchkomponiert.

Jan van Eyck: Virgen del canónigo Van der Paele (1434), un buen ejemplo de alfombras orientales en la pintura renacentista

Anunciación, Galería Nacional de Arte (Washington D. C.).

El Políptico de Gante: La adoración del Cordero Místico (vista interior), pintado en 1432.

La Fuente de la Gracia y Triunfo de la Iglesia sobre la Sinagoga o La fuente de la Vida (c. 1430-1440), Madrid, Museo del Prado.8​ Óleo sobre tabla, 181 x 119 cm. La obra ha sido atribuida, entre otros, al taller de Jan van Eyck, a Lambert van Eyck, hermano menor de Jan y quien dirigió el taller a su muerte, o a Petrus Christus, y se encuentra documentada en España hacia 1459, cuando Enrique IV hizo donación de ella al Monasterio de El Parral.9​10​ Se trata de una alegoría teológica. El cuadro presenta en la parte superior a Cristo sentado en su trono, acompañado de la Virgen y San Juan, a cuyos pies emana un río de hostias consagradas.11​ En la parte inferior, a la izquierda la Iglesia , encabezada por el papa; a la derecha la Sinagoga,12​ representada por un grupo de judíos junto a un sumo sacerdote con los ojos vendados, simbolizando la no percepción de la luz del cristianismo

Recuperación de la Cruz por santa Helena, iluminación atribuida al «maestro G», del Libro de Horas de Turín.

Jan van Eyck (o Johannes de Eyck, Maaseik, h. 1390 – Brujas, antes del 9 de julio de 1441) fue un pintor flamenco que trabajó en Brujas. Está considerado uno de los mejores pintores del Norte de Europa del siglo XV y el más célebre de los Primitivos Flamencos. Robert Campin, que trabajó en Tournai y los hermanos Van Eyck en Flandes, fueron las figuras de transición desde el gótico internacional hasta la escuela flamenca. El estilo flamenco que se dio en los Países Bajos en el siglo XV se ha considerado tradicionalmente como la última fase de la pintura gótica. Otra corriente lo enmarca en lo que se ha dado en llamar Prerrenacimiento. A este estilo pictórico del gótico tardío en el siglo XV, que anuncia el Renacimiento Nórdico de Europa, también se le llama Ars nova.

Biografía
Juventud
Jan van Eyck pertenecía a una familia de pintores. A menudo se ha relacionado con el pintor Hubert van Eyck, al que se considera su hermano, debido a que se cree que ambos provenían de la misma ciudad, Maaseik. En documentos de la corte borgoñona se menciona a otro hermano, Lambert van Eyck y se tiene la teoría de que pudo haber sido pintor y también que fue quien supervisó el cierre del taller de Jan van Eyck en Brujas.1​ Otro pintor significativo, y bastante más joven, que trabajó en el sur de Francia, Barthélemy van Eyck, se cree que era un pariente suyo.

Se desconoce la fecha del nacimiento de Van Eyck. Una tradición que se remonta a Lucas de Heere (1559) y Marcus Van Vaernewijck (1568) fija el lugar de nacimiento de Jan van Eyck en Maaseik, cerca de Mastrique, en la provincia de Limburgo, a orillas del río Mosa y perteneciente a la diócesis de Lieja. Nada se sabe sobre su formación como artista, ni siquiera si fue en Francia o en su tierra natal. Probablemente su formación fue en el campo de la miniatura, de la cual aprendió el amor por los detalles diminutos y por la técnica refinada, que se refleja incluso en las obras pictóricas. Se ha apuntado la posibilidad de que se formase en París, pero lo cierto es que no hay pruebas que lo acrediten.

El documento más antiguo que existe de él es de la corte de Juan de Baviera, príncipe-obispo de Lieja, conde de Holanda y de Zelandia, en La Haya, donde se hicieron pagos a Jan van Eyck entre octubre de 1422 y septiembre de 1424 como pintor de corte,​ con el rango cortesano de ayuda de cámara, y primero uno y luego dos asistentes. Esto sugiere una fecha de nacimiento en el año 1395, como muy tarde, y de hecho posiblemente antes. La edad que aparenta en su probable autorretrato sugiere a la mayor parte de los estudiosos una fecha más temprana que 1395.

 

Recuperación de la Cruz por santa Helena, iluminación atribuida al «maestro G», del Libro de Horas de Turín.
Sus primeros pasos se dieron en el mundo de la miniatura, en la época dominada por la tradición tardogótica francesa. De este primer período sólo quedan las miniaturas en el Libro de Horas de Turín. Su datación y comitente no queda claro. Se ha apuntado la posibilidad de que lo encargara el duque Guillermo IV de Baviera antes de 1417. Sin embargo, generalmente se entiende que fueron ejecutadas en La Haya para el conde de Holanda, Juan de Baviera entre 1422 y 1424. La mayor parte de estas fueron destruidas por el fuego en 1904, aunque existen fotografías, pero otra parte del manuscrito se conserva en el Museo civico d’arte antica de Turín. En los mejores folios del libro miniado, atribuidos por Huelin de Loos al «maestro G» (posiblemente, Jan van Eyck) las figuras son ya plenamente integradas en un espacio realista, con una luz que unifica la representación y delinea con gran precisión y detalles diminutos de la sala y de las ocupaciones de los personajes. Queda claro que Van Eyck se planteaba, como Masaccio, el problema de la realidad: pero mientras el italiano hacía una síntesis que acogía la sola esencia de las cosas, preocupándose de colocarla en un espacio con perspectiva unitaria y racional, el flamenco procedía en lugar de ello analizando con lucidez y atención los singulares objetos como se presentan ante nuestros sentidos.

No se sabe exactamente si estas miniaturas las hizo Jan o su hermano Hubert, como ocurre con otras obras de esta época. La autoría de obras de Van Eyck anteriores a 1426, fecha en que murió su hermano Hubert, se discute y la atribución a Hubert o a Jan es delicado. Esto ocurre con las Tres Marías ante el sepulcro del Museo Boymans van Beuningen, que se suele atribuir a Hubert por lo arcaico de la composición. Parece que es obra de Hubert van Eyck una Crucifixión de la Gemäldegalerie de Berlín, y cabe la duda de si el Tríptico de Dresde es obra de Jan o de Hubert. La tabla central de este tríptico representa a la Virgen entronizada con el Niño y en los paneles laterales se encuentran San Miguel con el donante a la izquierda y Santa Catalina a la derecha; el marco es aún el original y sobre el lado externo de los portillos se puede ver una Anunciación pintada con grisalla.

Portrait of a Man in a Turban (Jan van Eyck) with frame.jpg

Van Eyck

 



{15 febrero, 2018}   Sociedad de la información

Gráfica que indica “Número de usuarios de Internet cada 100 habitantes”, período 1997-2014. Fuente: International Telecommunications Union.1​2​ Las tres gráficas corresponden (de arriba a abajo) a : (1) Mundo desarrollado ; (2) Mundo en su conjunto ; (3) Mundo en desarrollo.

Jeff Ogden (W163) and Jim Scarborough (Ke4roh) – Trabajo propio

 

“Las sociedades de la información se caracterizan por basarse en el conocimiento y en los esfuerzos por convertir la información en conocimiento. Cuanto mayor es la cantidad de información generada por una sociedad, mayor es la necesidad de convertirla en conocimiento. Otra dimensión de tales sociedades es la velocidad con que tal información se genera, transmite y procesa. En la actualidad, la información puede obtenerse de manera prácticamente instantánea y, muchas veces, a partir de la misma fuente que la produce, sin distinción de lugar. Finalmente, las actividades ligadas a la información no son tan dependientes del transporte y de la existencia de concentraciones humanas como las actividades industriales. Esto permite un reacondicionamiento espacial caracterizado por la descentralización y la dispersión de las poblaciones y servicios” (Ortiz Chaparro, 1995: 114).

La sociedad de la información es aquella en la cual las tecnologías facilitan la creación, distribución y manipulación de la información y juegan un papel esencial en las actividades sociales, culturales y económicas. La noción de sociedad de la información ha sido inspirada por los programas de desarrollo de los países industrializados, y el término ha tenido una connotación más bien política que teórica, pues a menudo se presenta como una aspiración estratégica que permitiría superar el estancamiento social. Véase forocoches como ilustración de la sociedad de la información.

El concepto sociedad de la Información comenzó a utilizarse en Japón durante los años sesenta, considerándose al autor Yoneji Masuda como divulgador del término, a partir de una obra publicada en 1968. Así, será el autor Manuel Castells quien, de un modo más descriptivo que crítico, examine los caracteres del nuevo paradigma para acuñar, no ya la noción de Sociedad de la Información, sino la de era informacional, con Internet como fundamento principal a este nuevo modo de organización social en esferas tan dispares como las relaciones interpersonales, las formas laborales o los modos de construir la identidad propia. Asimismo, la noción de “sociedad de la información” trae consigo una serie de disposiciones históricas que la emparentan con el cambio de mentalidad desde la arcaica a la moderna. En realidad, la sociedad de la información no existe más que en la imaginación de los utópicos tecnológicos, quienes también han soñado la alfabetización mediática como solución a los problemas del mundo. Con las cinco preguntas esenciales del Center For Media Literacy, el mundo podría cambiar. De igual modo, la sociedad de la información lleva inscrito la bandera libertadora de una sociedad más igualitaria y más justa.

La sociedad de la información es vista como la sucesora de la sociedad industrial. Relativamente similares serían los conceptos de sociedad post-industrial (Daniel Bell), posfordismo, sociedad postmoderna, sociedad del conocimiento, entre otros. Este último concepto parecería estar emergiendo en detrimento de la sociedad de la información

La capacidad global de almacenamiento de datos se incrementó con regularidad a partir de los años 1980, y hacia el año 2007, el 94% de la información era almacenada digitalmente (fuente).
Myworkforwiki – Trabajo propio

Definición
Otros autores definen sociedad de la información como un organismo desde cualquier lugar y en la forma en que se prefiera, incluso, hay otra definición que hace referencia a que “Todos pueden crear, acceder, utilizar y compartir información y el conocimiento, donde se desarrolle el potencial de los pueblos y se mejore la calidad de vida”.

En otro caso, aun quienes se muestran optimistas con respecto a la sociedad de la información admiten que la brecha digital es uno de los principales obstáculos en este modelo de desarrollo. A grandes rasgos, este fenómeno se refiere a todos aquellos sectores que permanecen, por muy diversas razones, al margen de los beneficios y ventajas asociados a las TIC.

La sociedad de la información no está limitada a Internet, aunque éste ha desempeñado un papel muy importante como un medio que facilita el acceso e intercambio de información y datos. La Wikipedia es un excelente ejemplo de los resultados del desarrollo de este tipo de sociedades. Recientemente se considera a los blogs como herramientas que incentivan la creación, reproducción y manipulación de información y conocimientos.

El reto para los individuos que se desarrollan en todas las áreas de conocimiento es vivir de acuerdo con las exigencias de este nuevo tipo de sociedad, estar informados y actualizados, innovar, pero sobre todo generar propuestas y generar conocimiento, conocimiento que surge de los millones de datos que circulan en la red.

De acuerdo con la declaración de principios de la Cumbre Mundial sobre la Sociedad de la Información, llevado a cabo en Ginebra (Suiza) en 2003, la sociedad de la información debe estar centrada en la persona, integradora y orientada al desarrollo, en que todos puedan crear, consultar, utilizar y compartir la información y el conocimiento, para que las personas, las comunidades y los pueblos puedan emplear plenamente sus posibilidades en la promoción de su desarrollo sostenible y en la mejora de su calidad de vida, sobre la base de los propósitos y principios de la Carta de las Naciones Unidas.

En relación con la sociedad de la información, se debe mencionar el aspecto de la tecnología, por lo que se puede mencionar lo que dijeron los autores Harvey Brooks y Daniel Bell en 1971 respecto a este término: “Es el uso del conocimiento científico para especificar modos de hacer cosas de una manera reproducible (…) Entre las tecnologías de la información incluyó, como todo el mundo, el conjunto convergente de tecnologías de la microelectrónica, la informática (máquinas y software), las telecomunicaciones televisión/radio y la optoelectrónica”.

Conforme al teórico, matemático y ensayista de Ciudad Real J. X. Márquez, la sociedad de la información se basa en el tópico latino sapere aude, que significa atrévete a saber. En realidad, la automatización del pensamiento podría desembocar, paradójicamente, en una desvalorización de este concepto latino.

 

 

Times Square en el corazón de una densa “sociedad de información”, con multiplicidad de soportes y de fuentes.
Daniel Schwen – Trabajo propio

REF:

“Individuals using the Internet 2005 to 2014”, Key ICT indicators for developed and developing countries and the world (totals and penetration rates), International Telecommunication Union (ITU).

“Internet users per 100 inhabitants 1997 to 2007”, ICT Data and Statistics (IDS), International Telecommunication Union (ITU).

Bibliografía




cenizas

Palabras que Abraham pronuncia en el Génesis:

Aunque soy polvo y ceniza me atrevo a hablar a mi Señor.
Génesis 18:27

Urna cineraria romana de alabastro, datada de 90-100 d. C. La base incorporada es contemporánea. En la mayoría de las culturas, las cenizas son símbolo de la muerte y de la precariedad de la vida.

Simbolismo y origen de la costumbre

Urna cineraria romana de alabastro, datada de 90-100 d. C. La base incorporada es contemporánea. En la mayoría de las culturas, las cenizas son símbolo de la muerte y de la precariedad de la vida.
El simbolismo de la ceniza se relaciona con el hecho de ser el residuo frío y pulverulento de la combustión, lo que persiste luego de la extinción del fuego.8​9​ La ceniza simboliza la muerte, la conciencia de la nada y de la vanidad de las cosas, la nulidad de las criaturas frente a su Creador, el arrepentimiento y la penitencia.

US Navy 080206-N-7869M-057 Electronics Technician 3rd Class Leila Tardieu receives the sacramental ashes during an Ash Wednesday celebration.jpgRito de imposición de la ceniza, parte integral de la celebración litúrgica del Miércoles de Ceniza con que se inicia la Cuaresma en el rito romano. Se observa al celebrante con vestimenta de color morado, típica de este tiempo litúrgico, que simboliza la actitud penitencial.
Los griegos, los egipcios, los judíos y los árabes, entre otros pueblos de Oriente Próximo, acostumbraban a cubrirse la cabeza de ceniza en señal de luto o duelo.En la Biblia es un símbolo característico de penitencia interior o duelo (ver, por ejemplo: Casiodoro de Reina; Cipriano de Valera (1909). «Mt 11, 21». Biblia; traducción Reina-Valera (Wikisource).). Los ninivitas usaban la ceniza como gesto de arrepentimiento profundo. Los mensajeros de malas noticias solían cubrir de ceniza su cabeza.

En los primeros siglos de la Iglesia, las personas que querían recibir el sacramento de la reconciliación el Jueves Santo, se ponían ceniza en la cabeza y se presentaban ante la comunidad vestidos con un “hábito penitencial”. Esto representaba su voluntad de convertirse.

En el año 384 d.C., la Cuaresma adquirió un sentido penitencial para todos los cristianos y desde el siglo XI, la Iglesia de Roma solía poner las cenizas al iniciar los 40 días de penitencia y conversión.

También, fue usado el período de Cuaresma para preparar a los que iban a recibir el Bautismo la noche de Pascua, imitando a Cristo con sus 40 días de ayuno.

La imposición de ceniza es una costumbre que recuerda a los que la practican que algún día vamos a morir y que el cuerpo se va a convertir en polvo.

Miércoles de Ceniza

Para otros usos de este término, véase Miércoles de Ceniza (desambiguación).
Miércoles de Ceniza
US Navy 080206-N-7869M-057 Electronics Technician 3rd Class Leila Tardieu receives the sacramental ashes during an Ash Wednesday celebration.jpg
Rito de imposición de la ceniza, parte integral de la celebración litúrgica del Miércoles de Ceniza con que se inicia la Cuaresma en el rito romano. Se observa al celebrante con vestimenta de color morado, típica de este tiempo litúrgico, que simboliza la actitud penitencial.
Celebrada por Cristianismo
Fecha entre el 4 de febrero y el 10 de marzo según el computus

Significado inicio de la cuaresma
Costumbres imposición de ceniza

El Miércoles de Ceniza​ es el primer día de la Cuaresma en los calendarios litúrgicos católico y anglicano, como así también de diversas denominaciones protestantes (luterana, metodista, presbiterana y algunas bautistas). Se celebra cuarenta días antes del Domingo de Ramos que da comienzo a la Semana Santa. La ceniza, cuya imposición constituye el rito característico de esta celebración litúrgica​ se obtiene de la incineración de los ramos bendecidos en el Domingo de Ramos del año litúrgico anterior.

Miércoles de Ceniza de Carl Spitzweg.
El Miércoles de Ceniza es una celebración litúrgica móvil ya que tiene lugar en diferente fecha cada año, siempre relacionada con la también móvil celebración de la Pascua. Puede acontecer entre el 4 de febrero y el 10 de marzo.
¿Por qué miércoles?
En el siglo IV se fijó la duración de la Cuaresma en 40 días, ésta comenzaba 6 semanas antes de la Pascua (para calcular la fecha de la Pascua se usaba el Computus), en domingo, el llamado domingo de “cuadragésima”. Pero en los siglos VI-VII cobró gran importancia el ayuno como práctica cuaresmal. Entonces surgió un inconveniente: desde los orígenes de la liturgia cristiana nunca se ayunó en día domingo por ser “día de fiesta”, la celebración del día del Señor. Entonces, se movió el comienzo de la Cuaresma al miércoles previo al primer sábado del mes.

Santa Misa, bendición e imposición de la ceniza

Rito de la imposición de la ceniza durante la misa de Miércoles de Ceniza, el 5 de marzo de 2014 en la iglesia de san Pedro el Joven, en Estrasburgo.
Este día, que es para los católicos día de ayuno y abstinencia, igual que el Viernes Santo,4​ se realiza la imposición de la ceniza a los fieles que asisten a misa. Estas cenizas se elaboran a partir de la quema de los ramos del Domingo de Ramos del año anterior, y son bendecidas y colocadas sobre la cabeza de los fieles como signo de la caducidad de la condición humana; como signo penitencial, ya usado desde el Antiguo Testamento; y como signo de conversión, que debe ser la nota dominante durante toda la Cuaresma.

La celebración de este día puede iniciarse con una procesión penitencial desde el exterior del templo, desde una capilla vecina, o por lo menos una entrada procesional del sacerdote celebrante y los ministros sagrados. Mientras ocurre esta procesión se cantan las letanías de los santos.

Una vez llegados al altar, omitiendo los ritos iniciales y el rito penitencial, el celebrante reza inmediatamente la oración colecta.6​ En seguida se proclaman las lecturas (Joel 2, 12-18; Salmo 50, 3-6.12-14.17; 2 Corintios 5,20 – 6,2) que recuerdan el sentido de penitencia, conversión y arrepentimiento de los pecados. El evangelio, proclamado por el diácono o el sacerdote celebrante (S. Mateo 6, 1-6. 16-18), recuerda cómo debe ser la penitencia, la oración y el ayuno agradable a Dios.

Luego de la homilía, se procede a la bendición de la ceniza con una breve oración pronunciada por el sacerdote celebrante, quien asperja las vasijas con la ceniza. Seguidamente, el sacerdote, que puede ser ayudado por sus ministros, realiza la imposición de la ceniza sobre los fieles. El sacerdote deja caer la ceniza en su cabeza, o bien traza una cruz de ceniza en la frente de quien la recibe, según la costumbre. Mientras lo hace, dice una de las siguientes frases extraídas de las Escrituras:

Convertíos y creed en el Evangelio (Mc. 1,15)
Acuérdate de que eres polvo y al polvo volverás (Gn. 3,19)7​
Mientras se impone la ceniza, el coro entona el salmo 50 u otros cantos apropiados. El resto de la Misa se celebra conforme a la manera habitual.

Es costumbre (no obligatoria) dejar y no lavar la ceniza hasta que esta desaparezca por sí misma.

Pieter Bruegel the Elder - La lucha entre el carnaval y la Cuaresma (detalle) - WGA3375.jpgPieter Bruegel the Elder – La lucha entre el carnaval y la Cuaresma (detalle) –

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Bolsas de Miércoles de Ceniza, hechas por la organización Sóley y para la celebración del Miércoles de Ceniza en Islandia, Reykjavík, 2011.
Alda Lóa Leifsdótir – Alda Lóa Leifsdóttir

Tiempo de preparación…

Tiempo ordinario, tránsito, camino hacia la conversión…



{13 febrero, 2018}   Giandomenico Tiepolo

Escena de Carnaval (Museo del Louvre).
Giovanni Domenico Tiepolo – Musée du Louvre, Paris

Karnevalscene. Pulcinellas triumf

Treppenhaus Würzburg, Detail Giovanni Domenico Tiepolo.jpgTiepolo, Giovanni Domenico 1727-1804 Signature.jpg

Treppenhaus Würzburg, Detail Giovanni Domenico Tiepolo
Giovanni Battista Tiepolo –

Los acróbatas, fresco en la villa Tiepolo de Venecia.

Giovanni Domenico (o Giandomenico) Tiepolo (Venecia, 30 de agosto de 1727 – Venecia, 3 de marzo de 1804) es un pintor y grabador italiano, hijo mayor del famosísimo Giambattista Tiepolo y hermano del también pintor Lorenzo Tiepolo. Se le considera un maestro de transición entre el rococó y el siglo XIX, y ejerció influencia sobre el joven Goya.

Carrera
Al igual que Lorenzo, se formó con su padre Giambattista y ambos hermanos colaboraron en el taller familiar, mayormente completando encargos del padre. Al tener que producir obras con una estética homogénea, apenas manifestaron un estilo propio hasta que Tiepolo padre falleció.

Giovanni Domenico fue un artista precoz, y ya con 13 años era el principal ayudante del taller. Su tarea principal era repetir en gran formato los diseños que su padre esbozaba, aunque ya a los 20 años (1747-49) realizó por sí solo un importante ciclo del Via Crucis, catorce pinturas para el oratorio de San Polo de Venecia, donde aún se conservan. Estas imágenes las repitió en aguafuertes, que se publicaron en 1749 junto con una portada original y una dedicatoria (16 planchas en total).

En 1751-53, Giandomenico acompañó a su padre Giambattista decorando la famosa bóveda de las escaleras de la Residencia de Wurzburgo (Alemania), y en 1757 colaboró en los trabajos en la Villa Valmarana de Vicenza. En 1762 acompañó a su padre, junto con Lorenzo, en su viaje a Madrid para trabajar al servicio de Carlos III de España. Los tres Tiepolo trabajaron en equipo decorando diversos salones del Palacio Real de Madrid, y de esa época apenas se conoce una pintura enteramente debida a Giovanni Domenico: La conquista del Vellocino de Oro (Palacio Real de La Granja).

 

Los acróbatas, fresco en la villa Tiepolo de Venecia.
La estancia de los Tiepolo en España no fue del todo exitosa, pues el nuevo estilo neoclásico ganaba terreno, liderado por Mengs, y personajes influyentes en la Corte (como Joaquín de Eleta, confesor de Carlos III) intervinieron para arrinconarles. Un retablo de varias pinturas realizado por los Tiepolo para el Convento de San Pascual (Aranjuez) fue desmontado y maltratado, y el viejo Giambattista falleció en 1770 en medio de críticas al rococó que él representaba. Algunas de las partes de dicho retablo (como una famosa Inmaculada) se conservan ahora en el Museo del Prado.

Tras la muerte del padre, Giandomenico regresó a Venecia, mientras que Lorenzo prefirió quedarse en Madrid, donde murió pocos años después.

De manera algo sorprendente, el estilo de Giandomenico dio un vuelco hacia 1785. Dejó un tanto de lado los temas religiosos y mitológicos habituales en su padre, y se volcó en asuntos profanos, cotidianos. Produjo 104 bocetos sobre Polichinela (el payaso deforme de la Comedia del arte) pensados como Entretenimientos para los Niños, y el mismo personaje reaparece en los frescos que Giandomenico pintó en la casa familiar de los Tiepolo en Zianigo, cerca de Venecia. Tales murales fueron arrancados hacia 1906 y se conservan actualmente en el palacio de Ca’ Rezzonico. El joven Goya hubo de conocer este tipo de obras, posiblemente durante su viaje juvenil a Italia.

En sus últimas obras, parece que Giandomenico refrenó su técnica rococó, colorista y de pincelada suelta, para delinear más las figuras. Su interés por los comediantes, charlatanes y demás personajes callejeros se mantuvo.

Aparte de su actividad pictórica, produjo bastantes grabados en aguafuerte. Además del citado Via Crucis, reprodujo varias pinturas de su padre y grabó una serie de veinte variantes sobre el tema de La huida a Egipto.

Giandomenico Tiepolo cuenta con una relevante presencia en museos españoles. El Museo del Prado posee un Via Crucis completo (1772), pintado en Venecia para la iglesia de San Felipe Neri de Madrid. El MNAC de Barcelona posee, gracias al legado de Francesc Cambó, los cuadros El charlatán y El minué, temas que Giandomenico trató repetidas veces. Otras dos pinturas de similar formato (El charlatán y El mundo nuevo) fueron donadas al Prado en 2002 por una aristócrata madrileña, la marquesa de Balboa, si bien a condición de mantenerlas en usufructo vitalicio, ingresando en el museo tras su fallecimiento en 2009. Luego han figurado en diversas exposiciones, como La belleza encerrada y una muestra de arte italiano enviada a Australia en 2014. También el Museo Thyssen-Bornemisza cuenta con un ejemplo de este artista: La expulsión de los mercaderes del templo (h. 1752).

Otras instituciones que cuentan con obras suyas son el Museo de arte de Cleveland, el Instituto de Arte de Minneapolis, la National Gallery de Londres, la Pinacoteca de Brera de Milán y el Victoria and Albert Museum de Londres.

(wikipedia)

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A Dance in the Country MET DT8976

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Amorous Punchinello (Pulcinella innamorato) Creator: Giovanni Domenico Tiepolo (August 30, 1727 – March 3, 1804);

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Giovanni Domenico Tiepolo – The Institution of The Eucharist – KMSsp160 – Statens Museum for Kunst




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La Asamblea General de las Naciones Unidas hace suya la resolución aprobada por la Conferencia General de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura en su 36ª reunión en que proclamó Día Mundial de la Radio el 13 de febrero, día en que se estableció la Radio de las Naciones Unidas en 1946.

El 18 de diciembre de 2012 la Asamblea General de las Naciones Unidas en la Resolución 67/124 hace suya la resolución aprobada por la Conferencia General de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura en su 36ª reunión en que proclamó Día Mundial de la Radio el 13 de febrero, día en que se estableció la Radio de las Naciones Unidas en 1946.

Día Mundial de la Radio, 13 de febrero

Radio y deportes
La radio sigue siendo el medio de comunicación más dinámico, reactivo y atractivo que existe, al tiempo que va adaptándose a los cambios del siglo XXI y ofreciendo nuevas formas de interacción y participación. Ante el peligro de que las redes sociales y la fragmentación del público nos agrupen en «burbujas» informativas formadas únicamente por personas afines, la radio figura en una posición única para unir a comunidades diversas y fomentar el diálogo positivo y el cambio. Al escuchar a sus oyentes y responder a sus necesidades, la radio ofrece la diversidad de opiniones y de voces necesaria para enfrentarnos a desafíos que nos afectan a todos.
La radio nos informa y nos transforma a través del entretenimiento, la información y la participación del público. Al tener una radio, nunca se está solo y siempre se cuenta con la compañía de un buen amigo.
Mientras esperamos un año de grandes eventos deportivos, eventos con la capacidad de unir corazones y mentes de personas del mundo entero, invitamos a todas las emisoras de radio a mostrar la belleza de los deportes en toda su diversidad. Celebremos los deportes tradicionales, que nos conectan con nuestro patrimonio cultural, los deportes populares, que nos unen con nuestras comunidades y los relatos alentadores que desafían los estereotipos de género y cubren, por igual, los eventos deportivos de hombres y mujeres.
                                                                       Organización de las Naciones Unidas

Origen

La idea de establecer el Día Mundial de la Radio nació del presidente de la Academia Española de la Radio, Jorge Álvarez, que en enero de 2008 solicitó la instauración de esta celebración2​ al Director General de la UNESCO, Koichirō Matsuura. Fue en noviembre de 2011 cuando finalmente la 36.ª Conferencia General de la UNESCO proclamó el Día Mundial de la Radio a propuesta formal del Gobierno de España y a través del embajador permanente de España,3​ Ion de la Riva. En 2012 la Academia Española de la Radio impulsó la creación del Comité Internacional del Día Mundial de la Radio4​ para promover las celebraciones anuales de este día y así contribuir al prestigio de este medio de comunicación en todo el mundo.



{11 febrero, 2018}   Nuestra Señora de Lourdes

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La advocación católica de Nuestra Señora de Lourdes hace referencia a las dieciocho apariciones de la Virgen María que Bernadette Soubirous (1844-1879) afirmó haber presenciado en la gruta de Massabielle, a orillas del río Gave de Pau, en las afueras de la población de Lourdes, Francia, en las estribaciones de los Pirineos, en 1858.

Ya en vida de Bernadette, multitud de católicos creyeron en las apariciones de la Virgen María como vehículo de la gracia de Dios, y el papa Pío IX autorizó al obispo local para que permitiera la veneración de la Virgen María en Lourdes en 1862, unos diecisiete años antes de la muerte de Bernadette.

Bernadette Soubirous fue proclamada santa por Pío XI el 8 de diciembre de 1933. Desde entonces, la advocación de la Virgen María como Nuestra Señora de Lourdes ha sido motivo de gran veneración, y su santuario es uno de los más visitados del mundo: unos 8 000 000 de personas peregrinan allí cada año.

La Iglesia católica invoca a Nuestra Señora de Lourdes como patrona de los enfermos.

Nuestra Señora de Lourdes

Cantique-de-nd-de-lourdes.pngFile:Cantique-récit de l'apparition de N. D. de Lourdes.pdf



{10 febrero, 2018}   Carnaval 2018

 

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Canción de Carnaval

Musa, la máscara apresta,
ensaya un aire jovial
y goza y ríe en la fiesta
del Carnaval.

Ríe en la danza que gira,
muestra la pierna rosada,
y suene, como una lira,
tu carcajada.

Para volar más ligera
ponte dos hojas de rosa,
como hace tu compañera
la mariposa.

Y que en tu boca risueña,
que se une al alegre coro,
deje la abeja porteña
su miel de oro.

Únete a la mascarada,
y mientras muequea un clown
con la faz pintarrajeada
como Frank Brown;

mientras Arlequín revela
que al prisma sus tintes roba
y aparece Pulchinela
con su joroba,

di a Colombina la bella
lo que de ella pienso yo,
y descorcha una botella
para Pierrot.

Que él te cuente cómo rima
sus amores con la Luna
y te haga un poema en una
pantomima.

Da al aire la serenata,
toca el auro bandolín,
lleva un látigo de plata
para el spleen.

Sé lírica y sé bizarra;
con la cítara sé griega;
o gaucha, con la guitarra
de Santos Vega.

Mueve tu espléndido torso
por las calles pintorescas,
y juega y adorna el Corso
con rosas frescas.

De perlas riega un tesoro
de Andrade en el regio nido,
y en la hopalanda de Guido,
polvo de oro.

Penas y duelos olvida,
canta deleites y amores;
busca la flor de las flores
por Florida:

Con la armonía te encantas
de las rimas de cristal,
y deshojas a sus plantas,
un madrigal.

Piruetea, baila, inspira
versos locos y joviales;
celebre la alegre lira
los carnavales.

Sus gritos y sus canciones,
sus comparsas y sus trajes,
sus perlas, tintes y encajes
y pompones.

Y lleve la rauda brisa,
sonora, argentina, fresca,
¡la victoria de tu risa
funambulesca!

Rubén Darío

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{10 febrero, 2018}   Edgar Degas

 

La clase de ballet, 1871-74. Museo de Orsay, París.

Ensayo sobre el escenario, 1874, Museo de Orsay, París

Rosa Mauri, 1878
Edgar Degas – The Yorck Project:

Clase de danza, 1871, Museo Metropolitano, Nueva York

 

Edgar Germain Hilaire Degas 061.jpg   Degas autograph.png

Edgar Germain Hilaire Degas

Hilaire-Germain-Edgar de Gas, más conocido como Edgar Degas (París, 19 de julio de 1834-ibídem, 27 de septiembre de 1917), fue un pintor y escultor francés.

Considerado uno de los fundadores del Impresionismo, aunque él mismo rechazaba el nombre y prefería llamarlo realismo o arte realista, Degas fue uno de los grandes dibujantes de la historia por su magistral captación de las sensaciones de vida y movimiento, especialmente en sus obras de bailarinas, carreras de caballos y desnudos. Sus retratos son muy apreciados por la complejidad psicológica y sensación de verdad que transmiten.

Hilaire-Germain-Edgar De Gas nació en París el 19 de julio de 1834, siendo el mayor de los cinco hijos de Célestine Musson De Gas, hija de una familia criolla de Nueva Orleans y de Augustin De Gas, un banquero francés.3​ Años más tarde, adoptaría una forma mucho más simplificada de su apellido a Degas, con el cual sería conocido por el resto de su vida. Comenzó su educación a la edad de once años en el Lycée Louis-le-Grand; dos años más tarde su madre fallece convirtiendo a su padre y a su abuelo en sus principales influencias el resto de su juventud.

Degas comenzó a pintar a una edad temprana. Después de graduarse en el liceo en bachillerato en literatura a los 18 años en 1853, instaló un estudio de arte en su casa. Al graduarse, Degas se registra como copista de arte en el Museo de Louvre. Sin embargo, terminó ingresando en la Facultad de leyes en la Universidad de París a petición de su padre en noviembre de 1853; no obstante dedica muy poco esfuerzo a sus estudios.

En abril de ese mismo año, Degas es admitido a la Escuela de Bellas Artes (“École des Beaux-Arts”), comenzando a estudiar dibujo bajo la guía de Louis Lamothe, tomando como inspiración principal el estilo de Ingres. En julio de 1856, Degas viaja a Italia, donde se establecería los siguientes tres años, comenzando los estudios para su primera obra: La familia Bellelli. Al mismo tiempo hacía copias de obras renacentistas, de Miguel Ángel, Rafael o Tiziano, entre otros. Sin embargo, contrariamente a las prácticas convencionales, Degas seleccionaba detalles de los cuadros que atraían su atención, usualmente figuras secundarias o alguna cabeza, los cuales trataba como un retrato

Cantante con el guante, 1878, The Fogg Art Museum, Cambridge, Massachusetts
Edgar Degas – The Yorck Project:

Fin d’Arabesque, con la bailarina Rosita Mauri, 1877, Museo d’Orsay.
Edgar Degas – The Yorck Project:

En el Café-concierto: la canción del perro, 1875–1877
Edgar Degas – The Yorck Project

Mujer sentada con jarrón de flores, 1865, óleo sobre lienzo, Museo de Arte Metropolitano, Nueva York
Edgar Degas – Wikipedia Loves Art at the Metropolitan Museum of Art

Retrato de Miss Cassatt, 1876–1878




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Fue fundada con su nombre actual el 10 de febrero de 1874 por Patricio Peralta Ramos, en una estancia de su propiedad, sobre la base de la segunda de las tres extintas misiones jesuitas de la Pampa, fundadas en la segunda mitad del siglo XVIII, denominada Nuestra Señora del Pilar de Puelches, que más tarde recibió el nombre de «Puerto de la Laguna de los Padres».

Patricio Peralta Ramos, fundador de Mar del Plata.

Patricio Peralta Ramos continuó, pese a la oposición de varios vecinos, con los trámites para la fundación de Mar del Plata.

Por un decreto de la gobernación de la Provincia de Buenos Aires del 10 de febrero de 1874, se reconoció al pueblo de la Laguna de los Padres y se le dio el nombre de Mar del Plata, por iniciativa de su fundador, Patricio Peralta Ramos. Esta es la fecha oficial de la fundación de Mar del Plata. Su nombre tiene el sentido de «mar de la región del Plata» o «mar aledaño al Río de la Plata».

Más tarde, en 1879, y también a iniciativas de su fundador, se estableció el Partido de General Pueyrredón dividiendo en dos el Partido de General Balcarce.
En 1886 llegó el ferrocarril a Mar del Plata mediante gestiones del gobernador Dardo Rocha. Su llegada produjo una nueva etapa de progreso para el pueblo que se convirtió en un destino turístico preferido de la aristocracia de Buenos Aires. Al año siguiente se construyó el Bristol Hotel, inaugurado el 8 de enero de 1888. Ese mismo año la Municipalidad aprobó un «Reglamento de baños» que establecía:

 

Mar del Plata en 1895.

 

Vista de la Rambla Casino de Mar del Plata, con las esculturas de lobos marinos del artista José Fioravanti, y el edificio del Gran Hotel Provincial diseñado por Alejandro Bustillo y terminado en 1950.
Tarjeta Postal

Hotel Bristol hacia 1890.Mar del Plata.
Archivo General de la Nación Argentina

Gráfica de evolución demográfica de Mar del Plata entre 1881 y 2010

Fuente de los Censos Nacionales del INDEC

 

 

 

 

 

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Casona de Principios de Siglo XIX
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{10 febrero, 2018}   Incendios – La Pampa

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Desastre en La Pampa: los incendios destruyeron 700 mil hectáreas

Los incendios en La Pampa ya arrasaron con 700 mil hectáreas de monte de caldén, pastizales y campos productivos. Ahora las altas temperaturas, alrededor de los 40ºC, desatan incendios diarios en la zonas de Toay -cercana a la capital provincial-, en General Acha y La Adela, en el límite con Río Negro.

Por los incendios forestales se postergó el inicio de la caza deportiva en campos prevista para el 1º de febrero, una actividad que convoca a cazadores de España y Estados Unidos. También de países europeos como Alemania, Francia e Inglaterra. La caza, una fuente de ingresos de divisas para La Pampa, iniciará su temporada el 1º de marzo.

Unas de las polémicas desatadas en La Pampa involucra al ministro de Seguridad Juan Carlos Tierno -a cargo de Defensa Civil, el área que combate los incendios rurales- a quien se le quemó su campo, y donde no estaban mantenidas las picadas, una lonja de campo que se ‘limpia’ de vegetación y pastizales, para frenar los incendios. La Fiscalía de Investigaciones Administrativas le inició un sumario por esa negligencia.

Del total de hectáreas afectadas por el fuego, el 50% se quemó desde el 24 de enero. En la última semana el fuego arrasó con monte de caldén y campos en la zona de General Acha, en el departamento de Utracán. Uno de los establecimientos arrasados es la estancia Curacó, propiedad de la familia Trappa -dueños de la empresa de colectivos Vía Bariloche- y con premios en la rural de Palermo por su genética en la raza Angus. La estancia Curacó está ubicada a 30 kilómetros al sudoeste de General Acha.
En la misma zona, en cercanías de El Carancho, el fuego arrasó con el campo de Carlos Mora, un pequeño productor de 75 años. Cría animales, vacunos y chivas, junto a su esposa. El fuego ingreso a su campo el viernes 2 de febrero y arrasó con cientos de hectáreas: le quemó 50 vacas y 90 chivas.

Los departamentos más afectados por los incendios son los de Utracán, Lihuel Calel y Hucal en la zona centro sur y sureste de La Pampa.

Desastre en La Pampa: los incendios destruyeron 700 mil hectáreas

Desastre en La Pampa: los incendios destruyeron 700 mil hectáreas
Las altas temperaturas complica la situación de los incendios en La Pampa.

Durante el fin de semana los focos se desataron en cercanías de Toay. Trabajaron cuadrillas de la Dirección de Defensa Civil en un foco de incendio desatado en la “Chacra de Bilbao”, en esa localidad. También hubo focos de las rutas 154 y 32 en la localidad de La Adela, en el sureste de La Pampa. Otro foco registrado en ruta 20, conocida como la “Ruta del Desierto”, a la altura del kilómetro 301 se controló en la tarde del domingo.

También se reactivó y se controló otro incendio en la localidad de Toay sobre el loteo “Las Cortaderas”.
En los distintos focos, trabajan brigadistas de Defensa Civil, bomberos de Córdoba, de San Luis y personal del Plan Nacional de Manejo de Fuego.

Fuente:Clarín/ Gustavo Laurnagaray Corresponsal






{8 febrero, 2018}   Paula Modersohn-Becker- Natalicio

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Paula Modersohn-Becker, anteriormente Minna Hermine Paula Becker (Dresde, 8 de febrero de 1876 – Worpswede, 21 de noviembre de 1907), fue una pintora alemana, y una de las representantes más precoces del movimiento expresionista en su país.

Originaria de Dresde, Paula Becker se comprometió en estudios de pintura y reunió a artistas independientes en el pueblo de Worpswede, no lejos de Bremen, que predicaba un retorno a la naturaleza y a los valores simples de la gente campesina. Allí se casó con el paisajista Otto Modersohn. La falta de audacia de los pintores de Worpswede la empujaron a usar inspiraciones exteriores y a efectuar repetidas estancias en París.

Los catorce cortos años durante los cuales Paula Modersohn-Becker ejerció su arte le permitieron realizar al menos setecientos cincuenta lienzos de pintura, trece estampas y cerca de un millar de dibujos. Su estilo, particularmente único y original, es el fruto de múltiples influencias, a los confines de la tradición y de la modernidad. Su pintura presenta aspectos que mezclan el impresionismo de Cézanne o Gauguin, el cubismo de Picasso, el fauvismo, el arte japonés y el renacimiento alemán. La fuerza expresiva de su obra resume sólo los principales aspectos del arte a principios del siglo XX. Paula Modersohn-Becker murió a los treinta y un años.

Biografía

Paula Becker era la tercera hija nacida de una familia de siete hermanos. Su padre, Carl Woldemar Becker (nacido el 31 de enero de 1841 de Odessa – fallecido el 30 de noviembre de 1901 en Bremen), era ingeniero de oficio, y su madre Matilde (nacida el 3 de noviembre de 1852 de Lübeck – fallecida el 22 de enero de 1926 en Bremen) descendía de una familia ilustre de la nobleza de Turingia, los von Bültzingslöwen. Las cartas que Carl Woldemar Becker le envió más tarde a su hija le dan la imagen de un hombre cultivado y abierto sobre la gente: familiar de París totalmente como de Londres, dominaba el ruso, el francés y el inglés. La familia materna de Paula presentaba las mismas predisposiciones al viaje: el abuelo von Bültzingslöwen había mandado una guarnición en el extranjero, y varios hermanos de Matilde emigraron a Indonesia, a Nueva Zelanda y a Australia.

Los primeros años
Dresde y Bremen
Paula Becker pasó los doce primeros años de su vida en Dresde, un período sobre el que se conocen muy pocos datos. Reencontramos sin embargo el rastro de un drama acontecido cuando Paula tenía 10 años, mientras que ella y sus dos primas Cora y Maidli Parizot jugaban en las galerías de una cantera de arena. Las jóvenes fueron enterradas por un derrumbamiento, Paula y Maidli pudieron salir a tiempo, mientras que Cora Parizot, de tan sólo once años de edad, se asfixió y murió bajo los escombros. En una carta escrita muchos años más tarde a Rainer Maria Rilke, Paula Modersohn-Becker reveló hasta qué punto esta experiencia la había marcado.

En 1888, Carl Woldemar Becker obtuvo un trabajo en Bremen, lo que obligó a la familia dejar Dresde. La vida cultural de Bremen especialmente efervescente y la madre de Paula cultivó numerosas amistades en los círculos artísticos, la familia Becker pudo gozar constantemente de relaciones privilegiadas con este medio.

Dresden-Friedrichstadt. Después del nacimiento de Paula la familia Becker se mudó a la «Friedrichstrasse 29», la cual ahora lleva el número 46.

Bremen: El domicilio de la familia de Becker en la «Schwachhauser Chaussee 23» (ahora «Schwachhauser Heerstrasse»)

La familia Becker o sea los padres Carl Woldemar Becker y Mathilde, nacida de Bueltzingsloewen (ambos en el lado izquierdo), Paula Becker (en posición de pie) estuvieron sentado en el jardín de invierno en el “Schwachhauser Chaussee el número 23”. El hogar y la familia desde 1888 hasta 1899

La casa de familia «Ludwig von Kapff» cerca de «Große Weserbrücke». La familia de Becker residimos «Wachtstrasse 43» (1907) desde 1899.

«Schwachhauser Chaussee 23» en 1899. Los alrededores de su casa en Bremen.
Inglaterra y los primeros cursos de dibujo
A principios del verano de 1892, sus padres enviaron a Paula Becker a Inglaterra con el fin de efectuar una estancia lingüística. Una hermanastra de su padre vivía en las afuera de Londres, y Paula debía reunirse con ella, para aprender a hablar inglés y, al mismo tiempo tener un hogar. Gracias al apoyo de su tío, la joven muchacha pudo también recibir cursos artísticos, en la St John’s Wood Art School. Después de algunos estudios preliminares de bosquejos, comenzó a frecuentar a una escuela privada de las Bellas Artes, donde pasaba seis horas al día iniciándose en la técnica de dibujo. Estos cursos sin embargo se abandonaron rápidamente: sus padres inicialmente habían fijado la duración de la estancia londinense de Paula en un año, pero el mal del país, la nostalgia del hogar y la disciplina autoritaria que le imponía su tía impulsaron a Paula volver hacia Alemania apenas seis meses más tarde.

La escuela de profesoras

Muchacha con el pañuelo blanco
1900 (45,3 x 66,2 cm).
Es sobre todo debido a la influencia de su padre y del respeto que éste le inspiraba que Paula Becker siguió las clases de una escuela de formación de maestras a partir de 1893, en Bremen. Seguía en esto de mala gana los pasos de su hermana mayor, que había seguido los mismos estudios. No obstante pudo obtener de su padre, a manera de contraparte, el derecho a asistir a cursos de pintura.

Las clases de pintura se efectuaban en casa del pintor Bernhard Wiegandt, y constituyeron particularmente para Paula la primera ocasión de trabajar según verdaderos modelos. De esta época datan por ejemplo una serie de retratos de sus hermanos y hermanas, así como su primer autorretrato, realizado hacia 1893. Esta actividad artística no la condujo a descuidar sus principales estudios: en septiembre de 1895, Paula Becker pasó el examen de profesora y obtuvo el diploma con buenos resultados.

A principios del año 1893, Paula pudo admirar por primera vez las realizaciones del círculo artístico de Worpswede, cuando Fritz Mackensen, Otto Modersohn, Fritz Overbeck, Hans am Ende y Heinrich Vogeler expusieron sus telas al museo de Kunsthalle de Bremen. La joven mujer fue encantada sobre todo por una obra de su futuro marido, Otto Modersohn, que resplandecía de colores extraños y daba un sabor muy particular a un paisaje de brezos.

Curso de pintura en Berlín
Paula, gracias a la rama maternal de su familia, pudo viajar a Berlín a principios de 1896 con el fin de seguir durante seis semanas cursos de dibujo y pintura para la Asociación de los Artistas Berlineses (Verein der Berliner Künstlerinnen). La existencia de este tipo de asociaciones era una necesidad para las mujeres, que no tenían aún acceso a las academias de las Bellas Artes de la época.

Dibujo de Paula que representa un desnudo femenino sobre la hierba.
Paula estuvo en condiciones de continuar su formación más allá de las seis semanas inicialmente consideradas, ya que su madre incluso llegó a acoger a un pensionista en la casa familiar para poder pagar los estudios a su hija. Por otra parte, el hermano de Matilde, Wulf von Bültzingslöwen, al igual que su esposa Cora, se habían declarados dispuestos para alojar a Paula y para satisfacer las necesidades diarias de la joven.

La enseñanza impartida en Berlín concedía un lugar preponderante al dibujo, realizado a partir de modelos profesionales. Sólo se admitía a las clases a aquellas candidatas que tenían ya un buen control de la materia. Numerosos dibujos de desnudos realizados por Paula y que databan de este período han podido conservarse: las líneas, por regla general, son fuertemente marcadas, y los efectos de claroscuro afectan su omnipresencia. En 1897, Paula fue admitida por primera vez en la clase de Jeanne Bauck. Este artista, hoy caído en el olvido, tuvo una profunda influencia sobre su joven alumna, y la persuadió más tarde a que fuera a vivir por algún tiempo a París.

Durante su estancia berlinesa, Paula Becker pasó numerosas horas en las galerías de los museos. Al igual que los artistas del movimiento nazareno, que había conocido su apogeo siete décadas antes, a Paula le gustaban por encima de todo, los lienzos del Renacimiento alemán e italiano.

Worpswede y París

Retrato de Rainer Maria Rilke hecho por Paula Becker.
La salida a Worpswede

Muchacha en un jardín junto a una bola de cristal
1901/1902 (35,7 x 35,7 cm).
Con motivo de las bodas de plata de los padres, la familia Becker emprendió, en el verano de 1897, una excursión al pequeño pueblo de Worpswede. A Paula le impresionó la singularidad del lugar, el colorido del paisaje y en especial la “colonia artística” (Künstlerkolonie) que había sido fundada allí algunos años antes. Ese mismo otoño, Paula visitó de nuevo Worpswede en compañía de una amiga y, cuando en enero de 1898, heredó 600 marcos (y pudo devolver parte del dinero prestado para proseguir sus estudios por sus primos Arthur y Greta Becker), decidió volver a Worpswede, con el consentimiento familiar.

La intención en principio era pasar unas vacaciones. Matilde Becker había previsto que su hija estuviera allí durante dos semanas en las clases de pintura y de dibujo de Fritz Mackensen, como iniciación antes de irse en otoño a París y encontrar allí un trabajo de niñera («fille-au-pair»). A pesar de todas estas precauciones familiares, parece que la intención de Paula Becker, cuando tomó finalmente la carretera de Worpswede en septiembre de 1898, era permanecer bastantes más tiempo del previsto, pues ambicionaba hacerse artista profesional.

La colonia artística de Worpswede
Véase también: Colonia de artistas de Worpswede

Tumbas pantanosas
1900 a 1902 (54,1 x 33 cm).
Los artistas que se habían instalado en Worpswede en 1889 reivindicaban su independencia frente a las grandes academias artísticas. La inmensa mayoría eran antiguos alumnos de la Academia de las Bellas artes de Düsseldorf, una institución que había brillado con Wilhelm von Schadow. Como muchos jóvenes artistas del siglo XIX consideraban las academias de pintura como instituciones oficiales y a sus profesores y métodos obsoletos. Con Worpswede, aspiraban a crear un espacio con, por y para la naturaleza, como antes hiciera Théodore Rousseau con la escuela de Barbizon. Como en Francia, el objetivo era doble: trabajar «au plein air», revolucionando así la técnica pictórica, y reflejar en su obra a la población campesina, que juzgaban de una pureza aún original y no corrompida por la civilización.

Clara Rilke-Westhoff. 1905
Una profunda amistad uniría desde un principio a Paula Becker y Clara Westhoff, joven aspirante a escultora, alumna de Mackensen en cursos de dibujo y modelado. Paula, inicialmente al margen de la ideología de la colonia, se mostró menos reservada a partir de marzo de 1899, en particular con su futuro marido Otto Modersohn y con Heinrich Vogeler. Paula realizó varias estampas con la técnica de aguafuerte durante el verano de 1899; la estricta disciplina que imponían las técnicas de grabado no debieron cautivarla. Fritz Mackensen, inicialmente importante para el despertar de su talento, dejó de seducirla ya a finales de aquel año. Su original estilo, que tendía cada vez más a la simplificación de las formas y los colores, no tenía reflejo en Worpswede. Tampoco ayudarían las críticas de que sería objeto su participación en algunas exposiciones aquel año; por ejemplo las del Weser-Zeitung del 20 de diciembre de 1889 con el siguiente análisis de dos de sus obras expuestas:

«Para calificar este trabajo, los recursos de una lengua pura no son suficientes, y nos negamos a utilizar una impura. Digamos que si una actividad creativa del mismo orden se hubiera ilustrado en los ámbitos del teatro o la música, y si además hubiese tenido la insolencia de aventurarse sobre escena o en la sala de un concierto los silbidos y los abucheos, habrían hecho poner término a tal grosera mascarada»
A pesar de que artistas como Max Slevogt, Lovis Corinth, Max Liebermann o Wilhelm Leibl empezaban a tener sus primeros éxitos en Múnich y Berlín, Alemania seguía fiel a los salones de pintura y el arte académico. En París, al otro lado de la frontera, la apertura y la innovación en la vida artística eran un señuelo irresistible para sensibilidades como la de Paula Becker.

La primera estancia artística en París
Es en la noche del 31 de diciembre de 1900 que Paula tomó caminó rumbo a Francia. Al igual que Roma había sido un gran centro de atracción para todos los artistas alemanes a principios del siglo XIX, París entonces se había vuelto el lugar de encuentro por excelencia de todas las corrientes artísticas europeas. Varios artistas alemanes muy conocidos, como Emil Nolde, Bernhard Hoetger o Käthe realizaron entancias más o menos largas. En cuanto a Clara Westhoff ( la amiga de Paula, en la ciudad de Worpswede), ya se encontraba aquí desde fines de 1899, animada por la esperanza de convertirse en alumna de Auguste Rodin. Paula y Clara pasaron juntas un año en París, en agosto retornaron a Worspede, y luego pasaron juntas el invierno en Berlín. En cuanto a la relación entre ambas, una poesía de Adrienne Rich alude a la misma.

Cabeza de una pequeña muchacha.
Paula Becker pudo hacer este viaje financieramente, puesto que seguía beneficiándose de la ayuda de sus padres y el resto de su familia. Se instaló en el número 9 de la calle Primera Campaña, en el distrito XIV de París, y adornó su pequeño estudio de cajas y algunos muebles desalojadas en un rastro. Paula fue a seguir las clases de la Académie Colarossi en el Barrio Latino de París, porque esta última ofrecía la ventaja de aceptar a las mujeres, y volvió a examinar los museos como lo había hecho en Berlín. Sola o en compañía de Clara, frecuentaba las exposiciones y galerías artísticas para familiarizarse con la pintura moderna francesa. Clara Westhoff reporto más tarde algunas anécdotas vinculadas a este período, como, por ejemplo, la visita hecha al vendedor de arte Ambroise Vollard, la profunda fascinación sentida por Paula hacia la obra de Paul Cézanne, en aquel entonces completamente desconocido. Según la historiadora del arte Christa Murken Altrogge, Paula Becker fue la primera artista alemana que percibió el talento revolucionario de este pintor. En una carta con fecha del 21 de octubre de 1907 dirigida a Clara, Paula escribía muchos años más tarde que Cézanne:

«es uno de los tres o cuatros grandes amos que tuvieron sobre mí el efecto de una tormenta.»

Paula Becker asistió a la gran exposición organizada por el movimiento nabi en París. Este grupo artístico, profundamente influenciado por las estampas del arte japonés, ponía énfasis en las superficies y en los colores caprichosos, cuyo objetivo no era reflejar exactamente la realidad sino cerrar un significado propio.

Desde el mes de abril de 1900 se celebraba la Exposición Universal destinada a conmemorar la llegada del nuevo siglo. Este acontecimiento fue la ocasión de venir en París para Fritz Overbeck y el paisajista Otto Modersohn, que llegó en junio. Paula Becker ya conocía a Otto y, admiraba su trabajo en Worpswede, apreciaba mucho a este hombre once años mayor que ella. En aquel entonces Modersohn estuvo casado con Hélène, quien estaba mal de salud hecho que la retuvo en Worpswede, muriendo en la corta estancia parisina de Otto. La tragedia precipitó la vuelta de Modersohn y Overbeck a Alemania. Dos semanas después Paula y Clara regresarón a Worpswede por que el dinero con el que contaban se agotaba.

Matrimonio con Otto Modersohn

Naturaleza muerta con platillo de leche (Stilleben mit Milchsatte) 1905 (55x 71,8 cm) Museo Paula Modersohn-Becker, Bremen.
Otto Modersohn y Paula Becker se casaron el 25 de mayo de 1901. A tal efecto, y bajo la presión ejercida por sus padres, Paula aceptó hasta seguir un curso de cocina en Berlín, curso que abandonó bastante rápido.

La pareja efectuó una corta luna de miel, a la cual les invitó Gerhart Hauptmann cerca de Hirschberg en Silesia, hoy territorio polaco. Se abre a continuación un período de la vida de Paula Modersohn-Becker en que intentó reconciliar sus ambiciones artísticas con su nueva vida de esposa, mujer de la casa y madre de la pequeña Elisabeth, resultado del primer matrimonio de Otto Modersohn. Paula, para todo el taller, no disponía más que de una pequeña habitación con una sola ventana. Otto decidió construir un tragaluz en el techo del edificio principal, para que su esposa trabajara. La joven novia era ayudada en la realización de las tareas diarias por un criado. Desde las nueve de la mañana hasta alrededor de la hora de la tarde, Paula podía así pintar en su taller, salía para almorzar luego volvía de nuevo a su trabajo a las quince horas, para permanecer a menudo hasta la noche, cuando pasaban de las siete de la tarde. Intentaba sin embargo ser una madre atenta y concienzuda para su hijastra Elisabeth. Esta última sirvió por otra parte de modelo a toda una serie de retratos de la niña, como el Muchacha en un jardín al lado de una bola de cristal, que data de 1901 o 1902, y la Cabeza de una pequeña muchacha.

El matrimonio tuvo también el mérito de entregar definitivamente a Paula la perspectiva de ejercer un oficio que le gustara con el fin de garantizar su subsistencia. En vida, la joven mujer sólo consigue vender dos de sus lienzos, respectivamente a sus amigos Rilke y Vogeler; sin su unión con Otto, está claro que no se habría decidido a seguir el dictamen de su padre y a permitir de que se la controlara. La situación, no obstante, tenía también cosas negativas. Mientras que Otto, en su diario, afirma que la vida de pareja se desarrollaba mejor que lo que habría creído, se encuentra en el de Paula, en la fecha de navidad de 1902, una actitud más crítica y más teñida de ironía.

Otto parece haber sido muy feliz durante los tres primeros años de su nueva vida de pareja. Su Diario indica entonces regularmente hasta qué punto se convencía de compartir su existencia con una artista fuera del común, cosa que nadie parecía aún hacer en la época. Paula había encontrado en Otto Modersohn a un hombre cariñoso y que, bien lejos de ser un obstáculo al desarrollo de su sensibilidad artística, sabía al contrario acompañar esta evolución de una mirada crítica y elogiosa. Como muchos de sus contemporáneos, sin embargo, carecía de una comprensión realmente profunda de la obra de su esposa. Por otra parte, la intensidad con la cual Paula reaccionaba a los menores sobresaltos de la vida artística parisina lo dejaba un tanto perplejo.

Contrariamente a su marido, que buscaba la calma y la soledad de Worpswede para ejercer todo su arte, Paula Modersohn necesitaba una determinada variedad y del contacto con el mundo exterior.

Los últimos años
La ruptura con Otto

Naturaleza muerta; limón, naranja y tomate.
Paula Modersohn-Becker dejó Worpswede el 23 de febrero de 1906. Ella indica claramente en su diario que este gesto equivale a una ruptura con Otto. Este último fue sorprendido, y envió a París las cartas que la conjuran a volver de nuevo con él. A cambio de volver Paula le rogó acostumbrarse a la idea de que perseguiría en adelante su propia vía en la vida. Su marido incluso llegó a viajar a París durante una semana en el mes de junio, pero el diálogo entre la parejas siguió siendo infructuoso. Otto Modersohn siguió a pesar de todo manteniéndola financieramente y recibiendo el apoyo moral de la propia familia de Paula, que acusaba a esta última de egoísta.

La joven se instaló en un taller especialmente espartano de la avenida de Maine, en el distrito XIV de París. Volvió a frecuentar los cursos de dibujo, las exposiciones de la vanguardia e incluso asistió a un curso de anatomía en la Escuela de Bellas Artes, dado que su estilo la dejaba insatisfecha. Muy intrigada por una escultura expuesta en el Salón de los Independientes, visitó a su escultor Bernhard Hoetger en su taller. Cuando una observación fortuita de Paula reveló a Hoetger que ella era artista, él insistió en ver sus obras, y quedó estupefacto. Paula Modersohn-Becker hasta entonces solo había encontrado apoyo en Worpswede al lado de su marido y de Rainer María Rilke. Los elogios que recibió valían oro.

El 5 de mayo de 1906, escribió:

«Usted me hizo milagros. Usted me restituyó a mí misma. Tomé valor. Mi valor se encontraba siempre detrás de puertas condenadas y no sabía cómo salir. Usted abrió estas puertas. Usted me es de una gran ayuda. Comienzo ahora a creer que algo quedará de mí. Y cuando pienso en eso, me vienen las lágrimas de felicidad… Usted me hizo tan feliz. Estaba un poco sola»
La valoración de Hoetger hacia Paula la animó a desplegar sin ningún temor toda la fuerza y el potencial de su pintura. Se calcula el número de telas realizadas entre 1906 y 1907 asciende aproximadamente a noventa. Su biógrafo Lieselotte von Reinken hace por otra parte la observación que sería dudoso poder físicamente asignar tanto trabajo un misma persona, si las cartas y el diario del artista no estuvieran allí para certificarlo.

Paula dedicó su tiempo principalmente a las pinturas de desnudos, además de estas últimas también dedicó tiempo a las pinturas de naturaleza muerta, esta época también cuenta numerosos autorretratos tales como el Autorretrato con limón, donde la artista aparece generalmente semi desnuda. Llegó hasta inaugurar una clase inédita en la historia del arte, es decir el autorretrato enteramente desnudo 

Última estancia en Worpswede
El 3 de septiembre de 1906, Paula Modersohn-Becker hizo saber a su marido que quería divorciarse, y le pidió una última suma de 500 marcos. En consecuencia, ella misma se comprometía satisfacer sus propias necesidades. Sin embargo sobre su decisión volvió algunos diás más tarde, el 9 de septiembre, y resolvió volver a Worpswede. Este cambio de actitud de imputarse principalmente a Bernhard Hoetger, que había convencido a la Paula de hasta qué punto la deterioraría la situación de garantizarse ella misma su subsistencia. Paula le escribió a Clara al respecto de esta situación, el 17 de noviembre:

«He observado este verano que era mejor que supiese seguir sola […] si tengo culpa o razón, sólo el futuro podrá decidirlo. Lo principal para mi trabajo, es la tranquilidad, y no corro peligro por cierto, de carecer de eso al lado de Otto Modersohn.»
Otto Modersohn había llegado a París en octubre para pasar el invierno con ella. Se instaló en un taller situado en el mismo edificio que el de su esposa. En marzo de 1907, la pareja regresó de nuevo a Worpswede. Paula finalmente consiguió la alegría de quedar embarazada pero al mismo tiempo sufría al no poder estar en condiciones adecuadas para dedicar su tiempo al frente de su caballete. Entre las últimas obras que pudo terminar contamos a las siguientes:

Vieja criada al jardín
(Alte Armenhäuslerin im Garten)
1906 (96 x 80,2 cm)

Autorretrato a las camelias
(Die Malerin mit Kamelienzweig)
1907 (62 x 31 cm)
El 2 de noviembre, en el momento de un parto particularmente difícil, Paula dio a luz a una niña, Mathilde (Tillie) Modersohn. El médico recomendó a la joven madre guardar reposo en cama durante varios días. El 20 de noviembre, mientras que se le autorizaba por primera vez a levantarse, Paula Modersohn-Becker fue víctima de una embolia pulmonar, y murió a sus treinta y un años de vida.

Posteridad

Niño desnudo con una cigüeña (Kinderakt mit Storch) 1906 (73 x 59 cm) Colección particular.
Se debe sobre todo al compromiso activo de Heinrich Vogeler que los lienzos de Paula Modersohn-Becker hayan podido presentarse en varias exposiciones durante los años siguientes a su muerte. Vogeler fue en efecto el primero en realizar todo lo que pudo por la artista y su obra. La mayoría de los biógrafos de Paula ven en este comportamiento la señal de un cierto remordimiento de este hombre, que hasta ese momento sólo había considerado a la joven mujer como la esposa de su amigo Otto Modersohn. Paula, durante su vida, parece no haber vendido más de cinco lienzos. Sin embargo y gracias a las distintas exposiciones organizadas por Vogeler, algunos coleccionistas informados observaron la originalidad de los cuadros y adquirieron aún más. Entre ellos se encuentran Herberto von Garvens y August von Der Heydt, el cual compró más de veintiocho lienzos bajo el impulso de Rainer Maria Rilke. El benefactor Ludwig Roselius, por su parte, financió la apertura del museo Paula Modersohn-Becker, en Bremen. En 1913 se expusieron 129 lienzos en el Kunsthalle de Bremen, que atrayeron cada vez más admiradores debido a su originalidad formal y su potente simbolismo.

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Modersohn-Becker – Selbstbildnis, Halbfigur nach links, eine Schale und ein Glas haltend – ca1904

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Modersohn-Becker – Mädchen mit Feuerlilien

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Modersohn-Becker – Mädchen mit Kind vor roten Blumen – 1902

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Modersohn-Becker – Brustbild einer alten Frau im Profil

En 1917, con motivo del décimo aniversario de la muerte de Paula Modersohn-Becker, la asociación Kestner de Hannover, organizó una gran exposición de su obra y publicó un extracto de sus cartas y su Diario. La recopilación, que apareció bajo el título Un artista: Paula Becker-Modersohn – Cartas y Diario, adquirió un gran éxito y dio a conocer a la pintora. Estos textos se republicaron varias veces, incluso en un libro de bolsillo después de la Segunda Guerra Mundial. Contribuyó a difundir un retrato bastante sentimentalista de su autora, reduciéndola a algunas características ridículas: una joven mujer, soñando convertirse en un artista, consigue superar todos los obstáculos, se garantiza un posible destino casándose con un artista reconocido, se siente prisionera al cabo de algunos años e intenta romper el yugo para morir finalmente poco después pariendo. Esta admiración experimentada por la determinación con la cual Paula buscó su propia vía artística, paradójicamente, condujo a falsear el punto de vista de su obra. Los escritos muy personales de Paula Modersohn-Becker, que no se habían sido condebidos para publicarse, contienen un tono romántico y exaltado que entra en contradicción con la lengua ilustrada de la artista. En su prólogo a la edición completa parecida en 1979, Günter Busch deplora así que Paula Modersohn-Becker se tome para un “personaje fantástico e iluminado”. A eso se añade que los extractos elegidos en 1917, a menudo, no se acompañaban de las numerosas correcciones que les correspondían. Esta es la razón por la que se podía por ejemplo leer la premonición hecha por la joven mujer de su muerte precoz, por la enfermedad que contrajo en su primera estancia en París, pero no el “y que eso duré aún mucho tiempo” que añadió con alivio más tarde, después de haber recuperado la buena salud.

En el cine
Paula Modersohn-Becker fue representada en el film alemán “Paula” (2016), dirigida por Christian Schwochow. La película repasa la trayectoria y evolución artística, como el paso por Worpsede y París, de Paula Becker, interpretada por la actriz Carla Juri. El film, que obtuvo dos premios del Cine Alemán y recibió buenas críticas, también aparecen la artista Clara Westhoff, el pintor Otto Modersohn y el poeta Rainer Maria Rilke, interpretados por Roxane Duran, Albrecht Schuch y Joel Basman, respectivamente


El museo Paula Modersohn-Becker en Bremen
El museo Paula Modersohn-Becker, situado en Bremen en la famosa calle de Böttcherstrasse, exponé una selección de las mejores obras de la artista. El museo y su edificio de estilo expresionista deben su existencia a una iniciativa del benefactor local Ludwig Roselius. que encargó a Bernhard Hoetger trazar los planos e instaló allí su colección personal de lienzos. El museo abrió sus puertas el 2 de junio de 1927 bajo el nombre de “Casa Paula Becker-Modersohn” (Paula-Becker-Modersohn-Haus) Roselius en efecto había manifestado el deseo de hacer figurar el nombre de la joven muchacha de Paula. La colección de Ludwig Roselius pudo luego extenderse regularmente por medio de nuevas adquisiciones y, a partir de 1978, gracias al apoyo financiero de la Fundación Paula Modersohn-Becker.

El museo contiene por otro lado un conjunto de esculturas, de cuadros y de dibujos de Bernhard Hoetger, además un espacio es reservado para las exposiciones temporales.

Homenaje de el Doodle de Google

142º aniversario del nacimiento de Paula Modersohn-Becker

Paula Modersohn-Becker

Expresionismo




Coronaviruses 004 lores.jpg

Coronaviruses are a group of viruses that have a halo, or crown-like (corona) appearance when viewed under an electron microscope. The coronavirus is now recognized as the etiologic agent of the 2003 SARS outbreak. Additional specimens are being tested to learn more about this coronavirus, and its etiologic link with Severe Acute Respiratory Syndrome.

Los Coronavirus son un género de virus ARN de vertebrados de Coronaviridae.1​ Son virus envueltos con un genoma de ARN de cadena sencilla con polaridad positiva y simetría helicoidal. El tamaño genómico de los coronavirus varía entre 16 a 31 kilobases, un virus de extraordinaria longitud. El nombre coronavirus deriva de la apariencia de la envoltura bajo el microscopio electrónico de estar coronado con un anillo de estructuras redondeadas. Esta morfología está formada por proyecciones (peplómeros) de la envoltura, que son proteínas que salen de la superficie del virus y le determina el tropismo por su hospedador.

Coronavirus de Oriente Medio

 

En febrero de 2013 la OMS informó que el riesgo de una transmisión sostenida persona a persona parecía ser bastante bajo.​ El Centro Europeo para la Prevención y Control de Enfermedades (ECDC), una agencia independiente de la Unión Europea establecido en 2005 para mejorar la defensa de Europa contra las enfermedades infecciosas se encuentra estudiando la evolución del MERS-CoV desde febrero de 2013. El 29 de mayo de 2013, la Organización Mundial de la Salud advertía que el virus MERS-CoV es una amenaza a nivel mundial.

Se cree que la investigación actual sobre el SARS podría proporcionar un modelo útil para el desarrollo de tratamientos y vacunas contra la infección por MERS-CoV.49​50​ Se están desarrollando vacunas para intentar prevenir la enfermedad.

Cada vez más resistente a la ribavirina.




Diatomeas (fitoplancton) vistas a través de un microscopio.
Prof. Gordon T. Taylor, Stony Brook University – corp2365, NOAA Corps Collection




Se entregaron los premios a lo mejor de la temporada teatral marplatense

Se entregaron los premios a lo mejor de la temporada teatral marplatense Crédito: Mauro V. Rizzi

Premios Estrella de Mar se entregaron anoche en el teatro Auditorium de Mar del Plata y Fátima Florez mereció el Oro de los galardones del Ente Municipal de Turismo (EMTUR). En la ceremonia, conducida por Viviana Canosa y Julián Labruna, Como el culo fue elegida como la mejor comedia y La Panadera de los poetas se llevó el reconocimiento al mejor drama.

Esta es la lista de todos los ganadores de los Estrella de Mar 2018:

Mejor espectáculo de teatro marplatense

La penúltima oportunidad

 

Frente a Adele. por Since; Benilde; Intervención femenina, el pacto; Invisible, la verdad es la mentira más eficiente.

Espectáculo de música marplatense

Punto de partida, por Los Chakras

 

Frente a A pura música cubana y latin jazz, por The Cosmopolitan Jazz Quartet; Del Hoyo Trío, por Del Hoyo Trío; Orquesta típica Rayuela, por Quinteto Rayuela.

Espectáculo de danza marplatense

Gala de Ballet, clásico y moderno

Frente a Ellas, ella y Hasta dónde.

Espectáculo integral

Quereme así. piantao, por Maximiliano Guerra y Ballet del Mercosur

Frente a ¡Piedad! ¡Piedad!, por Los Amados y 30 años de Homenaje, por The beats

Teatro musical

Asesinato para dos;

Frente a Bollywood, una industria sin estrellas; El show de la Menopausia y Manzi, la vida en Orsai

Espectáculo unipersonal

No me mates

Frente a 2041: Mi vida de perfil; El legado; Haikus y La muerte de Marguerite Duras.

Espectáculo unipersonal de humor

La malcriada, ópera insolente;

Frente a Otra vez sopa!, por Enrique Pinti; Pablo Vasco, Stand Up en 3D; Quién es Jey Mammon? y Yo, nerd, por Pablo Molinari.

Espectáculo de humor

La chica del verano;

Habemus Gato (rían por mí); Ritmos latinos y Sanata! Stand up.

Teatro alternativo

El zapato indómito;

Frente a Hijo del campo; La Shoa. Holocausto; Othelo, termina mal y Tita, un sentimiento popular.

Drama

La Panadera de los Poetas;

Frente a Las heridas del viento y Línea de tres.

Como el Culo fue la comedia más premiadaComo el Culo fue la comedia más premiada Crédito: Mauro V. Rizzi
Comedia

Como el culo;

Frente a Entre ella y yo; Mi vecina favorita y Plaza Suite.

Comedia dramática

El ardor;

Frente a Así de simple; El loco y la camisa; Filomena Marturano y Los puentes de Madison.

El elenco de El ArdorEl elenco de El Ardor Crédito: Mauro V. Rizzi
Revista

La revista está en el Victoria;

Frente a Cocodrilo; Circo y varieté y Magnífica, La Gran Revista.

Variedades

Wayra. Fuerza Bruta;

Frente a Delirio, risas y brillantes; y Manhattan, la Ciudad que nunca duerme.

Music hall

Bossi Master Show;

Frente a Fátima Superstar.

Espectáculo infantil

Sueños y fantasías: Un mundo de dulzura;

Frente a Maimará y Tres princesas en apuros, el musical.

Comedia musical infantil

Todo lo que trae un tren;

Frente a Agrabah, la ciudad de los tesoros; y Había una vez, el libro poderoso.

Recital

Bandana Íntimo, por Bandana;

Frente a Estilos criollos, por Rodrigo de la Serna y el Yotivenco; Exiliado; Marcela Tarifeño – Jazz & Soul, por Marcela Tarifeño Cuarteto y T res en clave: música popular para todos los gustos.

Autor nacional

El ardor, de Alfredo Staffolani;

Boulevard Sur, de Sebastián Amante y La música del viento, de Merceditas Elordi.

Actuación femenina marplatense

Lucía Cardozo por 2041: Mi vida de perfil, Confusa y Línea de tres;

Frente a Agustina Gioe por Benilde, Línea de tres y Turismo rural avistaje de gallinas; Alita Núñez por La piedad: esos yuyos que crecen entre las flores y Las cosas que faltan; Belén Pedernera por Intervención femenina, el pacto; Natalia Elías por Stefi la promesa y Turismo rural avistaje de gallinas.

Actuación masculina marplatense

Marcelo Goñi por El zapato indómito;

Frente a Eduardo Liuzzi por El descensor y El veneno del teatro; Leandro Molina por Natalina, y Mario Carneglia por Turismo rural avistaje de gallinas.

Todos los ganadoresTodos los ganadores Crédito: Mauro V. Rizzi

Dirección marplatense

Mario Carneglia por 2041: Mi vida de perfil, Intervención femenina, el pacto, Línea de Tres, Stefi la promesa y Turismo rural avistaje de gallinas

Frente a Gonzalo Pedalino por Benilde y Natalina; Graciela Spinelli por Manzi, la vida en Orsai; Leo Rizzi por Todo lo que trae un tren, y Sebastián Villar por El zapato indómito.

Coreografía

Ariel Pastochi por Cocodrilo, circo y varieté;

Francisco Arriagada por Magnífica, La Gran Revista; y Maximiliano Ortuño por La revista está en el Victoria.

Vestuario

Martina de la Torre por Sueños y fantasías: Un mundo de dulzura

Escenografía

Daniel Feijoo por Como el culo

Iluminación

Pablo Vaiana por Bossi Master Show

Dirección

Gonzalo Castagnino por Asesinato para dos

Producción artística

Javier Faroni por Como el culo, El show de la menopausia y Los puentes de Madison

Producción integral marplatense

Teatro de la Bestia por 2041: Mi vida de perfil, Intervención femenina: el pacto, Línea de Tres, Stefi la promesa y Turismo rural avistaje de gallinas.

Actuación femenina de reparto

Fernanda Metilli por Como el culo;

Frente a Magdalena Pardo por Así de simple y María Rojí por Plaza Suite.

Actuación masculina de reparto

Jorge Seleme por Así de simple y La Panadera de los Poetas;

Frente a Gonzalo Suárez por Como el culo, y Joaquín Berthold por El ardor.

Revelación

Santiago Magariños por El ardor;

Frente a Julia Dorto por Así de simple; Julián Paz Figueira por El loco y la camisa; y Sabrina Amuchástegui por Quereme así. piantao.

Labor cómica femenina

Fátima Florez por Fátima Superstar;

Frente a Elvira Gómez por Othelo, termina mal, y Luisa Albinoni por Magnífica, la gran revista.

Labor cómica masculina

Julián Labruna por Fátima Superstar;

Frente a Horacio Sansivero por La chica del verano; Santiago Bal por Cocodrilo. Circo y Varieté, y Roberto Peña por La revista está en el Victoria.

Actuación protagónica femenina de comedia

Marta González por El show de la menopausia;

Frente a Ana María Piccio por Plaza Suite; Lizy Tagliani por Mi vecina favorita; María Valenzuela por El show de la menopausia, y Soledad García por Entre ella y yo.

Actuación protagónica masculina de comedia

Nicolás Scarpino por Como el culo;

Frente a Arnaldo André por Plaza Suite; Santiago Otero Ramos por Asesinato para dos; Sebastián Almada por Mi vecina favorita, y Sebastián Presta por Entre ella y yo.

Actuación protagónica femenina de comedia dramática

Claudia Lapacó por Filomena Marturano;

Frente a Araceli González por Los puentes de Madison; y Valentina Bassi por El ardor.

Actuación protagónica masculina de comedia dramática

Patricio Paz por La música del viento;

Frente Antonio Grimau por Filomena Marturano; Facundo Arana por Los puentes de Madison, y Luciano Cáceres por El ardor.

Actuación protagónica femenina de drama

Merceditas Elordi por El legado;

Alcira Davín por Manzi, la vida en Orsai; Analía Caviglia por Tita, un sentimiento popular; Carina Zelaschi por Penélope en viaje, y Virginia Lago por La Panadera de los Poetas.

Actuación protagónica masculina de drama

Miguel Jordán por Las heridas del viento;

frente a Darío Landi por Manzi, la vida en Orsai, y Lucas Ferraro por Segunda princesa.

Música original

Maimará, por Gabriela Zabála;

Lazos eternos, historia de tres amores, por Mariano Frumento; y Stefi, la promesa, por Javier Dángelo.

Estrella de Mar de Oro

Fátima Florez.

FUENTE: LA NACION




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Paulina Luisi Janicki (Colón, Entre Ríos, Argentina, 1875 – Montevideo, Uruguay, 1949) fue una médica, profesora y activista feminista uruguaya

Biografía
El padre, Ángel Luisi Pisano, italiano, quien trajo a América sus ideas masónicas de libertad, y la madre, María Teresa Josefina Janicki hija de polacos exiliados en Francia. Llegaron a Entre Ríos, Argentina, recién casados en 1872 y en 1878 se trasladaron a Paysandú, Uruguay. En 1887 se instalaron en Montevideo.

Los Luisi Janicki fueron una familia de trabajadores y educadores que se desarrolló en un ambiente de resistencia y rebeldía, de pensamiento muy liberal para la época. Todas sus hijas estudiaron magisterio y algunas de ellas siguieron carreras universitarias siendo de las primeras mujeres profesionales del Uruguay. Sus hermanas Luisa como poeta y pedagoga, Clotilde como abogada e Inés como médica también tuvieron una destacada actividad profesional. Paulina estudió en el Internado Nacional de Magisterio, bajo la dirección de María Stagnero de Munar, a quien siempre reconoció como ejemplo en su formación

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Primera médica del Uruguay
Caetch – Own work

Como académica y médica
Paulina Luisi fue la primera mujer uruguaya que cursó estudios en la Facultad de Medicina de Universidad de la República. Comenzó la carrera en 1900 y se recibió en 1908. Obtuvo el título de Doctora en Medicina, siendo además ginecóloga, docente, promotora y activista por los derechos de la mujer. En 1923 obtuvo la especialización en Dermatología y Enfermedades venéreas en París.

Su doctrina versaba sobre la eliminación de la trata de blancas, del proxenetismo y de la prostitución, ya que consideraba que estas actividades eran un comercio sobre el cuerpo de la mujer. En su libro Otra voz clamando en el desierto abogaba por la eliminación de la reglamentación sobre prostitución, que indicaba dónde, en qué horarios y la obligación de las mujeres que ejercieran la prostitución a indicarlo con una tarjeta que además incluyera información sobre su salud venérea​

En sus trabajos entendía que la educación sexual debía ser integrada a la educación para ambos sexos, ya que era responsabilidad tanto de varones como de mujeres una adecuada salud sexual para prevenir enfermedades venéreas.4​ En 1906 propuso a la Dirección de Instrucción Pública el primer proyecto sobre educación sexual en Uruguay.

Como activista
Fue fundadora del Consejo Nacional de la Mujer Uruguaya en 1916 y de la Alianza Uruguaya de Mujeres en 1919, que luchaba por el voto femenino que terminó concretándose en las elecciones generales de 1938. Sus ideas y su trabajo se han propagado como valores universales por los derechos de la mujer en el mundo entero.6​ Su casa oficiaba de consultorio médico y en forma simultánea, albergaba la sede del Consejo Nacional de Mujeres.6​ Fue directora de una revista que defendía los derechos de las mujeres llamada Acción Femenina publicada en 1917 en Montevideo.

Como política
Se vinculó con el Partido Socialista del Uruguay que se había fundado en 1910 en Montevideo, donde encontró un lugar donde luchar por los derechos culturales y civiles de las mujeres. .Esa época fue durante el segundo gobierno de José Batlle y Ordoñez donde se comenzó a debatir para la aprobación del derecho a voto femenino pero no fue hasta 1927 cuando se efectiviza con el Plebiscito de Cerro Chato.

Obras
Pedagogía y conducta sexual (1950)
Otra voz clamando en el desierto: proxenetismo y reglamentación (1948)
La mujer uruguaya reclama sus derechos políticos (1929)
Una vergüenza social: la reglamentación de la prostitución (1919)
Algunas ideas sobre eugenesia (1916)
Homenajes y reconocimientos
Se han realizado diversos homenajes a esta destacada mujer entre ellos hay una sala en el Centro Hospitalario Pereira Rosell, una ONG que trabaja por los derechos de las mujeres y niños llevan su nombre. En el Palacio Legislativo del Parlamento Uruguayo hay una sala que lleva su nombre4​ y una calle en Montevideo la homenajea y recuerda.(wikipedia)

 

Citas


«La educación femenina, lejos de despertar y desarrollar el sentimiento de la personalidad, tiende por el contrario a aniquilarlo, en obsequio de la más o menos posible realización social de mujer casada, es decir, de ser humano obligado por las costumbres y las leyes a un perfecto renunciamiento de sus anhelos y sus ideas ante la personalidad de otro ser a quien debe obediencia y respeto».
Fuentes, Ser médico, Salud, Paulina Luisi, 1918.


«En este país, que sin embargo es el mío, carezco de la autoridad requerida para hablar de asuntos serios, científicos o sociales, porque la pícara naturaleza no me concedió el privilegio de pertenecer al sexo masculino»
Fuentes, La pícara naturaleza de una pionera.


«Cuando oímos, como hace pocos meses, a los hombres encargados por el pueblo de reformar la carta magna de la Nación clamar con inconsciente suficiencia que la misión de la mujer es la guardia del hogar y la procreación de los hijos; pensábamos con amargura en el hogar de las sirvientas como nosotras mujeres.; pensábamos en los miles de mujeres que, a la par del hombre, pero con menos salario que él trabajan de sol a sol, en las fábricas y en los talleres; en las innumerables empleadas que de pie cruelmente obligadas a ello por un mezquino sueldo, pasan encerradas en los talleres; en otras más miserables aún que, al precio de un salario de hambre, cosen catorce y dieciséis horas para los registros; en las telefonistas, que con quince faltas en el plazo de 13 meses pierden la efectividad de su empleo y nos preguntábamos qué salvaje ironía o qué obtusa inconsciencia inspiraban las palabras de aquellos constituyentes que no tuvieron reparo en negar a la mujer el derecho a la vida ciudadana, en nombre del más sagrado de todos los deberes; pero que, a estas esclavas del hambre, siquiera en nombre de la maternidad humillada, no saben proteger como legisladores, ni muchas veces saben respetar como hombres».
Fuentes, Nuestro Programa. Acción Femenina, no. 1, julio de 1917


«En toda cuestión social, lo primero que hay que hacer es empezar, es pues una cuestión de grados. Después de la conquista del sufragio, nacerán otras aspiraciones» /que/ «conseguirán la transformación del régimen capitalista actual».
Fuentes,A. G. N. Particulares. C. 252. C1, f. 211. Recortes.

Ref:

5 precursoras del voto femenino en América Latina, BBC

Periodismo político femenino ensayo sobre las revistas feministas en la primera mitad del siglo XX, Edit Rosalía Gallo, Editorial: Buenos Aires Inst. de Inv. Históricas Cruz del Sur, 2013,

PAULINA LUISI Primera Mujer Médica en UruguayPaulina Luisi. Liderazgo, alianzas y desencuentros de las sufragistas

 




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¡Un esquiador frente a la basílica de Montmartre!
JOEL SAGET / AFP

La nieve transforma la capital parisina, pero también perturba la vida cotidiana de los habitantes y turistas: la torre Eiffel debió cerrar, los autobuses dejaron de circular en la noche del martes y los trenes funcionan con retrasos.

París nevada /RFI

Fuente; RFI




Débora Pérez Volpin (Legislatura).jpg Q.E.P.D.

Débora Pérez Volpin (Buenos Aires, 30 de diciembre de 1967 – Buenos Aires, 6 de febrero de 2018) fue una periodista argentina, política y presentadora de televisión.

Fue candidata a diputada de la Ciudad de Buenos Aires por el frente Evolución de Martín Lousteau.

Infancia y adolescencia
Desde muy niña soñaba con estudiar medicina debido a que su padre fue uno de los directores del Hospital Juan A. Fernández (de la ciudad de Buenos Aires), pero también quería realizar la carrera de Ciencias de la Comunicación Social. Realizó sus estudios secundarios en el Colegio Nacional de Buenos Aires donde tuvo su primera experiencia en comunicación al haber participado en la realización de la revista del colegio. Según Débora dicha publicación era muy prestigiosa como medio de información para los estudiantes.

Cuando finalizó el ciclo secundario, a mediados del mes de diciembre, decidió inscribirse para efectuar la carrera de medicina que iniciaría en marzo del año siguiente; sin embargo decidió comenzar su carrera de Comunicación social y cuando cursó la materia Semiología, se dio cuenta que su auténtica vocación se había inclinado hacia esta última carrera.

Sus comienzos
Su primer trabajo en los medios fue como productora en Radio Belgrano, en un magazine de Enrique Vázquez que salía al aire a las 7:00. Cursó sus estudios de noche y, en tanto, trabajaba en la universidad.

Realizó aportes para medios gráficos como la revista 13/20, para jóvenes.

Trabajó para Editores Asociados que publicaban revistas como “Ser Única”, “Emmanuelle” y toda una serie de revistas en las cuáles se desempeñó como redactora.

Hizo colaboraciones para los diarios Diario Popular, La Nación y Clarín.

Su ingreso a Artear
En 1992, ingresó a Artear junto a un grupo de jóvenes periodistas que estaban en calidad de pasantes; donde los requisitos de ingreso consistían en que debían ser egresados de la carrera de comunicación y tener una breve experiencia en medios. Débora cumplía con esos requisitos. Ella, al igual que todo el grupo que había ingresado, comenzó en producción y estaba bajo las órdenes de Ricardo Pipino que tenía como función formar el nuevo canal que se iba a estrenar, Todo Noticias.

La primera tarea de Débora fue llamar a los canales del interior de Argentina para explicarles que iba a existir un canal de noticias, las veinticuatro horas del día, los 365 días del año, que tenía un principio federal ya que cuando ocurriera algo en alguna localidad o ciudad del interior, el canal que estuviera en dicha localidad debía mandar la cobertura de la noticia a Artear. En definitiva se estaba formando una red federal de comunicación en los medios, que continúa aún vigente.

Durante todo un año pasó por diferentes áreas de la producción, de 16 a 1 de la mañana.

Notera y movilera
Su fervor era ser cronista en la calle; lo consiguió un verano, donde hacía suplencias a cronistas que se habían tomado sus vacaciones. Como notera estuvo 4 años donde trabajó de 6 de la mañana hasta la noche y su función era estar en la calle todo el día junto con un camarógrafo e ir enviando el material que realizaban para que otro lo editara y luego se transmitiera al público según la decisión de las autoridades de la Dirección de Noticias del canal. Después comenzó a hacer móviles e incluso informes especiales para Telenoche.

Conducción de noticieros
En 1996 llegó a ser conductora de Todo Noticias.

Uno de los momentos que recuerda Débora, fue una madrugada cuando hubo una convención de la Unión Cívica Radical, donde Todo Noticias estaba cubriendo tal acontecimiento, y fue ella la encargada de comenzar y terminar la cobertura que se estaba realizando en dicha asamblea.

Como conductora -cuando no lo hizo sola- trabajó en compañía de José Antonio Gil Vidal, Mario Mazzone, Juan Micelli, Marcelo Lobo, Luis Otero, Santo Biasatti y Marcelo Bonelli.

De 2004 a 2005, condujo En síntesis junto con Juan Miceli.

Arriba Argentinos
El 25 de abril de 2005 nació el noticiero Arriba Argentinos, (por El Trece de lunes a viernes de 7:00 a 9:30), que la consagró como conductora. Comenzó conduciéndolo junto a Juan Micelli. Hasta 2017, en dicho ciclo fue acompañada por Marcelo Bonelli, Marcelo Fiasche, Alejandra Peñalva y Nazarena Di Serio. Una característica de este noticiero es el aliento a los televidentes a comenzar el día con una actitud positiva.

Dicho noticiero es el programa más visto en su franja. Sus admiradores crearon foros en diferentes páginas web y grupos en Facebook donde subían fotos y vídeos de la conductora.

El 21 de junio de 2017 tras 24 años renuncia a Canal 13 (luego de 12 años de conducción del programa) y Todo Noticias para ser candidata a la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires

Otros trabajos
Pérez Volpin también trabajó en Canal A con los programas Anecdotario y Entre paréntesis.

En Radio Mitre condujo Según como se mire (2008).

En el año 2017 se presentó como diputada para la legislatura por la Ciudad de Buenos Aires por el frente Evolución de Martín Lousteau.

Fallecimiento
Falleció el 6 de febrero de 2018 a causa de un paro cardíaco en respuesta a la anestesia durante una endoscopia en el Sanatorio Trinidad de Buenos Aires.

 

Tuve el placer de conversar con ella personalmente, una excelente periodista, transparente, cálida Realmente no lo puedo creer, me cuesta procesar esta noticia.

(MC)

 

 



{6 febrero, 2018}   Carnaval 2018

agitandobanderinloselegantescarnival girlantifazbrillacarnivalumbrellahuracannnmarciano

Murgas: Villarreal y Los Elegantes de Palermo



{3 febrero, 2018}   Intervención (arte)

 

Cúpula de metal y cristal sobre el Edificio del Reichstag de Berlín, de Norman Foster (1999). Además de esta intervención en forma de adición funcional y estética permanente, el edificio también había sido objeto previamente de una intervención temporal (en el sentido de acción artística original y diferenciada) de Christo (1992).Arnoldius – Fotografía propia

El Pont Neuf de París forrado con papel de embalar por Christo en 1985.AirairTrabajo propio

Intervención de Eberhard Bosslet en un paisaje natural de la isla de El Hierro, desde 1983.Bossletpublicart – Trabajo propio

Intervención de Spencer Tunick en Ámsterdam, 2007.Antony Antony from Amsterdam, Netherldands – 20070623-172807-4906 Uploaded by Szczebrzeszynski
spencer tunik installation in amsterdam. Photographed on the June 3, 2007 @ Leliegracht amsterdam http://www.dreamamsterdam.nl/

 
Intervención, en arte, es un término polisémico, que según el contexto tiene significados diferentes:

Intervención como continuación o modificación de una obra de arte[editar]
Como adición de contenido (funcional y estético) sobre una obra de arte anterior, la intervención es la acción de completarla (por estar inacabada) o bien de modificarla con un nuevo criterio. Es una constante especialmente en la arquitectura, cuyos edificios pueden estar en construcción durante largos periodos de tiempo, por ejemplo: la terminación de una catedral románica en estilo gótico, el remate de la catedral de Florencia con la cúpula renacentista de Brunelleschi, las sucesivas modificaciones de la Basílica de San Pedro de Roma, las del Palacio del Louvre de París, o la construcción del Templo Expiatorio de la Sagrada Familia de Barcelona; ha sido una constante histórica que las intervenciones más atrevidas, las que cambian radicalmente el aspecto de los edificios, especialmente de los considerados emblemáticos, hayan sido polémicas entre sus contemporáneos.

Las intervenciones también se producen en pintura o escultura: la modificación de El Juicio Final de Miguel Ángel por Daniele da Volterra il Braghettone; u otras mutilaciones o sustituciones de rostros o partes del cuerpo de figuras que se producen por criterios morales o políticos (damnatio memoriae). En muchas ocasiones, la intervención sobre una obra terminada la realiza su mismo autor, con diferentes criterios (son célebres las de William Turner y otros pintores ingleses de finales del XVIII y principios del XIX durante los días de barnizado que precedían a las exposiciones académicas). Si se realizan durante el mismo proceso de creación se denominan pentimenti (arrepentimientos).

Intervención como acción artística original y diferenciada sobre un espacio
Como acción artística original y diferenciada, la intervención es la que modifica alguna o varias de las propiedades de un espacio, que pasa a ser un espacio artístico por el simple hecho de que un artista decida desarrollar sobre él su actividad. Su condición de obra de arte no es evidente en un sentido material, puesto que la mayor parte de las veces estas intervenciones son por su propia naturaleza arte efímero, no destinado a perdurar, sino a desmontarse pasado un breve tiempo, y sus restos materiales no tienen la condición de obras de arte, sino de material de desecho. Paradójicamente, ese destino efímero lo comparten algunas obras de arte contemporáneo destinadas a perdurar, al menos en la voluntad de su creador, cuyo peculiar aspecto ha producido accidentes, al ser tomadas por alguien como simple basura o material de reciclaje, condiciones con las que no tienen ninguna diferencia material. Muy habitualmente no hay consenso social sobre la condición artística de una intervención, especialmente cuando se hace de forma espontánea o no se somete a permisos o regulaciones oficiales, con lo que puede ser considerada vandalismo o gamberrismo al no haber ninguna diferencia material con esos conceptos (graffitti, arte callejero).

Las intervenciones como acción artística suelen consistir en la ocupación física de parte del espacio público por objetos dispuestos en un determinado lugar por un artista, el uso de una determinada parte de un museo para un fin “no convencional”, u otras acciones imposibles de clasificar, porque no hay más límite a la modalidad de una intervención que la imaginación del artista. El término “intervención” es un vocablo en continua evolución, y según la rama del arte, la voluntad del artista o la obra misma, adquiere significados diferentes. Actualmente es más una palabra descriptiva de una obra, que una categorización en la que puedan ubicarse claramente obras con características comunes. La polémica que suele acompañar las intervenciones es considerada por los artistas como parte del resultado artístico que buscan, como provocación, y suscitan la reflexión sobre los límites del arte mismo y su relación con las instituciones y el mercado de arte, así como con los mismos conceptos de mercado, poder y sociedad.

Las vanguardias artísticas posteriores a la Primera Guerra Mundial (1918), especialmente el dadaísmo y el surrealismo, se caracterizaron por actividades artísticas no convencionales que pueden ser caracterizadas de instalaciones, como la recogida de objetos cotidianos para ser exhibidos como piezas de museo y la utilización de las piezas habituales de los museos como mero soporte de la actividad artística (Marcel Duchamp);4​ o la ocupación de espacios para la realización de actividades extravagantes, de la que fueron continuidad los happenings de mediados del siglo XX.

Desde finales del siglo XX, ya con el uso frecuente de esa denominación, las intervenciones de Christo lograron una enorme repercusión mediática (forrar islas enteras de color rosa, el Pont Neuf de París, el Edificio del Reichstag de Berlín).​ Similar impacto han tenido las convocatorias de grandes grupos de personas para desnudarse, adoptar una determinada postura y ser fotografiadas por Spencer Tunick

(wikipedia)

Instalación artística, Performance, Fluxus, Art bin y Arte ambiental.

Intervención (arte)



{1 febrero, 2018}   Virgen de la Candelaria

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Virgen de Candelaria en su camarín Yo – Mía2 de Febrero SOLEMNIDAD DE CANDELARIA 001.JPGSagrada Imagen de Nuestra Señora de Candelaria en su anda prosecional en el dia de su solemnidad el 2 de febrero. Managua,Nicaragua
MPNSC – Own work

La Candelaria es una fiesta popular celebrada por los católicos, que celebra la Presentación de Jesús en el Templo, la Purificación de la Virgen después del parto y la Virgen de la Candelaria, advocación mariana aparecida en Tenerife (Islas Canarias), al suroeste de España, en el siglo XV. Tiene lugar el 2 de febrero, Día de la Candelaria, y en algunos lugares (Canarias, Campillos, Palencia, Valls…) se extiende durante varios días, generalmente por ser la patrona del lugar. 

Inicialmente la fiesta de la Candelaria o de la Luz tuvo su origen en el Oriente con el nombre del Encuentro, posteriormente se extendió al Occidente en el siglo VI, llegando a celebrarse en Roma con un carácter penitencial. Aunque según otros investigadores, esta fiesta tuvo su origen en la antigua Roma, donde la procesión de las candelas formaba parte de la fiesta de las Lupercales.

Se celebra, según el calendario o santoral católico, el 2 de febrero, en recuerdo al pasaje bíblico de la Presentación del Niño Jesús en el Templo de Jerusalén (Lc 2;22-39) y la purificación de la Virgen María después del parto, para cumplir la prescripción de la Ley del Antiguo Testamento (Lev 12;1-8).

La fiesta es conocida y celebrada con diversos nombres: la Presentación del Señor, la Purificación de María, la fiesta de la Luz y la fiesta de las Candelas; todos estos nombres expresan el significado de la fiesta. Cristo, la Luz del mundo presentada por su Madre en el Templo, viene a iluminar a todos como la vela o las candelas, de donde se deriva el nombre de Candelaria.

Tras la aparición de la Virgen en Canarias y su identificación iconográfica con este acontecimiento bíblico, la fiesta empezó a celebrarse con un carácter mariano en el año 1497, cuando el segundo Adelandado de las Islas Canarias Pedro Fernández de Lugo, celebró la primera Fiesta de Las Candelas (ya como Virgen María de La Candelaria), coincidiendo con la Fiesta de la Purificación.3​4​ Más tarde esta advocación mariana y su fiesta serían llevadas a varias naciones americanas de mano de los emigrantes canarios.

Candelaria



{1 febrero, 2018}   Diluvio e inundaciones en Salta



{1 febrero, 2018}   Bienvenido Febrero!

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February, Leandro Bassano
Leandro Bassano, eigentlich: Leandro da Ponte, genannt Leandro Bassano, 1557 Bassano – 1622 Venedig

Febrero, Las muy ricas horas del duque de Berry, principios s. XV.
Hermanos Limbourg – R.M.N. / R.-G. Ojéda

Refranes en español


Cochinillo de febrero, con su padre al humero.

Cuando no llueve en febrero, no hay buen prado ni buen centeno.
En abril, poda el ruin; el bueno, en marzo o febrero.
En febrero, busca la sombra el perro.
Variante: En febrero busca la sombra el perro, pero a últimos, no a primeros.
Enero y febrero hinchan el granero, con su hielo y su aguacero.
Favor de señores y temporal de Febrero, poco duraderos.
Febrero, cebadero.
Febrero, siete capas y un sombrero.
Febrero loco y Marzo otro poco

 

Del latín februarius, a su vez de februum (“purificación”), por el ritual de Februa que se celebraba en este mes.

 

Símbolos de febrero 

La violeta


Su flor de nacimiento es la violeta ( Viola ) y la primavera común ( Primula vulgaris ).
Su piedra de nacimiento es la amatista . Simboliza la piedad, la humildad, la sabiduría espiritual y la sinceridad.

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2012 Tucson Gem & Mineral Show
Simeon87 – Own work

 

Astronomía 
Las lluvias de meteoros de febrero incluyen los Alpha Centaurids (que aparecen a principios de febrero), las Beta Leónidas , también conocidas como las Virgin Virginidas (que dura del 14 de febrero al 25 de abril, alcanzando su máximo alrededor del 20 de marzo), Delta Cancrids (del 14 de diciembre al 14 de febrero) alcanzando su punto máximo el 17 de enero, los Centaurids de Omicron (finales de enero a febrero, alcanzando su máximo a mediados de febrero), Theta Centaurids (23 de enero al 12 de marzo, solo visibles en el hemisferio sur), Eta Virginids (24 de febrero y 27 de marzo, alcanzando alrededor de marzo 18), y Pi Virginids (13 de febrero y 8 de abril, alcanzando su punto máximo entre el 3 de marzo y el 9 de marzo).

 

 

Mes del amor y la amistad

St. Valentine’s Day

Chocolates for St. Valentine’s Day
John Hritz from Ann Arbor, MI, USA – Flickr
Jacques Torres chocolates…mmmmComment gifs February

Patrones 
Con solo 28 días en años comunes, febrero es el único mes del año que puede pasar sin luna llena . Usando el Tiempo Universal Coordinado como la base para determinar la fecha y hora de la luna llena, esto último sucedió en 1999 y sucederá en 2018. [6] [7] Lo mismo es cierto con respecto a una luna nueva : otra vez usando el Tiempo Universal Coordinado como base, esto último sucedió en 2014 y sucederá en 2033. [8] [9]

Febrero también es el único mes del calendario que, una vez cada seis años y dos veces cada 11 años consecutivos, ya sea en el pasado o en el futuro, tiene cuatro semanas completas de 7 días . En los países que comienzan su semana un lunes, se produce como parte de un año común que comienza el viernes , en el cual el 1 de febrero es un lunes y el 28 es un domingo; esto ocurrió en 1965, 1971, 1982, 1993, 1999 y 2010, y ocurrirá nuevamente en 2021. En los países que comienzan su semana en domingo, ocurre en un año común que comienza el jueves , con la próxima ocurrencia en 2026, y ocurrencias previas en 1987, 1998, 2009 y 2015. El patrón se rompe en un año bisiesto salteado, pero ningún año bisiesto se ha omitido desde 1900 y no se saltará ningún otro hasta el 2100.

Febrero es el segundo mes del año en los calendarios juliano y gregoriano . Es el mes más corto del año, ya que es el único que tiene una duración de menos de 30 días. El mes tiene 28 días en años comunes o 29 días en años bisiestos , con el día número cuadrienal 29 llamado el “día bisiesto”.

Febrero es el tercer mes de invierno meteorológico en el hemisferio norte . En el Hemisferio Sur , febrero es el último mes de verano (el equivalente estacional de agosto en el hemisferio norte, en el cómputo meteorológico).

Historia 

 
El mes romano Februarius fue nombrado después del término latino februum , que significa purificación , a través del ritual de purificación Februa celebrada el 15 de febrero (luna llena) en el antiguo calendario romano lunar . Enero y febrero fueron los últimos dos meses que se agregaron al calendario romano, ya que los romanos originalmente consideraban el invierno como un período sin mes. Fueron añadidos por Numa Pompilio alrededor del 713 aC Febrero permaneció como el último mes del año calendario hasta el momento de los decemvirs (hacia 450 aC), cuando se convirtió en el segundo mes. En ciertos intervalos, febrero se truncó a 23 o 24 días, y se insertó un mes intercalario de 27 días, Intercalaris , inmediatamente después de febrero para realinear el año con las estaciones .

Las celebraciones de febrero en la Antigua Roma incluyen Amburbium (fecha exacta desconocida, Sementivae (2 de febrero), Februa (13 a 15 de febrero), Lupercalia (13 a 15 de febrero), Parentalia (13-22 de febrero), Quirinalia (17 de febrero), Feralia ( 21 de febrero), Caristia (22 de febrero), Terminalia (23 de febrero), Regifugium (24 de febrero) y Agonium Martiale (27 de febrero). Estos días no corresponden al calendario gregoriano moderno.

Bajo las reformas que instituyeron el calendario juliano , Intercalaris fue abolida, los años bisiestos ocurrieron regularmente cada cuatro años, y en los años bisiestos, febrero ganó 29 días. A partir de entonces, siguió siendo el segundo mes del año calendario, es decir, el orden en que se muestran los meses (enero, febrero, marzo, …, diciembre) dentro de un calendario de un año de un vistazo. Incluso durante la Edad Media, cuando el año numerado de Anno Domini comenzó el 25 de marzo o el 25 de diciembre, el segundo mes era febrero cada vez que se mostraban los doce meses en orden. Las reformas del calendario gregoriano hicieron ligeros cambios en el sistema para determinar qué años eran bisiestos y, por lo tanto, contenían un mes de febrero de 29 días.

Los nombres históricos para febrero incluyen los términos en inglés antiguo Solmonath (mes de lodo) y Kale-monath (llamado así por repollo ), así como la designación de Carlomagno Hornung. En finlandés, el mes se llama helmikuu , que significa “mes de la perla”; cuando la nieve se derrite en las ramas de los árboles, forma gotitas, y cuando se congelan de nuevo, son como perlas de hielo. En polaco y ucraniano , respectivamente, el mes se llama luty o лютий , que significa mes de hielo o helada fuerte. En macedonio, el mes es sechko (сечко), que significa mes de corte [madera]. En checo, se llama unoror , que significa mes de sumergir [del hielo del río].

En esloveno , febrero se llama tradicionalmente svečan , relacionado con carámbanos o candelabros . Este nombre proviene de sičan ,  escrito como svičan en el Nuevo Almanaque de Carniola desde 1775 y cambiado a su forma final por Franc Metelko en su Nuevo Almanaque de 1824. El nombre también se deletreaba sečan , que significa “el mes de tala de árboles “. 

En 1848, la Sociedad Eslovena de Ljubljana presentó una propuesta en Kmetijske in rokodelske novice para llamar a este mes talnik (relacionado con el derretimiento del hielo), pero no se mantuvo. La idea fue propuesta por un sacerdote, Blaž Potočnik.  Otro nombre de febrero en esloveno fue vesnar , después del personaje mitológico Vesna. (wikipedia)

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MES DE PURIFICACIÓN Y SANACIÓN

CIERRE DE CICLOS Y NUEVOS COMIENZOS

DEJAR IR DEJAR ENTRAR 




Matsumoto Yamaga, de la segunda división de Japón, presentó a sus refuerzos en un teatro y los hinchas se pusieron a cantar a la Mona Jiménez.






{31 enero, 2018}   Nahui Ollin

“Si queremos vivir, vivamos solamente para nuestra inteligencia, si no, muramos para ser menos animales.“
Nahui Olin (1893-1978)

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Carmen Mondragón
Mexdoomer – Trabajo propio

María del Carmen Mondragón Valseca (también conocida como Nahui Ollin) (Tacubaya, México, 8 de julio de 1893 – 23 de enero de 1978) fue una pintora y poetisa mexicana que nació en Tacubaya, hija del general Manuel Mondragón, en el seno de una familia acaudalada del Porfiriato, a finales del siglo XIX. Rubí de María Gómez señala que pudo haberse acercado a las ideas feministas e incluso se menciona la influencia de la ideología de Mary Wollstonecraft.  La filósofa María Cecilia Rosales incluso señala que el hecho de que se autorrepresentara en su pintura corresponde con su conocimiento del feminismo mexicano y anglosajón que la impulsó a explorar su creatividad.

Uno de los temas más recurrentes en la poesía de Carmen Mondragón es la libertad corporal de las mujeres, por lo cual resultó revolucionaria para su época. Entre sus obras publicadas en vida están: Óptica cerebral, poemas dinámicos (1922), Câlinement je suis dedans (1923), Á dix ans sur mon pupitre (1924), Nahui Olin (1927) y Energía cósmica (1937).

En el año 2012 la Universidad Autónoma de Nuevo León hace una compilación de sus obras bajo el título Nahui Ollin: sin principio ni fin. Vida, obra y varia invención, donde sin embargo no se publicaron las obras inéditas: Una molécula de amor y Totalidad sexual del cosmos, además de un poemario derivado de la muerte de Eugenio Agacino

Pintura
Su obra pictórica se inscribe dentro del naíf, que se distingue por la espontaneidad y la ingenuidad. Además de hacer múltiples autorretratos, con sus característicos ojos verdes, Carmen Mondragón recreó imágenes típicas de México, como sus parques, sus mercados o las pulquerías.Otras de sus obras se caracterizan por su erotismo y su exploración de la sexualidad.

Participó en una exposición colectiva en Bellas Artes en 1945, junto con pintores como Pablo O’Higgins y José Clemente Orozco. Sin embargo, poco a poco desapareció de la escena artística.

En 1993, con motivo del centenario de su nacimiento, se organizó la exposición Nahui Olin, una mujer de los tiempos modernos en el Museo-Estudio Diego Rivera en la Ciudad de México

Infancia y juventud
Quinta hija del general porfiriano Manuel Mondragón y Mercedes Valseca, perteneció a la burguesía de fines del siglo XIX. Su mamá la enseñó a tocar el piano y a escribir desde muy temprana edad.3​ Por comisión de su padre, quien diseñaba armas, toda la familia se mudó a París, Francia cuando ella tenía cuatro años y ahí habitó por ocho años.3​ En esta ciudad estudió en un internado donde también aprendería sobre diversas artes, como la danza clásica, la pintura, la literatura y el teatro.

Al pasar a la adolescencia, Carmen Mondragón regresó a la Ciudad de México y a los pocos años conoció a Manuel Rodríguez Lozano, quien era cadete en ese momento, y con quien contraería matrimonio en 1913. Juntos se van a vivir a París donde conviven con artistas como Diego Rivera, Georges Braque, Henri Matisse y Pablo Picasso. Al estallar la Primera Guerra Mundial, la familia Mondragón se refugia en San Sebastián, España donde la pareja comienza a pintar.​ Es en ese mismo lugar donde se cree nació su único hijo, que al parecer murió por asfixia o muerte de cuna. La relación no prosperó cuando regresaron a México en 1921. Se separaron después de que ella conociera a Doctor Atl y descubrir la homosexualidad de su esposo (quien después mantuvo una relación con Antonieta Rivas Mercado), de quien se divorció en 1922.

Retorno a México
En 1921 volvió a la Ciudad de México y se sumergió en la vida artística del país, donde resaltó por sus ideas de avanzada y su actitud provocadora. Convivió con personajes como José Vasconcelos, Frida Kahlo, Xavier Villaurrutia, Dolores del Río, Guadalupe Marín, Tereza Montoya, Tina Modotti, María Izquierdo, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros, Lupe Vélez y Salvador Novo. También modeló para pinturas de Rosario Cabrera, para el mural “La creación” de Diego Rivera, donde aparece como Erato, la musa de la poesía erótica; también posó para Jean Charlot y realizó desnudos para los fotógrafos Edward Weston y Antonio Garduño. Mondragón formó parte de ese grupo de mujeres que durante las décadas de 1920 y 1930 produjeron uno de los períodos más activos de la cultura y el arte en México, y a las que Elena Poniatowska bautizó como Las siete cabritas.

Ese mismo año inició una relación que duraría cinco años con el artista plástico Gerardo Murillo, mejor conocido como Doctor Atl, con quien vivió en el ex convento de La Merced. Todavía se conservan más de doscientas cartas escritas por ella y múltiples retratos que él le hizo. Es en esa etapa que ella toma el nombre de Nahui Olin (cuatro movimiento o perpetuo movimiento en náhuatl), en relación a la renovación cíclica del calendario mexicano. Ese período fue el más prolífico en la producción poética y pictórica en la vida de la artista.

En la película La fabulosa vida de Diego Rivera se menciona a Carmen Mondragón como una de las dos únicas mujeres integrantes de la Unión Revolucionaria de Obreros, Técnicos, Pintores, Escultores y Similares difundida en 1924 por “El Machete”, al lado de Carmen Foncerrada. En 1935 también fundó la Liga Feminista de Lucha contra las Toxicomanías, que buscaba erradicar los vicios que, a su juicio, no permitían el progreso del país; con ella pronto se unió a otros grupos que buscarían el voto femenino, la igualdad de derechos frente a los hombres, acceso al trabajo con apoyos a la maternidad, derecho a poseer tierras, la integración de las mujeres indígenas y el acceso a la educación para todas las mujeres.

Tras terminar su relación con el Doctor Atl, Mondragón conoce al caricaturista Matías Santoyo, con quien viaja a Hollywood. Ahí el director Rex Ingram le ofrece aparecer en una película, pero ella no acepta porque considera que quiere explotar su imagen como símbolo sexual, argumentando que con el desnudo ella busca más una existencia estética que rompiera tabúes en cuanto al desnudo en el arte.

A los cuarenta años conoció al capitán Eugenio Agacino, quien aparece en algunos de sus cuadros. Con él viajó a Cuba, España y Francia, donde participa en una exposición y da conciertos de piano. Cuando él muere, al parecer de ingesta de marisco en mal estado o de shock anafiláctico (no está claro), Carmen Mondragón se retiró de la vida pública, dedicando más tiempo a la escritura que a la pintura. Fue entonces cuando compuso su diatriba contra la teoría de la relatividad de Einstein que tituló Energía Cósmica, su libro más extraño, mezcla de conjunto de poemas, reflexiones, y asertos científicos.

Últimos años
Durante los últimos años de su vida, Carmen Mondragón vivió en el centro de la Ciudad acompañada de sus gatos. Se sostenía siendo maestra de pintura en una escuela primaria y con una beca proporcionada por Bellas Artes.

Murió en su casa de la infancia en Tacubaya el 23 de enero de 1978.

Los restos mortales de Carmen Mondragón descansan en el Panteón Español en la Ciudad de México. En el cuartel “Y” fosa 503, junto con su hermano y su sobrina.

Pintura
Su obra pictórica se inscribe dentro del naíf, que se distingue por la espontaneidad y la ingenuidad. Además de hacer múltiples autorretratos, con sus característicos ojos verdes, Carmen Mondragón recreó imágenes típicas de México, como sus parques, sus mercados o las pulquerías.5​ Otras de sus obras se caracterizan por su erotismo y su exploración de la sexualidad.

Participó en una exposición colectiva en Bellas Artes en 1945, junto con pintores como Pablo O’Higgins y José Clemente Orozco. Sin embargo, poco a poco desapareció de la escena artística.

En 1993, con motivo del centenario de su nacimiento, se organizó la exposición Nahui Olin, una mujer de los tiempos modernos en el Museo-Estudio Diego Rivera en la Ciudad de México. (wikipedia)



{31 enero, 2018}   *Luna Azul

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LUNA AZUL

Luna!… hay qué Luna!

Luna azul, cubre cada rincón

impregna la noche, impregna el espíritu

baña las aguas, baña montañas

nutre los campos, nutre las  plantas

refleja el suelo, refleja el cielo

influye en las almas,  influye en las mentes

 impacta en dolores, impacta en amores  

suaviza colores, suaviza emociones

 destello de luz oscuridad profunda

Luna Azul

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El Cinturón de Fuego del Pacífico (o Anillo de Fuego del Pacífico) está situado en las costas del océano Pacífico y se caracteriza por concentrar algunas de las zonas de subducción más importantes del mundo, lo que ocasiona una intensa actividad sísmica y volcánica en las zonas que abarca.

Incluye a Chile, Argentina, Bolivia, Perú, Ecuador, Colombia, Panamá, Costa Rica, Nicaragua, El Salvador, Honduras, Guatemala, México, Estados Unidos, Canadá, luego dobla a la altura de las islas Aleutianas y baja por las costas e islas de Rusia, Japón, Taiwán, Filipinas, Indonesia, Malasia, Timor Oriental, Brunéi, Singapur, Papúa Nueva Guinea, Islas Salomón, Tonga, Samoa, Tuvalu y Nueva Zelanda.

El lecho del océano Pacífico reposa sobre varias placas tectónicas que están en permanente fricción y por ende, acumulan tensión. Cuando esa tensión se libera, origina terremotos en los países del cinturón. Además, la zona concentra actividad volcánica constante. En esta zona las placas de la corteza terrestre se hunden a gran velocidad (varios centímetros por año) y a la vez acumulan enormes tensiones que deben liberarse en forma de sismos.

 

Erupción del Monte Santa Helena en 1980, una de las más violentas registradas.

Efectos del maremoto originado tras el terremoto de Chile de 2010.
El Cinturón de Fuego se extiende sobre 40 000 km (25 000 millas) y tiene la forma de una herradura. Tiene 452 volcanes y concentra más del 75 % de los volcanes activos e inactivos del mundo. Alrededor del 90 % de los terremotos del mundo y el 80 % de los terremotos más grandes del mundo se producen a lo largo del Cinturón de Fuego. La segunda región más sísmica (5-6 % de los terremotos y el 17 % de terremotos más grandes del mundo) es el cinturón alpino, el cual se extiende desde Java a Sumatra a través del Himalaya, el Mediterráneo hasta el Atlántico. El cinturón de la dorsal Mesoatlántica es la tercera región más sísmica.

El Cinturón de Fuego del Pacífico también alberga la mayoría de los supervolcanes del planeta; erupciones históricas de estas magnitudes, que se conocen como erupciones VEI=8, han causado numerosos estragos a escalas globales e incluso extinciones masivas de especies.

El Cinturón de Fuego es el resultado directo de la tectónica de placas, el movimiento y la colisión de las placas de la corteza terrestre.​ La sección oriental del Cinturón es el resultado de la subducción de la placa de Nazca y la placa de Cocos debajo de la placa Sudamericana que se desplaza hacia el oeste. La placa de Cocos se hunde debajo de la placa del Caribe en Centroamérica. Una porción de la placa del Pacífico, junto con la pequeña placa de Juan de Fuca se hunden debajo de la placa Norteamericana. A lo largo de la porción norte del cinturón, la placa del Pacífico, que se desplaza hacia el noroeste, está siendo subducida debajo del arco de las islas Aleutianas. Más hacia el oeste, la placa del Pacífico está subducida a lo largo de los arcos de la península de Kamchatka en el sur más allá de Japón. La parte sur es más compleja, con una serie de pequeñas placas tectónicas en colisión con la placa del Pacífico, desde las Islas Marianas, Filipinas, Bougainville, Tonga y Nueva Zelanda. Indonesia se encuentra entre el cinturón de Fuego a lo largo de las islas adyacentes del noreste, incluyendo Nueva Guinea, y el cinturón Alpide a lo largo del sur y oeste de Sumatra, Java, Bali, Flores y Timor.

Ecuador hay 31 volcanes que registran actividad o que podrían entrar en erupción.
Terremoto
En estos últimos tiempos, en 1979 hubo un fuerte sismo en Ecuador.13​ El más reciente es el terremoto de Ecuador de 2016, el cual ha tenido una magnitud de 7.8 Mw el día 16 de abril exactamente a las 18:58, siendo uno de los más fuertes que ha sufrido esta nación afectando varias ciudades del noroeste del país y causando la muerte de más de 900 personas, más de 10.000 heridos y varios desaparecidos. El día 18 de mayo dos réplicas golpeó al país.Una a las 2:57 de la madrugada y otra a las 11:42 del medio día.

Vulcanismo

Esta es una lista de volcanes activos y extintos de Ecuador. Los volcanes activos de Ecuador continental pertenecen a la Zona Volcánica Norte (ZVN) de los Andes la cual es parte del Cinturón Volcánico de los Andes. La Escuela Politécnica Nacional, también conocida como EPN es una universidad pública, ubicada en Quito, Ecuador. El Instituto Geofísico monitorea en los países volcanes en las montañas de los Andes de Ecuador y en las Islas Galápagos. El Instituto Geofísico, EPN monitorea en los países Volcán actividad en las montañas de los Andes de Ecuador y en las Islas Galápagos.

Volcanes: Chimborazo (6310 m s. n. m.), Cotopaxi (5987 m s. n. m.), Cayambe (5790 m s. n. m.), Antisana (5758 m s. n. m.) y El Altar (5319 m s. n. m.).

Volcán Tungurahua Erupción volcánica continua desde hace muchos añosEl Instituto Ecuatoriano de Geofísica reportó un rápido aumento en actividad sísmica, un número de explosiones y una nube de cenizas que alcanzó los 2 km (1,2 millas) de altura. Llegando la nube de ceniza a la ciudad de Guayaquil.18​

Volcán Tungurahua 2011
El 26 de abril de 2011 hubo otra erupción de proporciones considerables, lanzando una columna de ceniza que ascendió hasta los 12 km de altura.19​ 20​

Islas Galápagos, Ecuador
El Instituto Geofísico, E.P.N casas de equipos internationales Sismología y Vulcanología monitorea en los países volcanes en las Islas Galápagos.

Hoy Volcán Cotopaxi está experimentando una gran cantidad de nueva actividad ha sido registrado ya partir de la 2015 y es está bajo vigilancia constante por parte del Instituto Geofísica de EPN.21​22​23​

Isla Wolf (reciente erupción volcánica)
En el 25 de mayo de 2015, Isla Wolf (Galápagos) tenido una irrupción volcánica y ahora está siendo monitoreado por Geofísica Instituto Escuela Politécnica Nacional24​25​26​27​ En un informe que detalla la erupción , los investigadores del Instituto Geofísico de Ecuador EPN declararon que la columna de humo alcanzó una altitud de aproximadamente 15 kilómetros.

 

Nube de cenizas vistas desde la EEI.Actividad volcánica, Ubinas

Más sobre cinturón de fuego del Pacífico




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Nördlingen (en español áurico, Norlinga) es una localidad con más de  20.000 habitantes del distrito de Danubio-Ries, en Baviera, Alemania. Escenario de dos batallas (la de 1634 y la de 1645) acontecidas durante la guerra de los Treinta Años, la antigua Ciudad Imperial de Nördlingen se encuentra a lo largo de la Ruta Romántica, en medio de un cráter de meteorito, caído hace 15 millones de años, cuya extensión de casi 25 km de diámetro determina hoy en día la región del Ries de Nördlingen, y a una altura de 429 msnm.

Durante su construcción en la Edad Media se dice que fue construida con Diamantes porque el meteorito golpeó sobre un depósito de grafito generando  72.000 toneladas de diminutos diamantes.

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La ciudad fue erguida en la Era Medieval y está encerrada completamente por una muralla. Otras dos ciudades en Alemania también cuentan con una muralla que rodea la ciudad, Rothenburg ob der Tauber y Dinkelsbühl; sin embargo, solo la de Nördlingen se puede recorrer en toda su extensión, característica que la hace única en Alemania.

Cuenta con cinco puertas de entradas, 11 torres defensivas bien conservadas y un Alte Bastei (Vieja Bastilla). Aunque las puertas de la ciudad son puntos de atracción para los visitantes de todo el mundo, la más grande admiración se encuentra en su totalidad, en las casas dentro de la ciudad, conservadas desde el período de su gran prosperidad del Siglo XIV al XVI; así como también las magníficas fachadas de los edificios públicos y las casas de la clase social privilegiada hechas la mitad de madera y con estilo Renacentista y Barroco.

Se puede tener una fantástica vista de toda la ciudad al trepar los 90 metros hacia la cumbre del “Daniel”, torre de la Iglesia San Jorge, de estilo Gótico, y sello de Nördlingen. Es aquí donde los dos guardianes municipales de la torre trabajan en la cima de la torre, los cuales son los últimos de su clase en Alemania. El grito de los guardianes es también único: “So, G´sell, so”, lo que significa “todo bien, compañeros, todo bien”. Son ecos que se oyen en toda la ciudad cada media hora desde las 10 pm. hasta la media noche, y que en la antigüedad tenían como fin, tranquilizar las noches de los habitantes, ante cualquier ataque.

La ciudad cuenta con varios museos, entre ellos el museo bávaro de ferrocarriles con su centenar de véhiculos, el museo histórico (Stadtmuseum), el museo de la muralla (Stadtmauermuseum), el museo del cráter (Rieskratermuseum) y el Museum Augenblick (“museo del momento”) que alberga una colección de medios de comunicación del siglo XIX.

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Como dato anecdótico, la ciudad medieval de Nördlingen aparece en el anime Princess Tutu y Shingeki no Kyojin, así como en la película Willy Wonka y la fábrica de chocolates

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Son numerosas las fiestas que se celebran en el casco antiguo de Nördlingen, entre ellas la “Fiesta de la muralla” (Stadtmauerfest) que consiste en un espectáculo y mercado medieval. Cada año en mayo tiene lugar el “Stabenfest”, una gran fiesta de escolares que tiene sus orígenes en el año 1406, siendo la fiesta infantil con más tradición de Alemania. La “Feria de Pentecostés” (Pfingstmesse) fue en la Era Medieval una de las ferias comerciales más importantes de Europa. Hoy en día es una fiesta popular. El Scharlachrennen de Nördlingen es una famosa carrera de caballos.



{29 enero, 2018}   Premios Grammy 2018

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La ceremonia número 60 de los Premios Grammy se celebró el 28 de enero de 2018. La cadena CBS transmitió el programa en vivo desde el Madison Square Garden en la ciudad de Nueva York . Era la primera vez desde 2003 que la ceremonia se realizaba a las afueras de Los Ángeles (donde el Staples Center había sido el hogar de los Grammy desde 2004). James Corden regresó como anfitrión. 

La ceremonia reconoce las mejores grabaciones, composiciones y artistas del año de elegibilidad, que se extendió desde el 1 de octubre de 2016 hasta el 30 de septiembre de 2017. Las nominaciones se anunciaron el 28 de noviembre de 2017. La ceremonia de “pre-transmisión” (llamada oficialmente The Premiere Ceremonia) se llevó a cabo el mismo día antes de la ceremonia principal.

El espectáculo se movió a enero para evitar competir con los Juegos Olímpicos de Invierno 2018 en Pyeongchang , como fue el caso en 2010 y 2014 .

Record del año
” 24K Magic ” – Bruno Mars
Shampoo Press & Curl, productores; Serban Ghenea, John Hanes y Charles Moniz, ingenieros / mezcladores; Tom Coyne , ingeniero de masterización
” Redbone ” – Gambino infantil
Donald Glover y Ludwig Goransson , productores; Donald Glover, Ludwig Goransson, Riley Mackin y Ruben Rivera, ingenieros / mezcladores; Bernie Grundman , ingeniero de masterización
” Despacito ” – Luis Fonsi y Daddy Yankee con Justin Bieber
Josh Gudwin, Mauricio Rengifo y Andrés Torres, productores; Josh Gudwin y Jaycen Joshua , Chris “TEK” O’Ryan , Mauricio Rengifo, Juan G Rivera “Gaby Music”, Luis “Salda” Saldarriaga y Andrés Torres, ingenieros / mezcladores; Dave Kutch, ingeniero de masterización
” La historia de OJ ” – Jay-Z
Jay-Z & No ID , productores; Jimmy Douglass & Gimel “Young Guru” Keaton , ingenieros / mezcladores; Dave Kutch, ingeniero de masterización
” Humble ” – Kendrick Lamar
Asheton Hogan y Mike Will Made It , productores; Derek “MixedByAli” Ali, James Hunt y Matt Schaeffer, ingenieros / mezcladores; Mike Bozzi , ingeniero de masterización
Álbum del año
24K Magia – Bruno Mars
Shampoo Press & Curl, productores; Serban Ghenea, John Hanes y Charles Moniz, ingenieros / mezcladores; Christopher Brody Brown, James Fauntleroy , Philip Lawrence y Bruno Mars, compositores; Tom Coyne , ingeniero de masterización
“¡Despierta, mi amor!” – Gambino infantil
Donald Glover y Ludwig Goransson , productores; Bryan Carrigan , Chris Fogel, Donald Glover, Ludwig Goransson, Riley Mackin y Ruben Rivera, ingenieros / mezcladores; Donald Glover y Ludwig Goransson, compositores; Bernie Grundman , ingeniero de masterización
4:44 – Jay-Z
Jay-Z & No ID , productores; Jimmy Douglass & Gimel “Young Guru” Keaton , ingenieros / mezcladores; Shawn Carter y Dion Wilson, compositores; Dave Kutch, ingeniero de masterización
Maldición – Kendrick Lamar
DJ Dahi , Sounwave y Anthony Tiffith, productores; Derek “MixedByAli” Ali, James Hunt y Matt Schaeffer, ingenieros / mezcladores; K. Duckworth, D. Natche, M. Spears y A. Tiffith, compositores; Mike Bozzi , ingeniero de masterización
Melodrama – Lorde
Jack Antonoff y Lorde, productores; Serban Ghenea, John Hanes y Laura Sisk, ingenieros / mezcladores; Jack Antonoff y Ella Yelich-O’Connor, compositores; Randy Merrill, ingeniero de masterización
La canción del año
” Eso es lo que me gusta “
Christopher Brody Brown, James Fauntleroy , Philip Lawrence, Bruno Mars , Ray Charles McCullough II , Jeremy Reeves , Ray Romulus y Jonathan Yip , compositores (Bruno Mars)
” Despacito “
Ramón Ayala Rodríguez , Justin Bieber , Jason Boyd , Erika Ender , Luis Fonsi y Marty James Garton Jr., compositores (Luis Fonsi y Daddy Yankee con Justin Bieber)
“4:44”
Shawn Carter y Dion Wilson , compositores (Jay-Z)
” Problemas “
Benjamin Levin , Mikkel Storleer Eriksen , Tor Erik Hermansen , Julia Michaels y Justin Drew Tranter , compositores (Julia Michaels)
” 1-800-273-8255 “
Alessia Caracciolo , Sir Robert Bryson Hall II , Arjun Ivatury , Khalid Robinson y Andrew Taggart , compositores (Lógica con Alessia Cara y Khalid)
Mejor nuevo artista
Alessia Cara
Khalid
Lil Uzi Vert
Julia Michaels
SZA
Popular
Mejor actuación de Pop Solo
” Forma de ti ” – Ed Sheeran
” Love So Soft ” – Kelly Clarkson
” Rezando ” – Kesha
” Millones de razones ” – Lady Gaga
” Qué hay de nosotros ” – Rosa
Mejor rendimiento de Pop Duo / Grupo
” Feel It Still ” – Portugal. El hombre
” Algo así como esto ” – The Chainsmokers y Coldplay
” Despacito ” – Luis Fonsi y Daddy Yankee con Justin Bieber
” Trueno ” – Imagine Dragons
” Quédate ” – Zedd y Alessia Cara
Mejor álbum pop tradicional de Voz
Tony Bennett celebra 90 – Dae Bennett, productor (varios artistas)
Nadie más que yo (versión de lujo) – Michael Bublé
Triplicado – Bob Dylan
En pleno swing – Seth MacFarlane
Wonderland – Sarah McLachlan
Mejor álbum vocal pop
÷ – Ed Sheeran
Kaleidoscope EP – Coldplay
Lujuria por la vida – Lana Del Rey
Evolve – Imagine Dragons
Arco iris – Kesha
Joanne – Lady Gaga
Danza / Música electrónica
Mejor grabación de baile

” Tonite ” – LCD Soundsystem
James Murphy , productor; James Murphy, mezclador
“Bambro Koyo Ganda” – Bonobo con Innov Gnawa
Bonobo, productor; Bonobo, mezclador
” Cola ” – CamelPhat y Elderbrook
CamelPhat & Elderbrook, productores; CamelPhat, mezclador
” Andromeda ” – Gorillaz con DRAM
Damon Albarn , Jamie Hewlett , Remi Kabaka y Anthony Khan , productores; Stephen Sedgwick, mezclador
“Line of Sight” – Odesza presentando WYNNE & Mansionair
Clayton Knight y Harrison Mills, productores; Eric J Dubowsky , mezclador
Mejor disco de baile / electrónica

3-D El catálogo – Kraftwerk
Migración – Bonobo
Mura Masa – Mura Masa
A Moment Apart – Odesza
Lo que ahora – Sylvan Esso
Música Instrumental Contemporánea
Mejor álbum instrumental contemporáneo

Prototipo – Jeff Lorber Fusion
Qué pasa si – The Jerry Douglas Band
Espíritu – Alex Han
Mount Royal – Julian Lage y Chris Eldridge
Bad Hombre – Antonio Sanchez
Rock
El mejor rendimiento de rock
” Lo quieres más oscuro ” – Leonard Cohen
” La promesa ” – Chris Cornell
” Ejecutar ” – Foo Fighters
“No es bueno” – Kaleo
” Ir a la guerra ” – Nada más
El mejor rendimiento de metal
” La maldición del sultán ” – Mastodon
” Enemigo invisible ” – August Burns Red
” Black Hoodie ” – Cuenta de cuerpo
” Para siempre ” – Código Naranja
” Mecanismos ” – Meshuggah
Mejor canción de rock
” Ejecutar “
Foo Fighters , compositores (Foo Fighters)
” Atlas, Rise! “
James Hetfield y Lars Ulrich , compositores ( Metallica )
“Sangre en el corte”
JT Daly y Kristine Flaherty , compositores ( K.Flay )
” Ir a la guerra “
Ben Anderson, Jonny Hawkins, Will Hoffman, Daniel Oliver, David Pramik y Mark Vollelunga, compositores ( Nothing More )
” El escenario “
Zachary Baker, Brian Haner , Matthew Sanders , Jonathan Seward y Brooks Wackerman , compositores ( Avenged Sevenfold )
Mejor álbum de rock
Un entendimiento más profundo : la guerra contra las drogas
Emperador de arena – Mastodon
Cableado … para autodestruirse – Metallica
Las historias que nos contamos a nosotros mismos – Nada más
Villanos – Reinas de la Edad de Piedra
Alternativa
Mejor Álbum de Música Alternativa

Sleep Well Beast – The National
Todo ahora – Arcade Fire
Humanz – Gorillaz
American Dream – LCD Soundsystem
Comedia pura – Padre John Misty
R & B
El mejor rendimiento de R & B

” Eso es lo que me gusta ” – Bruno Mars
” Get You ” – Daniel Caesar con Kali Uchis
” Distracción ” – Kehlani
“Alto” – Ledisi
” El fin de semana ” – SZA
El mejor rendimiento tradicional de R & B

” Redbone ” – Gambino infantil
“Ríete y Muévete” – The Baylor Project
“Lo que estoy sintiendo” – Anthony Hamilton presentando The Hamiltones
“Todo el camino” – Ledisi
“Still” – Mali Music
Mejor canción de R & B

” Eso es lo que me gusta “
Christopher Brody Brown, James Fauntleroy , Philip Lawrence, Bruno Mars , Ray Charles McCullough II, Jeremy Reeves, Ray Romulus y Jonathan Yip , compositores ( Bruno Mars )
“Primero comenzó”
PJ Morton , compositor ( PJ Morton )
” Ubicación “
Alfredo González, Olatunji Ige, Samuel David Jiménez, Christopher McClenney, Khalid Robinson y Joshua Scruggs, compositores (Khalid)
” Redbone “
Donald Glover y Ludwig Goransson , compositores ( Childish Gambino )
“Supermodelo”
Tyran Donaldson, Terrence Henderson , Greg Landfair Jr., Carter Lang y Solana Rowe , compositores ( SZA )
Mejor álbum urbano contemporáneo

Starboy – The Weeknd
Gratis 6lack – 6lack
“¡Despierta, mi amor!” – Gambino infantil
Adolescente estadounidense – Khalid
Ctrl – SZA
Mejor álbum de R & B

24K Magia – Bruno Mars
Freudian – Daniel Caesar
Let Love Rule – Ledisi
Gumbo – PJ Morton
Siente lo real – Musiq Soulchild
Rap
El mejor rendimiento Rap
” Humble ” – Kendrick Lamar
” Bounce Back ” – Big Sean
” Bodak Yellow ” – Cardi B
“4:44” – Jay-Z
” Malo y Boujee ” – Migos con Lil Uzi Vert
Mejor actuación de Rap / Sung
” Lealtad ” – Kendrick Lamar con Rihanna
” Prblms ” – 6lack
” Crew ” – GoldLink con Brent Faiyaz y Shy Glizzy
“Feud familiar” – Jay-Z con Beyoncé
” Love Galore ” – SZA presentando a Travis Scott
Mejor canción de rap

” Humble “
K. Duckworth , Asheton Hogan y M. Williams II , compositores (Kendrick Lamar)
” Bodak amarillo “
Belcalis Almanzar , Dieuson Octave , Klenord Raphael, Shaftizm, Jordan Thorpe y J White, compositores (Cardi B)
“Persigueme”
Judah Bauer, Brian Burton , Héctor Delgado, Jaime Meline , Antwan Patton , Michael Render , Russell Simins y Jon Spencer , compositores (Danger Mouse con Run The Jewels & Big Boi)
“Descarado”
Marlanna Evans , E. Gabouer, Jason Martin y Wyann Vaughn, compositores (Rapsody)
” La historia de OJ “
Shawn Carter y Dion Wilson , compositores (Jay-Z)
Mejor álbum de rap

Maldición – Kendrick Lamar
4:44 – Jay-Z
Cultura – Migos
La sabiduría de Laila – Rapsody
Flower Boy – Tyler, el Creador
País
El mejor rendimiento de Country Solo

” De cualquier manera ” – Chris Stapleton
” Cuerpo como un camino de regreso ” – Sam Hunt
“Perdiéndote” – Alison Krauss
” Tin Man ” – Miranda Lambert
” Podría usar una canción de amor ” – Maren Morris
Mejor rendimiento de Country Duo / Group

” Mejor hombre ” – Little Big Town
” No es mi culpa ” – Hermanos Osborne
” Mi viejo hombre ” – Zac Brown Band
” Te ves bien ” – Lady Antebellum
” Problema de beber ” – Midland
La mejor canción country

” Halos rotos “
Mike Henderson y Chris Stapleton , compositores ( Chris Stapleton )
” Mejor hombre “
Taylor Swift , compositor ( Little Big Town )
” Body Like a Back Road “
Zach Crowell, Sam Hunt , Shane McAnally y Josh Osborne, compositores ( Sam Hunt )
” Problema de beber “
Jess Carson, Cameron Duddy, Shane McAnally, Josh Osborne y Mark Wystrach, compositores ( Midland )
” Hombre de hojalata “
Jack Ingram, Miranda Lambert y Jon Randall, compositores ( Miranda Lambert )
Mejor álbum country

Desde una habitación: Volumen 1 – Chris Stapleton
Aleluya cósmico – Kenny Chesney
Heart Break – Lady Antebellum
The Breaker – Pequeña gran ciudad
Cambios en la vida – Thomas Rhett
Nueva era
Mejor álbum de New Age

Bailando en el agua – Peter Kater
Reflexión – Brian Eno
SongVersation: Medicina – India Arie
Viaje Sagrado de Ku-Kai, Volumen 5 – Kitarō
Revelación en espiral – Steve Roach
Jazz
Mejor improvisado Jazz Solo

“Miles Beyond” – John McLaughlin , solista
“No puedo recordar por qué” – Sara Caswell , solista
“Danza de Shiva” – Billy Childs , solista
“Whisper Not” – Fred Hersch , solista
“Ilimba” – Chris Potter , solista
Mejor disco de Jazz Vocal

Sueños y Dagas – Cécile McLorin Salvant
The Journey – El Proyecto Baylor
Una llamada social – Jazzmeia Horn
Bad Ass and Blind – Raul Midón
Porter Plays Porter – Randy Porter Trio con Nancy King
Mejor álbum instrumental de jazz

Renacimiento – Billy Childs
Uptown, Downtown – Bill Charlap Trio
Proyecto Libertad – Joey DeFrancesco y la gente
Libro abierto – Fred Hersch
El soñador es el sueño – Chris Potter
Mejor álbum de grandes conjuntos de jazz

Bringin ‘It – Christian McBride Big Band
MONK’estra Vol. 2 – John Beasley
Rompecabezas – Alan Ferber Big Band
Homecoming – Vince Mendoza y WDR Big Band Colonia
Susurros en el viento – Chuck Owen y el Jazz Surge
Mejor álbum de jazz latino

Jazz Tango – Pablo Ziegler Trio
Hybrido – De Rio a Wayne Shorter – Antonio Adolfo
Oddara – Jane Bunnett y Maqueque
Outra Coisa – La música de Moacir Santos – Anat Cohen y Marcello Gonçalves
Típico – Miguel Zenón
Gospel / Música Cristiana Contemporánea
Mejor interpretación / canción del Evangelio

“Nunca tienes que estar solo” – CeCe Winans
Dwan Hill y Alvin Love III, compositores
“Demasiado duro para no hacerlo” – Tina Campbell
Tina Campbell y Warryn Campbell, compositores
“Te lo mereces” – JJ Hairston y alabanza juvenil presentando al Obispo Cortez Vaughn
David Bloom, JJ Hairston, Phontane Demond Reed y Cortez Vaughn, compositores
“Mejores días” – Le’Andria
Le’Andria , compositor
“Mi vida” – The Walls Group
Warryn Campbell, Eric Dawkins, Damien Farmer, Damon Thomas, Ahjah Walls y Darrel Walls, compositores
Mejor interpretación / canción de música cristiana contemporánea

” Qué hermoso nombre ” – Culto Hillsong
Ben Fielding y Brooke Ligertwood , compositores
“Oh mi alma” – Casting Crowns
Mark Hall, Bernie Herms y Nichole Nordeman, compositores
“Limpio” – Natalie Grant
Natalie Grant , compositor
“Incluso si” – MercyMe
David García, Ben Glover, Crystal Lewis, MercyMe y Tim Timmons, compositores
“Colinas y valles” – Tauren Wells
Chuck Butler, Jonathan Smith y Tauren Wells, compositores
Mejor álbum de Gospel

Deja que se enamoren – CeCe Winans
Crossover: Live From Music City – Travis Greene
Más grande que yo – Le’Andria Johnson
Cerrar – Marvin Sapp
Sunday Song – Anita Wilson
Mejor disco de música cristiana contemporánea

Chain Breaker – Zach Williams
Rise – Danny Gokey
Echoes (edición de lujo) – Matt Maher
Lifer – MercyMe
Colinas y Valles – Tauren Wells
Mejor álbum de gospel de Roots

Canta ahora: canciones de fe y esperanza – Reba McEntire
Lo mejor de la familia Collingsworth – Volumen 1 – La familia Collingsworth
Give Me Jesus – Larry Cordle
Resurrección – Joseph Habedank
Esperanza para todas las naciones – Karen Peck y New River
latín
Mejor álbum pop latino
El Dorado – Shakira
Lo Único Constante – Alex Cuba
Mis Planes Son Amarte – Juanes
Amar y Vivir (En Vivo Desde La Ciudad de México, 2017) – La Santa Cecilia
Musas (Un Homenaje al Folclore Latinoamericano en Manos de Los Macorinos) – Natalia Lafourcade
Mejor álbum de rock latino, urbano o alternativo
Residente – Residente
Ayo – Bomba Estéreo
Pa ‘Fuera – C4 Trío y Desorden Público
Salvavidas de Hielo – Jorge Drexler
El Paradise – Los Amigos Invisibles
Mejor álbum regional de música mexicana (incluido tejano)
Arrieros Somos – Sesiones Acústicas – Aida Cuevas
Ni Diablo, Ni Santo – Julión Álvarez y Su Norteño Banda
Ayer y Hoy – Banda el Recodo de Cruz Lizárraga
Momentos – Alex Campos
Zapateando en el Norte – (varios artistas)
Mejor álbum latino tropical
Salsa Big Band – Rubén Blades con Roberto Delgado & Orquesta
Albita – Albita
Arte del arreglo : Doug Beavers
Gente Valiente – Silvestre Dangond
Indestructible – Diego el Cigala
Raíces americanas
El mejor rendimiento de American Roots
“Killer Diller Blues” – Alabama Shakes
“Deja que mi madre viva” – Blind Boys of Alabama
“Arkansas Farmboy” – Glen Campbell
“Steer Your Way” – Leonard Cohen
” Nunca te he cuidado ” – Alison Krauss
La mejor canción de American Roots
“Si fuéramos vampiros”
Jason Isbell , compositor (Jason Isbell y la Unidad 400)
“Cumberland Gap”
David Rawlings y Gillian Welch , compositores (David Rawlings)
“Te deseo lo mejor”
Raúl Malo y Alan Miller, compositores ( The Mavericks )
“Todavía no se ha terminado”
Rodney Crowell , compositor (Rodney Crowell con Rosanne Cash y John Paul White )
“Mi único verdadero amigo”
Gregg Allman y Scott Sharrard , compositores (Gregg Allman)
Mejor álbum de Americana
The Nashville Sound – Jason Isbell y la Unidad 400
Sangre del Sur – Gregg Allman
Brilla en Rainy Day – Brent Cobb
Beast Epic – Hierro y vino
Brand New Day – Los Mavericks
Mejor álbum de Bluegrass
Las leyes de la gravedad – Stringdusters infames
Toda la rabia: en el concierto Volumen uno [Vivo] – Rhonda Vincent y la rabia
El sueño de Fiddler – Michael Cleveland
Original – Bobby Osborne
Universal Favorite – Noam Pikelny
Mejor álbum de blues tradicional
Azul y Solitario – The Rolling Stones
Migración Blues – Eric Bibb
Big Fun Trio de Elvin Bishop – Big Fun Trio de Elvin Bishop
Roll and Tumble – RL Boyce
El último tren de Sonny & Brownie – Guy Davis y Fabrizio Poggi
Mejor álbum de blues contemporáneo
TajMo – Taj Mahal y Keb ‘Mo’
Robert Cray & Hi Rhythm – Robert Cray & Hi Rhythm
Grabado en vivo en Lafayette – Sonny Landreth
Got Soul – Robert Randolph y la banda familiar
En vivo desde Fox Oakland – Tedeschi Trucks Band
Mejor álbum folclórico
Enfermedad mental – Aimee Mann
Semper Femina – Laura Marling
La reina de corazones – Offa Rex
Ya no me tienes más , las hermanas secretas
La risa de Apple – Yusaf / Cat Stevens
Mejor álbum de música regional
Kalenda – The Lost Bayou Ramblers
La cima de la montaña : Dwayne Dopsie y los Hellyers de Zydeco
Ho’okena 3.0 – Ho’okena
Miyo Kekisepa, hacer una parada [en vivo] – Cree del norte
Pua Kiele – Josh Tatofi
Reggae
Mejor álbum de reggae
Stony Hill – Damian “Jr. Gong” Marley
Cronología – Chronixx
Perdido en el Paraíso – Common Kings
Lavar la casa Ting – J Boog
Avrakedabra – Morgan Heritage
Música del mundo
Mejor álbum de música mundial
Shaka Zulu Revisited: Celebración del 30º Aniversario – Ladysmith Black Mambazo
Memoria De Los Sentidos – Vicente Amigo
Para Mí – Concha Buika
Rosa Dos Ventos – Anat Cohen y Trío Brasileiro
Elwan – Tinariwen
Niños
El mejor álbum para niños
Siente lo que te gusta – Lisa Loeb
Lado más brillante – Gustafer Yellowgold
Limonada – Justin Roberts
Rise Shine #Woke – Alphabet Rockers
Canciones de paz y amor para niños y padres en todo el mundo – Ladysmith Black Mambazo
Palabra hablada
Mejor álbum de palabras habladas (incluye poesía, audiolibros y cuentacuentos)
La princesa Diarist – Carrie Fisher (póstuma)
Astrofísica para la gente a toda prisa – Neil deGrasse Tyson
Nacido para correr – Bruce Springsteen
Confesiones de un compositor de canciones en serie – Shelly Peiken
Nuestra revolución: un futuro en el que creer – Bernie Sanders y Mark Ruffalo
Comedia
Mejor álbum de comedia
The Age of Spin & Deep en el corazón de Texas – Dave Chappelle
Cinco – Jim Gaffigan
Jerry Before Seinfeld – Jerry Seinfeld
Una mota de polvo – Sarah Silverman
¿Ahora que? – Kevin Hart
Teatro musical
Mejor álbum de teatro musical
Estimados Evan Hansen : Laura Dreyfuss , Mike Faist , Rachel Bay Jones , Kristolyn Lloyd, Michael Park , Ben Platt , Will Roland y Jennifer Laura Thompson , solistas principales; Pete Ganbarg, Alex Lacamoire , Stacey Mindich, Benj Pasek y Justin Paul , productores; Benj Pasek y Justin Paul, compositores / letristas (Original Broadway Cast Recording)
Venga de Ausente : Ian Eisendrath, August Eriksmoen, David Hein , David Lai e Irene Sankoff, productores; David Hein e Irene Sankoff, compositores / letristas (Original Broadway Cast Recording)
¡Hola muñequita! – Bette Midler , solista principal; Steven Epstein, productor; ( Jerry Herman , compositor y letrista) (New Broadway Cast Recording)
Música para medios visuales
Mejor banda sonora de compilación para medios visuales
La La Land – (varios artistas)
Marius de Vries y Justin Hurwitz , productores de compilación
Baby Driver – (varios artistas)
Edgar Wright , productor de compilación
Guardianes de la galaxia vol. 2: Awesome Mix Vol. 2 – (varios artistas)
James Gunn , productor de compilación
Figuras ocultas: el álbum – (varios artistas)
Pharrell Williams , productor de compilación
Moana: The Songs – (varios artistas)
Opetaia Foa’i, Tom MacDougall, Mark Mancina y Lin-Manuel Miranda , productores de compilación
Mejor banda sonora de resultados para medios visuales
La La Land – Justin Hurwitz , compositor
Llegada – Jóhann Jóhannsson , compositor
Dunkerque – Hans Zimmer , compositor
Game Of Thrones: Temporada 7 – Ramin Djawadi , compositor
Figuras Ocultas – Benjamin Wallfisch , Pharrell Williams y Hans Zimmer, compositores
Mejor canción escrita para medios visuales
” Hasta dónde voy ” (de Moana ) – Lin-Manuel Miranda , compositor ( Auli’i Cravalho )
” Ciudad de las estrellas ” (de La La Land ) – Justin Hurwitz , Benj Pasek y Justin Paul , compositores ( Ryan Gosling y Emma Stone )
” No quiero vivir para siempre” (Cincuenta sombras más oscuras) “(de Fifty Shades Darker ) – Jack Antonoff , Sam Dew y Taylor Swift , compositores ( Zayn y Taylor Swift)
” Never Give Up ” (de Lion ) – Sia Furler y Greg Kurstin , compositores (Sia)
” Stand Up for Something ” (de Marshall ) – Común , Andra Day y Diane Warren , compositores (Andra Day presenta Common)
Composición
La mejor composición instrumental

“Tres revoluciones”
Arturo O’Farrill , compositor (Arturo O’Farrill y Chucho Valdés )
“Alcalino”
Pascal Le Boeuf, compositor ( Le Boeuf Brothers & JACK Quartet )
“Choros # 3”
Vince Mendoza , compositor (Vince Mendoza y WDR Big Band Cologne)
“Vaquero deformado”
Chuck Owen, compositor (Chuck Owen y el Jazz Surge)
“Hogar gratis (para Peter Joe)”
Nate Smith, compositor (Nate Smith)
Arreglando
Mejor arreglo, Instrumental o A Cappella

“Escapadas para Alto Saxofón y Orquesta” de Catch Me If You Can
John Williams , arreglista (John Williams)
“Ugly Beauty” / “Pannonica”
John Beasley , arreglista (John Beasley)
“Todo sombrero, sin silla de montar”
Chuck Owen, arreglista (Chuck Owen y el Jazz Surge)
“Hogar gratis (para Peter Joe)”
Nate Smith, arreglista (Nate Smith)
“Blanca Navidad”
Chris Walden , arreglista ( Herb Alpert )
Mejor arreglo, instrumentos y voces

“Putin”
Randy Newman , arreglista (Randy Newman)
“I Loves You Porgy” / “Hay un barco que se está yendo pronto para Nueva York”
Shelly Berg , Gregg Field, Gordon Goodwin y Clint Holmes , arreglistas (Clint Holmes con Dee Dee Bridgewater y la Orquesta Count Basie )
“Cada vez que nos despedimos”
Jorge Calandrelli , arreglista (Clint Holmes con Jane Monheit )
“Otro día de sol”
Justin Hurwitz , arreglista ( reparto de La La Land )
“Me gusto a mí mismo”
Joel McNeely , arreglista ( Seth MacFarlane )
embalaje
Mejor paquete de grabación
El Orisha de la Rosa
Claudio Roncoli y Cactus Taller, directores de arte ( Magín Díaz )
Pure Comedy (Edición de lujo)
Sasha Barr, Ed Steed y Josh Tillman , directores de arte (Padre John Misty)
Mura Masa
Alex Crossan y Matt de Jong , directores de arte (Mura Masa)
Dormir bien bestia
Elyanna Blaser-Gould, Luke Hayman y Andrea Trabucco-Campos, directores de arte ( The National )
De Estado sólido
Gail Marowitz, director de arte ( Jonathan Coulton )
El mejor paquete de edición limitada en caja o especial
The Voyager Golden Record: edición del 40 aniversario
Lawrence Azerrad, Timothy Daly y David Pescovitz , directores de arte (varios artistas)
Bobo Yeye: Belle Epoque en el Alto Volta
Tim Breen, director de arte (Varios artistas)
Bellas criaturas: lo mejor de Nick Cave y las malas semillas
Tom Hingston , director de arte ( Nick Cave y las malas semillas )
Mayo de 1977: se muestra la luz
Masaki Koike, director de arte ( Grateful Dead )
Warfaring Strangers: Acid Nightmares
Tim Breen, Benjamin Marra y Ken Shipley, directores de arte (varios artistas)
Notas
Las mejores notas del álbum

Vive en el Whisky a Go Go: las grabaciones completas
Lynell George, escritor de notas del álbum ( Otis Redding )
Arthur Q. Smith: El problema con la verdad
Wayne Bledsoe y Bradley Reeves, escritores de notas del álbum (Varios artistas)
Big Bend Killing: La tradición de la balada de los Apalaches
Ted Olson, escritor de notas del álbum (Various Artists)
The Complete Piano Works de Scott Joplin
Bryan S. Wright, escritor de notas del álbum (Richard Dowling)
Edouard-Léon Scott De Martinville, inventor de la grabación de sonido: un tributo bicentenario
David Giovannoni, escritor de notas del álbum (Various Artists)
Washington Phillips y sus sueños de Manzarene
Michael Corcoran, escritor de notas del álbum ( Washington Phillips )
Histórico
Mejor álbum histórico

Leonard Bernstein – El compositor
Robert Russ, productor de compilación; Martin Kistner y Andreas K. Meyer, ingenieros de masterización ( Leonard Bernstein )
Bobo Yeye: Belle Epoque en el Alto Volta
Jon Kirby, Florent Mazzoleni, Rob Sevier y Ken Shipley, productores de compilación; Jeff Lipton y Maria Rice, ingenieros de masterización (varios artistas)
Las variaciones de Goldberg: las sesiones completas de grabación inéditas de junio de 1955
Robert Russ, productor de compilación; Matthias Erb, Martin Kistner y Andreas K. Meyer, ingenieros de masterización ( Glenn Gould )
Dulce como citas rotas: cintas somalíes perdidas del Cuerno de África
Nicolas Sheikholeslami y Vik Sohonie, productores de compilación; Michael Graves, ingeniero de masterización (varios artistas)
Washington Phillips y sus sueños de Manzarene
Michael Corcoran, April G. Ledbetter y Steven Lance Ledbetter, productores de compilación; Michael Graves, ingeniero de masterización(Washington Phillips )
Álbum de ingeniería
Mejor álbum de ingeniería, no clásico
24K Magia
Serban Ghenea, John Hanes y Charles Moniz, ingenieros; Tom Coyne , ingeniero de masterización ( Bruno Mars )
Donde sea Donde sea Donde
Brent Arrowood, Miles Comaskey, JT Daly , Tommy English, Kristine Flaherty , Adam Hawkins , Chad Howat y Tony Maserati , ingenieros; Joe LaPorta , ingeniero de masterización ( K.Flay )
¿Es esta la vida que realmente queremos?
Nigel Godrich , Sam Petts-Davies y Darrell Thorp , ingenieros; Bob Ludwig , ingeniero de masterización ( Roger Waters )
Conclusión natural
Ryan Freeland, ingeniero; Joao Carvalho, ingeniero de masterización ( Rose Cousins )
Sin forma
Shawn Everett y Joseph Lorge, ingenieros; Patricia Sullivan, ingeniero de masterización ( Perfume Genius )
Mejor álbum de ingeniería, clásico
Shostakovich: Sinfonía n. ° 5; Barber: Adagio
Mark Donahue, ingeniero ( Manfred Honeck y Pittsburgh Symphony Orchestra )
Danielpour: Canciones de Solitude & War Songs
Gary Call, ingeniero ( Thomas Hampson , Giancarlo Guerrero y la Sinfónica de Nashville )
Kleiberg: Misa para el hombre moderno
Morten Lindberg , ingeniero (Eivind Gulliberg Jensen, Trondheim Vokalensemble & Trondheim Symphony Orchestra )
Schoenberg, Adam: American Symphony; Encontrando a Rothko; Estudios fotográficos
Keith O. Johnson y Sean Royce Martin, ingenieros ( Michael Stern y la Sinfónica de Kansas City )
Tyberg: Misas
John Newton, ingeniero; Jesse Brayman, ingeniero de masterización (Brian A. Schmidt, Christopher Jacobson y South Dakota Chorale)
Productor
Productor del año, no clásico
Greg Kurstin
Concreto y oro ( Foo Fighters )
“Querida vida” ( Beck )
” Atardecer hasta el amanecer ” ( Zayn presentando a Sia )
” Amor ” ( Kendrick Lamar con Zacari)
“Extraños” ( Halsey con Lauren Jauregui )
” Muro de cristal ” ( Liam Gallagher )
Calvin Harris
“Do not Quit” ( DJ Khaled y Calvin Harris con Travis Scott y Jeremih )
Funk Wav Bounces vol. 1 (Calvin Harris presentando varios artistas)
Blake Mills
Oscuridad y luz ( John Legend )
Eternamente incluso ( Jim James )
“God Only Knows” (John Legend y Cynthia Erivo presentan yMusic)
Los recuerdos son ahora ( Jesca Hoop )
Sin forma ( Perfume Genius )
Semper Femina ( Laura Marling )
Sin ID
“América” ​​( Lógica con pensamiento negro , Chuck D , Big Lenbo y sin identificación)
La autobiografía ( Vic Mensa )
4:44 ( Jay-Z )
Los estereotipos
” Antes que yo ” ( Sevyn Streeter )
“Mejor” ( Lil Yachty con Stefflon Don )
“Deliver” ( Quinta Armonía )
” Finesse ” ( Bruno Mars )
” Mo Bounce ” ( Iggy Azalea )
“Sunshine” ( Kyle presentando a Miguel )
” Eso es lo que me gusta ” (Bruno Mars)
Productor del año, clásico
David Frost
Alma Española (Isabel Leonard)
Alma amplificada (Gabriela Martinez)
Beethoven: Sonatas para piano, vol. 6 (Jonathan Biss)
Bruckner: Sinfonía n.º 9 (Riccardo Muti y Orquesta Sinfónica de Chicago)
Garden Of Joys And Sorrows (Trío Hat Trick)
Laks: Chamber Works (ARC Ensemble)
Schoenberg, Adam: American Symphony; Encontrando a Rothko; Picture Studies (Michael Stern y Kansas City Symphony)
Troika (Matt Haimovitz y Christopher O’Riley)
Verdi: Otello (Yannick Nézet-Séguin, Günther Groissböck, Željko Lu? I ?, Dimitri Pittas, Aleksandrs Antonenko, Sonya Yoncheva, The Metropolitan Opera Orchestra & Chorus)
Blanton Alspaugh
Adamo: convertirse en Santa Claus (Emmanuel Villaume, Kevin Burdette, Keith Jameson, Lucy Schaufer, Hila Plitmann, Matt Boehler, Jonathan Blalock, Jennifer Rivera y la Orquesta de la Ópera de Dallas)
Aldridge: Hermana Carrie (William Boggs, Keith Phares, Matt Morgan, Alisa Suzanne Jordheim, Stephen Cunningham, Adriana Zabala, Florentine Opera Chorus y la Orquesta Sinfónica de Milwaukee)
Copland: Sinfonía n. ° 3; Tres bocetos latinoamericanos (Leonard Slatkin y la Orquesta Sinfónica de Detroit)
La muerte y la doncella (Patricia Kopatchinskaja & The Saint Paul Chamber Orchestra)
Handel: Messiah (Andrew Davis, Noel Edison, Toronto Mendelssohn Choir y Toronto Symphony Orchestra)
Haydn: Sinfonías núms. 53, 64 y 96 (Carlos Kalmar y Oregon Symphony)
Heggie: Es una vida maravillosa (Patrick Summers, William Burden, Talise Trevigne, Andrea Carroll, Rod Gilfry y Houston Grand Opera)
Tyberg: Misas (Brian A. Schmidt, Christopher Jacobson y Coral de Dakota del Sur)
Manfred Eicher
Mansurian: Requiem (Alexander Liebreich, Florian Helgath, RIAS Kammerchor y Münchener Kammerorchester)
Monk, M .: En nombre de la naturaleza (Meredith Monk & Vocal Ensemble)
Punto y línea – Debussy y Hosokawa (Momo Kodama)
Rímur (Arve Henriksen & Trio Medieval)
Silvestrov: Hieroglyphen Der Nacht (Anja Lechner)
Morten Lindberg
Furatus (Ole Edvard Antonsen y Wolfgang Plagge)
Interacciones (Bård Monsen y Gunnar Flagstad)
Kleiberg: Mass For Modern Man (Eivind Gullberg Jensen, Trondheim Vokalensemble y la Orquesta Sinfónica de Trondheim)
Menor Mayor (Cuarteto de Cuerdas de Oslo)
Timbre septentrional (Ragnhild Hemsing y Tor Espen Aspaas)
Así es Is My Love (Nina T. Karlsen & Ensemble 96)
Thoresen: Mar de los nombres (Trond Schau)
Judith Sherman
Nocturnos Americanos (Cecile Licad)
La fiesta de cumpleaños (Aki Takahashi)
Descubriendo a Bach (Michelle Ross)
Foss: Pieces Of Genius (New York New Music Ensemble)
Secret Alchemy – Chamber Works Por Pierre Jalbert (Curtis Macomber y Michael Boriskin)
Sevenfive – El efecto John Corigliano (Gaudette Brass)
Sonic Migrations – Music Of Laurie Altman (Varios artistas)
Tributo (Dover Quartet)
26 (Melia Watras y Michael Jinsoo Lim)
Remixer
Mejor grabación remezclada, no clásica
“Te Mueves” (Latroit Remix)
Dennis White , remixer ( Depeche Mode )
“No puedo dejarte ir” (Louie Vega Roots Mix)
Louie Vega , remixer ( Loleatta Holloway )
“Funk O’De Funk” (SMLE Remix)
SMLE , remixer ( Bobby Rush )
“Undercover” (Adventure Club Remix)
Leighton James y Christian Srigley , remixer ( Kehlani )
“Un ruido violento” (Four Tet Remix)
Cuatro Tet , remixer ( El XX )
Sonido envolvente
Mejor disco de sonido envolvente
Primeros estadounidenses
Jim Anderson , ingeniero de mezcla envolvente; Darcy Proper, ingeniero de masterización envolvente; Jim Anderson y Jane Ira Bloom , productores envolventes (Jane Ira Bloom)
Kleiberg: Misa para el hombre moderno
Morten Lindberg , ingeniero de mezcla envolvente; Morten Lindberg, ingeniero de masterización envolvente; Morten Lindberg, productor de sonido envolvente (Eivind Gullberg Jensen & Trondheim Symphony Orchestra and Choir)
Entonces es mi amor
Morten Lindberg, ingeniero de mezcla envolvente; Morten Lindberg, ingeniero de masterización envolvente; Morten Lindberg, productor de sonido envolvente (Nina T. Karlsen & Ensemble 96 )
3-D El catálogo
Fritz Hilpert , ingeniero de mezcla envolvente; Tom Ammermann, ingeniero de masterización envolvente; Fritz Hilpert, productor de sonido envolvente ( Kraftwerk )
Tyberg: Misas
Jesse Brayman, ingeniero de mezcla envolvente; Jesse Brayman, ingeniero de masterización envolvente; Blanton Alspaugh , productor de sonido envolvente (Brian A. Schmidt, Christopher Jacobson y South Dakota Chorale)
Clásico
Mejor interpretación orquestal
Shostakovich: Sinfonía n. ° 5; Barber: Adagio
Manfred Honeck , conductor ( Orquesta Sinfónica de Pittsburgh )
Conciertos para orquesta
Louis Langrée , conductor ( Orquesta Sinfónica de Cincinnati )
Copland: Sinfonía n. ° 3; Tres bocetos latinoamericanos
Leonard Slatkin , conductor (Orquesta Sinfónica de Detroit)
Debussy: Imágenes; Jeux y La Plus Que Lente
Michael Tilson Thomas , conductor ( Sinfónica de San Francisco )
Mahler: Sinfonía n. ° 5
Osmo Vänskä , conductor) ( Orquesta de Minnesota )
Mejor grabación de ópera
Berg: Wozzeck
Hans Graf , conductor; Anne Schwanewilms y Roman Trekel, solistas; Hans Graf, productor ( Houston Symphony ; Coro de estudiantes y ex alumnos, Shepherd School of Music , Rice University y Houston Grand Opera Children’s Chorus)
Berg: Lulu
Lothar Koenigs , conductor; Daniel Brenna, Marlis Petersen y Johan Reuter , solistas; Jay David Saks, productor (The Metropolitan Opera Orchestra )
Bizet: Les Pêcheurs De Perles
Gianandrea Noseda , conductor; Diana Damrau , Mariusz Kwiecień , Matthew Polenzani y Nicolas Testé, solistas; Jay David Saks, productor (The Metropolitan Opera Orchestra, The Metropolitan Opera Chorus)
Händel: Ottone
George Petrou , conductor; Max Emanuel Cencic y Lauren Snouffer, solistas; Jacob Händel, productor (Il Pomo D’Oro)
Rimsky-Korsakov: El gallo dorado
Valery Gergiev , conductor; Vladimir Feliauer, Aida Garifullina y Kira Loginova, solistas; Ilya Petrov, productor ( Mariinsky Orchestra ; Mariinsky Chorus)
El mejor rendimiento coral
Bryars: el siglo quinto
Donald Nally , director de orquesta; The Crossing , coro (PRISM, ensemble)
Händel: Mesías
Andrew Davis , director de orquesta; Noel Edison , maestro del coro; Coro de Toronto Mendelssohn (Elizabeth DeShong, John Relyea , Andrew Staples y Erin Wall , solistas, Orquesta Sinfónica de Toronto )
Mansurian: Requiem
Alexander Liebreich, director de orquesta; Florian Helgath, maestro del coro; RIAS Kammerchor (Anja Petersen y Andrew Redmond, solistas; Münchener Kammerorchester )
La música de las esferas
Nigel Short , conductor; Tenebrae (coro)
Tyberg: Misas
Brian A. Schmidt, conductor; Coro de Dakota del Sur (Christopher Jacobson, solista)
Mejor interpretación de música de cámara / conjunto pequeño
La muerte y la doncella
Patricia Kopatchinskaja y la Orquesta de Cámara de Saint Paul
Buxtehude: Trio Sonatas Op. 1
Arcangelo
Divine Theatre – Sacred Motets por Giaches de Wert
Stile Antico
Franck, Kurtág, Previn y Schumann
Joyce Yang y Augustin Hadelich
Martha Argerich & Friends – En vivo desde Lugano 2016
Martha Argerich y varios artistas
Mejor solo instrumental clásico
Transcendal
Daniil Trifonov
Bach: las suites francesas
Murray Perahia
Haydn: Conciertos para violonchelo
Steven Isserlis ; Florian Donderer, director (Deutsche Kammerphilharmonie Bremen)
Levina: Los conciertos para piano
Maria Lettberg ; Ariane Matiakh, directora (Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin)
Shostakovich: Violín Concertos Nos. 1 y 2
Frank Peter Zimmermann ; Alan Gilbert , conductor (NDR Elbphilharmonie Orchester)
Mejor álbum vocal clásico solo
Crazy Girl Crazy – Música de Gershwin, Berg & Berio
Barbara Hannigan
Bach y Telemann: Cantatas Sagradas
Philippe Jarousky, solista; Petra Müllejans, director
Dioses y monstruos
Nicholas Phan , solista; Myra Huang, acompañante
En War & Peace – Harmony Through Music
Joyce DiDonato , solista; Maxim Emelyanychev, conductor
Sviridov: Rusia a la deriva
Dmitri Hvorostovsky , solista; Constantine Orbelian , conductor
Mejor Compendio Clásico
Higdon: All Things Majestic, Concierto para viola y concierto para oboe
Giancarlo Guerrero , director de orquesta; Tim Handley, productor
Bárbara
Alexandre Tharaud, director de orquesta; Cécile Lenoir, productor
Kurtág: Complete Works for Ensemble & Choir
Reinbert de Leeuw , conductor; Guido Tichelman, productor
Les Routes de l’Esclavage
Jordi Savall, director de orquesta; Benjamin Bletton, productor
Mademoiselle: Première Audience – Música desconocida de Nadia Boulanger
Lucy Mauro, pianista y productora
La mejor composición clásica contemporánea
Concierto para viola
Jennifer Higdon , compositora (Roberto Diaz, Giancarlo Geurrero y la Sinfónica de Nashville)
Canciones de soledad
Richard Danielpour, compositor (Thomas Hampson, Giancarlo Guerrero y la Sinfónica de Nashville )
Réquiem
Tigran Mansurian, compositor (Alexander Liebreich, Florian Helgath, el RIAS Kammerchor y el Münchener Kammerorchester)
Estudios fotográficos
Adam Schoenberg, compositor (Michael Stern y la Sinfonía de Kansas City)
Concierto para orquesta
Zhou Tian, ​​compositor (Louis Langrée y la Orquesta Sinfónica de Cincinnati)
Video musical / Película
Mejor video musical
” Humble ” – Kendrick Lamar
The Little Homies y Dave Meyers , directores de video; Jason Baum, Dave Free, Jamie Rabineau, Nathan K. Scherrer y Anthony Tiffith, productores de video
” Up All Night ” – Beck
Canadá, director de video; Alba Barneda, Laura Serra Estorch y Oscar Romagosa, productores de video
” Makeba ” – Jain
Lionel Hirle y Gregory Ohrel, directores de video; Yodelice , productor de video
” La historia de OJ ” – Jay-Z
Shawn Carter y Mark Romanek , directores de video; Daniel Midgley, Elizabeth Newman y Chaka Pilgrim , productores de video
” 1-800-273-8255 ” – Lógica con Alessia Cara y Khalid
Andy Hines, director de video; Brandon Bonfiglio, Mildred Delamota, Andrew Lerios, Luga Podesta y Alex Randal, productores de video
Mejor película musical
The Defiant Ones – (varios artistas)
Allen Hughes, director de video; Sarah Anthony, Fritzi Horstman, Broderick Johnson, Gene Kirkwood, Andrew Kosove , Laura Lancaster, Michael Lombardo, Jerry Longarzo, Doug Pray y Steven Williams, productores de video
Una vez más con sentimiento – Nick Cave & The Bad Seeds
Andrew Dominik , director de video; Dulcie Kellett y James Wilson, productores de video
Viaje largo y extraño – The Grateful Dead
Amir Bar-Lev , director de video; Alex Blavatnik, Ken Dornstein, Eric Eisner , Nick Koskoff, Justin Kreutzmann, productores de videos
Soundbreaking – (varios artistas)
Maro Chermayeff y Jeff Dupre, directores de video; Joshua Bennett, Julia Marchesi, Sam Pollard, Sally Rosenthal, Amy Schewel y Warren Zanes, productores de video
Two Trains Runnin ‘ – (varios artistas)
Sam Pollard, director de video; Benjamin Hedin, productor de video

 




 

Este sorprendente metraje filmado por José Correa que encontró a este roedor con un buen exfoliante en la ducha.

José dice: “Creo que solo quería limpiarse a sí mismo. Me preocupan mucho los animales, así que quería proteger su privacidad. Nunca quisiera lastimarlo. Así que acabo de filmarlo y lo dejo ir”.

(El canto fue agregado)



{27 enero, 2018}   Shoá – Holocausto

 

The Liberation of Bergen-belsen Concentration Camp, April 1945 BU4260.jpg

 

Víctimas Pueblo judío
Campo de concentración Auschwitz y otros
Cifra de víctimas 6 000 000 de judíos
Un mínimo de 11 000 000 de asesinados entre judíos y otros grupos étnicos, sociales e ideológicosMay 1944 - Jews from Carpathian Ruthenia arrive at Auschwitz-Birkenau.jpgBundesarchiv Bild 183-N0827-318, KZ Auschwitz, Ankunft ungarischer Juden.jpgThe Liberation of Bergen-belsen Concentration Camp, April 1945 BU3778.jpgBones of anti-Nazi German women still are in the crematoriums in the German concentration camp at Weimar, Germany.jpgLos huesos de las mujeres alemanas anti-nazis todavía se encuentran en los crematorios del campo de concentración en Weimar, Buchenwald, Alemania, tomada por el Ejército de EE.UU. Prisioneros de todas las nacionalidades fueron torturados y asesinados. 04/14/1945.AuschwitzBirkenau.jpgAuschwitz (Birkenau) concentration camp – panorama
Dirgela – Trabajo propio

«La Catástrofe»— a lo que técnicamente también se conoce, según la terminología nazi, como «solución final» —en alemán, Endlösung— de la «cuestión judía»,​ es decir, el genocidio en el que aproximadamente seis millones de judíos2​ fueron asesinados por el régimen nazi, bajo el mando de Adolf Hitler y sus colaboradores. Los asesinatos tuvieron lugar a lo largo de toda la Alemania nazi y los territorios ocupados por los alemanes, que se extendían por la mayor parte de Europa.3​ Entre los métodos utilizados estuvieron la asfixia por gas venenoso, los disparos, el ahorcamiento, los trabajos forzados, el hambre, los experimentos pseudocientíficos, la tortura médica y los golpes.

La decisión nazi de llevar a la práctica el genocidio fue tomada entre finales del verano y principios del otoño de 19415​ y el programa genocida alcanzó su punto culminante en la primavera de 1942 —desde finales de 1942, las víctimas eran transportadas regularmente en trenes de carga, especialmente conducidos a campos de exterminio donde, si sobrevivían al viaje, la mayoría eran asesinados sistemáticamente en las cámaras de gas—.​ A cargo de su planificación, organización administrativa y supervisión estuvo Heinrich Himmler. Por lo demás, fue la repetida retórica antisemita de Adolf Hitler la que incentivó la ejecución de las matanzas, que además contaron directamente con su aprobación.De esta forma, entre 1941 y 1945, la población judía de Europa fue perseguida y asesinada sistemáticamente, en el mayor genocidio del siglo XX. Sin embargo, este exterminio no se limitó sólo a los judíos, sino que los actos de opresión y asesinato se extendieron a otros grupos étnicos y políticos Cada brazo del aparato del Estado alemán participó en la logística del genocidio, convirtiendo al Tercer Reich en un «Estado genocida». Las víctimas no judías de los nazis incluyeron a millones de polacos, comunistas y otros sectores de la izquierda política, homosexuales, gitanos, discapacitados físicos y mentales y prisioneros de guerra soviéticos. En total, un mínimo de once millones de personas murieron, de ellas, un millón habrían sido niños.De los aproximadamente nueve millones de judíos residentes en Europa antes del Holocausto, aproximadamente dos tercios fueron asesinados.La maquinaria del Holocausto tenía una red de aproximadamente 42 500 instalaciones por toda Europa para confinar y matar a sus víctimas y contó con la participación directa de entre 100 000 y 500 000 personas para su planificación y ejecución…

Por otro lado, a lo largo del Holocausto se produjeron episodios de resistencia armada contra los nazis. El ejemplo más notable fue el Levantamiento del Gueto de Varsovia de 1943, cuando miles de combatientes judíos mal armados se enfrentaron durante cuatro semanas a las SS. Se estima que entre 20 000 y 30 000 judíos participaron en Europa del Este en los movimientos partisanos creados durante la Segunda Guerra Mundial en los países ocupados por Alemania, que contaron con millones de guerrilleros.Los judíos franceses también tuvieron gran actividad en la Resistencia francesa. En total, se produjeron alrededor de un centenar de levantamientos judíos armados.

La Unión Europea sancionó una ley que entró en vigor a finales de 2007 penando el negacionismo del Holocausto y de todos los demás crímenes nazis; además, creó en 2010 la base de datos Infraestructura europea para la investigación del Holocausto (EHRI), destinada a reunir y unificar toda la documentación y archivos que conciernen al genocidio​ Por otro lado la ONU rinde homenaje a las víctimas del Holocausto desde 2005, habiendo fijado el 27 de enero como Día Internacional de la Memoria de las Víctimas del Holocausto, dado que ese día de 1945, el Ejército Rojo liberó el campo de concentración de Auschwitz.

Holocausto

 

Citas


«Al menos, el Holocausto demostró que una ideología seglar puede ser tan mortífera como cualquier cruzada religiosa.»
Karen Armstrong en La guerra por Dios: Historia del fundamentalismo.


«¿Cómo puede haber sido que tantos clérigos de reputación y responsabilidad hayan dado su apoyo, aunque solo fuera pasivamente, a la perpetración de crímenes como el genocidio? ¿Qué fiebre se apoderó de tantos millones de cristianos alemanes, tanto evangélicos [luteranos] como católicos, en aquellos pocos años de tiranía nazi?»
John S. Conway, historiador canadiense, de su libro The Nazi Persecution
of the Churches 1933-1945 (La persecución nazi de las iglesias 1933-1945).


«¡Desdichado quien al regresar descubrió una realidad totalmente distinta a la íntimamente añorada durante los años de cautiverio!»
Viktor Emile Frankl
Nota: En su libro El hombre en busca de sentido, el psicoanalista Viktor Frankl revela que algunos de sus compañeros que sobrevivieron al Holocausto se encararon a la misma cuestión después de ser liberados de los campos de concentración. Al retornar a sus hogares, se encontraron con que sus seres queridos habían muerto.


«El deber del superviviente es dar testimonio de lo que ocurrió, […] hay que advertir a la gente de que estas cosas pueden suceder, que el mal puede desencadenarse. El odio racial, la violencia y las idolatrías todavía proliferan.»
Elie Wiesel


«En contraste con la docilidad de las grandes iglesias, los testigos de Jehová mantuvieron su oposición doctrinal hasta el punto de desplegar fanatismo […] La resistencia de los Testigos estaba principalmente centrada contra toda forma de colaboración con los nazis […] Fundando su caso en el mandamiento bíblico, rehusaron portar armas […] todos quedaron casi bajo sentencia de muerte. De hecho, muchos pagaron aquella pena; […] grandes cantidades de ellos fueron transportados a Dachau [el campo de concentración].»
John S. Conway, historiador canadiense, en su libro La persecución nazi de las iglesias 1933-1945.




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Paul Bocuse à l’Abbaye de Collonges dans les années 1990.

Tres estrellas en la Guía Michelin desde 1965.
Arnaud 25 – Trabajo personal

Paul Bocuse en 2007.

Paul Bocuse

Paul Bocuse , nacido en 11 de febrero de 1926 y murió en 20 de enero de 2018 en su Collonges Auberge du Pont de Collonges-au-Mont-d’Or , cerca de Lyon  , fue un gran cocinero francés . Tres estrellas en la Guía Michelin desde 1965 , fue uno de los chefs más famosos del mundo, uno de los maestros de la cocina tradicional y cocina grande , precursor de la nueva cocina 

Fue nombrado Caballero de la Legión de Honor por el presidente Valéry Giscard d’Estaing en 1975 (decoración que no se le había dado a un cocinero desde 1919 ( Auguste Escoffier ), en ese entonces Comandante de la Legión de Honor en 2004.

Se nombra Chef del Siglo por Gault Millau y el Papa de la gastronomía en 1989 , entonces Jefe del siglo en 2011 por el Instituto Culinario de América (en) .

Corre muchos restaurantes en Lyon y en el mundo, incluyendo el restaurante gourmet L’Auberge du Pont de Collonges en Collonges-au-Mont-d’Or y fundó el Bocuse d’Or en 1987 , un concurso de gastronomía .

Infancia
Paul Bocuse nace en 11 de febrero de 1926 en Collonges-au-Mont-d’Or , a unos diez kilómetros al norte de Lyon, en la región de Ródano-Alpes , en la casa donde todavía hoy se encuentra su restaurante . Único hijo de Georges Bocuse (1901-1959) e Irma Roulier (1905-1982), él viene de una larga línea de cocineros que data del xvii ° siglo 3 . Su abuelo paterno, Joseph Bocuse (1869-1942), es el propietario del restaurante Bocuse en Collonges-au-Mont-d’Or y sus abuelos maternos tienen el Hotel du Pont ubicado a 400 metros del anterior. En 1936, sus padres se mudaron al hotel materno que se convirtió en L ‘ Auberge du Pont . Apasionado por la pesca y la caza , el joven Paul Bocuse no derogará la tradición familiar.

Privacidad
En 1944, con 18 años, Paul Bocuse participa voluntariamente en el ejército francés de la Liberación del General de Gaulle . Se incorpora en el 1 st División Francia Libre ( caminar Batallón BM 24). Herido en Alsacia , es tratado por soldados estadounidenses que lo transfunden y tatúan un gallo gallo en su hombro izquierdo. Él está decorado con la Croix de Guerre 1939-1945  .

En 1946, se casó con Raymonde Duvert que tiene una hija en 1947, Françoise  , con tres hijos (Candice, Stephanie y Philippe) con su marido, el famoso pastel de chocolate Lyon, Jean-Jacques Bernachon hijo de Maurice Bernachon ) .

Con su segundo compañero, Raymone, ex director de la clínica, tiene un hijo, Jerome , nacido en 1969. Lo reconoce oficialmente a la edad de 18 años. Jerome se convierte en chef y dirige los restaurantes estadounidenses de su padre, antes de convertirse en el gerente general del grupo Bocuse en 2016 . Él le dio un nieto, también bautizó a Pablo.

Polygam asumió  , Paul Bocuse también vive desde 1971 con Patricia Zizza, quien maneja su comunicación

La madre Brazier
A la edad de 20 años, liberado de sus obligaciones militares, Paul Bocuse comenzó su aprendizaje con Eugénie Brazier , conocida como la “Mère Brazier”, en el Col de la Luère , en Pollionnay . Se le presenta la famosa tradición gastronómica de los corchos de Lyon , bajo la autoridad de la más representativa de ” madres Lyon ” .

Lucas Carton por Gaston Richard 
Paul Bocuse trabaja en Lucas Carton , un restaurante en la Place de la Madeleine en el 8 º distrito de París , con el gran chef de Gaston Richard, donde se entabló una gran amistad con su joven estufa compañeros, Pedro y Juan Troisgros (los hermanos Troisgros) . Él hizo un pase a las cocinas de Bellas tenedores de Charbonnières-les-Bains , en la antigua marina y restaurador Claude Maret, de Charly , que más tarde se convirtió en presidente de la Unión de la cocina, desde su creación creada por Brillat-Savarin en Belley , en el Ain .

La Pyramide Fernand Point 
En la década de 1950 , los tres amigos se unieron en el restaurante La Pyramide en Viena , cerca de Lyon , con los grandes chefs Fernand Point y Paul Mercier. Pasó ocho años en Fernand Point, su padre espiritual, mentor y uno de sus modelos.

Family Inn Paul Bocuse 
En 1958, regresó permanentemente a Collonges y obtuvo su primera estrella en la Guía Michelin con su padre, que desaparece un año después. Retoma nuevamente la Abadía de Collonges , de la que hace un alto lugar de recepción de prestigio.

En 1961, Paul Bocuse ganó el título de Meilleur Ouvrier de France , la única competencia que había jugado alguna vez. Se había estancado en 1958. Este es el título del que está más orgulloso y su equipo históricamente tiene muchos MOF . Al año siguiente, recibió su segunda estrella Michelin para la posada Guinguette , y luego la tercera estrella tres años más tarde.

Gran compañía de comida francesa para defender sus intereses se estableció en 1970 en asociación con Henri Gault y Christian Millau de Gault Millau , y con doce cocineros protagonizó tres franceses, entre ellos Jean y Pierre Troisgros , Roger Verge , Louis Outhier , Carlos Barrera , Paul Haeberlin , Michel Guerard , Alain Chapel , Gaston Lenôtre , Raymond Oliver , Rene Lasserre y Pierre Laporte.

Fue nombrado Caballero de la Legión de Honor por el presidente Valéry Giscard d’Estaing en 1975. La decoración, que no había sido atribuida a un cocinero desde 1919 ( Auguste Escoffier ), se le otorga durante una recepción en el Elíseo, durante el cual se sirve una comida de Chefs a los invitados. En esta ocasión, crea la Black Truffle Soup VGE y Maurice Bernachon crea la torta President  .

A principios de la década de 1980, firmó un contrato con Disney , en asociación con sus amigos Roger Vergé y Gaston Lenôtre , para las operaciones de restaurante de Epcot Center , Disney World of Orlando , Florida . Abre sus primeras esquinas en Japón en las tiendas Daimaru , luego panaderías , pastelerías y delicatessen con su etiqueta.

En 1983, se convirtió, hasta 1990, en presidente de la Asociación Euro-Toques que reúne a más de 3 000 cocineros en Europa .

En 1987, creó el concurso mundial de cocina ( Bocuse d’Or ), uno de los concursos gastronómicos más prestigiosos del mundo. El presidente Jacques Chirac lo convierte en un oficial de la Legión de Honor. Para la 14 ª edición del Bocuse d’Or en enero de 2013, se proclamó la victoria del chef francés Thibaut Ruggeri .

En 1989, Paul Bocuse se convirtió en presidente del concurso de la sección “restauración de cocina” de Best Worker of France . Es nombrado “Cocinero del siglo”, junto a Frédy Girardet y Joël Robuchon , por Gault Millau y es considerado el Papa de la gastronomía.

En 1991, Paul Bocuse fue el primer chef en ingresar al Musée Grévin en París con su estatua esculpida por el escultor Daniel Druet .

En 1993, fue nombrado Oficial de la Orden Nacional del Mérito .

En 1994, abrió la primera cervecería Le Nord , en Lyon, luego Le Sud en 1995, L’Est en 1997, L’Argenson en 2002 y finalmente L’Ouest .

En 1996, fue uno de los chefs oficiales de la Cumbre Internacional del G7 en el Museo de Arte Contemporáneo de Lyon .

En 2004, creó su Fundación Paul Bocuse para transmitir sus conocimientos y fue ascendido al rango de Comandante de la Legión de Honor bajo la presidencia de Jacques Chirac .

En 2005, se sometió a un bypass coronario triple .

Al año siguiente, los Halles de Lyon , uno de los lugares donde se compran los mejores productos del chef, pasan a denominarse Halles Lyon-Paul Bocuse para rendir homenaje. Celebra el 40 aniversario de sus 3 estrellas y publica su biografía que describe como un testamento, Paul Bocuse. El fuego sagrado , publicado por Glénat . El libro está escrito por Ève-Marie Zizza-Lalu, hija de su tercera compañera, Patricia Zizza, quien fundó con él la Compañía de productos Paul Bocuse.

El puente de Collonges-au-Mont-d’Or lleva su nombre en 2010. Abre, por primera vez en su historia profesional, una parte de la capital de sus cuatro cervecerías lyonnaises agrupadas bajo la marca North Sud Brasseries para Naxicap Partners, una subsidiaria de Natixis Bank . Paul Bocuse sufre de la enfermedad de Parkinson 

En 2011, fue galardonado con el título de “Cocinero del siglo” por el American Culinary Institute of New York 

la 28 de enero de 2013Los mejores chefs del mundo, entre ellos Alain Ducasse y Joël Robuchon , rinden homenaje en los salones del Ayuntamiento de Lyon con una cena de gala coordinado por el chef francés Michel Roth .

Inauguró la nueva escuela-restaurante del American Culinary Institute de Nueva York en febrero de 2013, una fábrica de cerveza llamada Restaurant Bocuse . En el mismo año, abrió una nueva cervecería en Lyon, Marguerite , en la Avenue des frères Lumière , cuyo chef, Tabata Bonardi, es un ex participante de un espectáculo de cocina.

La facturación anual de todas sus actividades culinarias en todo el mundo se estima en casi 50 millones de euros, para casi 700 empleados.

Muerte
Muy debilitado por la enfermedad de Parkinson , Paul Bocuse murió mientras dormía como resultado de esta enfermedad, la20 de enero de 2018a los 91 años en su posada de Pont de Collonges , donde nació.

El cardenal Barbarin celebra el funeral de Paul Bocuse el 26 de enero de 2018 en la catedral de Saint-Jean en Lyon . Muchas celebridades asisten, vestidos con sus chaquetas blancas chefs incluyendo Philippe Etchebest , Alain Ducasse , Joël Robuchon , Pierre Troisgros y Michel Troisgros , Anne-Sophie Pic , Marc Veyrat , Guy Savoy , Christian Le Squer , Pierre Gagnaire , Régis Marcon , Michel Guérard , Arnaud Donckele Yannick Alleno, el estadounidense Thomas Keller , Daniel Boulud , que llegó de Nueva York , o Hiroyuki Hiramatsu. El Estado está representado por el ministro del Interior y ex alcalde de Lyon, Gérard Collomb , Presidente del Consejo Constitucional, Laurent Fabius , y personalidades Lyon, el presidente del Olympique de Lyon , Jean-Michel Aulas , industriales Alain Mérieux y el alcalde de Lyon, Georges Képénékian .

A la salida de la catedral, al mediodía, el Himno al amor de Edith Piaf razonó con fuerza en la explanada. ” No, no me arrepiento de nada “, canción favorita de Paul Bocuse.

Paul Bocuse, vestido con chaqueta de cocinero decorado con la medalla de Mejor Obrero de Francia , que obtuvo en 1961, fue enterrado en el panteón familiar en el cementerio de Collonges

Pollo con colmenillas .
Arnaud 25 – Trabajo personal

Dodin de pato y foie gras .
Arnaud 25 – Trabajo personal

Sopa con trufas negras VGE de 1975 .
Classiccardinal – Trabajo personal

Filete de lenguado con fideos , punto Fernand .
Pacojet – Trabajo personal




Wilder Graves Penfield (Spokane, 26 de enero,1891 – Montreal, 5 de abril de 1976) fue un neurocirujano canadiense que contribuyó con importantes avances en el estudio del tejido nervioso, de las enfermedades neurológicas, especialmente la epilepsia, y la técnica en la neurocirugía.

Homenaje de el Doole de Google

127º aniversario del nacimiento de Wilder Penfield

Wilder Penfield.jpg

Estudios[editar]
De familia presbiteriana, pasó la mayor parte de su vida en Wisconsin. Realizó sus estudios en la Universidad de Princeton. Obtuvo la Beca Rhodes para realizar estudios en la Universidad de Oxford, donde estudió neuropatología con el profesor Sir Charles Scott Sherrington. Posteriormente obtuvo su título de médico en la Universidad Johns Hopkins. Practicó durante algunos años en la Universidad de Oxford donde conoció a William Osler. También realizó estudios en España, Alemania y Estados Unidos.

Hasta hace unos años, las operaciones del cerebro se realizaban sin anestesia general. El tejido cerebral no es sensible al dolor (cuando decimos que duele la cabeza, en realidad lo que duele son las arterias cerebrales, y las envolturas del cerebro o meninges), por lo que no era necesario dormir al paciente. Se aplicaba anestesia local para abrir el cuero cabelludo y el cráneo, y luego se operaba en el cerebro con el paciente consciente. En aquella época la anestesia general tenía cierto riesgo, por lo que solo se usaba cuando era estrictamente necesario, y por eso no se utilizaba en estas operaciones (hoy la anestesia general tiene menos riesgo, y habitualmente sí se duerme al paciente para operar en el cerebro)

Aprovechando esta circunstancia, en los años 40 y 50 el neurocirujano Wilder Penfield, durante estas operaciones estimulaba con una pequeña corriente eléctrica puntos en la superficie del cerebro, y preguntaba al paciente que sentía (esto se hacía no por simple curiosidad, sino que era necesario para determinar exactamente en qué región había que operar). Cuando se estimulaban así distintas regiones del cerebro, el paciente podía referir distintas sensaciones. Por ejemplo, cuando se estimulaba en la parte posterior del cerebro el paciente veía destellos de luz, si se estimulaba en la parte lateral oía zumbidos, o notaba cosquilleos en alguna parte de la piel, en otra región lo que sucedía era que el paciente movía alguna parte del cuerpo. A partir de estas observaciones Penfield realizó un mapa de la corteza, en donde cada modalidad sensorial, estaba representado en una parte de la corteza cerebral. Y no solo había una región cortical para cada modalidad sensorial, sino que cada parte del cuerpo tenía asignada su región en la corteza, dependiendo del grado de sensibilidad que tuviera. Como se ve en el esquema de arriba, la región que se encargaba de analizar la sensibilidad (parte izquierda del esquema) o de controlar los movimientos (parte derecha) de la mano era mucho mayor que la que analizaba la sensibilidad o controlaba los movimientos del pie, porque el tacto y los movimientos de la mano son más finos que los del pie.

Hoy no se podrían realizar estos experimentos, sin embargo hay otros métodos para conseguir el mismo objetivo. Existen técnicas como la tomografía de emisión de positrones (PET) o la resonancia magnética funcional, que permiten detectar, desde fuera y sin necesidad de abrir el cráneo, qué partes de la corteza se activan al realizar una tarea determinada. Estos estudios han confirmado las observaciones de Penfield, por ejemplo cuando el sujeto mira una escena se activa la parte posterior de la corteza, que es donde está la corteza visual.

Referencias en libros de ciencia ficción
El libro “Blade Runner” (“Sueñan los androides con ovejas eléctricas?”) de Philip K. Dick hace referencia a un aparato llamado “aparato Penfield” o “the mood organ”, que regulado un número de tres cifras (posiblemente utilizando estimulos eléctricos) cambia la forma como una persona se siente. Se hace referencia a estados como “Absolutamente complaciente” o “Depresión auto acusatoria”.

Fuente: wikipedia.



{25 enero, 2018}   San Roque completamente verde

El problema comenzó en marzo de 2017. Una floración bacteriana convirtió al lago San Roque en un tapiz verde. La situación, según informó la municipalidad de Carlos Paz, se agravó aún más por la falta de redes cloacales en esa zona de Córdoba.

El lago de Villa Carlos Paz está verde flúo y en alerta por contaminación

El lago San Roque, verde flúo (Daniel Cáceres)

El lago de Villa Carlos Paz está verde flúo y en alerta por contaminación

El problema en el lago San Roque se agravó por la falta de redes cloacales (Daniel Cáceres)

Los especialistas que fueron contratados para buscar una solución al problema informaron que este fenómeno ocurre cuando los porcentajes de fósforo y nitrógeno exceden los valores normales para un espejo de agua. Esta situación, según dijeron, genera un riesgo sanitario para la población.

“Por la gravedad de la situación, la municipalidad de Villa Carlos Paz asumió el compromiso de gestionar recursos y medios para realizar un abordaje interdisciplinario e interinstitucional de esta situación que data de más de 40 años”, informaron desde el municipio cordobés. Sin embargo, a poco más de un mes de cumplirse el anuncio realizado por las autoridades municipales, la solución para la población de San Roque sigue en suspenso.

El Instituto Nacional del Agua Centro de la Región Semiárida (INAcirsa) informó que la bacteria que contamina al lago San Roque produce una toxina denominada microcystina. Y, según un informe que elaboró su equipo de trabajo, puede causar daños por contacto o ingesta.

El lago de Villa Carlos Paz está verde flúo y en alerta por contaminación

Las autoridades del municipio también informaron que gestionaron recursos ante el Ente Nacional de Obras Hidrícas de Saneamiento (ENOHSA) para la instalación de cloacas en la ciudad en San Roque.

Además, agregaron que se firmó un acuerdo entre la Secretaría de Recursos Hídricos de la Nación y la Secretaría de Recursos Hídricos de Córdoba para el equipamiento del Laboratorio Municipal de Monitoreo y Biorremediación. La iniciativa que contó una asignación de fondos de $ 1.700.000.

“Actualmente se lleva adelante el monitoreo periódico del embalse y se está avanzando en la etapa de biorremediación experimental”, afirmaron fuentes del municipio de Carlos Paz.

Fuente: Clarín

 



{25 enero, 2018}   Vuelo de aves “murmuration”

 

Murmuración de estorninos preparándose para dormir, en Escocia

Estornino magnífico africano

Los estorninos son generalmente una familia altamente social. La mayoría de las especies se asocian en bandadas de diferentes tamaños durante todo el año. Una bandada de estorninos se llama murmuración. Estas bandadas pueden incluir otras especies de estorninos y, a veces, especies de otras familias. Esta sociabilidad es particularmente evidente en su comportamiento de dormidero; en la época no reproductiva, algunos dormideros pueden contar entre los miles de aves




George Charles Beresford - Virginia Woolf in 1902 - Restoration.jpgVirginia Woolf signature.svgVirginia Woolf 1927.jpg

Portrait of Virginia Woolf (January 25, 1882 – March 28, 1941), a British author and feminist, with her chignon.

Fotografía de Virginia Woolf con la mano en la cara con una estola de piel (10 x 15 centímetros). Esta es una imagen de uno de los propios álbumes de Virginia Woolf en Monk’s House que fueron adquiridos en una subasta en Sotheby’s en 1982 (véase Maggie Humm, Instantáneas de Bloomsbury: The Private Lives de Virginia Woolf y Vanessa Bell , página 187 ), donado en 1983 por Frederick R. Koch a Harvard Theatre Collection, Houghton Libray, Harvard University, y luego escaneado y subido por la biblioteca. La guía publicada por la biblioteca describecolectivamente las fotografías en el álbum como “instantáneas posiblemente tomadas por Virginia Woolf o por sus amigos y familiares”. Cuando los bibliotecarios de Harvard saben quién tomó la foto, generalmente la indican (por ejemplo, Man Ray para esta ). Esta fotografía en particular se describe simplemente como “Woolf Virginia [1927]”. El reverso de la fotografía no menciona la identificación del fotógrafo, simplemente indica, levemente dibujada, que el retrato fue hecho en Londres (ver archivo: Virginia Woolf 1927 verso detail.png ). La fotografía se reproduce aquí sin ninguna indicación de copyright y en la portada de Virginia Woolf y el Discurso de la Ciencia: La Estética de la Astronomía.por Holly Henry (Cambridge University Press, 2003) con el siguiente crédito: “Fotografía de estudio de Virginia Woolf (c. 1927) reimpreso con permiso de Mortimer Rare Book Room, Smith College” ( p. XII ) [, teniendo el Smith College sido presentado por Esther Cloudman Dunn otra impresión de la misma imagen]. La fotografía era, según el sitio web de Smith College Library, ” utilizada para promoción ” por Harcourt Brace, el editor de la versión estadounidense de To the Lighthouse en 1927. En Virginia Woolf Icon (Universidad de Chicago Press, 1999), Brenda Silver describe la fotografía como una “fotografía de estudio (no identificada)” y la comenta “aparece [ed] en una serie de anuncios y artículos de Harcourt Brace sobre Woolf y / o sus obras en los Estados Unidos durante la década de 1920 y la de 1930” ( p. 132 ). En particular, fue publicado sin aviso de derechos de autor en una reseña del libro publicado por The New York Times el 8 de mayo de 1927 y otra reseña publicada por The Bookshelf Review en junio de 1927. La fotografía fue exhibida en el programa Virginia Woolf: Art, Life and Vision en la National Portrait Gallery en Londres en 2014 con el siguiente título: “por Unknown photographer, 1927. Cortesía de Mortimer Rare Book Room, Neilson Library, Smith College, Northampton, Massachusetts”.

Virginia Woolf, de nacimiento Adeline Virginia Stephen (Londres, 25 de enero de 1882-Lewes, Sussex, 28 de marzo de 1941), fue una escritora británica, considerada una de las más destacadas figuras del modernismo literario del siglo XX y del feminismo internacional.

Durante el período de entreguerras, Woolf fue una figura significativa en la sociedad literaria de Londres y un miembro del grupo de Bloomsbury. Sus obras más famosas incluyen las novelas La señora Dalloway (1925), Al faro (1927), Orlando: una biografía (1928), Las olas (1931), y su largo ensayo Una habitación propia (1929), con su famosa sentencia «Una mujer debe tener dinero y una habitación propia si va a escribir ficción». Fue redescubierta durante la década de 1970, gracias a este ensayo, uno de los textos más citados del movimiento feminista, que expone las dificultades de las mujeres para consagrarse a la escritura en un mundo dominado por los hombres.

Adeline Virginia Stephen nació en Londres en 1882. Su padre era el novelista, historiador, ensayista, biógrafo y montañero sir Leslie Stephen (1832-1904).4​ La madre, una belleza famosa, Julia Prinsep Jackson (1846-1895) era la segunda esposa de su padre; había nacido en la India, hija del Dr. John y Maria Pattle Jackson y más tarde se había trasladado a Inglaterra con su madre, donde sirvió de modelo para los pintores prerrafaelitas como Edward Burne-Jones.Sus padres habían estado casados previamente y habían enviudado, y, en consecuencia, el hogar tenía hijos de los tres matrimonios. Leslie tenía una hija de su primera esposa, Minny Thackeray: Laura Makepeace Stephen, que fue declarada mentalmente incapaz y vivió con la familia hasta que fue ingresada en un psiquiátrico en 1891. Julia tenía tres hijos de su primer marido, Herbert Duckworth: George (1868-1934), Stella (1869-1897) y Gerald Duckworth (1870-1937). Leslie y Julia tuvieron otros cuatro hijos juntos: Vanessa Stephen (1879-1961), Thoby Stephen (1880-1906), Virginia (1882-1941), y Adrian Stephen (1883-1948).

La joven Virginia fue educada por sus padres en su literario y bien relacionado hogar del número 22 de Hyde Park Gate, Kensington. Asiduos visitantes al domicilio de los Stephen fueron, por ejemplo, Alfred Tennyson, Thomas Hardy, Henry James y Edward Burne-Jones. Aunque no fue a la escuela, Woolf recibió clases de profesores particulares y de su padre. La eminencia de Sir Leslie Stephen como editor, crítico y biógrafo, y su relación con William Thackeray (era el viudo de la hija menor de Thackeray), significaba que sus hijos fueron criados en un entorno lleno de las influencias de la sociedad literaria victoriana. Henry James, George Henry Lewes, Julia Margaret Cameron (tía de Julia Stephen) y James Russell Lowell, que fue el padrino honorífico de Virginia, estaban entre los visitantes de la casa. Julia Stephen estaba igualmente bien relacionada. Descendía de una camarera de María Antonieta, provenía de una familia de famosas bellezas, que dejaron su impronta en la sociedad victoriana como modelos para los artistas prerrafaelistas y los primeros fotógrafos. Además, acompañando a estas influencias, estaba la inmensa biblioteca en la casa de los Stephen, de la que Virginia y Vanessa (a diferencia de sus hermanos, que recibieron una educación formal) aprendieron los clásicos y la literatura inglesa.

Sin embargo, según las memorias de Woolf, sus recuerdos más vívidos de la infancia no fueron de Londres sino de St Ives en Cornualles, donde la familia pasó sus vacaciones de verano entre 1882 y 1894. La casa de veraneo de los Stephen, Talland House, tenía vistas a la playa de Porthminster y al faro de Godrevy. Todavía se alza en el mismo lugar, aunque en cierta medida alterada. Recuerdos de esas vacaciones familiares e impresiones del paisaje, especialmente el faro de Godrevy, impregnaron la ficción que Woolf escribió en años posteriores, principalmente Al faro.

Pronto padeció Virginia la primera de sus depresiones, con la repentina muerte de su madre, el 5 de mayo de 1895, cuando Virginia tenía trece años de edad, y la de su medio hermana Stella dos años después, quien había tomado las riendas del hogar familiar tras la muerte de Julia Stephen, pero abandonó la casa paterna para casarse con Jack Hills y falleció durante la luna de miel, a causa de una peritonitis.

La muerte de su padre por cáncer en 1905 provocó un ataque alarmante y fue brevemente ingresada.​ Sus crisis nerviosas y posteriores períodos recurrentes de depresión, los modernos eruditos (incluido su sobrino y biógrafo, Quentin Bell) han sugerido,​ estuvieron también influidos por los abusos deshonestos que ella y su hermana Vanessa padecieron a manos de sus medio hermanos George y Gerald Duckworth​ (que Woolf recuerda en sus ensayos autobiográficos A Sketch of the Past y 22 Hyde Park Gate). Las circunstancias exactas no se conocen bien, pero se cree que contribuyeron al problema psicológico que sufrió la autora, un trastorno bipolar. En su texto autobiográfico A Sketch of the Past, la propia Virginia Woolf solo aludió a estas desdichadas experiencias de forma velada, de acuerdo con la rígida moral de la época victoriana. Su biógrafa Hermione Lee escribió que: «Las pruebas son suficientes, pero también lo bastante ambiguas como para posibilitar interpretaciones psicobiográficas contradictorias, que presentan imágenes completamente diferentes de la vida interior de Virginia Woolf».

A lo largo de su vida, Woolf se vio acosada por periódicos cambios de humor y enfermedades asociadas. Aunque esta inestabilidad a menudo influyó en su vida social, su productividad literaria continuó con pocas interrupciones hasta su suicidio.

Bloomsbury

Los Dreadnought Hoaxers con toda la parafernalia abisinia; Virginia Woolf es la figura con barba en el extremo de la izquierda.
Después de la muerte de su padre, y segunda crisis nerviosa de Virginia, Vanessa y Adrian vendieron el número 22 de Hyde Park Gate y compraron una casa en el número 46 de Gordon Square en Bloomsbury. Se estableció con su hermana Vanessa –pintora que se casaría con el crítico Clive Bell– y sus dos hermanos en el barrio londinense de Bloomsbury, que se convirtió en centro de reunión de antiguos compañeros universitarios de su hermano mayor, entre los que figuraban intelectuales de la talla del escritor E. M. Forster, el economista J. M. Keynes y los filósofos Bertrand Russell y Ludwig Wittgenstein, y que sería conocido como el grupo o círculo de Bloomsbury. Tras estudios en King’s College de Cambridge,y King’s College de Londres, Woolf conoció a Lytton Strachey, Clive Bell, Rupert Brooke, Saxon Sydney-Turner, Duncan Grant y Leonard Woolf. Varios miembros del grupo de Bloomsbury atrajeron notoriedad en 1910 con el Engaño del Dreadnought, en el que Virginia participó disfrazada de un miembro de la familia real abisinia. Su charla completa en 1940 sobre el engaño del Dreadnought ha sido descubierta recientemente y está publicada en las memorias recogidas en la versión extensa de The Platform of Time (2008). Los artistas del grupo de Bloomsbury compartían ciertos criterios estéticos. Mostraban cierto rechazo hacia la clase media alta a la que pertenecían, y se consideraban herederos de las teorías esteticistas de Walter Pater que tuvieron resonancia a finales de siglo XIX. Dentro de este grupo hubo intensas relaciones intelectuales, pero también emotivas y personales. Formaron parte de él, la pintora Dora Carrington y los escritores Gerald Brenan y Lytton Strachey, entre otros.

En 1912, cuando contaba treinta años, se casó con el escritor Leonard Woolf, economista y miembro también del grupo de Bloomsbury. A pesar de su bajo rango social y económico –Woolf se refirió a Leonard durante su compromiso como un “judío sin un céntimo”– la pareja compartió un lazo muy fuerte. De hecho, en 1937, Woolf escribió en su diario: «Hacer el amor –después de 25 años que no podemos tolerar el estar separados– … ver que es un enorme placer ser deseado: una esposa. Y nuestro matrimonio tan completo». Los dos colaboraron también profesionalmente, fundando juntos en 1917 la célebre editorial Hogarth Press, que editó la obra de la propia Virginia y la de otros relevantes escritores, como Katherine Mansfield, T. S. Eliot, Sigmund Freud, Laurens van der Post y otros.13​ La ética del grupo de Bloomsbury estaba en contra de la exclusividad sexual, y en 1922, Virginia conoció a la escritora y jardinera Vita Sackville-West, esposa de Harold Nicolson. Después de un comienzo tentativo, comenzaron una relación sexual que duró la mayor parte de los años 1920.14​ En 1928, Woolf regaló a Sackville-West la obra Orlando, una biografía fantástica en la que la vida del héroe epónimo abarca tres siglos y ambos sexos. Nigel Nicolson, hijo de Vita Sackville-West, la consideró «la carta de amor más larga y encantadora en la historia de la literatura».Después de que acabara su romance, las dos mujeres siguieron siendo amigas hasta la muerte de Woolf en 1941. Virginia Woolf también permaneció estrechamente relacionada con sus parientes supervivientes, Adrian y Vanessa; Thoby había muerto de enfermedad a los veintiséis años de edad.

Suicidio
Durante su vida, sufrió una enfermedad mental hoy conocida como trastorno bipolar. Después de acabar el manuscrito de una última novela (publicada póstumamente), Entre actos, Woolf padeció una depresión parecida a la que había tenido anteriormente. El estallido de la Segunda Guerra Mundial, la destrucción de su casa de Londres durante el Blitz y la fría acogida que tuvo su biografía sobre su amigo Roger Fry empeoraron su condición hasta que se vio incapaz de trabajar.

El 28 de marzo de 1941, Woolf se suicidó. Se puso su abrigo, llenó sus bolsillos con piedras y se lanzó al río Ouse cerca de su casa y se ahogó. Su cuerpo no fue encontrado hasta el 18 de abril.16​ Su esposo enterró sus restos incinerados bajo un árbol en Rodmell, Sussex.

En su última nota a su marido escribió:

 

feel certain I am going mad again. I feel we can’t go through another of those terrible times. And I shan’t recover this time. I begin to hear voices, and I can’t concentrate. So I am doing what seems the best thing to do. You have given me the greatest possible happiness. You have been in every way all that anyone could be. I don’t think two people could have been happier till this terrible disease came. I can’t fight any longer. I know that I am spoiling your life, that without me you could work. And you will I know. You see I can’t even write properly. I can’t read. What I want to say is I owe all the happiness of my life to you. You have been entirely patient with me and incredibly good. I want to say that everybody knows it. If anybody could have saved me it would have been you. Everything has gone from me but the certainty of your goodness. I can’t go on spoiling your life any longer. I don’t think two people could have been happier than we have been.
Siento que voy a enloquecer de nuevo. Creo que no podemos pasar otra vez por una de esas épocas terribles. Y no puedo recuperarme esta vez. Comienzo a oír voces, y no puedo concentrarme. Así que hago lo que me parece lo mejor que puedo hacer. Tú me has dado la máxima felicidad posible. Has sido en todos los sentidos todo lo que cualquiera podría ser. Creo que dos personas no pueden ser más felices hasta que vino esta terrible enfermedad. No puedo luchar más. Sé que estoy arruinando tu vida, que sin mí tú podrás trabajar. Lo harás, lo sé. Ya ves que no puedo ni siquiera escribir esto adecuadamente. No puedo leer. Lo que quiero decir es que debo toda la felicidad de mi vida a ti. Has sido totalmente paciente conmigo e increíblemente bueno. Quiero decirlo —todo el mundo lo sabe. Si alguien podía haberme salvado habrías sido tú. Todo lo he perdido excepto la certeza de tu bondad. No puedo seguir arruinando tu vida durante más tiempo. No creo que dos personas pudieran ser más felices que lo que hemos sido tú y yo. V.17​

Virginia Woolf’s suicide letter to her husband

Obra
Woolf comenzó a escribir profesionalmente en 1905, inicialmente para el Times Literary Supplement con una pieza de periodismo sobre Haworth, hogar de la familia Brontë.18​ Su primera novela, Fin de viaje, se publicó en 1915 por la editorial de su medio hermano, Gerald Duckworth and Company Ltd. En esta novela, como en Noche y día la escritora ya se muestra dispuesta a romper los esquemas narrativos precedentes, pero apenas merecieron consideración por parte de la crítica. Sólo tras la publicación de La señora Dalloway y Al faro, los críticos comenzaron a elogiar su originalidad literaria. En estas obras llaman ya la atención la maestría técnica y el afán experimental de la autora, quien introducía además en la prosa novelística un estilo y unas imágenes hasta entonces más propios de la poesía. Desaparecidas la acción y la intriga, sus narraciones se esfuerzan por captar la vida cambiante e inasible de la conciencia.​ La obra de Woolf puede entenderse como un diálogo con Bloomsbury, particularmente su tendencia (informada por G.E. Moore, entre otros) hacia el racionalismo doctrinario.​ Influida por la filosofía de Henri Bergson[cita requerida], Woolf experimentó con especial interés con el tiempo narrativo, tanto en su aspecto individual, en el flujo de variaciones en la conciencia del personaje, como en su relación con el tiempo histórico y colectivo. Así, Orlando (1928) constituye una fantasía libre, basada en algunos pasajes de la vida de Vita Sackville-West, en que la protagonista vive cinco siglos de la historia inglesa.​ Se distingue del resto de novelas al intentar representar a una persona real, hacer “Una biografía”, como dice el subtítulo. En Las olas (1931) presenta el «flujo de conciencia» de seis personajes distintos, es decir, la corriente preconsciente de ideas tal como aparece en la mente, a diferencia del lógico y bien trabado monólogo tradicional y crean un ambiente de poema en prosa.

La última obra de Woolf, Entre actos (1941) resume y magnifica sus principales preocupaciones: la transformación de la vida a través del arte, la ambivalencia sexual y la reflexión sobre temas del flujo del tiempo y de la vida. Es el más lírico de sus libros, escrito principalmente en verso.

Escribió asimismo una serie de ensayos que giraban en torno de la condición de la mujer, en los que resaltó la construcción social de la identidad femenina y reivindicó el papel de la mujer escritora. En Una habitación propia revela la evolución de su pensamiento feminista. Destacó a su vez como crítica literaria, y fue autora de dos biografías: una divertida recreación de la vida de los Browning a través de los ojos de su perro (Flush) y otra sobre el crítico R. Fry (Fry). Asimismo, junto a E. M. Forster, llegó a escribir una carta a varios periódicos ingleses sobre el efecto que la censura tenía sobre el ánimo de los escritores, a raíz del intento del Sunday Express de condenar la novela de temática lésbica El pozo de la soledad (The Well of Loneliness, en inglés), de Hall.

La obra novelística de Virginia Woolf recibe influjos de Marcel Proust, James Joyce, Dorothy Richardson, Katherine Mansfield y posiblemente Henry James. Lo que le es realmente característico, lo que la hace prominente entre sus contemporáneos es precisamente que trató de hallar un camino nuevo para la novela, apartándose y dejando de lado el realismo imperante y abandonando la convención de la historia así como la tradicional descripción de los personajes.

Woolf siguió publicando novelas y ensayos como una intelectual pública con éxito tanto de crítica como de público. Gran parte de su obra la publicó a través de la Hogarth Press. Ha sido saludada como una de las grandes novelistas del siglo XX y una de las más destacadas modernistas.

Woolf está considerada una de las grandes renovadoras del idioma inglés. En sus obras ella experimentó con la corriente de pensamiento y lo psicológico subyacente así como los motivos emocionales de los personajes. La reputación de Woolf declinó profundamente después de la Segunda Guerra Mundial, pero su eminencia fue restablecida con el auge de la crítica feminista en los años 1970.​

Su obra fue criticada por epitomar el estrecho mundo de la intelectualidad inglesa de clase media. Algunos críticos juzgaban que carecía de universalidad y hondura, sin el poder de comunicar nada de relevancia emotiva o ética al desilusionado lector medio, cansado de los estetas de los años veinte. También la criticaron por anti-semita, a pesar de estar felizmente casada con un judío. Este antisemitismo se saca del hecho de que ella a menudo escribió sobre personajes judíos en arquetipos y generalizaciones estereotípicos.​ El creciente antisemitismo de los años veinte y treinta tuvo una influencia inevitable en Virginia Woolf. Escribió en su diario, “No me gusta la voz judía; no me gusta la risa judía.” Sin embargo, en una carta de 1930 a la compositora Ethel Smyth, citada en la biografía de Nigel Nicolson, Virginia Woolf, recuerda que presumía del judaísmo de Leonard confirmando sus tendencias snob, “Cómo odié casarme con un judío – Menuda snob que era, pues ellos tienen una inmensa vitalidad.” En otra carta a su querida amiga Ethel Smyth, Virginia da una mordaz denuncia del Cristianismo, apuntando a su “egotismo” con pretensiones de superioridad moral y afirmando que “mi judío tiene más religión en la uña de un pie –más amor humano, en un pelo.”26​ Virginia y su esposo Leonard Woolf realmente odiaban y temieron al fascismo de los años treinta con su antisemitismo sabiendo que ellos estaban en la lista negra de Hitler. Su libro de 1938 Tres guineas era una censura al fascismo.

Las peculiaridades de Virginia Woolf como escritora de ficción han tendido a oscurecer su fuerza central: Woolf es sin duda la más grande novelista lírica en el idioma inglés. Sus novelas son altamente experimentales: una narrativa, frecuentemente sin acontecimientos y lugares comunes, se refracta – y a veces casi se disuelve—en la conciencia receptiva de los personajes. Un intenso lirismo y virtuosismo estilístico se funden para crear un mundo abundante con impresiones auditivas y visuales.

Interpretaciones y erudición modernas

Virginia Woolf en 1939.
Recientemente, los estudios sobre Virginia Woolf se han centrado en temas feministas y lésbicos en su obra, como en la colección de 1997 o ensayos críticos, Virginia Woolf: Lesbian Readings, edición de Eileen Barrett y Patricia Cramer. Más controvertidamente, Louise A. DeSalvo interpreta la mayor parte de la vida y carrera de Woolf a través de la lente del abuso sexual incestuoso que experimentó Woolf cuando era joven en su libro de 1989 Virginia Woolf: The Impact of Childhood Sexual Abuse on her Life and Work.

La ficción de Woolf también se estudia por su penetración en temas como neurosis de guerra, guerra, clase y la moderna sociedad británica. Sus mejores obras de no ficción, Una habitación propia (1929) y Tres guineas (1938), examinan las dificultades que las escritoras e intelectuales tienen que afrontar porque los hombres tienen un poder legal y económico desproporcionado, y el futuro de las mujeres en la educación y la sociedad.

El libro de Irene Coates Quién teme a Leonard Woolf: un caso por la cordura de Virginia Woolf asume la tesis de que el tratamiento que Leonard Woolf dio a su esposa fomentó su mala salud y al final fue el responsable de su muerte. La tesis, no aceptada por la familia de Leonard, ha sido ampliamente investigada y llena algunos de los vacíos en el relato habitual de la vida de Virginia Woolf. Por el contrario, el libro de Victoria Glendinning Leonard Woolf: A Biography, que tiene aún más amplia investigación y está apoyado en testimonios contemporáneos, argumenta que Leonard Woolf no sólo apoyó ampliamente a su esposa, sino que la permitió vivir todo ese tiempo proporcionándole la vida y la atmósfera que necesitaba para vivir y escribir. Relatos del supuesto anti-semitismo de Virginia (Leonard fue un judío secular) no sólo se toman en su contexto histórico sino gravemente exagerados. Los propios diarios de Virginia apoyan este punto de vista del matrimonio de los Woolf.

En vida de Virginia Woolf apareció al menos una biografía. El primer estudio autorizado de su vida se publicó en 1972 por su sobrino, Quentin Bell. En 1992, Thomas Caramagno publicó el libro The Flight of the Mind: Virginia Woolf’s Art and Maniac-Depressive Illness. La biografía de Hermione Lee Virginia Woolf (1996) proporciona un examen riguroso y fidedigno de la vida y obra de Woolf. En 2001 Louise DeSalvo y Mitchell A. Leaska editaron The Letters of Vita Sackville-West and Virginia Woolf. La obra de Julia Briggs, Virginia Woolf: An Inner Life, publicada en 2005, es el examen más reciente de la vida de Woolf. Se centra en los escritos de Woolf, incluyendo sus novelas y sus comentarios sobre el proceso creativo, para arrojar luz sobre su vida. El libro de Thomas Szasz My Madness Saved Me: The Madness and Marriage of Virginia Woolf (ISBN 0-7658-0321-6) se publicó en 2006.

La obra de Rita Martin Flores no me pongan (2006) considera los últimos minutos de la vida de Woolf para debatir temas polémicos como la bisexualidad, el judaísmo y la guerra. Escrito en castellano, la obra fue interpretada en Miami con dirección de la actriz Miriam Bermúdez.

En el cine
¿Quién teme a Virginia Woolf? fue una obra de teatro estadounidense (1962) de Edward Albee y una película (1966) dirigida por Mike Nichols (guion de Ernest Lehman adaptado a partir de la obra). Virginia Woolf no aparece como un personaje. Según la obra de teatro, el título de la obra — que es sobre una pareja casada universitaria alcohólica y disfuncional — se refiere a una broma académica sobre «¿Quién teme vivir la vida sin falsas ilusiones?».
Virginia Woolf es un personaje en la película Las horas (2002), dirigida por el director Stephen Daldry y basada en la novela homónima de Michael Cunningham, gira en torno al libro de Virginia Woolf titulado La señora Dalloway. Por su interpretación de la escritora, Nicole Kidman se llevó un Oscar a la mejor actriz.

Woolf Orlando.jpg

Orlando. A Biography, London, The Hogarth Press, 1928. Prima edizione
Virginia Woolf (1882-1941) –

Orlando.tif

“Orlando” es una novela que se encuentra al margen de la evolución literaria de V. Woolf. No es, como en “Mrs. Dalloway”, “The Waves” o “To the Lighthouse” para describir los cambios transitorios y continuos de la conciencia y su originalidad se extenderá durante tres siglos, Inglaterra y otros países y que la primera plan para establecer la biografía del narrador de su héroe-heroína ya que Orlando cambia de sexo en el medio de la historia. Orlando es un hombre primero, pero una vez que las mujeres se vuelvan, seguirá amando a las mujeres: “Como a Orlando nunca le han gustado las mujeres, y esa naturaleza humana siempre se está tirando del oído antes de adaptarse a nuevos acuerdos, aunque las mujeres a su vez Me encantó … “Esta mujer es en realidad la amiga Virginia Vita Sackville-West, la novelista que admira porque” se atreve a vivir abiertamente la dualidad de su naturaleza “. Pero lejos de asumir sin problemas para ambos sexos (como Vita), Orlando se desgarra por conflicto.

Noel Olivier;  Maitland Radford;  Virginia Woolf (née Stephen);  Rupert Brooke de NPG.jpg

De izquierda a derecha: Noel Olivier; Maitland Radford; Virginia Woolf (née Stephen); Rupert Brooke , por un artista desconocido. Mira la fuente del sitio para información adicional. Este conjunto de imágenes fue recopilado por el usuario: Dcoetzee de la National Portrait Gallery, sitio web de Londres, utilizando una herramienta especial. Todas las imágenes de este lote tienen un autor desconocido, pero hay pruebas contundentes de que se publicó por primera vez antes de 1923 (basado principalmente en la fecha estimada del trabajo del NPG).

Julia y los niños en las clases 1894.jpg

Thoby, Vanessa, Virginia, Julia y Adrian con su madre, Julia Stephen, dando sus lecciones en Talland House c. 1894
Anónimo – Smith College Bibliotecas

Fuente: Virginia Woolf

Homenaje de el Doodle de Google

136.º aniversario del nacimiento de Virginia Woolf

 






{24 enero, 2018}   Joseph-Marie Vien

File:Joseph-Marie Vien - Sweet Melancholy (1756).jpg

Sweet Melancholy Dulce melanccolía

Resultado de imagen para les jeunes grecques

les jeunes grecques parant le fleur

 

The artist Marie Thérèse Reboul.jpg

 

wife of Joseph-Marie Vien

The Wounded Alcibiades, Jean Charles Nicaise Perrin.jpg

The Wounded Alcibiades, Jean Charles Nicaise Perrin

Dido's Sacrifice to Juno MET DP134501.jpg

Drawing; Drawings




El volcán Mayón en 1984

El volcán Mayón durante la erupción de 1984.

El monte Mayón es un volcán de unos 2421 msnm que se encuentra al norte de la ciudad de Legazpi, Filipinas y a 330 km al sudeste de la capital, Manila; en la isla de Luzón, provincia de Albay. Conocido como «el cono perfecto» por su forma cónica perfecta, el Mayón, forma parte de la cordillera que se extiende al sur de Manila, de unos 330 kilómetros de longitud.

El monte Mayón fue clasificado por los vulcanólogos como un estratovolcán. Es el volcán más activo en su país, habiendo entrado en erupción alrededor de 50 veces en los últimos 400 años.

En este volcán se han producido más de treinta erupciones mayores que causaron pérdidas humanas y económicas. La más destructiva ocurrió el 1 de febrero de 1814, cuando la lava enterró la ciudad de Cagsawa. Murieron unas 1200 personas, y solo permaneció en pie el campanario de la iglesia del pueblo. Otra erupción digna de mención es la ocurrida en febrero de 1993, en la que murieron 77 personas y destaca por la enorme nube de cenizas que originó.

Otras erupciones importantes ocurrieron en 1897, 1928 y 1947. El 16 de marzo de 2000 ocurrió la erupción registrada número 47, que alzó una columna de ceniza de un kilómetro de altura. En 2001 alrededor de 25 mil personas fueron evacuadas tras la erupción. En 2003 hubo erupciones el 17 de marzo y el 13 de octubre.

El 7 de agosto de 2006 se decretó un desalojo masivo de unas 30 mil personas ante el riesgo de erupción del Mayón.

El 14 de diciembre de 2009, el volcán Mayón nuevamente entró en erupción. Mientras el ejército filipino acordonaba la zona, los pobladores de las comunidades aledañas al volcán tuvieron que abandonar sus hogares, pues al borde del cráter se ha podido ver lava y echaba cenizas al aire con la probabilidad de erupcionar de forma violenta por el lado sureste​

El 7 de mayo de 2013 entró de nuevo en erupción, matando a 5 turistas que estaban por la zona.

Mt.Mayon tam3rd.jpgMayon Volcano in Albay, Philippines
Tomas Tam

es un área protegida de Filipinas,​ situada en la región de Bicol (Región 5 ) el sureste de la Isla de Luzón, la isla más grande del país. El parque natural tiene una superficie de 5.775,7 hectáreas ( 14.272 acres) , que incluye su zona central del volcán Mayón, el volcán más activo de Filipinas y sus alrededores adyacentes.

El volcán también es conocido como el volcán perfecto,  por tener un cono casi perfecto. En primer lugar protegido como Parque Nacional en 1938 , fue reclasificado como Parque Natural en el año 2000.

El Parque Natural Volcán Mayón abarca una superficie de 5,775.7 hectáreas ( 14.272 acres) ubicadas en ocho ciudades y municipios que tienen la jurisdicción sobre la montaña. Estas comunidades son Camalig, Daraga, Guinobatan, Legazpi, Ligao, Tabaco, Malilipot , y Santo Domingo , todos en la provincia de Albay . El pico del volcán es la elevación más alta en la región de Bicol con 2.462 metros ( 8.077 pies)

En 2009

Lava flows, 2009
Top1963 / Tryfon Topalidis – Own work

Mayon and Legazpi City at night
Dexbaldon – Own work

En 1928




Sergei Eisenstein 03.jpgSergej Eisenstein (signature).png

Serguéi Mijáilovich Eizenshtéin, más conocido como Serguéi Eisenstein (en ruso: Сергей Михайлович Эйзенштейн; en letón: Sergejs Eizenšteins; Riga, Imperio ruso; 22 de enero de 1898-Moscú, URSS, 11 de febrero de 1948) fue un director de cine y teatro soviético de origen judío. Su innovadora técnica de montaje sirvió de inspiración para el cine posterior. 

Biografía
Cuando contaba 25 años, Serguéi Eisenstein puso fin a su carrera teatral, al ver el artificioso resultado en su montaje de Máscaras de gas, donde, según sus propias palabras, «el carro se rompió en pedazos y el conductor se cayó de cabeza en el cine». Esto hizo que dejara el teatro y se centrara en el medio que le dio prestigio internacional, el cine.

Eisenstein fue un pionero del uso del montaje en el cine. Para Eisenstein, la edición no era un simple método utilizado para enlazar escenas, sino un medio capaz de manipular las emociones de su audiencia. Después de una larga investigación en el tema, Eisenstein desarrolló su propia teoría del montaje. Sus publicaciones al respecto serían luego de gran influencia para varios directores de Hollywood.

Eisenstein, con frecuencia, no utilizaba actores profesionales para sus películas. Sus narrativas evitaban el individualismo y, en cambio, iban dirigidas a cuestiones más amplias de la sociedad, especialmente a conflictos de clases. Sus actores eran por lo usual personas sin entrenamiento en el campo dramático, tomadas de ámbitos sociales adecuados para cada papel.

Su principal mensaje político se basó en la organización, la participación y la lucha: «Como quieras, quiero».

Sus ideales comunistas lo condujeron en varias ocasiones a conflictos con funcionarios del gobierno soviético. Stalin era consciente del poder del cine como medio de propaganda, y consideró a Eisenstein como una figura controvertida. Su popularidad se profundizó más tarde con el éxito de sus películas, entre ellas El acorazado Potemkin (1925), calificada una de las mejores películas de todos los tiempos.

Sus ensayos literarios cinematográficos y sus dotes como orador, teniendo en cuenta que hablaba además alemán, inglés y francés, hizo que ejerciera una gran influencia sobre la teoría cinematográfica en la época.Sergei Eisenstein 02.jpg

Serguei Eisenstein

 

El homenaje de el Doodle de Google

120.º aniversario del nacimiento de Sergei Eisenstein

Nacido este día en 1898, Sergei Eisenstein era un artista soviético y director de vanguardia de varias películas pioneras, como Battleship Potemkin , Strike y The General Line .

Conocido como el padre del montaje, la técnica de la película de editar una secuencia rápida de breves tomas para trascender el tiempo o sugerir yuxtaposiciones temáticas, Eisenstein desplegó imágenes deslumbrantes en secuencias de precisión psicológica. Sus películas también fueron revolucionarias en otro sentido, ya que a menudo representaba la lucha de los trabajadores oprimidos contra la clase dominante.

Hoy celebramos su cumpleaños número 120 con un homenaje a su técnica pionera. ¡Feliz cumpleaños, Sergei Eisenstein!

 



{18 enero, 2018}   Angels

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Kristus i Getsemane, an angel comforting Jesus before his arrest in the Garden of Gethsemane, by Carl Heinrich Bloch, 1865–1890.
Carl Bloch –

El ángel conforta a Jesús antes de ser arrestado en el jardín de Getsemaní



{18 enero, 2018}   Vincent Van Gogh

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Hola: Una infografía con 8 profesiones del futuro. Vía Un saludo 8 profesiones del futuro The post 8 profesiones del futuro #infografia #infographic #rrhh #empleo appeared first on TICs y Formación.

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{17 enero, 2018}   Thomas Lawrence

 

 

Más detalles
Un retrato pastel temprano

Sir Thomas Lawrence PRA FRS (13 de abril de 1769 – 7 de enero de 1830) fue un destacado pintor de retratos inglés y el cuarto presidente de la Royal Academy .

Lawrence era un niño prodigio. Nació en Bristol y comenzó a dibujar en Devizes , donde su padre era posadero. A la edad de diez años, después de haberse mudado a Bath, estaba apoyando a su familia con sus retratos en colores pastel . A los dieciocho años se fue a Londres y pronto estableció su reputación como pintor de retratos al óleo , recibiendo su primera comisión real, un retrato de la reina Charlotte , en 1790. Se mantuvo en la cima de su profesión hasta su muerte, de 60 años, en 1830 .

Autodidacta, era un dibujante brillante y conocido por su don de capturar una imagen, así como su virtuoso manejo de la pintura. Se convirtió en socio de la Royal Academy en 1791, miembro de pleno derecho en 1794 y presidente en 1820. En 1810 adquirió el generoso mecenazgo del Príncipe Regente y fue enviado al exterior para pintar retratos de líderes aliados para la cámara de Waterloo en el castillo de Windsor. , y es particularmente recordado como el retratista romántico de la Regencia . Los amores de Lawrence no fueron felices (sus tortuosas relaciones con Sally y Maria Siddons se convirtieron en el tema de varios libros) y, a pesar de su éxito, pasó la mayor parte de su vida profundamente endeudado. Él nunca se casó. A su muerte, Lawrence era el pintor de retratos más moderno de Europa. Su reputación menguó durante la época victoriana , pero desde entonces ha sido parcialmente restaurada.

Sir Thomas Lawrence

Primera comisión real de Lawrence: Queen Charlotte

Lawrence estaba enamorado de la hija de Sarah Siddons , Sally. Pintura de Thomas Lawrence, siglo XVIII.
Thomas Lawrence – Sotheby’s

Lawrence pintó al Papa Pío VII en Roma en 1819

Anne, Vizcondesa Pollington, más tarde condesa de Mexborough († 1870), con su hijo, John Charles, más tarde 4º conde de Mexborough London, colección de arte Moretti Fine Art
Thomas Lawrence

El retrato de Elizabeth Farren fue a los Estados Unidos




La cantante naif francesa.

La canción que consagró a France Gall  como artista a nivel internacional. Grabada en 11 lenguas.  Ocupó los pimeros puestos de venta en 12 países europeos.

France Gall.png  Imagen relacionada   R.I.P.

Trade ad for France Gall’s single “A Lonely Singing Doll”. To better adapt it to his respective Wikipedia article, the ad was cropped and cleaned in a graphics editing program. The original can be viewed at the source below.
Philips Records

Eurovision 1965 – Serge Gainsbourg, France Gall y Mario del Monaco.
RAI –

Isabelle Geneviève Marie Anne Gall, más conocida como France Gall (París, Francia, 9 de octubre de 1947-Neuilly-sur-Seine, 7 de enero de 2018), fue una popular cantante, actriz y modelo francesa.

Desde su infancia la rodeó la música: su padre fue el letrista Robert Gall (autor de, entre otros, «La Mamma» para Charles Aznavour) y su madre Cécile Berthier era hija de Paul Berthier, cofundador del coro Los Pequeños Cantores de la Cruz de Madera. Esto hace que sea prima del guitarrista Denys Lablé y del compositor Vincent Berthier. Tiene dos hermanos mellizos mayores que ella llamados Claude y Patrice, que eran bajista y guitarrista respectivamente. En la primavera de 1963, Robert Gall, al darse cuenta de la buena voz de su única hija de entonces solo 15 años, la animó a grabar canciones y envió las pruebas al editor Denis Burgeois, con quien audicionó en el Teatro de los Campos Elíseos de París en julio. Le impresionó tanto su voz e imagen, que Burgeois la contrató de inmediato y la hizo firmar para la Phillips, donde Burgeois trabajaba como director artístico y donde trabajaba también el compositor Serge Gainsbourg, con el que Gall ganaría el festival de Eurovisión 1965. Este, que por entonces escribía para artistas franceses como Michèle Arnaud (quien también participó en el Festival de Eurovision 1956) y Juliette Gréco, aceptó la solicitud de Burgeois de componer para la joven France Gall. Gainsbourg a su vez hizo posible que Gall grabara con arreglos del músico de jazz Alain Goraguer.

France Gall durante su actuación en el Festival de la Canción de Eurovisión 1965.
RAI –

1966, ‘Les sucettes’
Otra composición de Gainsbourg, Les sucettes («Las piruletas») de 1966, la envolvió en cierta polémica por el juego de palabras que Serge impuso, pasando la letra de tratar de la inocente situación de una niña (Annie), a la que le gusta gastar su calderilla en piruletas, a ser una alegoría de la felación. Cuando se enteró del doble sentido del tema, quedó afectada al momento y rompió su relación laboral con Gainsbourg, quien con esto quiso poner a prueba la imagen tierna e inocente de la cantante. Ese mismo año, France grabó un sensible tema llamado «Bonsoir John John». La triste canción estaba dedicada a John John, el hijo pequeño del asesinado presidente norteamericano John Fitzgerald Kennedy.  

Esta canción le valió un espacio de 8 años como paréntesis fuera del escenario.

France Gall

La canción de la polémica Les Sucettes

Con Elton John

Con su esposo: Clip officiel du titre “Laissez passer les rêves” interprété par Michel Berger et France Gall (1992)




Encuentran en el Caribe una civilización perdida

Imagen ilustrativa
Pixabay / Walkerssk

Científicos han descubierto que los puertorriqueños tienen el vínculo más estrecho con los antiguos taínos.

Origen: Encuentran en el Caribe una civilización perdida

Los taínos fueron los habitantes precolombinos de las Bahamas, las Antillas Mayores y el norte de las Antillas Menores. Se trata de un pueblo que llegó procedente de América del Sur, específicamente de la desembocadura del río Orinoco, pasando de isla en isla, reduciendo o asimilando a los pobladores más antiguos,​ como los guanajatabeyes y los ciguayos cuyas culturas son anteriores a la llegada de los taínos. La lengua taína pertenece a la familia lingüística macroarahuacana, que se extiende desde América del Sur a través del Caribe.

En el momento de la llegada de Cristóbal Colón en 1492, había cinco cacicazgos taínos en el territorio de La Española (hoy Haití y República Dominicana), cada uno dirigido por un cacique principal (jefe), a quien se le rendía homenaje. Puerto Rico también fue dividida en cacicazgos. Al jefe o cacique de la tribu se le pagaba un tributo significativo. Los caciques tenían el privilegio de llevar colgantes de oro llamados guanin, viviendo en bohíos rectángulo en lugar de ovalados que los pobladores habitaban, y sentándose en taburetes de madera cuando recibían huéspedes. En el momento de la conquista española, los mayores asentamientos de población taína podían llegar hasta 3.000 personas cada uno. Los taínos competían tradicionalmente con sus vecinos las tribus caribes, otro grupo originario de América del Sur, que vivían principalmente en las Antillas Menores. La relación entre los dos grupos ha sido objeto de mucho estudio.

Durante gran parte del siglo XV, la tribu taína estaba siendo conducida hacia el noreste del Caribe (lo que hoy es América del Sur), debido a las incursiones de los caribes. Muchas mujeres caribes hablaban lengua taína debido a la gran cantidad de mujeres taínas cautivas entre ellos.3​

En el siglo XVIII, la sociedad taína había sido devastada por enfermedades introducidas tales como la viruela, así como otros factores tales como los matrimonios mixtos o interraciales y la asimilación forzada a la economía de plantación que España impuso en sus colonias del Caribe, con la posterior importación de trabajadores esclavos africanos. El primer brote de viruela registrado en La Española se produjo en diciembre de 1518 o enero de 1519.4​ Pese a todo, varios pueblos indígenas sobrevivieron hasta el siglo XIX en Cuba. Los españoles que llegaron por primera vez a las Bahamas, Cuba y La Española en 1492, y más tarde a Puerto Rico, no llevaron mujeres. Tomaron a las mujeres taínas por sus esposas, lo que resultó en niños mestizos.

Reconstrucción de un poblado taíno en Cuba.
Michal Zalewski – Trabajo propio

Grupos taínos a la llegada de los europeos, al final del siglo XV. En verde, ubicación de los caribes, pueblo belicoso de origen arahuaco como los taínos.

ndígenas guajiros o wayúu; estos estaban emparentados con los ahora extintos taíno

https://es.wikipedia.org/wiki/Ta%C3%ADno

Tainos de la Española

https://es.wikipedia.org/wiki/Ta%C3%ADnos_de_La_Espa%C3%B1ola

 

 




Sismo de magnitud 7,2 sacude el centro y sur de México

El epicentro del sismo fue detectado al sur de Pinotepa Nacional, en Oaxaca.

Origen: Sismo de magnitud 7,2 sacude el centro y sur de México




Paulo Whitaker Reuters

Sergio Moraes Reuters

Ricardo Moraes Reuters

Este viernes comenzó el carnaval de Río de Janeiro, uno de los espectáculos más deslumbrantes y llamativos de Sudamérica, que atrae la atención tanto de los lugareños como de turistas de todo el mundo. Miles de personas disfrutaron de la sensualidad, los colores, la música, los ritmos, los bailes y el espíritu festivo de este impresionante evento que, como todos los años, hizo vibrar a todo Brasil.

Origen: El carnaval de Río de Janeiro hace vibrar a Brasil

Paulo Whitaker Reuters
RT




Goran Tomasevic

Goran Tomasevic Reuters Reuters

Los gatos de Estambul no tienen dueño y pasean libremente por las calles; pertenecen a todos y a nadie. En la ciudad hacen lo que les viene en gana: piden comida en los cafés, se suben directamente a las mesas, pasean por las tiendas… Se han convertido en una parte tan indispensable de la ciudad, que incluso en el 2016 se creó un documental protagonizado por ellos: ‘Kedi’ (‘Gato’, en turco). En esta galería, les mostramos la inusual simbiosis entre los felinos y la población de Estambul.

Origen: La ciudad donde gobiernan los gatos

Goran Tomasevic Reuters

Goran Tomasevic Reuters Reuters
RT



{14 febrero, 2018}   Feliz San Valentín!!!

 

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Lunas, marfiles, instrumentos, rosas,
lámparas y la línea de Durero,
las nueve cifras y el cambiante cero,
debo fingir que existen esas cosas.

Debo fingir que en el pasado fueron
Persépolis y Roma y que una arena
sutil midió la suerte de la almena
que los siglos de hierro deshicieron.

Debo fingir las armas y la pira
de la epopeya y los pesados mares
que roen de la tierra los pilares.

Debo fingir que hay otros. Es mentira.
Sólo tú eres. Tú, mi desventura
y mi ventura, inagotable y pura.

Jorge Luis Borges

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Me gustas cuando callas porque estás como ausente,
y me oyes desde lejos, y mi voz no te toca.
Parece que los ojos se te hubieran volado
y parece que un beso te cerrara la boca.Como todas las cosas están llenas de mi alma
emerges de las cosas, llena del alma mía.
Mariposa de sueño, te pareces a mi alma,
y te pareces a la palabra melancolía.Me gustas cuando callas y estás como distante.
Y estás como quejándote, mariposa en arrullo.
Y me oyes desde lejos, y mi voz no te alcanza:
déjame que me calle con el silencio tuyo.Déjame que te hable también con tu silencio
claro como una lámpara, simple como un anillo.
Eres como la noche, callada y constelada.
Tu silencio es de estrella, tan lejano y sencillo.Me gustas cuando callas porque estás como ausente.
Distante y dolorosa como si hubieras muerto.
Una palabra entonces, una sonrisa bastan.
Y estoy alegre, alegre de que no sea cierto.

Pablo Neruda

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