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Shelby Lock · Lirio

La preocupación mundana siempre busca llevar a un ser humano a la inquietud de comparaciones, lejos de la elevada calma de los pensamientos simples. … La invitación a aprender de los lirios no debe ser bienvenida por todos … A medida que aumenta la habilidad y la ocupación, cada generación gana cada vez más su vida útil en las bajas regiones subterráneas de Comparaciones. De hecho, así como los mineros nunca ven la luz del día, así estas personas infelices nunca llegan a ver la luz: esos pensamientos edificantes y sencillos, esos primeros pensamientos acerca de lo glorioso que es ser un ser humano

San Agustín

Los Lirios del campo (también referido a como Los pájaros del Cielo) es un discurso de Jesus que se narra en los Evangelios de Mateo y Lucas, y en el apócrifo de Tomás.

En Mateo 6:24–33 se puede leer:

Nadie puede servir a dos señores, porque aborrecerá a uno y amará al otro, o bien, se interesará por el primero y menospreciará al segundo. No se puede servir a Dios y al Dinero.
Por eso os digo: No os inquietéis por vuestra vida, pensando qué vais a comer, ni por vuestro cuerpo, pensando con qué os vais a vestir. ¿No vale acaso más la vida que la comida y el cuerpo más que el vestido?
Mirad los pájaros del cielo: ellos no siembran ni cosechan, ni acumulan en graneros, y sin embargo, vuestro Padre celestial los alimenta. ¿No valéis vosotros acaso más que ellos?
¿Quién de vosotros, por mucho que se preocupe, puede añadir un solo instante al tiempo de su vida?
¿Y por qué os inquietáis por el vestido? Mirad los lirios del campo, cómo crecen no se fatigan ni hilan.
Yo os aseguro que ni Salomón, en el esplendor de su gloria, se vistió como uno de ellos.
Si Dios viste así la hierba de los campos, que hoy existe y mañana será echada al fuego, ¡cuánto más hará por vosotros, hombres de poca fe!
No os inquietéis entonces, diciendo: «¿Qué comeremos, qué beberemos, o con qué nos vestiremos?».
Son los gentiles los que se afanan por estas cosas. El Padre que está en el cielo sabe bien lo que vosotros necesitáis.

Buscad primero el Reino y su justicia, y todo lo demás se os dará por añadidura.
No os preocupéis por el día de mañana; el mañana se preocupará de sí mismo. A cada día le basta con su inquietud.

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Últimas novedades

Ya está aquí nuestra colección de otoño.

El filósofo danés Søren Kierkegaard (1813-1855) se refiere a menudo a Mateo 6:26. Para él los pájaros del aire y los lirios del campo representan maestros de alegría religiosa, una valoración de que hay un hoy. Para él aprender alegría era aprender a dejar ir el mañana, no en el sentido de fracasar al planificar o prevenirse, sino prestando atención a las tareas cotidianas sin saber qué habrán significado.

La preocupación mundana siempre busca llevar a un ser humano a la inquietud de comparaciones, lejos de la elevada calma de los pensamientos simples. … La invitación a aprender de los lirios no debe ser bienvenida por todos … A medida que aumenta la habilidad y la ocupación, cada generación gana cada vez más su vida útil en las bajas regiones subterráneas de Comparaciones. De hecho, así como los mineros nunca ven la luz del día, así estas personas infelices nunca llegan a ver la luz: esos pensamientos edificantes y sencillos, esos primeros pensamientos acerca de lo glorioso que es ser un ser humano.

M. Conrad Myers ve en la referencia a Salomón y toda su gloria un eco sutil del Eclesiastés Miré yo luego todas las obras que habían hecho mis manos, y el trabajo que tomé para hacerlas; y he aquí, todo era vanidad y aflicción de espíritu, y sin provecho debajo del sol.

Se han hecho varios tentativas para identificar el tipo concreto de flor, aunque G.E. Post sugiere que «el lirio» es cualquiera del amplio surtido de las flores silvestres

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Jaroussky Unofficial · Philippe Jaroussky sings «Lascia ch’io pianga» from Händel’s «Rinaldo»

Feliz día de *Santa Cecilia, patrona de la musica.* Pidamos para que por su intercesión nos siga inspirando en el camino del arte musical, especialmente en el servicio a la Iglesia a través del canto y la música sagrada. Oración Acoge con bondad nuestras súplicas, Señor, y, por intercesión de santa Cecilia, Virgen y Mártir haz que lo que cantamos con nuestros labios se refleje en nuestra vida para que nuestra vida sea un canto nuevo elevado hacia ti. Por Jesucristo nuestro Señor. Amén. Padre nuestro, Ave María y Gloria Santa Cecilia Ruega por nosotros.

Virgen y mártir, patrona de la música de la iglesia, murió en Roma. Esta santa, tan a menudo glorificada en las bellas artes y en la poesía, es una de las mártires más veneradas de la antigüedad cristiana. La referencia histórica más antigua de Santa Cecilia se encuentra el «Martyrologium Hieronymianum»; de éste evidenciamos que su fiesta era famosa en la Iglesia romana en el siglo cuarto. Su nombre aparece en fechas diferentes en el martirologio antedicho; se menciona el 11 de agosto, la fiesta del mártir Tiburcio, es evidentemente una adición equivocada y tardía, debido al hecho que este Tiburcio, que fue enterrado en la Via Labicana, fue identificado erróneamente con Tiburcio, el cuñado de St., Cecilia, mencionado en las Actas de su martirio. Había quizás también otra mártir romana bajo el nombre de Cecilia, enterrada en la Via Labicana. En la fecha del 16 de septiembre, Cecilia es mencionada exclusivamente, con la nota topográfica: “Appiâ viâ in eâdem urbe Româ natale et passio sanctæ Ceciliæ virginia” (el texto está corregido). Éste es evidentemente el día del entierro de la santa mártir en las catacumbas de Calixto. La fiesta de la santa que se menciona el 22 de noviembre, en cuyo día es todavía celebrada, fue preservada en el templo dedicada a ella del barrio del Trastévere en Roma,. Por consiguiente, su origen probablemente se remonta a esta iglesia. Las primeras guías medievales (Itineraria) de los sepulcros de los mártires romanos, señalan su tumba en la Via Appia, al lado de la cripta de los obispos romanos del siglo tercero (De Rossi, Sotterranea de Roma, I, 180-181). De Rossi localizó el sepulcro de Cecilia en las catacumbas de Calixto, en una cripta adjunta a la capilla de la cripta de las papas; un nicho vacío en una de las paredes que una vez contuvo, probablemente, el sarcófago con los restos de la santa. Entre los frescos posteriores que adornan la pared del sepulcro, aparece dos veces la figura de una mujer ricamente vestida, y el Papa Urbano, quién tuvo una relación estrecha con la santa, según las Actas de su martirio, aparece pintado una vez. El antiguo templo titular en Roma arriba mencionado, se construyó en el siglo cuarto y todavía se conserva en el Trastévere. Este templo estaba ciertamente dedicado en el siglo quinto a la santa enterrada en la Vía Appia; es mencionado en las firmas del Concilio romano de 499 como “titulus sanctæ Cæciliæ » (Mansi, Coll, Conc. VIII, 236). Como algunos otros antiguo templos cristianos de Roma, que son un regalo de los santos cuyos nombres llevan, puede deducirse que la Iglesia romana debe este templo a la generosidad de la santa mártir misma; en apoyo de este punto de vista es de notar que la propiedad bajo la cual está construida la parte más antigua de la verdadera catacumba de Calixto, probablemente perteneció, según las investigaciones de De Rossi, a la familia de Santa Cecilia (Gens Cæcilia) y pasó a ser, por donación, propiedad de la Iglesia romana. Aunque su nombre no es mencionado en las más antiguas (siglo cuarto) listas de festividades (Depositio martyrum), el hecho de que en el «Sacramentarium Leoniam», una colección de misas completada hacia el final del siglo quinto, se encuentren al menos cinco misas diferentes en honor de Santa Cecilia, testifica la gran veneración que en ese momento tenía a la santa la Iglesia romana [«Sacram. Leon.», ed. Muratori, in «Opera» (Arezzo, 1771), XIII, I, 737, sqq. ].

Hacia la mitad del siglo quinto aparecen las Actas originales del martirio de Santa Cecilia, que habían sido transmitidas en numerosos manuscritos; estas actas también se tradujeron al griego. Fueron utilizadas en los prefacios de las misas del mencionado «Sacramentarium Leonianum». Ellas nos informan que, Cecilia, una virgen de una familia senatorial y cristiana desde su infancia, fue dada matrimonio por sus padres a un noble joven pagano, Valeriano. Cuando, tras la celebración del matrimonio, la pareja se había retirado a la cámara nupcial, Cecilia dijo a Valeriano que ella se había desposado con un ángel que celosamente guardaba su cuerpo; por consiguiente, Valeriano debía tener el cuidado de no violar su virginidad. Valeriano pidió ver al ángel, después de lo cual Cecilia lo envió junto a la tercera piedra miliaria de la Vía Appia dónde debía encontrarse con el obispo (Papa) Urbano. (n.d.t. El diálogo, según la tradición, transcurrió así: Cecilia: “Tengo que comunicarte un secreto. Has de saber que un ángel del Señor vela por mí. Si me tocas como si fuera yo tu esposa, el ángel se enfurecerá y tú sufrirás las consecuencias; en cambio si me respetas, el ángel te amará como me ama a mí.» Valeriano replicó: «Muéstramelo. Si es realmente un ángel de Dios, haré lo que me pides.» Cecilia le dijo: «Si crees en el Dios vivo y verdadero y recibes el agua del bautismo verás al ángel.»). Valeriano obedeció, fue bautizado por el papa y regresó como cristiano ante Cecilia. Entonces se apareció un ángel a los dos y los coronó con rosas y azucenas. Cuando Tiburcio, el hermano de Valeriano, se acercó a ellos, también fue ganado para la Cristiandad. Como niños celosos de la Fe ambos hermanos distribuyeron ricas limosnas y enterraron los cuerpos de los confesores que habían muerto por Cristo. El prefecto, Turcio Almaquio, los condenó a muerte; el funcionario del prefecto, Máximo, fue designado para ejecutar la sentencia, se convirtió y sufrió el martirio con los dos hermanos. Sus restos fueron enterrados en una tumba por Cecilia. Ahora la propia Cecilia fue buscada por los funcionarios del prefecto. Antes de que fuera apresada, dispuso que su casa debiera conservarse como un lugar de culto para la Iglesia romana. Después de una gloriosa profesión de fe, fue condenada a morir asfixiada en el baño de su propia casa. Pero, cuando permaneció ilesa en el ardiente cuarto, el prefecto decidió su decapitación en ese lugar. El ejecutor dejó caer su espada tres veces sin separar la cabeza del tronco y huyó, dejando a la virgen bañada en su propia sangre. Vivió tres días, hizo disposiciones en favor de los pobres y dispuso que después de que su muerte su casa debía dedicarse como templo. Urbano la enterró entre los obispos y los confesores, es decir, en la catacumba de Calixto.

El relato así no tiene valor histórico; es un romance pío, como tantos otros recopilados en los siglos quinto y sexto. La existencia de los mencionados mártires, sin embargo, es un hecho histórico. La relación entre Santa Cecilia y Valeriano, Tiburcio y Máximo, mencionados en las Actas, tienen quizá algún fundamento histórico. Estos tres santos fueron enterrados en las catacumbas de Pretextato en la Vía Appia, dónde sus tumbas se mencionan en el antiguo Itineraria peregrino. En el «Martyrologium Hieronymianum» su fiesta está fijada el 14 de abril con el comentario: “Romae vía Appia in cimiterio Prætextati»; y la octava el 21 de abril, con el comentario: “Roma in cimiterio Calesti vía Appia”. En opinión de Duchesne la octava era celebrada en la catacumba de Calixto, porque Santa Cecilia fue enterrada allí. Por consiguiente, si esta segunda anotación en el martirologio es más antigua que las Actas mencionadas y el último no cita esta segunda fiesta, se deduce que, antes de que las Actas fueran escritas, este grupo de santos fueron relacionados en Roma con Santa Cecilia. El tiempo en que Cecilia sufrió el martirio no es conocido. De la mención de Urbano nada puede concluirse acerca del tiempo de la composición de las Actas; el autor, sin autoridad alguna, simplemente introdujo el nombre de este confesor (enterrado en la catacumba de Pretextato) a causa de la proximidad de su tumba a la de los otros mártires y lo identificó con la papa del mismo nombre. El autor del «Liber Pontificalis» usó las Actas para referenciar a Urbano. Las Actas no ofrecen ninguna otra indicación del tiempo del martirio. Venancio Fortunato (Miscellanea, 1, 20; 8,6) y Ado (Martirologio, 22 noviembre) sitúan el momento de la muerte de la santa en el reinado de Marco Aurelio y Cómodo (aproximadamente el 177), y De Rossi intenta demostrar este dato como el más seguro históricamente. En otras fuentes occidentales de la baja Edad Media y en el “Synaxaria» griego, este martirio se sitúa en la persecución de Diocleciano. P.A. Kirsch intentó fijarlo en el tiempo de Alejandro Severo (229-230); Aubé, en la persecución de Decio (249-250); Kellner, en el de Juliano el Apóstata (362). Ninguna de estas opiniones está suficientemente establecida, ni las Actas ni otras fuentes ofrecen la evidencia cronológica requerida. La única indicación temporal segura es la localización de la tumba en la catacumba de Calixto, en inmediata proximidad a la antiquísima cripta de los papas, en la fueron enterrados, probablemente, Urbano y, ciertamente, Ponciano y Antero. La parte más antigua de esta catacumba fecha todos estos eventos al final del siglo segundo; por consiguiente, desde ese momento hasta la mitad del siglo tercero es el período dejado abierto para el martirio de Santa Cecilia.

Su iglesia en el barrio del Trastévere de Roma fue reconstruida por Pascual I (817-824) con cuya ocasión el papa deseó transferir sus reliquias allí; al principio, sin embargo, no pudo encontrarlas y creyó que habían sido robadas por los lombardos. En una visión vio a Santa Cecilia que lo exhortaba a continuar su búsqueda porque había estado ya junto a ella, es decir, cerca de su tumba. Él, por consiguiente, renovó su propósito; y pronto el cuerpo de la mártir, cubierto con costosos ropajes de brocados de oro y con las ropas empapadas en su sangre a sus pies, fue definitivamente encontrado en la catacumba de Pretextato. Debieron ser llevados allí desde la catacumba de Calixto para salvarlos de los primeros saqueos de los lombardos a la vecindad de Roma. Las reliquias de Santa Cecilia, con las de Valeriano Tiburcio y Máximo, también las de los Papas Urbano y Lucio, fueron trasladadas por el Papa Pascual, y enterradas de nuevo bajo el altar mayor de Santa Cecilia en el Trastévere. Los monjes de un convento, fundado en el barrio por el mismo papa, fueron encargados del deber de cantar el Oficio diario en esta basílica. Desde este momento la veneración por la santa mártir continuó extendiendose y se le dedicaron numerosas iglesias. Durante la restauración del templo, por el año 1599, el cardenal Sfondrato examinó el altar mayor y encontró debajo el sarcófago con las reliquias de los santos que el Papa Pascual había transportado allí. En las recientes excavaciones bajo la iglesia, ejecutadas a instancias del cardenal Rampolla, y costeadas por él, se descubrieron restos de edificios romanos, que han permanecido accesibles. Se construyó una capilla subterránea ricamente adornada bajo el pasillo central y, en ella, una ventana enrejada que se abre sobre el altar, que permite una vista de los receptáculos en los que reposan los huesos de los santos. En una capilla lateral de la iglesia se muestran, desde hace mucho tiempo, los restos del baño en que, según las Actas, Cecilia fue llevada a la muerte.

Las representaciones más antiguas de Santa Cecilia la muestra en la actitud usual de los mártires en el arte cristiano de los primeros siglos: o con la corona del martirio en su mano (por ejemplo en San Apolinar nuevo en Rávena, en un mosaico del siglo sexto) o en actitud de oración, como una Orante (por ejemplo las dos imágenes, de los siglos sexto y séptimo de su cripta). En el ábside de su iglesia en el Trastévere todavía se conserva el mosaico hecho bajo el Papa Pascual, en el qué ella es representada con ricos vestidos como protectora del Papa. Los cuadros medievales de la santa son muy frecuentes; desde los siglos catorce y quince se le asigna un órgano como atributo, o se le representa como tocando el órgano, evidentemente para expresar lo que se le atribuyó a menudo en los panegíricos y poemas basado en las Actas; por ejemplo, que mientras los músicos tocaban en sus nupcias ella cantó en su corazón solo a Dios («cantantibus organis illa in corde suo soi domino decantabat»); posiblemente el cantantibus organis fue interpretado erróneamente como si la propia Cecilia fuera la organista. De este modo se relacionó estrechamente a la santa con la música. Cuando se fundó en Roma la Academia de la Música (1584) fue nombrada patrona del instituto, después de lo cual su veneración como patrona de la música de la iglesia se generalizó universalmente; hoy las sociedades de cecilianos (asociaciones musicales) existen por todas partes. El órgano es ahora su atributo ordinario; con él Cecilia fue representada por Rafael en un famoso cuadro conservado en Bolonia. En otra magnífica obra maestra, la estatua de mármol jaspeado bajo el altar mayor de la antedicha iglesia de Santa Cecilia en Roma, Carlo Maderna la representó postrada, justo como ella había recibido el soplo de la muerte, de manos de su ejecutor. Su fiesta es celebrada por la Iglesia latina y griega el 22 noviembre. En el «Martyrologium Hieronymainum» se conmemoran otras mártires de este nombre, pero de ninguna de ellas hay alguna referencia histórica exacta. Una sufrió el martirio en Cartago con Dativus en 304.

MOMBRITIUS, Sanctuarium, I, 186 sqq.; BOSIO, Atti di S. Cecilia (Roma, 1600); SURIUS, De vitis Sanctorum (Venecia, 1581), VI, 161 sqq.; LADERCHI, S. Caciliae virg. et mart. acta ac transtiberina basilica (Roma, 1722); BOLLANDISTS ed., Bibliotheca hagiographica latina (Bruselas, 1898-99), I, 224; SIMEON METAPHRASTES, in P.G., CXVI; BARONIUS, Annales, ad an. 821, 15 xv (the spurious document of Pope Paschal I); BOLLANDISTS ed., Synaxarium Constatinopolitanum (Bruselas, 1902), 243; Liber Pontificalis, ed. DUCHESNE, I, xciii sq., 143, and II, 55-57, 65; TILLEMONT, Hist. eccles., III, 259 sqq.; De Rossi, Roma Sotterranea, II, xxxii sq.; GUERANGER, Histoire de Ste Cecile (Paris 1849; 2nd ed., 1852); IDEM, Ste Cecile et la societe romaine (Paris, 1878); MORSE, BIRKS, and HOLE, in Dict. of Christian Biog., s.v.; AUBE, Les chrétiens dans l’empire romain (2nd ed., Paris, 1881), 352 sqq.; ALLARD, Histoire des persecutions, I, 427 sqq.; ERBES, Die heilige Cacilia im Zusammenhang mit der Papstcrypta sowie der altesten Kirche Roms, in Zeitschrift fur Kirchengeschichte, IX, 1888, 1 sqq.; P.A. KIRSCH, Die heilge Cacilia, Jungfrau und Martyrin (Ratisbona, 1901); IDEM, Das Todesjahr der heiligen Cacilia, in Stromation Archaiologikon (Roma, 1900), 42-77; KELLNER, Das wahre Zeitalter der heil. Cacilia, in Theologische Quartalschrift (Tubinga, 1902), 237 sqq.; (1903), 321 sqq.; (1905), 258 sqq.; DUFOURCQ, Les Gesta martyrum romains (Paris, 1900), 116 sqq., 293 sqq.; MARUCCHI, Basiliques et eglises de Roma (Roma, 1902), 438 sqq.; BIANCHI-CAGLIESI, S. Cecilia e sua basilica (Roma, 1902); DETZEL, Christl. Ikonographie (Friburgo im Br., 1896), 220 sqq.; ROHAULT DE FLEURY, Les saints de la Messe, I, pl, 16-17; P. SIXTUS, Elucubrationes historico-liturgicae de recenti quadem sententia circa aetatem S. Caeciliae martyris, in Ephemerides liturgicae (Roma, Sept.-Oct. 1907). Ver también la cita en BUTLER, Vida de los Santos, 22 de Noviembre.

n.d.t: Se puede ver su cripta en la catacumba de Calixto en: http://www.catacombe.roma.it/es/cecilia.html

J.P. KIRSCH
Transcrito por Michael T. Barrett.
Dedicado a Sophie Kidder-Chang
Traducido por Quique Sancho.
Dedicado a Carlos Augusto (E.C.) y a todos los que bendicen al Señor con su música.

FUENTE: ENCICLOPEDIA CATOLICA

Cecilia proviene de la lengua latina y significa lirio del cielo, explica Jorge Catalino González.

«LA MUSICA ES EL PERFUME DE DIOS»



{13 noviembre, 2021}   El Puente – Mario Benedetti

Fantasy graphics


Para cruzarlo o para no cruzarlo
ahí está el puente

en la otra orilla alguien me espera
con un durazno y un país

traigo conmigo ofrendas desusadas
entre ellas un paraguas de ombligo de madera
un libro con los pánicos en blanco
y una guitarra que no sé abrazar

vengo con las mejillas del insomnio
los pañuelos del mar y de las paces
las tímidas pancartas del dolor
las liturgias del beso y de la sombra

nunca he traído tantas cosas
nunca he venido con tan poco

ahí está el puente
para cruzarlo o para no cruzarlo
yo lo voy a cruzar
sin prevenciones

en la otra orilla alguien me espera
con un durazno y un país.

Milan Records · Electric Youth – «This Was Our House» (from BREATHING)


{12 noviembre, 2021}   Johannes Vermeer

Johannes Vermeer van Delft /joˈɦɑnəs vərˈmeːr vɑn dɛlft/ (bautizado en Delft el 31 de octubre de 1632-ibídem, 15 de diciembre de 1675), llamado por sus contemporáneos Joannis ver Meer o Joannis van der Meer e incluso Jan ver Meer, es uno de los pintores neerlandeses más reconocidos del arte Barroco. Vivió durante la llamada Edad de Oro neerlandesa, en la cual las Provincias Unidas de los Países Bajos experimentaron un extraordinario florecimiento político, económico y cultural.

La obra completa de Vermeer es muy reducida; solamente se conocen 33 a 35 cuadros.2​ Esto pudo deberse a que pintaba para mecenas, por encargo, más que para el mercado de arte.

Pintó otras obras, hoy perdidas, de las que se tiene conocimiento por antiguas actas de subastas. Sus primeras obras fueron de tipo histórico, pero alcanzó la fama gracias a su pintura costumbrista, muchas veces considerada de género, que forma la mayoría de su producción. Sus cuadros más conocidos son Vista de Delft y La joven de la perla. En vida fue un pintor de éxito moderado. No tuvo una vida desahogada, quizá debido al escaso número de pinturas que producía, y a su muerte dejó deudas a su esposa y once hijos.

Prácticamente olvidado durante dos siglos, a partir de mediados del siglo XIX la pintura de Vermeer tuvo un amplio reconocimiento. Théophile Thoré contribuyó a la consagración de Vermeer con unos artículos periodísticos muy elogiosos. Actualmente es considerado uno de los más grandes pintores de los Países Bajos. También es particularmente reconocido por su maestría en el uso y tratamiento de la luz.

Existe poca información sobre la vida de Johannes Vermeer, únicamente algunos hechos básicos anotados en registros y documentos legales, así como comentarios sobre él de otros artistas. Debido a esto, Thoré lo denominó la «Esfinge de Delft».

La fecha de nacimiento no se conoce con precisión, aunque se sabe que fue bautizado como cristiano en la iglesia protestante Nieuwe Kerk de la ciudad de Delft el 31 de octubre de 1632, bajo el nombre de Joannis. Fue el segundo hijo, y único varón, de Reynier Jansz y Digna Baltens. Su padre procedía de Amberes, y se trasladó en 1611 a Ámsterdam, trabajando como tejedor de seda, oficio entonces propio de la clase media. En 1615 se casó con Digna, nacida en Amberes, trasladándose con el nombre de Vos a Delft, donde abrió en 1641 una fonda llamada la Mechelen en recuerdo a una famosa beffroi (torre-campanario) de Malinas (Mechelen en flamenco) que se encontraba en las proximidades del «halle» o plaza del mercado de la ciudad de Delft. Allí Joannes realizó siendo casi niño los menesteres de comercio; tras el deceso de su padre, en 1652, Joannes heredó el local con los asuntos comerciales de su padre. Además, Reynier Jansz pertenecía oficialmente al gremio de San Lucas de Delft como marchante de arte. Allí Jansz conoció a pintores como Pieter van Steenwyck, Balthasar van der Ast y Pieter Groenewegen.

No obstante aunque Vermeer van Delft era de familia protestante, se casó con una joven católica llamada Catharina Bolnes en abril del 1653. Fue un matrimonio desafortunado: además de las diferencias religiosas (muy en ascuas para aquella época), la familia de la esposa era más rica que la Vermeer. Parece que él mismo se habría convertido antes del matrimonio porque su progenie tuvo nombres del santoral católico; además -entre otras cosas- una de sus pinturas llamada La alegoría de la fe, refleja la fe en la eucaristía, pero no se sabe si se refiere a la fe de Vermeer o la de su comitente. Poco tiempo después de las nupcias, la pareja se mudó a la casa de la madre de Catharina, Maria Thins, una viuda de buena condición económica que vivía en el barrio católico de la ciudad. Vermeer habría vivido aquí con toda su familia durante el resto de su vida. Maria tuvo un rol fundamental en la obra de este pintor: no solo la primera nieta fue llamada con su nombre, también utilizó sus rentas para conseguir la fama de su yerno en el mundo del arte. Johannes y su esposa tuvieron quince hijos, cuatro de los cuales murieron antes del bautizo.

Formación
Sobre su formación como pintor no existe información segura. Se hizo miembro del gremio de San Lucas el 29 de diciembre de 1653 como pintor libre. A este hecho tuvo que precederle una amplia formación de seis años de aprendizaje, pues solo como maestro se podía ser miembro del gremio. Es posible que Vermeer fuera alumno de Leonaert Bramer, hipótesis que no ha tenido mucho eco por las diferencias de estilo, a pesar de que está documentada una relación entre ambos. También se han demostrado contactos con Gerard ter Borch. Asimismo se ha especulado con que fuera alumno de Carel Fabritius, que a su vez había sido educado en el taller de Rembrandt. Esta hipótesis fue ampliamente aceptada desde que en el siglo XIX, Théophile Thoré la defendió y sigue estando muy extendida, pero en la actualidad los expertos dudan de su veracidad. En su lugar, se suele mencionar a Pieter de Hooch, que vivió en Delft entre 1652 y 1661, como una de las principales influencias de Vermeer, ya que se puede reconocer el estilo de Hooch, refinado y perfilado, en la pintura costumbrista de Vermeer.

Lectora en azul (1662-66)
La tasadora de perlas (1662-66)
La lección de música (1662-66)
EL ARTE DE LA PINTURA

.https://es.wikipedia.org/wiki/Johannes_Vermeer

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Doodle de Google

12 de noviembre de 2021
Celebrando a Johannes Vermeer
Today’s Doodle celebrates Dutch painter Johannes Vermeer, a seminal Baroque artist who is widely regarded among the greatest Dutch painters of all time. On this day in 1995, an eponymous exhibition opened at Washington D.C.’s National Gallery of Art, featuring 21 of his 35 existing works.

Johannes Vermeer was born in Delft, the Netherlands, at the height of the Dutch Golden Age in 1632. Although little is known about Vermeer’s early life, historians estimate from his early mythological paintings that he first aspired to be a historical painter.

By the 1650s, Vermeer began to paint subtly lit interiors with intricate symbology—a style distinguished by traditional Dutch motifs that became his hallmark. He captured the commonplace in radiant and exquisite detail, creating masterworks including “The Girl with the Pearl Earring » (1665) which is currently on display at the Mauritshuis museum in The Hague, the Netherlands. The artistic techniques Vermeer employed are still up for debate. Some art historians suggest he traced images projected from a camera obscura (a predecessor to the photographic camera), but with no physical evidence to back up such claims, some Vermeer specialists remain unconvinced.

On the left, the Doodle artwork references “The Allegory of Painting” (1666-1668) and in the middle, “Woman Writing a Letter, with her Maid” (1670-1671). In 1979, an X-ray revealed a hidden Cupid in Vermeer’s “Girl Reading a Letter at an Open Window” (1657-1659), referenced on the right of the Doodle. Researchers continued to analyze the canvas in 2017, determining that the Cupid was covered by another painter. In 2021, a German initiative completely restored the painting. These efforts are just a few of the many attempts to demystify Vermeer and some of the world’s most treasured pieces of fine art he left behind.

Here’s to a true artistic luminary—Johannes Vermeer!

Celebrando a Johannes Vermeer


{30 octubre, 2021}   «El Gran Océano» Pablo Neruda

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El Gran Océano

Un verso con tintes Gongorianos
XIV 
EL GRAN OCÉANO

SI de tus dones y de tus destrucciones, Océano
a mis manos
pudiera destinar una medida, una fruta, un fermento,
escogería tu reposo distante, las líneas de tu acero,
tu extensión vigilada por el aire y la noche,
y la energía de tu idioma blanco
que destroza y derriba sus columnas
en su propia pureza demolida.

No es la última ola con su salado peso
la que tritura costas y produce
la paz de arena que rodea el mundo:
es el central volumen de la fuerza,
la potencia extendida de las aguas,
la inmóvil soledad llena de vidas.
Tiempo, tal vez, o copa acumulada
de todo movimiento, unidad pura
que no selló la muerte, verde víscera
de la totalidad abrasadora.

Del brazo sumergido que levanta una gota
no queda sino un beso de la sal. De los
cuerpos
del hombre en tus orillas una húmeda
fragancia
de flor mojada permanece. Tu energía
parece resbalar sin ser gastada,
parece regresar a su reposo.

La ola que desprendes,
arco de identidad, pluma estrellada,
cuando se despeñó fue sólo espuma,
y regresó a nacer sin consumirse.

Toda tu fuerza vuelve a ser origen.
Sólo entregas despojos triturados,
cáscaras que apartó tu cargamento,
lo que expulsó la acción de tu abundancia,
todo lo que dejó de ser racimo.

Tu estatua está extendida más allá de las olas.

Viviente y ordenada como el pecho y el manto
de un solo ser y sus respiraciones,
en la materia de la luz izadas,
llanuras levantadas por las olas,
forman la piel desnuda del planeta.
Llenas tu propio ser con tu substancia.

Colmas la curvatura del silencio.

Con tu sal y tu miel tiembla la copa,
la cavidad universal del agua,
y nada falta en ti como en el cráter
desollado, en el vaso cerril:
cumbres vacías, cicatrices, señales
que vigilan el aire mutilado.

Tus pétalos palpitan contra el mundo,
tiemblan tus cereales submarinos,
las suaves ovas cuelgan su amenaza,
navegan y pululan las escuelas,
y sólo sube al hilo de las redes
el relámpago muerto de la escama,
un milímetro herido en la distancia
de tus totalidades cristalinas.



BANDA ORIGINAL DE LA EXCELENTE PELÍCULA «NUNCA CIERRES LOS OJOS» DIRIGIDA POR ANTHONY SCOTT BURNS

Anthony Scott Burns
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Manifestación el 1 de mayo de 1909 en la Puerta del Sol de Madrid
Uno de los más célebres grabados de la revuelta de Haymarket, que muestra, de forma inexacta, a Fielden dirigiéndose al público al mismo tiempo que estalla el explosivo y empiezan los disturbios.

Conmemoración del movimiento obrero mundial. Es una jornada que se ha utilizado habitualmente para realizar diferentes reivindicaciones sociales y laborales a favor de las clases trabajadoras por parte, fundamentalmente, de los movimientos anarquistas y comunistas, entre otros. Es día festivo nacional en la mayoría de países del mundo.

Desde su establecimiento en la mayoría de países (aunque la consideración del día festivo fue en muchos casos tardía) por acuerdo del Congreso Obrero Socialista de la Segunda Internacional, celebrado en París en 1889, es una jornada de lucha reivindicativa y de homenaje a los Mártires de Chicago. Estos sindicalistas anarquistas fueron ejecutados en Estados Unidos por participar en las jornadas de lucha por la consecución de la jornada laboral de ocho horas, que tuvieron su origen en la huelga iniciada el 1 de mayo de 1886 y su punto álgido tres días más tarde, el 4 de mayo, en la Revuelta de Haymarket. A partir de entonces se convirtió en una jornada reivindicativa de los derechos de los trabajadores en sentido general que es conmemorada en mayor o menor medida en todo el mundo.

En Estados Unidos, Canadá y otros países no se celebra esta conmemoración. En su lugar se celebra el Labor Day el primer lunes de septiembre en un desfile realizado en Nueva York y organizado por la Noble Orden de los Caballeros del Trabajo (Knights of Labor, en inglés). El presidente estadounidense Grover Cleveland auspició la celebración en septiembre por temor a que la fecha de mayo reforzase el movimiento socialista en los Estados Unidos desde 1882. Canadá se unió a conmemorar el primer lunes de septiembre en vez del primero de mayo a partir de 1894.

Acto del 1 de mayo de 1983 a finales de la Dictadura en Montevideo, Uruguay

El periodista Adolph Fischer, redactor del Arbeiter Zeitung, corrió a su periódico donde redactó una proclama (que luego se utilizaría como principal prueba acusatoria en el juicio que le llevó a la horca) imprimiendo 25 000 octavillas. La proclama decía:

Trabajadores: la guerra de clases ha comenzado. Ayer, frente a la fábrica McCormik, se fusiló a los obreros. ¡Su sangre pide venganza!
¿Quién podrá dudar ya que los chacales que nos gobiernan están ávidos de sangre trabajadora? Pero los trabajadores no son un rebaño de carneros. ¡Al terror blanco respondamos con el terror rojo! Es preferible la muerte que la miseria.

Si se fusila a los trabajadores, respondamos de tal manera que los amos lo recuerden por mucho tiempo.

Es la necesidad lo que nos hace gritar: ¡A las armas!.

Ayer, las mujeres y los hijos de los pobres lloraban a sus maridos y a sus padres fusilados, en tanto que en los palacios de los ricos se llenaban vasos de vino costosos y se bebía a la salud de los bandidos del orden…

¡Secad vuestras lágrimas, los que sufrís!

¡Tened coraje, esclavos! ¡Levantaos!

Fuente: Día Internacional de los Trabajadores – Wikipedia, la enciclopedia libre




https://es.m.wikipedia.org/wiki/Diego_Maradona

Fiscal general San Isidro
Fuente:Telefe en vivo

GRACIAS DIEGO!!!

Q.E.P.D.


{18 octubre, 2020}   *Feliz día de la madre

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Ni perfecta.
Ni la peor de todas.
Soy la que puedo, la que me sale.
La que ama incondicionalmente.
La que pierde la paciencia.
La que no quiere que crezcan tan rápido.
La que siente culpa.
La que está dispuesta a aprender de sus hijos.
La que escucha.
La que exige.
La que necesita de la soledad.
La que se cansa de la demanda.
La que se cuestiona.
La que se revisa.
La que pide perdón.
La que quisiera disfrutarlos más.
La que a veces desearía volver el tiempo atrás para hacer algunas cosas de otro modo.
La que intenta acompañar.
La que intenta reparar.
La que elige estar presente.
La que pretende evolucionar.
Soy la mamá que puedo ser.
Pero lejos de conformarme con eso, intento ser mejor mamá cada día.
No nos castiguemos.
Seamos más amorosas con nosotras mismas y con otras madres.
Lo hacemos lo mejor que podemos cada día.
Ellos no nos necesitan perfectas. Nos necesitan humanas.

Así somos! Feliz día!!!



{16 agosto, 2020}   *Día del niño

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Dany Pereyra Musica · Los Contrabandistas Los Juguetes y Los Niños (Fazio – Ayala)



Círculo en Suiza.
Jabberocky – Trabajo propio
Crop circle in Switzerland

Los círculos en los cultivos, círculos en las cosechas o círculos en el pasto (traducciones al español de su nombre original en inglés crop circles—, llamados también agroglifos, —palabra compuesta a partir del latín “ager”, «campo» y el griego “γλυφη” (glyphē) derivado de “γλυφειν” (glýphein) «tallar, cincelar o esculpir») son diseños circulares de hierba tendida o quemada que aparecen en campos de cultivo, generalmente de cereales como trigo y maíz. Los aficionados y creyentes en fenómenos paranormales los atribuyen a intervención de seres extraterrestres, concretamente a actividad ovni. No hay ninguna evidencia que confirme esta última creencia, y algunos que han sido investigados, se ha demostrado que han sido producto de la mano del hombre.

Generalmente los propietarios de los cultivos declaran haberse percatado de su existencia de forma repentina, lo que sugiere que son creados durante la noche.

… Entonces….es Arte, tal vez?

Historia

El nombre original crop circles fue acuñado por Doug Bower y Dave Chorley a fines de los años setenta del siglo veinte. En 1991 declararon que desde el año 1978 habían sido autores de más de 200 círculos, inspirados en una formación aparecida en Queensland, que un granjero dijo haber encontrado tras ver un ovni sobrevolar la zona.

Primeros reportes de apariciones circulares
Un folleto publicado el 22 de agosto de 1678, con el nombre de «The Mowing-Devil» (‘el diablo segador’)7​ que muestra a un demonio cortando un gran círculo en el cultivo es considerado como el primer precedente de un agroglifo. El investigador Jim Schnabel no lo considera como un antecedente histórico ya que el texto describe a los tallos como cortados y no doblados.7​

En 1686, el naturalista Robert Plot reportó formas circulares en unos hongos, fenómeno cuya causa sería atribuida luego a corrientes de aire.8​ Luego en 1880 John Rand Capron describió unas formas circulares que aparecieron en un campo luego de una tormenta.

Círculos modernos
Los reportes del fenómeno tal como se conoce popularmente datan de la década de los años sesenta luego de que en Queensland, Australia, un granjero afirmara haber visto que un ovni emergía de un pantano. Cuando éste fue a revisar el área se encontró con una forma circular de 32 pies de largo por 25 pies de ancho. La policía local, la Real Fuerza Aérea Australiana y la Universidad de Queensland concluyeron que lo más probable es que el fenómeno se debiera a causas naturales.​ Según Bower y Chorey, este caso fue la inspiración para crear los agroglifos tal como se conocen hoy en día.

También en la década de 1960, hubo una oleada de ufólogos en el condado de Wiltshire, Inglaterra, con rumores de «formaciones circulares con forma de platillo» que aparecieron en la zona, pero nunca fueron fotografiadas.

Hubo otros informes previos a los años setenta de formaciones circulares, especialmente en Australia y Canadá, pero siempre fueron círculos simples, que podrían haber sido causados por torbellinos.​ En el magazine Fortean Times, David Wood informó que en 1940 ya había hecho círculos de cosecha cerca de Gloucestershire utilizando cuerdas.​ En 1997, el Oxford English Dictionary registró el primer uso del término «crop circles» en un número de 1988 del Journal of Meteorology, refiriéndose a una película de la BBC.​ La acuñación del término «crop circle» se atribuye a Colin Andrews a finales de los años setenta o principios de los ochenta.

Auge
La mayoría de los informes de círculos en los cultivos han aparecido y se han difundido desde finales de los años setenta, ya que muchos de ellos comenzaron a aparecer en esa época en los campos de Inglaterra. Este fenómeno se hizo extensamente conocido a finales de años ochenta, después de que los medios comenzaran a divulgar círculos del cultivo en Hampshire y Wiltshire. Después de la declaración de Bower y Chorley en 1991 responsabilizándose de muchos de ellos, los círculos comenzaron a aparecer por todo el mundo.​ Más de aproximadamente 10.000 círculos de cultivos han sido reportados internacionalmente, desde lugares como Rusia, el Reino Unido, Japón, Estados Unidos y Canadá. Los escépticos señalan una correlación entre los círculos de los cultivos, la cobertura de los medios de comunicación y la ausencia de leyes de cercado y/o legislación contra el ingreso a la propiedad privada.

Aunque los agricultores han expresado su preocupación por el daño causado a sus cultivos, la respuesta local a la aparición de los círculos pareciera ser entusiasta, debido al aumento del turismo, visitas de científicos, investigadores del fenómeno y las personas que buscan experiencias espirituales.​ El interés en torno a los círculos de cultivos ha generado visitas en autobús o helicóptero hacia los terrenos donde se encuentran éstos, además de excursiones a pie, camisetas y ventas de libros.

Desde la década del 2000, las formaciones han aumentado en tamaño y complejidad, algunos con hasta 2000 formas diferentes,​ e incorporando complejas características matemáticas y científicas.

Folleto de 1678 sobre el Diablo Segador.

El investigador Jeremy Northcote encontró que los círculos de cosecha en el Reino Unido no se propagan al azar a través del paisaje. Tienden a aparecer cerca de carreteras, áreas de población media a densa, y monumentos de patrimonio cultural, como Stonehenge o Avebury. Siempre aparecen en áreas de fácil acceso. Esto reafirma fuertemente la hipótesis de que los círculos son causados por la acción humana intencional en vez de por una supuesta actividad paranormal. Otro indicio fuerte es que los habitantes de las zonas cercanas a la mayoría de estos círculos tienen una tendencia histórica a hacer grandes formaciones, incluyendo círculos de piedra tales como Stonehenge, montones de entierro tales como la Colina de Silbury, túmulos alargados como el de West Kennet, figuras de colina como el Caballo Blanco de Uffington y otros similares.

Una secuencia de vídeo utilizada en relación con la apertura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012 muestra dos áreas de círculo de cultivo en forma de Anillos olímpicos. Otro círculo similar era visible para aquellos que aterrizaban en el aeropuerto de Londres-Heathrow, antes y durante los Juegos Olímpicos.

Confesión de Bower y Chorley
En 1991, los autoproclamados bromistas Doug Bower y Dave Chorley hicieron noticia afirmando que fueron ellos quienes iniciaron el fenómeno en 1978 con el uso de herramientas simples que consistían en un tablón de madera, cuerda y una gorra de béisbol provista de un lazo de alambre para ayudarlos a caminar en línea recta.

Para demostrar su caso hicieron un círculo delante de los periodistas. Un defensor de las explicaciones paranormales de los círculos de las cosechas, Pat Delgado, examinó el círculo y lo declaró auténtico antes de que se revelara que era un engaño. Bower y Chorley, inspirados en un caso de 1966 en Australia, afirmaron ser responsables de todos los círculos realizados antes de 1978 y de más de 200 círculos de cultivos entre 1978 y 1991 (con cerca de 1000 otros círculos no realizados por ellos).

Después de su anuncio, los dos hombres demostraron cómo hacer un círculo de la cosecha. Según el profesor Richard Taylor, «las pictografías que crearon inspiraron una segunda oleada de artistas de cultivos. Lejos de decrecer, los círculos de las cosechas se han convertido en un fenómeno internacional, con cientos de pictografías sofisticadas apareciendo anualmente alrededor del mundo».

El magazine del Instituto Smithsoniano publicó:

Since Bower and Chorley’s circles appeared, the geometric designs have escalated in scale and complexity, as each year teams of anonymous circle-makers lay honey traps for New Age tourists
Desde que los círculos de Bower y Chorley aparecieron, los diseños geométricos han aumentado en escala y complejidad, ya que cada año grupos anónimos de creadores de círculos los hacen como un fuerte atractivo para los turistas del New Age.
Arte y fines comerciales
Desde principios de la década de 1990, el colectivo británico de artes llamado ‘Circlemakers’, fundado por los artistas Rod Dickinson y John Lundberg, ha creado círculos de cultivo en el Reino Unido y en todo el mundo como parte de una práctica artística y para fines comerciales.

Implicancias legales
En 1992, los jóvenes húngaros Gábor Takács y Róbert Dallos, ambos de 17 años, fueron los primeros en enfrentarse a una acción legal después de crear un círculo de cultivo. Takács y Dallos eran estudiantes del St. Stephen Agricultural Technicum, una escuela secundaria especializada en agricultura en Hungría. El 8 de junio de 1992, los muchachos crearon un círculo de cultivo de 36 metros de diámetro en un campo de trigo cerca de Székesfehérvár, a 69 kilómetros al suroeste de Budapest. El 3 de septiembre, la pareja apareció en la televisión húngara y expuso el círculo como un engaño, mostrando fotos del campo antes y después de que el círculo se hiciera. Como resultado, la compañía Aranykalász, propietaria de la tierra, demandó a los adolescentes por 630,000 HUF (aproximadamente $ 3,000 USD) en daños. El juez presidente determinó que los estudiantes eran sólo responsables de los daños causados en el círculo en sí, por un monto de alrededor de 6.000 HUF ($ 30 USD), y que el 99% de los daños a los cultivos fue causado por los miles de visitantes que acudieron a Székesfehérvár después de la promoción de los medios de comunicación del agroglifo. La multa fue finalmente pagada por el programa de televisión, al igual que los honorarios de los abogados de los estudiantes.

En 2000, Matthew Williams se convirtió en el primer hombre en el Reino Unido en ser arrestado por causar un daño criminal después de hacer un círculo de cosecha cerca de Devizes.​ En noviembre de 2000, fue multado con £ 100 y otras £ 40 en costos.​ A partir de 2008, nadie más ha sido procesado con éxito en el Reino Unido por daños criminales causados por la creación de círculos de cultivo.

Esquema de la figura del castillo Barbury, la cual puede ser considerada como un mapa de la zona.
Trabajo propio – es: Trabajo propio hecho en Paint. – en: I’ve made this image in Paint Esquema de la figura en un campo frente al castillo Barbury, cerca de Swindon. Imagen hecha en Paint. Advertencia: Solo para la Wikipedia en inglés, puesto que los datos del mapa están en inglés. Diagrama de la figura aparecida al frente del Castillo Barbury, cerca de Swindon. Versión mejorada del 75px, también hecha por mi.

Autoría
Desde la primera noticia acerca de los círculos en los cultivos se ha especulado con la autoría por parte de seres de procedencia extraterrestre. Sin embargo, jamás se ha encontrado ninguna prueba fehaciente. La explicación más plausible es la creación humana.

Vista aérea de un círculo en Diessenhofen (Alemania).
Hansueli Krapf – Trabajo propio
Aerial View of the Crop Circle in Diessenhofen

Causas paranormales

Algunas personas afirman que estas formaciones son generadas por seres extraterrestres, o a través de fuerzas paranormales de origen divino o telequinésico. Sus pruebas serían el mal funcionamiento de algunos aparatos eléctricos, brújulas, descargas de baterías, etcétera. También señalan la complejidad del diseño geométrico o la tecnología, supuestamente desconocida, con la que los círculos están realizados.[cita requerida]

Autoría humana
No hay ninguna prueba que refute que los círculos son creados por el hombre, preferentemente durante la noche, y con diversos fines, como diversión, arte o promoción turística.

En 1991, Doug Bower y Dave Chorley se adjudicaron la autoría de los primeros círculos aparecidos a mediados de los años setenta​ mostrando detalladamente a la prensa cómo los habían realizado.Los inventores del fenómeno empezaron diseñando simples círculos con la idea de que los ufólogos los consideraran obra de extraterrestres. Cuando el meteorólogo Terence Meaden especuló con la posibilidad de que fueran consecuencia de tornados, añadieron líneas rectas y rectángulos para frustrar al experto.

Casos famosos desde 1990 hasta 2002

Esquema de la figura del castillo Barbury, la cual puede ser considerada como un mapa de la zona.
Todos estos sucesos han ocurrido en el Reino Unido:

El 12 de julio de 1990 apareció un pictograma de 120 metros de longitud en un trigal en Alton Barnes (Wiltshire). La figura estaba formada por dos pares de círculos. Cada par tenía dos apéndices con forma de garra.
En el verano de 1990, en un trigal de Exton (Hampshire) apareció un círculo de 20 metros de diámetro. Las espigas estaban dobladas en espiral en sentido horario. A su alrededor había cuatro círculos «satélite» de 6 metros de diámetro, con las espigas dobladas en espiral en sentido antihorario.
El 17 de julio de 1991, un piloto de helicóptero observó un círculo rodeado por dos anillos y encerrado en un triángulo equilátero, el cual tenía un círculo en cada vértice, mientras sobrevolaba un trigal al pie del castillo Barbury, cerca de Swindon.
El 30 de julio de 1991 apareció la figura de un pez cerca de Lockeridge (Wiltshire). En el siguiente mes, aparecieron otras siete figuras semejantes.
El 21 de agosto de 2001 aparecieron dos círculos en un campo contiguo al radiotelescopio de Chilbolton, en Hampshire (Inglaterra). Uno de ellos era un rectángulo con un dibujo muy semejante, aunque con distinta información, al que utilizó Carl Sagan para el mensaje de Arecibo (que fue un mensaje en código binario, que podía generar esa imagen). El otro era un cuadrado con una imagen arbitrariamente pixelada que parecía contener el rostro de un supuesto extraterrestre. Este mensaje es conocido por los ufólogos como mensaje de Chilbolton.
El 21 de agosto de 2002 apareció un círculo en un campo de maíz, con un mensaje en código ASCII, en la localidad de Sparsholt (Hampshire). Esta impresión es conocida con el nombre de mensaje de Sparsholt.
El 13 de julio de 1996 apareció un círculo en la llanura Aluenque, en la Península de Vadalcadar. El círculo de 110 metros de diámetro contenía tres espirales enlazadas en su interior.
Características de los cultivos
Características del trigo

Vista aérea de un círculo en Diessenhofen (Alemania).
Los creyentes en el origen no convencional (ufológico, paranormal u otro) de los dibujos señalan que:

las plantas no están quebradas ni dobladas, sino deformadas por una radiación de características similares a las microondas.
las plantas supervivientes en el seno del círculo presentan un crecimiento anormal.
las plantas presentan alteraciones electromagnéticas.
las plantas quebradas emiten radiación residual.
Bolas de luz
Los creyentes en el origen paranormal de los círculos de cultivo han presentado fotografías que muestran «bolas de luz», que serían seres inteligentes que se dedican a aplastar los campos de cereales.

Los escépticos sostienen que es más posible que las luces sean simplemente un fraude.

Diseño
Aunque inicialmente empezaron como dos o tres formas geométricas básicas, los círculos han ido incrementando su complejidad, hasta el punto de que han llegado a dar respuesta a mensajes en código binario, o han presentado formas tales como un dibujo del calendario maya e incluso con la imagen de un alienígena sosteniendo otro mensaje en código binario. Desde los años noventa se han creado estructuras complejas con diseños que incluyen:

Además, las estructuras alcanzan hasta una hectárea de extensión, lo que haría necesario utilizar instrumental topográfico.

Los agricultores dicen manifestarse molestos por la creación de estas formaciones en sus cultivos, ya que representarían pérdidas al no poder aprovechar el trigo aplastado. Sin embargo, muchos de ellos han optado por cobrar entrada a sus fincas a quien desee ver los círculos.

Los círculos en la cultura popular
En la película de M. Night Shyamalan Señales (2002), protagonizada por Mel Gibson, seres alienígenas crean dibujos en campos de cultivo como señalización para futuros aterrizajes.
En Animales fantásticos y dónde encontrarlos, un libro escrito por J. K. Rowling, una criatura llama a un mooncalf de vez en cuando para que realice bailes extraños que aplanan cosechas en campos «para la confusión de muchos muggles».
En 2006, usuarios de Firefox dibujaron el logotipo del navegador en un sembradío.
Una de las cartas del juego Yu-Gi-Oh! recibe el nombre de «Círculos en las Cosechas» en su versión internacional, mientras que su ilustración muestra un diseño del Ojo de Horus. Su efecto está relacionado con un arquetipo llamado «Alienígena», aludiendo a las teorías que aseguran que los círculos son creados por entidades extraterrestres.
En el paquete recopilatorio Box Set y Remasters de la banda de rock Led Zeppelin se pueden ver en la portada unos círculos en campos de trigo sobre los que se proyecta la sombra de un zepelín.

CropCircleSwirl.jpg

Un círculo de cultivo típico (en forma de un Triskelion compuesto de círculos).
Thomas J. Sutter, Jr. – FuturePropulsion : aunque el prototipo original ha sido patentado, el material en el sitio web FuturePropulsion no tiene derechos de autor. Por favor, siéntase libre de usar una parte o la totalidad de la forma que mejor le parezca. ( Aviso de derechos de autor ). La última versión de archive.org de esta página de declaración es: https://web.archive.org/web/20040920093803/http://futurepropulsion.members.easyspace.com/

Fenómenos similares:

  • La cruz en la hierba de Eisenberg an der Raab.
  • Las Líneas de Nazca (en Perú).

Véase también

Enlaces externos:

Agroglyphe de Sarraltroff.svg

Motivo de l’Agroglyphe de Sarraltroff de 2018.
Kilyann Le Hen – Trabajo propio

Aliens and Crop Circles.jpg

Caricatura de extraterrestres de pie delante de círculos de cultivo
Gaspirtz – Trabajo propio

Dibujo en color de una nave espacial creando círculos de cultivo.jpg

Dibujo en color de una nave espacial creando círculos de cultivo.jpg
Más detalles
Descripción: Boceto en color enviado al Ministerio de Defensa de una ‘nave espacial’ creando círculos de cosecha Fecha: 1998? Nuestra referencia de catálogo: DEFE 24/1999 p.47 Esta imagen es de las colecciones de The National Archives. Siéntase libre de compartirlo dentro del espíritu de los Comunes. Puede ver los últimos archivos de ovnis transferidos del Ministerio de Defensa del Reino Unido. Para obtener reproducciones de alta calidad de cualquier artículo de nuestra colección, comuníquese con nuestra biblioteca de imágenes .
The National Archives UK – Bosquejo en color de una ‘nave espacial’ creando círculos de cultivos Subida por PDTillman

Crop Circle.jpg

Círculos de guijarros en la Promenade des Anglais en Niza, Francia
Aeroceanaute – Trabajo propio

Círculos de cultivo y nubes de agujeros perforados David (S.) Soriano.png

Círculos de cultivo y nubes perforadas. Arte Grafico.
David S. Soriano – Trabajo propio

Ohio-Soybean-Serpent-Mound-Crop-Circle-Sign-witnessed.png

Ohio-Soybean-Serpent-Mound-Crop-Circle-Sign-witnessed.png
Más detalles
El cartel de Crop Circle de la soja de Ohio hecho por luces de «tierra» de colores es testigo desde lejos de Tree Pruitt. Al día siguiente, el letrero real fue descubierto cerca de la efigie del Gran Montículo de la Serpiente el 24 de agosto de 2003. Ver http://www.cropcircleconnector.com/anasazi/cropcircleresearch.html Desplácese hacia abajo hasta «Un círculo de cultivo dibujado en el cielo, antes apareció en el suelo? «. Más información sobre el letrero en http://www.cosmicmysteries.com/cropcircles.php
Artist-Tree – Trabajo propio

Signs Crop Circle.svg

Signs Crop Circle.svg
Más detalles
Los símbolos de los círculos de los cultivos que aparecen en la película Signs (2002).
SunOfErat – Trabajo propio

Circles Coronavirus

https://www.elimparcial.com/locurioso/Raros-simbolos-aparecen-en-una-granja-de-Francia–20200714-0194.html




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En estos tiempos de confinamiento en los que prevalecen la incertidumbre, el miedo, lo desconocido, la ansiedad, altibajos emocionales, tiempos difíciles, permitámonos el ocio, el relax, programándonos el día haciendo una actividad diferente, lo que más nos guste dentro de las posibilidades, encontrarnos con nosotros mismos, un tiempo de reflexión, de pensar y repensar en lo verdaderamente importante. Todo esto también pasará...




Stars Glitter gifs Q.E.P.D. Sergio Denis Que tengas buena gira!

Sergio Denis en una fotografía promocional de la década de 1980.

Héctor Omar Hoffmann Fenzel, más conocido como Sergio Denis (Coronel Suárez, 16 de marzo de 1949 – Buenos Aires, 15 de mayo de 2020),1​ fue un cantante, cantautor y actor argentino.

Biografía
Hijo de Feliciano Hoffmann y María Esther Fenzel,2​ nació en el seno de una familia descendiente de alemanes del Volga, con la única excepción de su abuela materna, cuyo origen era español. Comenzó a cantar de muy pequeño en fiestas de la escuela y reuniones familiares y a los 16 años integró el grupo musical Los Jokers, con el cual recorrió durante cuatro años las localidades vecinas a su ciudad.

En el mes de marzo de 1969 se radicó en la ciudad de Buenos Aires e ingresó al conjunto Los Bambis, con el que grabó por primera vez para un sello discográfico: CBS. El disco se llamó Los Bambis también cantan. Los productores de CBS vieron su potencial, y le dieron la oportunidad de comenzar su carrera como solista, y en noviembre de 1969 grabó los temas «Fui un soñador» y «Te llamo para despedirme», escrito y producido por Francis Smith.4​

Este disco comenzó a difundirse en el mes de diciembre, y el 1 de enero de 1970 hizo su primera actuación en televisión, en el programa Casino Philips, conducido por Andrés Percivale y emitido por Canal 13 de Buenos Aires. Durante ese mes fue contratado por el mismo canal para el ciclo Sábados Circulares de Pipo Mancera. En marzo de aquel año (1970) viajó a la ciudad de México para participar en el Primer Festival de la Canción Latina, donde ocupó el 5.º lugar con el tema «Yo te amo como entonces», que nunca se editó. A su regreso fue incorporado al Batallón de Comunicaciones de Comando 181 de Bahía Blanca, para cumplir con el servicio militar obligatorio, actividad que alternaba con sus actuaciones en público y presentaciones en diferentes programas de televisión.

En el año 1972, y merced al éxito obtenido por un tema de su autoría, protagonizó la película Me enamoré sin darme cuenta, junto a Alicia Bruzzo y Luis Brandoni. El 31 de julio de 1974 actuó en el Teatro Ópera, siendo el primer cantante melódico argentino en realizar su espectáculo en esta prestigiosa sala porteña. Cantó acompañado por una orquesta de 36 músicos dirigida por Jorge Calandrelli.

En 1975 se desvinculó del sello CBS Columbia y grabó, a mediados de 1976, para una compañía nueva denominada TK. En esta firma solo editó un álbum, ya que al año siguiente firmó un contrato con la discográfica PolyGram, con la que estuvo ligado hasta julio de 1990 y con la que grabó la mayoría de sus grandes éxitos.


Sergio Denis en una fotografía promocional de la década de 1980.
En 1991 pasó a integrar el plantel artístico de EMI Odeón y realizó, hasta 1995, 4 discos más. En 1995 recibió un Diploma al Mérito de los Premios Konex en la disciplina Cantante Masculino de Pop / Balada.

Ha grabado varios temas en compañía de otros artistas como Walter Esposito, Julia Zenko, el Cuarteto Zupay, entre otros; fue invitado a participar de un disco del conjunto folclórico Los Cantores de Quilla-Huasi, con los que, junto a Eduardo Falú, grabó «Río de Tigre». También realizó, para un disco navideño, una versión propia de dos temas de la Misa Criolla de Ariel Ramírez.

Sergio Denis siempre se caracterizó por su estilo para componer o interpretar el pop melódico y la balada romántica. Entre sus canciones más famosas y populares se encuentran: «Nunca supe más de ti» del álbum homónimo de 1973, «Cada vez que sale el sol» del álbum del mismo nombre de 1977, «Cómo estás, querida» incluida en el álbum Afectos (1985), «Te quiero tanto» del álbum Imágenes (1986), y «Un poco loco» del álbum homónimo de 1991. Su repertorio también incluye versiones en español de canciones originalmente grabadas en inglés, tales como «California somnolienta» («California Dreamin'» de The Mamas and the Papas) incluida en su álbum Al Estilo de… Sergio Denis II (1981), «Pipas de la paz» («Pipes of peace», de Paul McCartney) del álbum La humanidad (1984), «Nada cambiará mi amor por ti» («Nothing’s gonna change my love for you» de Glenn Medeiros) y «Así fue nuestro amor» («Annie’s song», de John Denver), estas dos últimas incluidas en su álbum Afectos. Ha ganado muchos premios, siendo el cantautor argentino que más unidades vendió entre 1985 y 1994.[cita requerida]

El 6 de junio de 2017, Sergio Denis recibe el premio Gardel al Mejor Álbum Artista Romántico Melódico. El 30 de mayo de 2018, recibió de la mano del Presidente de CAPIF el premio Gardel a la Trayectoria. Momento emotivo lo cual es merecedor de tan distinguida estatuilla por su destacada carrera discográfica en estos 49 años.

En marzo de 2019 sufrió una fuerte caída del escenario durante un concierto en Tucumán, motivo por el que permaneció catorce meses en estado vegetativo, falleciendo el 15 de mayo de 2020. La causa de su muerte fue reportada como accidente cerebrovascular.

Sergio Denis en una presentación en el Teatro Gran Rex de Buenos Aires, 2009.
Fedegamme – Trabajo propio
Foto Gran Rex 17 de octubre de 2009

Vida personal

Sergio Denis en una presentación en el Teatro Gran Rex de Buenos Aires, 2009.
A lo largo de su vida, Sergio Denis tuvo relaciones amorosas con varias mujeres del ambiente artístico, entre las que se encuentran la actriz y conductora Susana Giménez. Estuvo casado una vez, para luego divorciarse.

En enero de 2007, Sergio Denis estuvo en pareja con Melisa Durán, cuando ella fue elegida para participar en el programa televisivo Gran Hermano 2007 que se transmitió por la cadena televisiva Telefe. A tan solo una semana de ingresar a la casa, Durán incurrió en la infidelidad con otro de los participantes del telerrealidad. Su actitud, no solo forzó la ruptura de la relación, sino también la expulsión de ella de la casa con más del 80 % de los votos en su contra.

Pasión futbolera
Sergio Denis era reconocido por su fanatismo por Racing, siempre ataviado con una pashmina celeste o blanca. Sus melodías fueron apropiadas por varias hinchadas y hasta fueron cábala de la Selección Argentina de Fútbol, en 1986.

«Te quiero tanto» fue el primer hit que Denis coló en las tribunas de fútbol, con una melodía que trascendió las gargantas locales para romper fronteras e instalarse en las gradas de España, Alemania, Israel y hasta Rusia. Y su canción «Gigante Chiquito» fue cábala del equipo de Carlos Bilardo, campeón de la Copa del Mundo de México 1986, sonando sus acordes cada vez que la delegación dejaba el hotel para ir al estadio.6​

Descompensación en Paraguay[editar]
El día lunes 14 de mayo de 2007 sufrió en Asunción (Paraguay) una importante descompensación que derivó en un paro cardiorrespiratorio. Ingresó inconsciente en el sanatorio San Roque de esa ciudad pero logró ser reanimado por los médicos.​ Al día siguiente los profesionales le retiraron el respirador artificial​ y tras quedar en observación retornó a su vida habitual.

Accidente en Tucumán
Ya había sufrido un accidente similar en 1972, mientras cantaba sobre una plataforma de vidrio en un bar de Rosario llamado «Tunelmanía», donde se cayó al ser encandilado por las luces, desde una altura de cuatro metros, accidente del cual pudo recuperarse. En ese entonces Sergio tuvo conmoción cerebral de la que pudo recuperarse rápidamente, ya que rondaba los 23 años. 

El 11 de marzo de 2019, Sergio Denis, de 69 años (a 5 días de su cumpleaños número 70), daba un recital por el día de la mujer en el teatro Mercedes Sosa en Tucumán, cuando se cayó del escenario en medio de la función. Fue trasladado de urgencia al Hospital Ángel C. Padilla a las 21:45hs, en donde quedó internado con un pronóstico reservado en gravísimo estado, y fue inducido a un coma farmacológico. El golpe en Tucumán le causó traumatismos severos de cráneo y tórax, con contusión pulmonar bilateral, hematomas cerebrales, múltiples contusiones, una hemorragia, un importante edema cerebral, una fractura del hueso temporal en la cabeza y una fractura al nivel de la clavícula y el omóplato, aseguró la doctora que lo atendió en el hospital tucumano. A las 23:30hs Sergio Denis entró en el quirofano, donde le hicieron una cirugía y le aplicaron un catéter para medir su presión intracraneal y para que haya una reducción del edema cerebral.​ Se fue recuperando gradualmente y después de horas en las que el panorama era absolutamente desalentador, mostró una leve mejoría aunque su estado siguió siendo crítico.12​ A medida que la recuperación avanzó, Sergio Denis fue trasladado por avión sanitario al Sanatorio de los Arcos situado en CABA, el 13 de abril de 2019. Allí fue operado dos veces, y luego pasó a la clínica de rehabilitación Integral ALCLA,​ mismo centro en el que estuvo internado Gustavo Cerati. En este último nosocomio continúa con un estado estable, pero frágil y vulnerable.

A cuatro meses de la caída, el hermano, Carlos Hoffmann, aseguró que sigue inmóvil y dormido, igual que el primer día que ingresó al hospital Ángel C. Padilla. «Está perfecto físicamente, pero no reacciona. No hay nada que hacer».
En el último parte médico que dio a conocer el hijo del cantante, Federico, explicó que «continúa compensado hemodinámicamente, sin intercurrencias agudas y con respiración espontánea».

A pocos días de cumplirse el primer aniversario del accidente, su amigo íntimo y abogado, Diego Colombo, dio detalles sobre el estado de salud actual del cantante: «Primero me gustaría aclarar, porque hay mucha gente que se pregunta cómo está Sergio y la verdad es que no hay avances. Él tiene los ojos abiertos que por supuesto cierra para dormir pero está totalmente desconectado de la realidad, su cuerpo no da respuestas».

Fallecimiento
Tras permanecer un año y 2 meses en estado de coma, falleció a los 71 años el día 15 de mayo de 2020. Se encontraba internado en la clínica ALCLA de Capital Federal, mismo centro médico donde estuvo internado Gustavo Cerati. El último parte médico reza lo siguiente: «comunicamos que en el día de la fecha, siendo las 09:00 am (hora local) ha fallecido el Sr. Héctor Omar Hoffmann como consecuencia de haber sufrido una arritmia ventricular seguida de un paro cardíaco. El paciente se hallaba internado desde mayo de 2019 con diagnóstico de síndrome vegetativo permanente posterior a un severo traumatismo encéfalo craneano. Se extiende el presente comunicado a solicitud y en consenso a sus familiares»

.https://es.wikipedia.org/wiki/Sergio_Denis

 

Lo recuerdo cuando era niña junto a mi mejor amiga de la infancia, probando sonido para su recital en el Club Atlético Atlanta en lo que por la noche sería su recital de carnaval, quiero quedarme con ese hermoso recuerdo.

Hasta siempre Sergio……..




Una apertura fascinante, increíble, alucinante!!! Tini brilló en el escenario y una multitud de jóvenes y gente de todas las edades a pleno disfrute!

Fuente fotos y videos: Maricarmen Peña

Espacio de María del Carmen Sphynx Difusión de Contenidos

«El Programa»




Video grabado en vivo a metros del escenario y del bunker del Frente de Todos en el Barrio porteño de Chacarita, CABA- Argentina; donde una multitud -como si fuese Plaza de Mayo en épocas de Perón- se expresó fervorosamente con alegría y en paz tras el resultado de las elecciones presidenciales del 27 de Octubre de 2019.




El Día Mundial de la Salud Mental se conmemora todos los 10 de octubre, con una campaña que busca concentrar la atención mundial en la identificación, tratamiento y prevención de algún trastorno emocional o de conducta destacado para ese año.

Por ejemplo, el tema del Día Mundial de la Salud Mental 2003 se centró en los trastornos emocionales y de conducta de niños y adolescentes. Enfocó la atención mundial hacia los efectos que provocan en el bienestar mental y emocional de los jóvenes los traumatismos y la violencia.

Conmemoración
El Día Mundial de la Salud Mental se celebra el 10 de octubre. Las cifras disponibles muestran que, en las Américas, la mayoría de los niños que necesitan atención de salud mental no reciben el tratamiento necesario. Desde una perspectiva financiera, está claro que el tratamiento temprano de niños y adolescentes puede reducir los costos de la atención en años posteriores así como también los costos sociales, por los comportamientos antisociales que pueden ser resultado del fracaso del tratamiento en la temprana edad.

Además, el suicidio en los jóvenes es un problema de salud mental generalizado y es la tercera causa de muerte entre los adolescentes en todo el mundo, según esta investigación. El abuso de sustancias en adolescentes también es un problema mundial. La Organización Panamericana de la Salud (OPS) está trabajando con los países para elaborar programas especiales para niños y adolescentes. La elaboración de estrategias apropiadas que enfoquen a la salud mental de los niños, además del mejoramiento de los servicios especializados puede tener un impacto positivo muy fuerte. La OPS fue establecida en 1902 y es la organización de salud pública más antigua del mundo. Es la Oficina Regional para las Américas de la Organización Mundial de la Salud (OMS) y trabaja con los países para mejorar la salud y elevar la calidad de vida de sus habitantes

El Día Mundial de la Salud Mental 2019 se centrará en la prevención del suicidio

Cada 40 segundos se suicida una persona

Le invitamos a prepararse para dedicar «40 segundos para actuar» durante el Día Mundial de la Salud Mental del próximo 10 de octubre.

El Día Mundial de la Salud Mental, que se celebra el 10 de octubre, es una oportunidad para concienciar y movilizar a la población acerca de cuestiones relativas a la salud mental. En esta ocasión, la jornada se centrará en la prevención del suicidio.

Cada año, cerca de 800 000 personas fallecen por esta causa, y otras muchas intentan suicidarse. Cada suicidio es una tragedia que afecta a una familia, a una comunidad o a todo un país y que tiene consecuencias duraderas en las personas cercanas a la víctima. El suicidio no respeta edades y es la segunda causa de defunción entre los jóvenes de 15 a 29 años.

Descargar el folleto si quiere participar:Organización Mundial de la Salud







136° aniversario del nacimiento de Georgios Papanikolaou

 

El Doodle de hoy celebra a Georgios Papanikolaou, el citopatólogo griego que trabajó con su esposa para desarrollar la prueba médica para salvar vidas conocida como la prueba de Papanicolaou.

Nacido en la isla griega de Eubea en este día de 1883, Papanikolaou creció como hijo de un médico. Aunque inicialmente estudió música y humanidades, más tarde decidió seguir los pasos de su padre e ingresar en el campo de la medicina.

Papanikolaou comenzó la escuela de medicina a los 15 años y, después de graduarse, se desempeñó como cirujano del ejército en las guerras de los Balcanes. En 1913, emigró a los Estados Unidos con su esposa, Andromachi Mavroyenis. Inicialmente, la pareja luchaba por ganarse la vida (Georgios vendía alfombras y tocaba el violín en restaurantes y Mary cosía botones por $ 5 por semana) hasta que fue reclutado como investigador en la Universidad de Cornell. Allí, Georgios trabajó junto a su esposa, que se desempeñó como técnico y, a veces, como sujeto de prueba.

El avance científico de las parejas se produjo después de reclutar a un grupo de amigos cercanos para participar en un estudio para su investigación, que involucró la prueba de Papanicolaou. Durante el estudio, Papanikolaou detectó células malignas en una muestra de un huésped, diagnosticando a un amigo de su esposa con cáncer cervical. Todavía ampliamente utilizado en la actualidad, la simple «prueba de Papanicolaou» de bajo costo hace posible la detección temprana del cáncer cervical en las mujeres, reduciendo las muertes a la mitad (según algunas estimaciones).

Nominado dos veces para el Premio Nobel, Papanikolaou recibió el Premio Albert Lasker para Investigación Médica Clínica en 1950 y su retrato apareció en el billete de 10.000 dracmas griegos, así como en un sello postal de 1978 en los Estados Unidos. Un instituto de investigación del cáncer de Miami que lo contrató al final de su carrera también fue renombrado en su honor.



{13 mayo, 2019}   *Poema

                                              «Aunque,

         mucho se ha gastado mucho queda aún; y si bien
no tenemos ahora aquella fuerza que en los viejos tiempos
movía tierra y cielo, somos lo que somos:
corazones heroicos de parejo temple, debilitados
por el tiempo y el destino, más fuertes en voluntad
para esforzarse, buscar, encontrar y no rendirse».


Ulises,Tennyson

 

Fragmento del poema que recita M en la película Skyfall.






{10 mayo, 2019}   Lucy Wills – Natalicio

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Lucy Wills (10 de mayo de 1888 – 16 de abril de 1964) fue una hematóloga británica, que a fines de los años 20 y principios de los 30 del siglo XX condujo una investigación en la India sobre la anemia macrocítica en el embarazo. Su trabajo la llevó a descubrir un factor nutricional que sirvió para prevenir y curar esos desórdenes.

Las mujeres en Inglaterra recién tuvieron la posibilidad de convertirse en profesionales hacia los años XIX. Lucy Wills perteneció a una generación que se benefició de las reformas victorianas, y tres de los establecimientos a los que concurrió surgieron en consecuencia. Asistió al Cheltenham Ladies’ College, un internado británico pionero en formación de mujeres para ciencias y matemáticas. Finalmente se graduó en Botánica y Geología en el Newnham College de la Universidad de Cambridge, previo paso por la London School of Medicine for Women.

Eligió en 1928 la India para sus investigaciones cuando le llamó la atención la gran cantidad de casos de anemia en los trabajadores textiles en Bombay y creía que la causa debiera ser la nutrición. Tras comprobarlo descubrió, previa práctica en monos y ratones, descubrió que el ácido fólico de la levadura llevaba a la mejoría, que contenían, por ejemplo, la crema para untar británica Marmite. Aquel factor de la levadura comenzó a ser conocido como el Factor Wills

Today’s Doodle celebra a la hematóloga inglesa Lucy Wills, la investigadora médica pionera cuyo análisis de la anemia prenatal cambió el rostro de la atención preventiva prenatal para las mujeres de todo el mundo.

Nacida en este día en 1888, Lucy Wills asistió al Cheltenham College for Young Ladies, uno de los primeros internados británicos en capacitar a estudiantes femeninas en ciencias y matemáticas. En 1911, obtuvo los primeros honores en botánica y geología en el Newnham College de la Universidad de Cambridge, otra institución a la vanguardia de la educación de mujeres, seguida de la London School of Medicine for Women, la primera escuela en Gran Bretaña para capacitar a mujeres médicas.

Wills viajó a la India para investigar una forma grave de anemia potencialmente mortal que afecta a las trabajadoras textiles embarazadas en Bombay. Sospechando que la mala nutrición era la causa, descubrió lo que se conoció como el «Factor de testamentos» cuando la salud de un mono de laboratorio mejoró después de que se alimentara con el desayuno británico Marmite, un extracto de levadura. Investigaciones posteriores demostraron que el factor era el ácido fólico, que ahora se recomienda a las mujeres embarazadas de todo el mundo.




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“La experiencia de escribir un libro es impresionante, te da la posibilidad de la palabra perfecta. Me pareció que tenía que escribir cosas que nos sirvieran para reconocernos en la historia que vivimos como argentinos y argentinas”, dijo Cristina Fernández de Kirchner en el acto de presentación de su libro.  

Acompañada por María Teresa Carbano, Presidenta de la Fundación El Libro y Juan Ignacio Boido, Director Editorial de Penguin Random House Argentina.
El acto de la senadora nacional atrajo la atención de miles de lectores que colmaron el Predio Ferial La Rural y sus cercanías.

La presentación de Sinceramente, el libro de Cristina Fernández de Kirchner, convocó a miles de asistentes a la 45.ª Feria Internacional del Libro de Buenos Aires este jueves. Los lectores y simpatizantes llegaron desde temprano para seguir el acto que se realizó en la sala Jorge Luis Borges y se transmitió en vivo a través de pantallas ubicadas en la Feria, sus inmediaciones sobre Av. Sarmiento y por redes sociales de la autora.

En primer lugar, habló María Teresa Carbano, quien dio la bienvenida en nombre de la Fundación El Libro, felicitó a Cristina Fernández de Kirchner por el éxito editorial de su libro y destacó el espíritu de la Feria del Libro de Buenos Aires: “Este es un espacio para múltiples voces, nosotros consideramos que eso es bienvenido y han pasado debates con distintas formas de pensar”.

En segunda instancia, habló Juan Ignacio Boido, Director Editorial del grupo Penguin Random House quien remarcó: “En la primera hora se agotaron 60.000 ejemplares, llevamos 300.000 impresos hasta ahora, está al tope la capacidad de la imprenta con la que estamos haciendo el libro. Estas ventas son muy bienvenidas, el libro ha vuelto a tomar un protagonismo”.

“La experiencia de escribir un libro es impresionante, te da la posibilidad de la palabra perfecta. Lo mirás, lo corregís, lo pensás, lo volvés a leer. El libro se independiza de quien lo escribe y empieza a demandar otras cosas.Lo empecé a escribir en abril del año pasado y recién en diciembre tomé la decisión de terminarlo y presentarlo hoy 9 de mayo”, contó Fernández de Kirchner.

Además, agregó: “Me pareció que tenía que escribir cosas que nos sirvieran a todos, para reconocernos en la historia que vivimos como argentinos y argentinas, desde distintos lugares que siempre tenemos. No soy neutral, nunca lo fui, no lo voy ser”, dijo.

Al evento asistieron reconocidos personajes de la vida política y artística argentina. Algunos de ellos fueron: Estela de Carlotto, Adolfo Pérez Esquivel, Nora Cortiñas, Teresa Parodi, José Luis Gioja, Felipe Solá, Alberto Fernández, Victoria Donda, Cecilia Roth, Carolina Papaleo, Arturo Bonín, Cristina Banegas, Mariano Recalde, Verónica Magario, Aníbal Fernández, Pino Solanas, Pablo Echarri, Tute, Raúl Zaffaroni, Sergio Olguín, Daniel Vila, Romina Manguel, Diego Iglesias, Maria O´Donnell, Roberto Navarro, Hinde Pomeraniec, Carlos Tomada, Roberto Baradel, Luis Beder Herrera, Fernando Espinosa, Agustín Rossi, Horacio González, Alberto Sileoni, Nilda Garré.

La edición 45 de la Feria Internacional del Libro ha tenido dentro de su programación una importante participación de políticos argentinos con la presentación de sus libros. En días anteriores pasaron Axel Kicillof, Martín Lousteau, José Luis Espert, Chiche Duhalde, Waldo Wolff, entre otros.






{8 mayo, 2019}   *Met Gala 2019

Met Gala Lady Gaga Transformation




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Crédito imagen: EOA – Trabajo propio

Carlos Cuevas Sisó, conocido  como Carlos Cuevas (Montcada i Reixac, Barcelona, 27 de diciembre de 1995) es un actor español de televisión, cine y teatro, conocido principalmente por su papel de Biel Delmàs en la serie de televisión Ventdelplà y por interpretar a Pol Rubio en Merlí y su continuación, Sapere Aude.

Biografía
Empezó a actuar en el mundo publicitario cuando tenía cinco años. En 2002, debutó como actor en una película producida por TVC, La mujer de hielo, dirigida por Lídia Zimmerman y protagonizada por Marc Cartes y Natasha Yarovenko. Desde 2004 ha trabajado como actor de doblaje para campañas publicitarias de televisión y radio, además de películas. Se inició en el mundo televisivo en 2003 con un capítulo de Trilita, serie de TV3 dirigida por El Tricicle.

En 2005, y con tan solo 9 años, se dio a conocer al público catalán gracias al papel de Biel Delmàs en la serie Ventdelplà de TV3, donde estuvo trabajando hasta 2010 durante 330 capítulos en las siete temporadas que duró la serie.

El 2009 hizo su primera incursión en el cine con el papel de Dani en la película Cruzando el límite, de Xavi Giménez y producida por Filmax.

En 2011 subió a los escenarios del Teatro Borràs para protagonizar junto con Clara Segura y Montse Vellvehí la obra teatral Madame Melville, de Richard Nelson, dirigida por Àngel Llàcer.

En 2012 formó parte del elenco de la primera temporada de la serie de misterio de Antena 3 Luna, el misterio de Calenda, donde interpretó a Tomás y compartió escenas con Olivia Molina y Álvaro Cervantes entre otros.

A finales de ese año volvió a subirse a los escenarios del Teatro Nacional de Cataluña para protagonizar junto a Andreu Benito, Ángela Jové, Francesc Garrido, Jaume Madaula, Joan Carreras, Andrés Herrada, Mikel Iglesias, Albert Espinosa, Daniel Sicart, Andreu Rifé, Albert Baró, Clara de Ramón y Òscar Blanco la obra Els nostres tigres beuen llet, donde Albert Espinosa dice haber creado su familia ficticia con lo bueno y lo mejor del teatro catalán.

Desde el 8 de mayo al 22 de junio de 2013, estuvo trabajando otra vez en el TNC, junto con Emma Vilarasau, Míriam Iscla, Anna Moliner, Jordi Banacolocha, Pep Planas, Pepa López y Joan Carreras, realizando la obra Barcelona, dirigida por Pere Riera, que trata sobre la guerra civil española, justo en el día que Barcelona fue bombardeada por las tropas franquistas.

En 2015 estrenó la película Ahora o nunca dirigida por María Ripoll y protagonizada por Dani Rovira y María Valverde. También ese año se unió al reparto de la serie de TV3 Merlí, donde interpretó a Pol Rubio. La serie, debido a su gran aceptación entre el público, fue emitida posteriormente doblada al castellano en la cadena de ámbito nacional laSexta.

En 2016 hizo una pequeña aparición en la serie de Televisión española El Ministerio del Tiempo, donde interpretó a un ficticio youtuber de éxito.En mayo se subió de nuevo a las tablas para protagonizar el clásico de Shakespeare Romeo y Julieta en el Espai La Seca de Barcelona junto a Clàudia Benito y bajo la dirección de Marc Chornet.​ En septiembre de ese año volvió a meterse en la piel del joven Pol Rubio en la serie de televisión catalana Merlí.

En octubre de 2016 se anuncia su fichaje para la decimoctava temporada de la serie de televisión española Cuéntame cómo pasó, donde interpreta a Marcos.

Junto a su compañera de reparto en la serie Merlí, Elisabet Casanovas, es el encargado de dar las campanadas y recibir al 2017 en la televisión pública catalana.

En 2019 se estrenará la serie de Bambú Producciones para Antena 3 45 revoluciones, en la que el actor da vida a Rober, y el spin-off de Merlí, Sapere Aude, en Movistar+

Fuente biográfica: wikipedia.

 






{27 abril, 2019}   Madonna, Maluma – Medellín







(Ica, 1888 – Ayacucho, 1919) Narrador peruano que encarnó el tránsito definitivo del modernismo a las vanguardias y que es considerado, junto con los poetas José María Eguren y César Vallejo, uno de los forjadores de la literatura peruana contemporánea.
Abraham Valdelomar

Pocas veces en el Perú un escritor ha merecido como él el calificativo de «integral» con el que lo define la crítica. Ello se debe, fundamentalmente, a la enorme coherencia estética e ideológica que gobierna la totalidad de su obra como narrador, poeta y periodista. Nunca ocultó su entusiasmo por las vanguardias, al mismo tiempo que muchos aspectos de su producción revelan la añoranza de la vida provinciana, aunque sus evocaciones rurales eluden todo exotismo o abundancia de colorido local.

Máximo animador cultural del postmodernismo peruano (fundó en 1916 la revista Colónida, difusora de un novedoso espíritu artístico), Abraham Valdelomar ostentó ciertamente un talento polifacético: fue poeta prevanguardista, croniqueur refinado, agudo ensayista, dramaturgo frustrado y, primordialmente, un cuentista versátil y sumamente expresivo que, tras algunos relatos decadentes al gusto modernista, inauguró con el cuento El Caballero Carmelo (1913, que daría título al extraordinario volumen de cuentos que publicó en 1918) el abandono del exotismo y el artificio modernistas, orientándose hacia una narrativa genuinamente peruana.

Aunque su producción es variada (desde relatos que presagian los experimentos vanguardistas hasta los que rinden tributo a la temática incaica y criolla) y su calidad es dispar, Valdelomar fue, en efecto, el pionero del cuento moderno en el Perú al superar el artículo de costumbres, las «tradiciones» inventadas por Ricardo Palma o la narración maniquea y sin matices que había dominado la escena literaria del país desde mediados del siglo XIX. En los relatos que él mismo llamó «criollos», los más logrados según consenso de la crítica, así como en su poesía, Valdelomar compaginó una visión trágica de la vida con su extremo opuesto, además de presentar, como motivo principal, la armonía del mundo familiar en la provincia a través de la memoria de la infancia.

Biografía

Hijo de Anfiloquio Valdelomar Fajardo y de Carolina Pinto, Abraham Valdelomar siguió sus estudios primarios en la ciudad de Pisco y en la Escuela Municipal Nº 3 de Chincha, y los secundarios en el Colegio Nacional de Nuestra Señora de Guadalupe de Lima (1900-1904), donde fundó la revista La Idea Guadalupana (1903) junto con su compañero Manuel A. Bedoya. En 1905 ingresó en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, pero dejó las clases al año siguiente para emplearse como dibujante en las revistas Aplausos y silbidos, Monos y Monadas, Actualidades, Cinema y Gil Blas, donde también trabajó como director artístico.

En 1909 publicó sus primeros versos (en la línea del todavía triunfante modernismo) en la revista Contemporáneos, y al año siguiente decidió reanudar sus estudios; la universidad, sin embargo, nunca llegó a interesarle mucho, y en 1913 terminó por abandonarla definitivamente. En 1910, a raíz de un conflicto con Ecuador, Abraham Valdelomar sentó plaza de soldado como integrante del Batallón Universitario, formado por estudiantes de San Marcos. Durante el acuartelamiento escribió una serie de crónicas bajo el título «Con la argelina al viento», que fueron publicadas en El Diario y La Opinión Nacional de Lima entre abril y junio de 1910, y que le valieron un premio por parte del Municipio de Lima; posteriormente viajó con una delegación universitaria al sur del país, visitando Arequipa, Cuzco y Puno.

El mismo año de 1910 aparecieron publicados los primeros cuentos de Valdelomar en las revistas Variedades e Ilustración Peruana, y al año siguiente aparecieron por entregas en las mismas revistas sus novelas cortas La ciudad de los tísicos y La ciudad muerta (en las que se manifiesta la influencia del escritor italiano Gabriele D’Annunzio), iniciando también su colaboración con el diario La Prensa de la capital peruana. En 1912 participó en la campaña presidencial de Guillermo Billinghurst, siendo elegido presidente del Centro Universitario billinghurista. Después del triunfo de su candidato, Abraham Valdelomar fue nombrado administrador de la Imprenta del Estado y director del diario oficial El Peruano (desde octubre de 1912 hasta mayo de 1913).

Valdelomar renunció a ambos cargos luego de ser nombrado Segundo Secretario de la Legación del Perú en Italia (12 de mayo de 1913), embarcándose con destino a Europa el 30 de mayo. Después de pasar por Panamá, Cuba y Nueva York, llegó a Roma el 7 de agosto, asumiendo inmediatamente sus funciones. Su estancia en esta ciudad la aprovechó para escribir una serie de artículos que, bajo el nombre de «Crónicas de Roma», publicó en los diarios limeños La Nación (desde noviembre de 1913 hasta enero de 1914) y La Opinión Nacional (entre mayo y julio de 1914), pero definitivamente lo más importante de su estancia en Italia fue su participación en el concurso literario organizado por La Nación con el cuento «El Caballero Carmelo», que resultó ganador del primer premio (3 de enero de 1914). Tras recibir la noticia del derrocamiento del presidente Billinghurst, el 6 de febrero del mismo año renunció a su cargo diplomático y regresó a Lima.

De nuevo en la capital peruana, y luego de una fugaz detención por conspirar contra el nuevo gobierno (junio de 1914), Valdelomar comenzó a trabajar como secretario personal del polígrafo peruano José de la Riva Agüero (1914-1915). Bajo la influencia de Riva Agüero escribió su primer libro, La Mariscala (Lima, 1914), biografía novelada de Francisca Zubiaga (1803-35), esposa del presidente Agustín Gamarra y figura importante de la política peruana durante algunos años. Para entonces Valdelomar ya era un colaborador frecuente de numerosas publicaciones limeñas como los diarios El Comercio y La Crónica, y las revistas Balnearios, Mundo Limeño y Variedades, en las que publicaba sus poemas, cuentos y artículos.

Sin embargo, su labor como periodista estuvo ligada principalmente al diario La Prensa, donde tuvo a cargo la sección «Palabras» desde julio de 1915 hasta su alejamiento del diario en 1918. También publicó en La Prensa sus «Crónicas frágiles», donde hizo conocido su seudónimo de El Conde de Lemos; y los «Diálogos máximos», a manera de conversaciones entre dos personajes, Manlio y Aristipo, a través de los cuales descubrimos las personalidades de Valdelomar y del escritor José Carlos Mariátegui. En el mismo diario publicó sus crónicas tituladas «Impresiones»; la columna «Fuegos fatuos», donde desplegó todo su humorismo e ironía; y finalmente sus comentarios sobre la Primera Guerra Mundial, aparecidos en 1917 bajo el rótulo de «Al margen del cable». En 1917 ganó el concurso organizado por el Círculo de Periodistas del Perú con su artículo «Ensayo sobre la psicología del gallinazo».

Valdelomar, quien a su regreso de Europa se había convertido en el líder de un grupo de jóvenes escritores, decidió fundar su propia revista literaria para exponer los trabajos que sentía acordes con los gustos literarios de la nueva generación que representaba. Así, el 15 de enero de 1916 apareció el primer número de Colónida, revista dirigida por Valdelomar que, a pesar de su corta duración (sólo se publicaron cuatro números, el último en mayo de 1916) tuvo una gran repercusión en el ambiente cultural peruano, hasta el punto de que comenzó a hablarse de un «movimiento Colónida». Sin embargo, la importancia de esta publicación no puede ser magnificada. Se ha sostenido que la revista pretendía ser una bandera de revolución estética y un intento de dar a conocer a los nuevos escritores provincianos, pero es indudable que sus resultados no fueron siempre los deseables. A pesar de todo, habría que reconocerle el mérito de rescatar del olvido la figura de José María Eguren (1874-1942), el primer escritor peruano que merece con justicia el calificativo de poeta.

El mismo año se publicó el libro Las Voces Múltiples (Lima, 1916), que reunía poesías de ocho escritores vinculados a Colónida, entre ellos Valdelomar. El libro recoge los poemas «El hermano ausente en la cena de Pascua» y «Tristitia», considerados los mejores de su producción poética, donde se describe el ambiente familiar y la sensación de ausencia y soledad que embarga al poeta. Posteriormente publicó los que serían sus últimos libros: Belmonte, el trágico: ensayo de una estética futura a través del arte nuevo (Lima, 1918), sobre la filosofía estética del toreo en Juan Belmonte (tema sobre el que confiesa no encontrarse versado), y su exitoso primer volumen de cuentos bajo el título de El Caballero Carmelo (Lima, 1918).

En enero de 1918 renunció a su puesto de redactor en La Prensa y comenzó una breve colaboración con la revista Sud América. Es entonces cuando el escritor decide recorrer el territorio peruano como conferenciante, para lo cual emprendió un viaje al norte del país (entre mayo y diciembre de 1918) visitando las ciudades de Trujillo, Cajamarca, Chiclayo y Piura, así como diversos pueblos en los cuales dio charlas sobre temas estéticos, patrióticos y sociales. Mientras tanto se había postulado a la diputación regional de Ica y, al ser elegido para el cargo (24 de agosto de 1919), viajó a la ciudad de Ayacucho, sede del Congreso Regional del Centro.

El 1º de noviembre de 1919 Abraham Valdelomar sufrió un accidente mientras participaba en la segunda sesión preparatoria del Congreso, a consecuencia del cual murió al cabo de dos días, siendo trasladados sus restos a Lima, luego de ser embalsamados. Póstumamente se publicaron Los hijos del sol (cuentos incaicos), conjunto de relatos escritos alrededor del año 1910 e impresos en Lima en 1921, y Tríptico heroico (Lima, 1921), libro de poemas patrióticos dedicados a los niños de las escuelas del Perú. Su obra literaria, formada por los pocos libros que publicó y sus trabajos desperdigados en numerosas publicaciones periódicas, ha sido objeto de diversas recopilaciones, la última (y también la más completa) con el título de Obras (dos volúmenes, Lima, 1988).

Abraham Valdelomar es un caso excepcional dentro de la literatura peruana. Elogiado y atacado en vida como ningún otro autor de su país, estuvo decidido a triunfar en su medio, para lo cual no dudó en adoptar posturas desafiantes y escandalosas a la manera de Oscar Wilde, a quien seguramente quiso imitar. Sin embargo, detrás del decadentismo que solía mostrar en público y su apego a las frases brillantes e irónicas, se descubre un auténtico temperamento artístico, lleno de sentimiento y nostalgia, que se manifiesta en sus mejores poemas y en los cuentos criollos que forman su libro El Caballero Carmelo, que contiene algunos de los mejores relatos escritos en el Perú.

Fuente: Biografías y Vidas

131º aniversario del nacimiento de Abraham Valdelomar




Se inauguró la fiesta del libro más importante de América Latina, con seis discursos el último a cargo de Rita Segato. Tres semanas serán con casi mil quinientos actos culturales, la presencia de 40 países, Barcelona como Ciudad Invitada de Honor y 45.000 metros cuadrados de predio expositor.

Rita Segato se refirió a las “Virtudes de la desobediencia” en un discurso ovacionado.

El sábado 27 será La Noche de la Feria con la presentación de la cantante catalana Silvia Pérez Cruz en la pista central del predio ferial La Rural. Entrada gratuita desde las 20 hs.

Inició formalmente la 45ª Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, organizada por la Fundación El Libro. Alrededor de ochocientas personas asistieron a la gran ceremonia inaugural que se realizó en la sala Jorge Luis Borges -Pabellón Frers- del predio ferial La Rural. El acto contó con la presencia de autoridades de la Ciudad, de la Nación y de Barcelona, Ciudad, Invitada de Honor 2019. Una 800 personas presenciaron el acto.

«Tratamos de apelar con calidad y atractivo a los numerosos públicos lectores que existen y asisten, a quienes les interesan tanto la literatura en todas sus manifestaciones, como la ciencia, la historia, la política, la educación, los temas espirituales, las cuestiones de género, el cómic, convocándolos con propuestas específicas. Y también pensamos en los intereses por edad, sobre todo en el caso de niños y jóvenes”, destacó María Teresa Carbano, Presidenta de la Fundación El Libro.

En representación de Barcelona, Iolanda Batallé, Directora del Instituto Ramon Llull, leyó las palabras de Mariàngela Vilallonga Vives, Consejera de Cultura de la Generalitat de Catalunya, en las que destaca los lazos entre la capital argentina y la catalana: “Nunca olvidamos que fue aquí, en Buenos Aires, donde muchos catalanes exiliados después de la Guerra Civil española, encontraron no sólo cobijo, sino un entorno de oportunidades. Queremos subrayar una simetría indiscutible: tanto Barcelona como Buenos Aires, cada ciudad desde su entorno continental específico, juegan un importantísimo papel catalizador en materia cultural y literaria”.

La vocería del Ayuntamiento de Barcelona la tomó Joan Subirats Humet, su Comisionado de Cultura. “Buenos Aires y Barcelona son ciudades cercanas por condiciones históricas, la relación literaria y cultural entre ellas ha sido muy importante. Tuvimos el reto de trasladar la densidad cultural de Barcelona, capital editorial de la lengua castellana, a un estand hecho con muchísima emoción. Traemos, de la mano del libro, una Barcelona que nos enorgullece mostrar al mundo: un espacio de libertad, una ciudad abierta, de diálogo, un espacio generador de cultura y de literatura”, dijo. 

Enrique Avogadro, Ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, felicitó a la organización de la Feria. “Debemos agradecer a todos los que hacen que esta sea una gran ciudad de editores y escritores, un lugar que es una síntesis de la cultura diversa de Buenos Aires”.

“Mis felicitaciones a la Fundación El Libro, a las cámaras que la integran, felicitaciones por haber elegido a una ciudad como Barcelona, deseo que tengan una muy buena feria”, expresó a su vez Pablo Avelluto, secretario de Cultura de la Nación.

Posteriormente en el Pabellón Blanco en el 1er piso en la sala Adolfo Bioy Casares se realizó un debate Deuda y Violencia a través de la Fundación Rosa de Luxemburgo, donde notables mujeres realizaron un debate sobre economía, deuda, sociedad, capitalismo y violencia…Con la presencia de Rita Segato, Lucy Caballero, Verónica Gago, Eva Reynoso… a propósito del libro …“Una lectura feminista de la deuda. Vivas, libres y desendeudadas nos queremos”

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Del 25 de abril al 13 de mayo en La Rural.

Contará con la presencia, entre otros, Arturo Pérez-Reverte, Rosa Montero, Santiago Posteguillo, Gael Faye, Sandro Veronelli, Carlos Fonseca, Anselm Grun, Sergio Ramírez, Bryce Echenique, Gioconda Belli, Laurence Debray, Jul, Carlos Zanón, Paula Bonet, entre otros.

El discurso inaugural estará a cargo de la reconocida antropóloga argentina Rita Segato.

Barcelona será la Ciudad Invitada de Honor 2019 con una comitiva de primer nivel.

Habrá nuevas ediciones del Diálogo de Escritores Latinoamericanos, Diálogo de Escritores Argentinos y por quinto año el Encuentro Internacional de Booktubers.

Crédito imagen: © Cortesía FEL Buenos Aires/Oscar A. Verdecchia

La reconocida antropóloga argentina Rita Segato tendrá a su cargo el discurso inaugural de la Feria que se llevará a cabo el jueves 25 de abril a las 18hs. en la Sala Jorge Luis Borges de La Rural.

 

Organizada por la Fundación El Libro, la edición 45.° contará con la presencia de prestigiosos escritores internacionales como Arturo Pérez-Reverte, Julia Navarro, Rosa Montero, Santiago Posteguillo, Gael Faye, Sandro Veronelli, Carlos Fonseca, Anselm Grun, Sergio Ramírez, Bryce Echenique, Gioconda Belli, Laurence Debray (hija de Regis Debray, autora de una biografía de su padre), Jul (dibujante de Lucky Luke desde 2016), Victoria Schwab, Mackenzi Lee, Sara Búho, entre muchos otros.

María Teresa Carbano, presidenta de la Fundación El Libro, dice: “Somos una feria internacional por estas presencias autorales, por la veintena de stands del exterior que el gran público conoce y por los cada vez más numerosos profesionales del libro que confluyen a las Jornadas Profesionales en los días previos a la apertura al público, que este año incluyen un día más”.

Por su parte, Oche Califa, Director Cultural e Institucional de la Fundación El Libro asegura: “Desde hace varios años los invitados internacionales superan el centenar, sin contar el aporte de la Ciudad Invitada de Honor. Ese número expresa, también, una pluralidad que nos importa mucho, más allá de que se destaquen figuras de convocatoria masiva, como ocurre con autores de gran prestigio o con los del mundo juvenil. Nos enorgullece que aún en un contexto difícil podamos mantener este atractivo especial, dentro de un programa cultural que apela a todos los públicos lectores”.

Este año Barcelona será la Ciudad Invitada de Honor 2019, que contará con una variada programación y un stand de 200 metros cuadrados en el pabellón amarillo. Traerá a más de 60 autores españoles: Carlos Zanón (autor de novela negra, ganador del Premio Hammett en 2015), Héctor Lozano (creador de la serie Merlí), Jordi Sierra i Fabra (prolífico autor juvenil), Horacio Altuna (ilustrador argentino en Cataluña desde 1980), Paula Bonet (autora e ilustradora de gran éxito) son algunos de ellos. Además, en la Noche de la Feria, el sábado 27 de abril a partir de las 20 hs., la Feria adquiere carácter festivo y abre sus puertas al público para presentar el show en vivo de la artista catalana Silvia Pérez Cruz.

Dentro de la variada y nutrida propuesta cultural, se destacan nuevas ediciones del Diálogo de Escritores Latinoamericanos, donde autores de todo el continente se reunirán para debatir sobre diversos temas y del Diálogo de Escritores Argentinos con narradores, poetas y ensayistas de todo el país, y el Festival Internacional de Poesía, un espacio clásico de lectura poética.

Además, y por quinto año consecutivo, se realizará el Encuentro Internacional de Booktubers, con la participación de lectores activos de países habla hispana, que este año cuenta con la participación de los mexicanos Claudia Ramírez y Alberto Villarreal. También habrá actividades especiales que reunirán a bloggers y bookstagrammers.

Por último, por segundo año la Feria del Libro contará con Orgullo y Prejuicio, el espacio dedicado a diversidad sexual y cultura. Con el fin de recoger e impulsar sin censuras todo lo plural y rico de nuestra cultura, cuenta con una librería especializada en cuestiones de género, culturas de la disidencia sexual y feminismos, más un auditorio.

Del 25 de abril al 13 de mayo, en el predio ferial La Rural y en 45mil mts2 de exposición, se llevará a cabo el evento más convocante de América Latina: la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires.

Del 25 de abril al 13 de mayo en La Rural.

Horarios:
De lunes a viernes de 14 a 22.
Sábados, domingos y lunes 1° de mayo de 13 a 22.

Noche de la Feria: sábado 27, de 13 a 00, con entrada gratuita a partir de las 20.

Valor de la entrada:
Lunes a jueves: $120.
Viernes, sábados, domingos y feriados: $180.
Pase promocional por 3 visitas: $270.




La Doctora Zaida Juárez, ciudad natal Santiago del Estero, abogada, escritora, poeta y trovadora internacional, presentó su libro HORIZONTES Trova & Poesía en el Stand Santiago del Estero en la 45º Feria Internaccional del Libro Buenos Aires y nos deleitó con la explicación a cerca de qué es la trova, cómo se compone y cómo se inició.

Zaida Juárez:

Escritora, poeta y trovadora internacional; estudió abogacía en la Universidad Nacional de Córdoba, ex defensora en el Poder Judicial de Córdoba, con una Maestría en integración, Mercosur, y desarrollo regional UNSE, estudió Diplomatura en Derecho de Daños en la Universidad Católica de Córdoba, Funcionaria en el Poder Judicial de Santiago del Estero.

De una sensibilidad única sabe transmitir ante los espectadores atentos, la magia de la trova y la poesía.

Nombrada Consejero Cultural por la Asociación Académica de Historiadores Iberoamericanos,  Antorcha Cultural Hispana, Acapulco , México, 08 de Abril de 2018

Zaida Juárez en FIL presentando su libro
Crédito foto Maricarmen Husson

Zaida Juárez presentando su libro en Feria Internacional del Libro 2019 Buenos Aires
Crédito foto Maricarmen Husson



La Resurrección de Cristo de Noël Coypel, 1700, usando una representación ascendente de Jesús.

 

Regina Caeli (o Regina Coeli) es el nombre de una de las antífonas marianas y oración cristológica de la Iglesia católica en honor de la Virgen. Las otras tres antífonas marianas son: Ave Regina Caelorum, Alma Redemptoris Mater y Salve Regina. Son las palabras latinas con que abre el himno pascual a la Santísima Virgen María que traducidas al español son “Reina del cielo”, es una composición litúrgica a manera de felicitación a María por la resurrección de su Hijo Jesucristo.

El Regina Caeli sustituye el rezo del Angelus durante el tiempo pascual. Así lo estableció El rezo de la antífona de Regina Coeli el Papa Benedicto XIV en 1742. Litúrgicamente está prescrita en el Breviario Romano desde las completas del Sábado Santo hasta la hora nona del domingo de Pentecostés. Debe ser cantado o rezado en coro y de pie.

Aunque no se conoce el autor, ya se rezaba en el siglo XII y los frailes menores (OFM) lo rezaban después del oficio de Completas ya en la primera mitad del siglo XIII y gracias a la misma actividad de los frailes franciscanos se popularizó y expandió por todo el mundo cristiano.

Si bien esta oración es de autor desconocido, la tradición se la atribuye a San Gregorio Magno, el cual escuchó los tres primeros versos cantados por ángeles mientras caminaba descalzo una mañana en una procesión en Roma, a las que él agregó la cuarta línea. Sin embargo también ha sido atribuido a Gregorio V, aunque sin sólido fundamento.

El himno no parece caer en desuso en la Iglesia, siendo uno de los más populares y rezado -incluso fuera del preceptivo tiempo pascual- por los católicos hasta el día de hoy.

Latín 
V/
Regina caeli, laetare, alleluia.
R/
Quia quem meruisti portare, alleluia.
V/
Resurrexit, sicut dixit, alleluia.
R/
Ora pro nobis Deum, alleluia.
V/
Gaude et laetare Virgo María, alleluia.
R/
Quia surrexit Dominus vere, alleluia.
V/
Oremus:
Deus, qui per resurrectionem Filii tui, Domini nostri Iesu Christi, mundum laetificare dignatus es: praesta, quaesumus; ut, per eius Genetricem Virginem Mariam, perpetuae capiamus gaudia vitae. Per eundem Christum Dominum nostrum. Amen.

V/
Alégrate, reina del cielo, aleluya.
R/
Porque el que mereciste llevar en tu seno; aleluya.
V/
Ha resucitado, según predijo; aleluya.
R/
Ruega por nosotros a Dios; aleluya.
V/
Gózate y alégrate, Virgen María; aleluya.
R/
Porque ha resucitado verdaderamente el Señor; aleluya.
V/
Oremos:
Oh Dios, que por la resurrección de tu Hijo, nuestro Señor Jesucristo, te has dignado dar la alegría al mundo, concédenos que por su Madre, la Virgen María, alcancemos el gozo de la vida eterna. Por el mismo Cristo Nuestro Señor. Amén.

Ricci, Sebastiano – The Resurrection
Ricci, Sebastiano (1659 – 1734)









{16 abril, 2019}   Petorutti

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Arlequín es un óleo sobre tela ejecutado por Pettoruti en 1925. En él podemos percibir a un arlequín, uno de los temas que identifican al pintor.

Autorretrato - Emilio Pettoruti.jpg

Autorretrato    Emilio Pettoruti

Pettoruti

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Biografía
Emilio Pettoruti nació en la ciudad de La Plata, Argentina, el 1 de octubre de 1892, hijo de inmigrantes italianos,en el seno de una familia de doce hermanos, de los que fue el mayor. Autodidacta, que no sigue estudios regulares en ninguna disciplina, desde pequeño es alentado por su abuelo en el dibujo y la pintura. Estudió Bellas Artes en su ciudad natal,1​ con maestros como Atilio Boveri y Emilio Coutaret, con quien aprende la perspectiva, y comienza una carrera como caricaturista. En el año 1911 participó en una exposición de caricaturas, gracias a una que representaba a Rodolfo Sarrat. Dos años después, una beca del gobierno de la provincia de Buenos Aires le permitió viajar a Europa.

 



{16 abril, 2019}   Tintoretto

El Lavatorio Tintoretto (Museo del Prado)

Crucificción   Tintoretto

Moisés golpeando la roca    Tintoretto

La Ascención de Cristo  Tintoretto

 

Cristo en el Lago Tiberíades Tintoretto Washington National Galery Art

Tintoretto

Biografía

Años de aprendizaje
Nació en la ciudad de Venecia, República de Venecia, hacia 1518; su fecha de nacimiento no es cierta debido a que el acta de nacimiento se perdió en el incendio de los archivos de San Polo, pero el acta de defunción indica que Tintoretto murió en 1594 a la edad de 75 años.

Era el mayor de 21 hermanos. Su padre, Giovanni, Battista para la enciclopedia Treccani, era un tintorero; de ahí que su hijo tuviera el apodo de Tintoretto, pequeño tintorero, o hijo del tintorero. La familia era originaria de Brescia, una ciudad-estado a unos 170 kilómetros de Venecia. Otros estudios posteriores indican la ciudad toscana de Lucca como origen de la familia.

En su infancia Jacopo, un pintor innato, comenzó a pintarrajear sobre las paredes de la tintorería; su padre, dándose cuenta de esta inclinación, lo llevó al taller de Tiziano a ver si podía aprender a ser artista. Cabe suponer que esto ocurrió en torno a 1533, cuando Tiziano tenía ya (de acuerdo con el cálculo usual) cincuenta y seis años de edad.

Alumno de Tiziano aunque no por mucho tiempo, se dice que aprendió de su maestro el arte del color y las sombras. Las relaciones entre Tiziano y Tintoretto fueron distantes a lo largo de su vida, siendo de hecho Tintoretto un admirador profeso y ardiente de la obra de Tiziano, pero nunca un amigo, mientras que Tiziano y sus partidarios le volvieron la espalda. No faltó tampoco una abierta denigración, pero Tintoretto no le prestó atención. No buscó otro maestro, sino que estudió por cuenta propia con celo laborioso; vivió pobremente, coleccionando moldes, bajorrelieves, etc. para practicar con su ayuda. Observando un cuadro del Tintoretto se puede ver que, en comparación con obras de Tiziano, su objetivo era transimitir emociones más que adaptarse a los cánones de belleza de la época.

Se interesó por las corrientes manieristas toscanas, romanas y emilianas, difundidas en Venecia por artistas como Jacopo d’Antonio Sansovino, Francesco Salviati y Andrea Schiavone. Su gran modelo en el dibujo fue Miguel Ángel. Estudió especialmente los modelos de la Capilla funeraria de los Médicis (Florencia): la Aurora, el Día, el Crepúsculo y la Noche.

Su noble concepción del arte y su alta ambición personal quedaron evidenciadas en la inscripción que colocó sobre su taller: Il disegno di Michelangelo ed il colorito di Tiziano («El diseño de Miguel Ángel y el colorido de Tiziano»). Sin embargo, hay que aclarar que hay controversias acerca de este dato. Sentía pasión por los efectos de las luces. Hacía figuras de cera o arcillas de sus modelos y experimentaba con ellas colocándolas en distintos ángulos para ver el efecto de la luz antes de pintarlos. Como resultado de estas pruebas, algunas figuras aparecen en más de una de sus obras, siempre pintadas con diferente iluminación. A veces tomaba como modelos a muertos diseccionados o estudiados en escuelas de anatomía; algunos estaban envueltos en telas, otros desnudos. Con frecuencia trabajaba tanto por el día como durante la noche. Debido a su trabajo, vivía de la manera más retirada, e incluso cuando no estaba pintando solía permanecer en su taller, rodeado por moldes. Aquí rara vez admitía a alguien, ni siquiera a amigos íntimos, y mantenía sus técnicas de trabajo en secreto, excepto para sus asistentes.




Celebración internacional de las artes, la cual fue declarada por la Asociación Internacional del Arte (IAA, por sus siglas en inglés) con el fin de promover conciencia de la actividad creativa en todo el mundo.

La fecha se eligió en honor al día del nacimiento de Leonardo da Vinci. Da Vinci fue seleccionado como un símbolo mundial de paz, libertad de expresión, tolerancia, fraternidad y multiculturalismo, así como el arte también es importante en otros campos.



{15 abril, 2019}   Notre Dame

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La catedral a finales del siglo xix según un grabado de Alfred-Alexandre Delauney
Alfred-Alexandre Delauney

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Y la catedral no era sólo su compañera, era el universo; mejor dicho, era la Naturaleza en sí misma. Él nunca soñó que había otros setos que las vidrieras en continua floración; otra sombra que la del follaje de piedra siempre en ciernes, lleno de pájaros en los matorrales de los capiteles sajones; otras montañas que las colosales torres de la iglesia; u otros océanos que París rugiendo bajo sus pies.


Víctor Hugo, Nuestra Señora de París, 1831.

Catedral de Notre Dame

Patrimonio de la Humanidad



{15 abril, 2019}   Notre Dame

El incendio en la Catedral de Notre-Dame de París es un violento incendio de causas aún desconocidas, que alcanzó la Catedral de Notre Dame de París. Se inició al final de la tarde del 15 de abril de 2019, en el techo del edificio, causando daños considerables al edificio. La aguja de la catedral y el techo colapsaron, y el interior y los artefactos que albergaba fueron gravemente dañados.

Crédito imagen:
LeLaisserPasserA38 – Own work
Feu dans la charpente de Notre Dame.



{11 abril, 2019}   Nature

La belleza de la naturaleza (10 paisajes naturales)La belleza de la naturaleza (10 paisajes naturales)La belleza de la naturaleza (10 paisajes naturales)La belleza de la naturaleza (10 paisajes naturales)La belleza de la naturaleza (10 paisajes naturales)La belleza de la naturaleza (10 paisajes naturales)La belleza de la naturaleza (10 paisajes naturales)La belleza de la naturaleza (10 paisajes naturales)La belleza de la naturaleza (10 paisajes naturales)La belleza de la naturaleza (10 paisajes naturales)

Fuente imágenes: bancodeimagenes gratis.



{10 abril, 2019}   Stendhal

«Había llegado a ese punto de emoción en el que se encuentran las sensaciones celestes dadas por las Bellas Artes y los sentimientos apasionados. Saliendo de Santa Croce, me latía el corazón, la vida estaba agotada en mí, andaba con miedo a caerme»  

Stendhal

Henri Beyle (Grenoble, 23 de enero de 1783-París, 23 de marzo de 1842), más conocido por su seudónimo Stendhal, fue un escritor francés.

Valorado por su agudo análisis de la psicología de sus personajes y la concisión de su estilo, es considerado como uno de los primeros y más importantes representantes literarios del realismo. Es conocido sobre todo por sus novelas Rojo y negro (Le Rouge et le noir, 1830) y La cartuja de Parma (La chartreuse de Parme, 1839).

Stendhal

Sabías que……Síndrome de Stendhal…

Se denomina así por el famoso autor francés del siglo XIX, Stendhal (seudónimo de Henri-Marie Beyle), quien dio una primera descripción detallada del fenómeno que experimentó en 1817 en su visita a la basílica de la Santa Cruz en Florencia, Italia, y que publicó en su libro Nápoles y Florencia: Un viaje de Milán a Reggio

Más allá de su incidencia clínica como enfermedad psicosomática, el síndrome de Stendhal se ha convertido en un referente de la reacción romántica ante la acumulación de belleza y la exuberancia del goce artístico.

Aunque ha habido muchos casos de gente que ha sufrido vértigos y desvanecimientos mientras visitaba el arte en Florencia, especialmente en la Galleria degli Uffizi desde el principio del siglo XIX en adelante, no fue descrito como un síndrome hasta 1979, por la psiquiatra italiana Graziella Magherini.

Ella observó y describió más de cien casos similares entre turistas y visitantes en Florencia, la cuna del Renacimiento, y escribió acerca de él.

El síndrome de Stendhal (también denominado síndrome de Florencia o estrés del viajero) es una enfermedad psicosomática que causa un elevado ritmo cardíaco, vértigo, confusión, temblor, palpitaciones, depresiones e incluso alucinaciones cuando el individuo es expuesto a obras de arte, especialmente cuando estas son particularmente bellas o están expuestas en gran número en un mismo lugar. También suele suceder ante escenarios históricos, como campos de batalla, palacios, ruinas históricas o lugares en los cuales se hayan producido hechos muy importantes.




«Aire, espacio y luz, son las necesidades esenciales humanas»

Jean Baptiste Andre Godin

 

El antiguo Familisterio Godin, actualmente Centro Godin, en el quai des Usines.

Nacimiento de los familisterios

El proceso descrito arranca en Inglaterra con el surgimiento de las utopías de Owen y Fourier, que desembocaron en el auge de las construcciones de ciudades y viviendas obreras promovidas no sólo por utópicos, sino también por industriales cercanos al socialismo, como Jean Baptiste Andre Godin

Desde pequeño, Godín convencido de que las condiciones habitables de los obreros debían mejorar se puso en contacto con la escuela fourierista del socialismo en 1854 cuando su condición social había mejorado con la invención de la estufa de hierro, luego, al realizar su proyecto se convierte en arquitecto, pues el mismo dibuja los planos de su ciudad, donde planificaba cada detalle.

La revolución industrial trajo al mundo nuevas formas de trabajo, de comercialización y transporte. Esto llevo a un crecimiento demográfico altísimo y por lo tanto, hacinamiento y formas de vivir deplorables en las clases proletariadas.

El Familisterio es un vasto complejo de viviendas fundado en Guissa Departamento de Aisse, a pocos kilómetros de Belgica, en 1859 en relación con la industria de fabricación de estufas. Hasta 1968, este palacio social era el teatro de una singular experimentación social en el mundo industrial: el Familisterio era una especie de utopía para una sociedad industrial compuesta como una transición urbana entre el parque y la ciudad (aislada por entonces).

El familisterio logró albergar a 2,000 personas dotadas de los servicios que antes solo eran para la clase burguesa. Contando con un total de 350 apartamentos

Este le ofrecía a su población obrera, no solo el confort de espacios habitacionales, sino un grupo de servicios únicos para esa época, ya que el capitalismo y la revolución industrial fomentaron la insalubridad y la miseria del proletariado.

Godin hizo su fortuna con la invención de la estufa de hierro, luego, al realizar su proyecto se convierte en arquitecto, pues el mismo dibuja los planos de su ciudad, donde planificaba cada detalle.

Fuertemente influenciado por Fourier, se inspira en el palacio de Versalles y su disposición de volúmenes. Esto, raramente fue hecho para obreros, ingenieros y hasta para el mismo, por eso el nombre de familisterio.

Arquitectura

Esto se proyectó en ladrillo, aunque en un principio recubierto de yeso blanco. La estructura era muy similar a los edificios modernos del siglo XX. Losas unas sobre otras, divididos por paredes. Cada habitación medía 20 metros cuadrados y tres metros desde el piso al cielorraso. Los espacios eran flexibles y podían modificarse y también estaban aireados e iluminados. En planta baja de los bloques existían espacios como bibliotecas, negocios, cafés y baños. Las circulación median 1.3 metros para una circulación libre y con iluminación. La altura del piso con el cielorraso era de 3metros. A las personas que infringían las normas se las multaban o expulsaban. También diseño espacios ajenos a los bloques de vivienda, como negocios, escuela, guardería, teatro y piscina.

Para evitar el efecto invernadero bajo las vidrieras que cubrían el patio, invento un sistema de climatización de aire. El aire entra al sótano por las ventilaciones y genera una reserva de aire fresco para el verano y cálido para el invierno. Luego el aire era dirigido por conductos laterales que llegan al patio y sale por las aberturas del techo.

Aire, espacio y luz, eran las necesidades esenciales humanas, que definió Godin para su arquitectura y un siglo después Le Corbusier retomaría y los revolucionaria. Los desarrollos tecnológicos que el aporto, junto con sus ideologías, son factores vigentes. Tanto es así que son departamentos habitados por personas que valoran esta arquitectura.

Es el modelo de arquitectura más efectivo y longevo, ya que este hombre entendió que la higiene y el confort, llegarían a cambiar al hombre.

El Familisterio Godin, en Belgica es un falansterio creado en 1880 por Jean-Baptiste André Godin y emplazado originalmente en Laeken, un municipio belga que en 1921 fue anexado a Bruselas.
Historia
Fábrica
En 1854, Jean-Baptiste André Godin (1817-1888), industrial y socialista fourierista francés, fundó en la localidad belga de Forest una sucursal de las fundiciones de Guisa (Aisne, Francia). En 1858, trasladó esta unidad de producción a lo largo del canal de Willebroek, en el quai des Usines («Muelle de las Fábricas») de Laeken.

Familisterio Godin

El antiguo Familisterio Godin, actualmente Centro Godin, en el quai des Usines.
En 1880, Godin fundó la Asociación Cooperativa del Capital y del Trabajo del Familisterio de Guisa. Los trabajadores belgas obtuvieron los mismos derechos y deberes que los empleados franceses. Participaron en la experimentación práctica de la utopía fourierista revisitada por Godin, aunque no se viesen inmediatamente beneficiados por los equivalentes de la riqueza dispensados por el «Palacio Social» edificado en Guisa de 1859 a 1884. En 1887-1888 se construyó finalmente una unidad habitacional compuesta por 72 viviendas al lado de la fábrica, y construidas especialmente para los obreros de la misma. El familisterio contenía un patio central destinado a las actividades colectivas y que comunicaba con las viviendas situadas en la planta baja y tres pisos. La arquitectura recuerda un poco a la de las antiguas piscinas o prisiones.

El familisterio de Laeken no tuvo un desarrollo comparable al de Guisa. En 1891, la cooperativa contaba 263 asalariados en Laeken y 1177 en Guisa.

Final del familisterio
La Sociedad del Familisterio cesó sus actividades en 1968 y se disolvió. El inmueble de Bruselas fue vendido y convertido en oficinas.

Reconversion
El familisterio fue reconvertido en «hotel de empresas», pero no tuvo éxito. El edificio fue catalogado en 1988. Posteriormente, fue rehabilitado en un conjunto de unas cincuenta viviendas denominación Centro Godin,  perteneciente al Centro Público de Acción Social (CPAS) de Bruselas. Su dirección actual está en los números 155-157 de la Quai des Usines de Bruselas. El CPAS lo puso a la venta pública programada para enero de 2018.

Jean-Baptiste André Godin
Jean-Baptiste André Godin Esquéhéries, 1817 – Guisa, 1888), industrial acaudalado, filántropo y reformador social francés.

Fundó en 1877 su familisterio en Guisa (Aisne) para 1200 personas, una reducción del falansterio de Charles Fourier.

En 1882 y 1883 construyó otros dos grupos para 600 personas cada uno, equipados con tienda cooperativa, guardería de niños, escuela, hospital, dispensario y teatro, con seguros de enfermedad y pensiones de retiro.

Antes había instituido la participación en los beneficios para todos los obreros, y en 1880 formalizó con ellos el contrato de copropiedad dando por resultado una de las más poderosas empresas cooperativas de Francia y la fábrica más importante de productos de hierro esmaltado de aquel país.

El éxito de su iniciativa se atribuye a dos innovaciones:

El carácter industrial, no agrícola, de la empresa productiva.
La renuncia a la vida en común en el Falansterio, ya que cada familia tiene su propia vivienda, protegiendo su autonomía, asegurándole los servicios comunes y facilitando sus relaciones.

Fuente: Wikipedia

 




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Hedwin Kohn

132.º aniversario del nacimiento de Hedwig Kohn

Homenaje Doodle de Google

5 de abril de 2019
132.º aniversario del nacimiento de Hedwig Kohn

Llevándonos al interior del laboratorio de Hedwig Kohn, la artista invitada Carolin Löbbert de Doodle, realizada hoy en Hamburgo, celebra la vida y la ciencia del físico pionero. Después de obtener su doctorado en 1913, Kohn se convirtió en una de las tres mujeres certificadas para enseñar física en una universidad alemana antes de la Segunda Guerra Mundial.

Como mujer judía que vive en la Alemania nazi, a Kohn se le impidió su puesto de docente en 1933. Pasó los siguientes años cumpliendo contratos de investigación en física industrial antes de huir a los EE. UU. En 1940. Allí, volvió a su pasión, enseñando en el El Colegio de Mujeres de la Universidad de Carolina del Norte y el Colegio de Wellesley en Massachusetts hasta 1952. Después de retirarse del aula, Kohn asumió una posición de investigador asociado en Duke. En el sub-sótano del edificio de física de la escuela, donde se encontraba su laboratorio, dirigió a los estudiantes de doctorado en su investigación mientras continuaba su propio trabajo en espectroscopia de llamas, algo que había comenzado en 1912.

A lo largo de los años, el trabajo de Kohn dio como resultado más de 20 publicaciones, una patente y cientos de páginas de libros de texto que se utilizaron para introducir a los estudiantes en el campo de la radiometría (un conjunto de técnicas destinadas a medir la radiación electromagnética, incluida la luz visible) en todo el mundo. Años 60.




Alberto Cortez.JPGStars Glitter gifs Q.E.P.D.

José Alberto García Gallo (Rancul, La Pampa, 11 de marzo de 1940-Móstoles, Madrid, España, 4 de abril de 2019),​ más conocido como Alberto Cortez, fue un cantautor y poeta argentino.Considerado uno de los cantaautores más importantes de Latinoamerica.

Biografía
José Alberto García Gallo, nombre real de uno de los más destacados autores contemporáneos, con canciones basadas en hechos y personajes reales, así como en sentimientos y adversidades de su vida, nació el 11 de marzo de 1940 en Rancul, provincia de La Pampa (Argentina).

A los 12 años compuso una de sus primeras piezas, la cual se titula «Un cigarrillo, la lluvia y tú». En Mendoza realizó sus estudios de secundaria e ingresó al Conservatorio Chopin de San Rafael, donde se integró como cantante a la orquesta Arizona, dirigida por Ricardo Ortiz y Luis Pasquier.

En 1957 se da a conocer en aquella ciudad como «Chiquito García», y es invitado a formar parte del conjunto folclórico Los Andariegos, pero su padre le niega el permiso por sus malas calificaciones en el colegio.

Un año después ingresó a la Facultad de Derecho y Ciencias Sociales, en tanto cantaba con su guitarra en lugares de moda para ayudarse económicamente. Por esas fechas, la Orquesta de Jazz San Francisco lo contrató como vocalista e inició una gira por el país.

En Santiago del Estero conoció a Hugo Díaz, quien le propuso integrarse a su grupo y viajar a Europa con un contrato de seis meses, motivo por el que termina su relación con la orquesta y deja por completo la universidad.

Años más tarde, luego de que en 1960 fracasó en Génova con el espectáculo «Argentino International Ballet Show», Alberto visitó Bélgica, donde colocó el disco «Sucu sucu» como número uno.

Su éxito lo llevó por Canadá y Estados Unidos para cosechar más triunfos con temas como «Renata» y «La escalera», este último lo grabó en francés bajo la dirección de Paul Muriat. Además, realizó su primer disco acompañado por Waldo de los Ríos y su orquesta.

Asimismo, participó como autor en el Festival de Mallorca con la canción «Me lo dijo Pérez», y aunque no ganó, el tema interpretado por cantantes como Karina, Micky o Los Tres Sudamericanos, se convirtió en un éxito universal.

El 2 de junio de 1964 contrajo matrimonio con Renée Govaerts, en Aarschot, Bélgica, ciudad natal de la novia. La pareja se instaló en Madrid. España.

Posteriormente, editó dos discos con el repertorio que interpretó en los dos recitales del Teatro de la Zarzuela, Madrid, titulados «Poemas y canciones, vol. 1 y 2». Compuso y grabó el disco «El compositor, el cantante», con temas que también fueron grandes éxitos como «Cuando un amigo se va», «El abuelo» y «Hay un Madrid».

Después viajó por primera vez a México, donde se presentó en algunos programas de televisión, entre ellos «Siempre en Domingo» de Raúl Velasco. Fue aclamado en diversos foros y recibió el apodo «La Voz de la Amistad», y en 1973 recibió su primer Disco de Oro por «Mi árbol y yo», que se sumaría a muchos otros premios.

De 1982 a 1992 realizó giras por América Latina. Actuó en Chile, Perú, Colombia, Venezuela, Costa Rica, El Salvador, Guatemala y, por supuesto, México y Estados Unidos. En Nueva York se presentó por primera vez en el Carnegie Hall (1992). Ese mismo año grabó en Los Ángeles, California, su disco «Aromas», bajo la dirección de Bebú Silvetti.

En 1994 con Facundo Cabral inició una temporada con un espectáculo creado para ambos artistas llamado «Lo Cortez no quita lo Cabral». Se estrenó en México en el Teatro de la Ciudad, donde cumplieron con éxito 100 representaciones.

En el verano de 1996 en Mar del Plata, Argentina, sufrió un ataque cerebral y el 18 de enero fue operado de una obstrucción de la carótida. Salió airoso de la intervención, pero le quedan secuelas que no le permiten volver a tocar la guitarra.

En 1998 grabó en su estudio de Madrid una colección de 70 de sus canciones con el pianista Ricardo Miralles. Obra única por su alto valor artístico, editada en México por Azteca Music con el título «Cortez al desnudo».

En 2000, su trascendencia en el ámbito musical es constatada una vez más con las canciones «Cuando un amigo se va», «Alfonsina y el mar» y «Gracias a la vida», las cuales son consideradas, según una encuesta de un periódico chileno, como las tres mejores canciones en castellano del siglo XX.

Un año después volvió a México y se presentó en diversos teatros del país llevando como invitados a Estela Raval y Los 5 Latinos, con el espectáculo «En un rincón del alma», durante esos conciertos se grabó en vivo un disco doble, a manera de documento, bajo ese título.

En 2004 salió a la venta «Alberto Cortez sinfónico», grabado en directo con la Orquesta Sinfónica de Houston, y un año después lanzó su trabajo discográfico «Identidad», con el que recorrió el mundo.

En 2007, recibió el premio Emmy a la Excelencia Musical, y dos años más tarde puso a la venta en España su biografía «Alberto Cortez: La vida». Un año después, participó en el homenaje que el mundo del futbol le rindió al ex jugador Alfredo Di Stéfano en la ciudad deportiva del Real Madrid.

Además, presentó sus libros «Cortez por los cuatro costados», en el Salón de la Ciudad de Guayaquil, y «Alberto Cortez. La vida», en la Ciudad de México.

En 2009, lanzó «Alberto Cortez. Íntimo», un disco doble con 32 canciones grabadas en vivo en diferentes teatros de España y América Latina.

Asimismo, en noviembre del mismo año brindó el espectáculo «Alberto Cortez Sinfónico», en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, acompañado por la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de Veracruz (OSJEV), el cual fue grabado y cuyas ventas fueron destinadas a la Fundación Hermes Music, que ayuda a niños desamparados de México.

El año pasado realizó una extensa gira por México, con actuaciones en Chihuahua, Tamaulipas, Sinaloa, Jalisco, Michoacán, Guanajuato, Querétaro, Puebla y Distrito Federal.

En 2011 emprendió una gira por su país natal donde dio a conocer en vivo los temas de “Tener en cuenta” producción que incluye temas inéditos y una nueva versión del clásico «Mi árbol y yo», que grabó junto al cantante guatemalteco Ricardo Arjona.

En marzo de 2012 se presenta en escenarios españoles con el espectáculo “Alberto Cortez en estado puro”, mientras que en abril participa en el Festival Cultural de Zacatecas, en México.

Después regresa a España, y durante mayo se presenta en Bilbao, en el Teatro Fernando Fernán Gómez de Madrid y el Teatro Rojas de la ciudad de Toledo.

En julio, el intérprete viaja a Ecuador, para presentar en el Centro Cívico de Guayaquil su espectáculo “Alberto Cortez Sinfónico”.

Su exitosa carrera musical lo llevó a recibir varios reconocimientos, como la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes, en España, en la modalidad de música, en 2015, y dos años después obtuvo la Gramola de Oro, en el Primer Festival Internacional de bolero «Ciudad de Madrid».

Entre sus más grandes éxitos se encuentran «Cuando un amigo se va», «En un rincón del alma», “No soy de aquí”, «Callejero», «Mi árbol y yo», «A partir de mañana», «Te llegará una rosa», «Castillos en el aire» «Camina siempre adelante» y «El abuelo».

Alberto Cortez construyó poemas de lo cotidiano en su música

La amistad, la vida de los perros callejeros, la muerte de un amigo, cómo los adolescentes dejan sus hogares y la añoranza hacia sus orígenes, fueron entre otros los temas cotidianos que el poeta Alberto Cortez convirtió en himnos.

Aunque comenzó a escribir canciones desde los 12 años, fue hasta 1961 cuando publicó su primer disco “Welcome to the Latin Club”, que incluyó 12 temas tanto en inglés como en español. Destacan “Mañana”, “Amapola”, “April in Portugal”, “La paloma” y “Oh – Mari”.

En su larga trayectoria, Cortez, quien falleció este jueves a los 79 años, grabó cerca de 40 álbumes de estudio, logrando cuatro Discos de Oro.

Conocido como “el cantor de las cosas simples”, Alberto Cortez destacó por su estilo desgarrado, intenso y belleza poética.

De una sensibilidad envidiable, tocó corazones con temas como “Carta a mi viejo”, en la que le cuenta a su padre las cosas que le habían pasado en el tiempo que había estado lejos de casa, y “Callejero”, canción que se basa en la vida de un perro de la calle.

Pero no sólo los perros fueron su inspiración, también las cigarras, insectos que fueron motivo para la creación de “La canción de las cigarras” y “A partir de mañana”.

Como buen poeta que retrata la cotidianidad de la vida, también añadió contenido social a sus temas, como en el caso de “Instrucciones para ser un pequeño burgués”.

Otros de sus temas más emblemáticos son “Mi árbol y yo”, “A partir de mañana”, “Te llegará una rosa”, “Castillos en el aire” y “El abuelo”, los cuales están basados en hechos y personajes reales, que le ocurrieron a él mismo o a gente cercana a él.

Falleció por causa de una hemorragia gastrointestinal, el 4 de abril de 2019, en el Hospital Universitario HM Puerta del Sur, en Móstoles, en la Comunidad de Madrid, España, a los 79 años de edad

Alberto Cortez



{4 abril, 2019}   Hug Masekela 80º natalicio

80.º aniversario del nacimiento de Hugh Masekela

Homenaje Doodle de Google

80.º aniversario del nacimiento de Hugo Masekela

» Mi mayor obsesión es mostrar a los africanos y al mundo quiénes son realmente los pueblos de África».
—Hugh Masekela

Today’s Doodle celebra al mundialmente famoso trompetista, cantante, director de orquesta, compositor y defensor de los derechos humanos, Hugh Masekela, de renombre mundial. Nacido hace 80 años en la ciudad minera del carbón de Witbank, Sudáfrica, Masakela obtuvo su primer cuerno a los 14 años. Luego pasó a tocar con un grupo muy popular conocido como Jazz Epistles , la primera banda de jazz completamente negra en Grabar un disco en la historia sudafricana. Sin embargo, en el transcurso del año, sus miembros fueron expulsados ​​del país por el gobierno del apartheid.

A la edad de 21 años, Masakela comenzó un exilio de 30 años, viajando a Nueva York donde se inscribió en la Manhattan School of Music y se sumergió en la escena de jazz de la ciudad, observando a gigantes del jazz como John Coltrane, Thelonious Monk, Charlie Mingus y Max. Cucarachas todas las noches. «Sólo vas a ser una estadística si tocas jazz», le aconsejó Miles Davis, «pero si pones algunas de las cosas que recuerdas de Sudáfrica, serás diferente a todos».

Animada por artistas como Dizzy Gillespie y Louis Armstrong, Masakela profundizó en sus propias influencias únicas para crear su álbum debut de 1963, titulado Trumpet Africaine . A fines de los años 60, se mudó a Los Ángeles y actuó en el Festival Pop de Monterrey con un proyecto de ley que incluía a Jimi Hendrix, Ravi Shankar y The Who. Su single de 1968 «Grazin ‘in the Grass» llegó al número 1 en las listas de éxitos estadounidenses.

Masakela continuaría colaborando con personas como Fela Kuti, Bob Marley, Marvin Gaye, Paul Simon y Stevie Wonder. En 1990, «Bra Hugh» regresó a Sudáfrica a tiempo para ver su canción «Bring Him Back Home (Nelson Mandela)» hecha realidad. Cuando el líder del ANC fue liberado de la prisión y eligió al primer presidente negro de Sudáfrica, la música de Masakela fue la banda sonora.

 

Biografía
Empezó su carrera musical como miembro de la Huddleston Jazz Band. Masekela abandonó Sudáfrica en 1961 instalándose en Estados Unidos, donde su carrera profesional despegó. Allí, su estilo musical, mezcla de pop y jazz africano, tuvo buena acogida, llegando a fundar su propio sello discográfico con el nombre de Chisa. A finales de los años sesenta, su canción «Grazing in the Grass» de su disco The Promise of a Future tuvo gran éxito y difusión, llegando al número uno de la lista estadounidense de Billboard en julio de 1968 y siendo nominado a los Premios Grammy.

Masekela colaboró, entre otros, con Fela Kuti y Paul Simon.

Casado entre 1964 y 1966 con Miriam Makeba (1932-2008), la legendaria cantante, actriz y activista, una de las más importantes representantes de la lucha contra el régimen del apartheid fuera de Sudáfrica. Masekela, también lucho contra el apartheid. De hecho, uno de sus éxitos más conocidos, «Bring Him Back Home» (Traedlo de vuelta a casa), aparecido en 1987, se convirtió en la canción utilizada por Nelson Mandela, durante la gira mundial que realizó tras su salida de prisión.

Masekeba falleció tras una larga batalla contra el cáncer de próstata



{4 abril, 2019}   *Rembrandt

El regreso del hijo pródigo, hacia 1669
Rembrandt – Hermitage Torrent (.torrent with info-hash)

 

Rembrandt

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Acerca de este sonido [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin] Leiden, 15 de julio de 1606-Ámsterdam, 4 de octubre de 1669) fue un pintor y grabador neerlandés. La historia del arte lo considera uno de los mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado, siendo con seguridad el artista más importante de la historia de los Países Bajos. Su aportación a la pintura coincide con lo que los historiadores han dado en llamar la edad de oro neerlandesa, el considerado momento cumbre de su cultura, ciencia, comercio, poderío e influencia política.

Habiendo alcanzado el éxito en la juventud, sus últimos años estuvieron marcados por la tragedia personal y la ruina económica. Sus dibujos y pinturas siempre fueron muy populares, gozando también de gran predicamento entre los artistas y durante veinte años se convirtió en el maestro de prácticamente todos los pintores neerlandeses.2​ Entre los mayores logros creativos de Rembrandt están los magistrales retratos que realizó para sus contemporáneos, sus autorretratos y sus ilustraciones de escenas bíblicas. En sus autorretratos, especialmente, se observa siempre la mirada humilde y sincera de un artista que trazó en ellos su propia biografía.

Rembrandt tenía un profundo conocimiento de la iconografía clásica y en sus pinturas y grabados solía interpretarla libremente para ajustarla a su propia experiencia. Así, en la representación de una escena bíblica Rembrandt solía combinar su propio conocimiento del texto con su particular concepto de la composición clásica y algunas observaciones anecdóticas de la población judía de Ámsterdam​ Por la empatía con que retrató la condición humana, Rembrandt ha sido considerado «uno de los grandes profetas de la civilización».

Ningún artista combinó nunca tan delicada habilidad con tanta energía y poder. Diccionario Biográfico Chambers.

Rembrandt

 

Las tres cruces, grabado de Rembrandt, 1653, estado 3 de 5.
Rembrandt – http://www.rijksmuseum.nl

Descendimiento de la cruz. 1634.

Cristo resucitado se aparece a María la Magdalena, 1638
Rembrandt van Rijn (1606, Leiden – 1669, Amsterdam) –
















Guido Reni - Saint James the Greater - Google Art Project.jpg

Santiago el Mayor, por Guido Reni

Vestido de peregrino o de soldado a lomos de un caballo blanco en actitud de lucha

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Concha de Vieira

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Cruz de Santiago

Datos de la tradición medieval

Según una tradición medieval, tras el Pentecostés (hacia 33 d. C.), cuando los apóstoles son enviados a la predicación, Santiago habría cruzado el mar Mediterráneo y desembarcado para predicar el Evangelio en la Hispania (actuales España y Portugal). Según unos relatos, su prédica habría comenzado en la Gallaecia, a la que habría llegado tras pasar las Columnas de Hércules. Según el escritor gaditano Fray Gerónimo de la Concepción, Santiago fue quien consagró el Templo de Hércules a San Pedro (en el islote Sancti Petri). Siguió bordeando la Bética y la deshabitada costa de Portugal; otras tradiciones afirman su llegada a Tarraco y su viaje por el valle del Ebro, hasta entroncar con la vía romana que recorría las estribaciones de la Cordillera Cantábrica y terminaba en la actual La Coruña. Una tercera versión postula su llegada a Carthago Nova (actual Cartagena, por el barrio de Santa Lucía), de donde partiría hacia el norte. Esta tradición hace de Santiago el santo patrón protector de España.

Altar Mayor con la imagen de Santiago Peregrino en la Catedral de Santiago de Compostela, bajo el que se encuentra la tumba del Apóstol

Santiago de Zebedeo también conocido como Santiago el Mayor (en griego antiguo: Ἰάκωβος, Ἰákobos) fue, según diversos textos neotestamentarios (Evangelios sinópticos, Hechos de los Apóstoles), uno de los apóstoles más destacados de Jesús de Nazaret. Es conocido en la tradición cristiana como Santiago el Mayor para distinguirlo de otro miembro del grupo de los doce, Santiago el Menor. Nacido probablemente en Betsaida (Galilea), fue hijo de Zebedeo y Salomé, y hermano de Juan. Santiago de Zebedeo pertenecía al llamado «círculo de dilectos» de Jesús que estuvo con él en ocasiones especiales: en la resurrección de la hija de Jairo, en la transfiguración y en el huerto de Getsemaní, donde Jesús se retiró a orar en agonía ante la perspectiva de su pasión y muerte. También fue testigo privilegiado de las apariciones de Jesús resucitado y de la pesca milagrosa en el mar de Tiberíades. Según el libro de los Hechos de los Apóstoles, Pentecostés encontró a Santiago en espera orante, siempre como uno de los máximos referentes de la primera comunidad cristiana, junto con Simón Pedro y Juan. Murió a manos de Herodes Agripa I en Jerusalén entre los años 41 y 44 de nuestra era. Es el patrono de España

Camino de Santiago es la denominación que tiene un conjunto de rutas de peregrinación cristiana de origen medieval que se dirigen a la tumba de Santiago el Mayor, situada en la catedral de Santiago de Compostela (Galicia, España). Históricamente se ha conocido como «Camino de Santiago» (hoy denominado «Camino de Santiago francés») al itinerario principal que, partiendo de los Pirineos occidentales, recorre España hasta llegar a la ciudad gallega; no obstante, actualmente el término se utiliza para referirse a todas las rutas jacobeas existentes.Se trata de un «camino sembrado de numerosas manifestaciones de fervor, de arrepentimiento, de hospitalidad, de arte y de cultura, que nos habla de manera elocuente de las raíces espirituales del Viejo Continente.

José de Ribera - Santiago el Mayor.jpg

Santiago el Mayor. La Iglesia católica considera que sus restos descansan en la catedral de Santiago de Compostela

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Catedral de Santiago de Compostela, destino final de los caminos de Santiago

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Mapa de la principal ruta del Camino de Santiago entre los Pirineos y Santiago de Compostela

Santiago el Mayor fue uno de los principales apóstoles de Jesucristo y el primero de ellos en morir martirizado.La tradición cristiana indica que su cadáver fue trasladado a Hispania y depositado en una tumba situada en Gallaecia.Esta fue descubierta sobre el año 820 entre los restos de un asentamiento romano abandonado y sobre ella se construyó un templo que fue ampliado en los siglos siguientes hasta convertirse en la actual catedral.

El culto al apóstol se extendió pronto entre los cristianos peninsulares y fue proclamado por Alfonso II como patrón del reino de Asturias, consideración que mantuvo en las entidades políticas que le sucedieron Igualmente, surgió la costumbre entre sus ejércitos de invocar su nombre antes de entrar en batalla.

La jacobea fue la última en aparecer dentro de las tres grandes peregrinaciones cristianas.Un número creciente de personas la realizó durante la Edad Media por motivos de fe, al considerar que los restos del apóstol tenían una capacidad de intercesión ante Dios

https://es.m.wikipedia.org/wiki/Santiago_el_Mayor












{18 julio, 2022}   Oscar Sala

Oskar Sala (Greiz, Turingia, 18 de julio de 1910 – 26 de febrero de 2002) fue un físico alemán, compositor y pionero de la música electrónica. Fue uno de los principales intérpretes del Trautonium, un predecesor del sintetizador, al que realizó mejoras y modificaciones a lo largo de toda su vida.

Oskar Sala 1996

Oskar Sala nació el 18 de julio de 1910 en la ciudad de Greiz, en la próspera región de Turingia al este de Alemania, en el seno de una familia acomodada amante de las artes. Su padre Paul Sala era oftalmólogo y su madre Annemarie era ama de casa y tenía experiencia como cantante.

Durante su juventud estudió piano y órgano y en 1927 ya interpretaba como solista el Concierto Nº 2 para Piano Op. 19 de Beethoven en el Teatro Tivoli de su ciudad natal.

En 1929 se mudó a Berlín para completar sus estudios de piano y estudiar composición en la Berliner Musikhochschule bajo la tutela del compositor y violinista Paul Hindemith.

Intérprete de Trautonium
Editar
En su primer año de estudios, Sala quedó fascinado por los experimentos que el ingeniero acústico Friedrich Trautwein estaba realizando en el laboratorio de experimentación radiofónica de la escuela con un nuevo instrumento electrónico, el Trautonium, que venía desarrollando desde 1928 a propuesta de Hindemith.

Este recomendó a Sala como ayudante de Trautwein y comenzaron a trabajar juntos en la realización de tres Trautoniums para la obra Sieben Triostücke für drei Trautonien (Siete piezas para tres Trautoniums) escrita especialmente por Hindemith para el instrumento. La obra fue estrenada el 20 de junio de 1930 en el Hall de la Berliner Musikhochschule, en el marco del festival Neue Musik Berlin, 1930, donde se presentó públicamente el Trautonium, con Hindemith, Rudolf Schmidt y Oskar Sala como intérpretes del nuevo instrumento.

Después de esta primera actuación, que a pesar de ser acogida con frialdad por la prensa tuvo un éxito destacado entre el público, se iniciaron una serie de conciertos de presentación del instrumento por toda Alemania con Sala como solista. Una de las presentaciones más significativas fue organizada por iniciativa particular de Trautwein, con el apoyo del Instituto Heinrich Hertz, en las ediciones de 1931 y 1932 de la feria IFA de Berlín, en la última de las cuales el Trautonium ejecutado por Oskar Sala se integraría en la llamada «Das Orchester der Zukunft» (La Orquesta del Futuro), junto a otros instrumentos contemporáneos como el Theremin, el Hellertion o el Elektrochord, en los que se ejecutaron exclusivamente piezas del repertorio clásico.

Paul Hindemith, entusiasmado con las posibilidades del nuevo instrumento, compuso en 1931 la obra Konzertstück für Trautonium mit Begleitung Des Streicheorchesters, en cuyo estreno berlinés Oskar Sala tocó las partes solistas.

Sala también ejerció como solista en las primeras apariciones radiofónicas del Trautonium en el programa Allerlei Von 2 Bis 3 en los años 1932 y 1933.

Mixturtrautonium

Mixtur-Trautonium, 1952

Mixtur-Trautonium, 1952

O. Sala und Peter Pichler in Salas Studio 1996 Foto Peter Pichler.jpg
4,808 × 3,088; 2.9 MB

Composiciones
Con el instrumento que siempre soñó entre sus manos, y siendo consciente de que para la supervivencia del mismo era necesario crear un repertorio, Oskar Sala abordó de una manera más decidida su carrera como compositor. De entre todas sus obras de este período cabe destacar el Concertino für Mixturtrautonium und elektrisches Fantasieorchester (1953), Scherzo-Etüde (1954), y muy especialmente Intermezzo (Eine Nacht in Elektronia), y Elektronische Tanzsuite für Mixturtrautonium solo und Mixturorchester (Tonband) in fünf Sätzen, ambas de 1955.

Bandas Sonoras
A pesar del uso inicial del Mixtur-Trautonium como instrumento solista de concierto, Oskar Sala lo reorientó a lo largo de la década de los 50 con gran éxito al campo de las bandas sonoras para el cine y la televisión, haciendo del instrumento un auténtico estudio de sonido.

Su primer trabajo para el cine fue en 1930 en el film Stürme über dem Montblanc (Tormenta sobre el Montblanc) dirigida por Arnold Fanck, en el que Sala usa el primer prototipo de Trautonium para imitar el sonido del motor de un avión en una escena del filme.

En 1943 volvió a trabajar en el medio cinematográfico en el cortometraje de dibujos animados Armer Hansi (1943), de Frank Leberecht, estrenado en medio de la guerra, y cuya partitura musical y efectos sonoros fueron compuestos por Sala con su Konzerttrautonium.

Tras la posguerra varios compositores de bandas sonoras se interesaron por el Mixtur-Trautonium de Sala. Hans-Martin Majewski lo utilizó en conjunción con la orquesta para el film Liebe ’47 (1949). Con Herbert Trantow trabajaría en las bandas sonoras del largometraje policial Fünf unter Verdacht (Kurt Hoffmann, 1949), el drama Die Treppe (Alfred Braun/Wolfgang Staudte, 1950), y la película de fantasía Das kalte Herz (Paul Verhoeven, 1951). Ese mismo año Sala crearía los efectos sonoros de otro film de Verhoeven, Die Schuld des Dr. Homma, con banda sonora de Friedrich Schröder. En 1963 fue responsable de mezclar el sonido de pájaros en la película del mismo nombre de Alfred Hitchcock, reemplazando la música

112º aniversario del nacimiento de Oskar Sala
Doodle de Google
  • 112º aniversario del nacimiento de Oskar Sala18 de julio de 2022





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