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{20 julio, 2018}   *FELIZ DÍA DEL AMIGO!!!

UN AMIGO ES UNA LUZ

BRILLANDO EN LA OSCURIDAD

SIEMPRE SERÁS MI AMIGO

NO IMPORTA NADA MAS…

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AMIGOS LOS LLEVO DENTRO DE MI CORAZÓN SIEMPRE

ESE HILO DE PLATA INVISIBLE QUE NOS UNE Y NOS UNIRÁ

MÁS ALLA DE LA DISTANCIA

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Y SE ABRE EL TELÓN…

Por primera vez en en Buenos Aires luego de una extensa gira por Israel, Rusia y los países Bálticos se estrenó “Tango in the Shadows” con la presencia de periodistas invitados e invitados especiales entre ellos Maximiliano Guerra y su esposa, Daniel Gómez Rinaldi entre otros…., se vivió un momento único, apasionante.

El bailarín y coreógrafo Marcos Ayala logra junto a su compañera Paola Camacho y su compañía de baile, un delicado ensamble, fusión, el profundo encuentro de dos seres hasta poner a prueba sus límites,  luces y sombras, darkness & light, luz y oscuridad, felicidad y dolor, pulsiones, poder, posesión,  sensaciones, emociones, sentimientos encontrados, cómo nos puede producir el placer a la vez tanto dolor?

*En un momento dado, dejé la butaca y me puse de pie para poder apreciar y contemplar todos los movimientos del los bailarines en el escenario….las luces, su totalidad, no quería perderme nada…ni un instante…(MC)

 

Marcos Ayala: Bailarín, coreógrafo, director.

Su nombre ya forma parte de los grandes artistas masculinos del tango escénico y sus espectáculos reafirman su propia impronta. Sabe, como pocos, imbricar el lenguaje tradicional del tango con las actuales tendencias artísticas del medio, llevando así sus propuestas a los escenarios del mundo.

Reconocimientos y premios tanto nacionales como internacionales fueron apuntalando su carrera como bailarín, como ser nombrado; “Campeón Mundial de Tango” (Japón; 2006) o ser proclamado por la crítica especializada como “Autentica Revelación del Tango” por su protagonismo y actuación en el Musical “Chantecler Tango” (Argentina; 2012- 2014 y Francia; 2013) entre otros.

Mientras que por sus trabajos coreográficos obtuvo dos “Latin Ace Award” uno por su trayectoria y el otro por su obra; “Tango Lovers” que fuera considerado, mejor espectáculo musical del año (New York; USA 2015). Obtiene también nominaciones a los Premios Estrella de Mar (2016) como mejor espectáculo de Danza, por su creación “Tango Buenos Aires”.

Desde el 2011, realiza ininterrumpidamente giras internacionales junto a su propia compañía, habiendo llevado sus creaciones a los escenarios más importantes del mundo. Para los festejos del Bicentenario de la Independencia (Julio de 2016) que se llevó a cabo bajo la dirección del Maestro Eugeni Zaneti en la plaza del Vaticano, a la vera del Teatro Colón, fue especialmente convocado para coreografiar y participar junto a su compañía de los momentos de Tango que hubieron a lo largo de la velada, siendo uno de los números de baile más ovacionados por el público.

Como lo señala la crítica, sin duda alguna, Marcos Ayala es actualmente uno de los grandes artistas del tango, y su constante búsqueda innovadora comprometida y creativa en el género, lo diferencian sustancialmente de sus pares, posicionándolo como referente artístico en la escena nacional.

 

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NO DEJEN DE VERLA!!!

El Programa Espacio de Difusión de Contenido

(MC)

 

 




 

Desde 1990 los Premios Pregoneros se entregan anualmente con el objetivo de dar público conocimiento a los difusores de la literatura infantil y juvenil, quienes desarrollan su vocación de manera persistente y, a veces silenciosa, desde diferentes ámbitos de trabajo.

El 4 de julio pasado, en las oficinas de la Fundación El Libro, se reunió el Jurado de los Premios Pregonero 2018, conformado por Cecilia Bajour, especialista en Literatura Infantil y Juvenil; Iris Rivera, escritora, e Istvansch, ilustrador y escritor, con la presidencia de la editora y presidenta del Comité Infantil y Juvenil Betina Cositorto, para determinar a los ganadores de esta nueva edición.

El acto de entrega de los Premios Pregonero será jueves 26 de julio a las 18.00 en la Sala Federal del CCK (Piso 6,), Sarmiento 151, de la Ciudad de Buenos Aires. La premiación se realizará en el marco de la 28.° Feria del Libro Infantil y Juvenil, que se desarrolla desde el 7 al 29 de julio en tres sedes: CCK, Tecnópolis y Centro Cultural Dardo Rocha, en la Ciudad de La Plata.

Luego de un arduo proceso de selección, el Jurado decidió otorgar los siguientes premios:

Pregonero de Honor: Los Musiqueros (CABA).
Pregonero al Compromiso en la Historia del Premio: Oscar González.
Pregonero a Institución: Instituto Juan Bautista Alberdi (Isidro Casanova, Prov. Buenos Aires).
Pregonero a Especialista: Florencia Ortiz (Córdoba).
Pregonero a Periodismo Gráfico: Revista Primeros Trazos 1, 2 y 3, Ministerio de Educación (La Rioja).
Pregonero a Periodismo Televisivo: Programa Susurro y altavoz-Taller de Poesía, conducido por Ruth Kaufman, Canal Encuentro.
Pregonero a Periodismo Radial: Ciclo Radial ¿Me leés? del Programa Contextos, ULP (San Luis).
Pregonero a Producción Digital: Blog Libro de arena, publicación del Programa Bibliotecas para Armar (CABA).
Pregonero a Biblioteca: Biblioteca Infantil y Juvenil Juanito Laguna (CABA).
Pregonero a Librería: El Libro de Arena (CABA).
Pregonero a Narración: Claudia Stella (CABA).
Pregonero a Teatro, Música y Títeres: Festival Señores Niños al Teatro (Córdoba).
Pregonero Especial: Picnic de Palabras Argentina.
Durante el acto de entrega también recibirá un reconocimiento por parte de la Fundación El Libro el grupo teatral La Galera Encantada, de largo vínculo con la Feria, por sus 40 años de trayectoria y aportes a la cultura para niños.




 

28.° edición de la Feria del Libro Infantil y Juvenil con tres sedes confirmadas: CCK, Tecnópolis y el Centro Cultural Dardo Rocha de la Ciudad de La Plata.

Organizada por la Fundación El Libro, la Feria Infantil y Juvenil se desarrollará desde el sábado 7 al domingo 29 de julio inclusive. Con entrada libre y gratuita, esta nueva edición, contará con actividades de teatro, música, narraciones, talleres de ciencias, producción artesanal y de historieta, y por supuesto miles de libros y stands en las tres sedes, donde también habrá escritores firmando ejemplares. Tanto el CCK como La Plata recibirán contingentes escolares, en horario especial, entre los días 10 y 13 de julio.

En el CCK, habrá recitales de Canticuénticos y de Mariana Baggio y la obra Sucedió en colores, basada en el libro de Liliana Bodoc. Como parte de la movida juvenil, mesas, debates y la presencia de los autores Adam Silvera, Pamela Stupia, Magalí Tajes, entre otros autores. Además, La Fundación El Libro otorgará, como cada año desde 1990, los Premios Pregonero, en reconocimiento a los principales difusores de la literatura infantil y juvenil de todo el país. La ceremonia será el jueves 26 de julio a las 18 horas.

En Tecnópolis, además de stands individuales habrá una librería colectiva con caja única, lo que aumentará la oferta de ejemplares. Un sector de esta librería estará dedicado especialmente a libros relacionados con los Pueblos Originarios, y una parte de la programación cultural, en dos salas y en la plaza central, se volcarán a esta temática.

En el Centro Cultural Dardo Rocha de La Plata la Feria crece en metros cuadrados respecto al año pasado, por mayor presencia de editoriales y libreros. De estos últimos, que son exclusivamente platenses, el número subió de seis a diez. A la programación cultural de la Feria, con talleres de ciencias a cargo de la exitosa Floriciencia, y de dibujo, narraciones y espectáculos –entre ellos clowns y malabaristas en su plaza central-, se suma la propuesta que tiene, especialmente pensada para vacaciones de invierno, el Centro Cultural en su auditorio y en la sala de cine INCAA, en el primer piso.

Con una variada y nutrida programación, la 28° edición de la Feria del Libro Infantil y Juvenil se posiciona más que nunca como un encuentro de recreación y estímulo fundamental para chicos, adolescentes y público en general.

CCK (ex Correo Central): Sarmiento 151, Ciudad de Buenos Aires.
Fecha: 7 al 29 de julio. Fines de semana y lunes 9 de julio: 13 a 20 h.
Martes 10 al viernes 13 de julio: 9 a 18 hs.
Lunes a viernes de vacaciones de invierno: 11 a 20 hs.
Tecnópolis: Avdas. Gral Paz y Constituyentes, Vicente López.
Fecha: 12 al 29 de julio.
Todos los días: 12 a 20 hs.
Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha, 50 y 7, Ciudad de La Plata.
Fecha: 7 al 29 de julio. Todos los días: 12 a 20 hs.
Con excepción del martes 10 al viernes 13 de julio: 9 a 19 hs.




Imagen de la Virgen del Carmen en el Santuario de La Tirana.
Felipe Cuevas Valdivia – Trabajo propio

Virgen del Carmen, Acquafondata (Italia)
Policarpo85 – Trabajo propio

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Imagen general del grupo escultórico de la Virgen del Carmen, Patrona de Beniaján (Murcia), España.

Fotografía de la procesión de antaño en el Santuario de La Tirana.
Felipe Cuevas Valdivia – Template:La Tirana

Statue de Notre Dame du Mont Carmel
Claire and Richard Stracke – Own work

San Sebastian Basilica - Our Lady of Mt. Carmel.JPG

Statue of Our Lady of Mt. Carmel, patroness of the San Sebastian Basilica, located at the church altar.
Eugene Alvin Villar (seav) – Own work

Virgen del Carmen




 

Luego de una extensa gira por Rusia, Israel y países bálticos, el coreógrafo e intérprete Marcos Ayala presenta por primera vez en Buenos Aires, su espectáculo con 12 bailarines en escena: “Tango in the Shadows”.

Este musical de tango, lleva hacia las dualidades del ser humano. Mundos opuestos, luz y sombra, verdad y mentira, ingenuidad y astucia en cuatro únicas presentaciones en el Teatro Ludé (Montevideo 842).

Marcos Ayala y Paola Camacho encarnan el universo de dos seres que, como un destello de luz se encuentran y se ponen a prueba a sí mismos, entregándose quizás, hasta el borde de sus propios límites. Sentimiento puro que impulsa a ser parte de algo nuevo y maravilloso, una transformación asombrosa. Un todo que atrae y hace temer a la vez, como el avance de un huracán devastador.

Estreno:  17   ///    24, 31 de Julio y 7 de Agosto – a las 20hs.



{12 julio, 2018}   Amedeo Modigliani

Retrato de Beatrice Hastings, 1916
Amedeo Modigliani – http://www.the-athenaeum.org/art/full.php?ID=1475

Novia y novio, 1915
Amedeo Modigliani

Jean Cocteau, 1916, Henry and Rose Pearlman Collection, on long-term loan to the Princeton University Art Museum

Retrato de Jeanne Hebuterne, 1919.

Madame Kisling, 1917
Amedeo Modigliani – National Gallery of Art, Washington, D. C., online collection

Más detalles
Desnudo sentado en un diván (“La Belle Romaine”), 1917

 

Amedeo Clemente Modigliani (Livorno; 12 de julio de 1884-París; 24 de enero de 1920) fue un pintor y escultor italiano. Muerto prematuramente a los 35 años, trabajó principalmente en Francia. Es conocido por sus retratos y desnudos en un estilo que se caracterizaba por el alargamiento de los rostros y las figuras, lo cual no fue bien acogido durante su vida, pero que logró gran aceptación posteriormente. Pasó su juventud en Italia donde estudió el arte de la antigüedad y el Renacimiento. A los 22 años, en 1906, se mudó a París donde entró en contacto con prominentes artistas, como Pablo Picasso y Constantin Brâncuși.

La obra de Modigliani es profusa en pinturas y dibujos, si bien desde 1909 a 1914 se dedicó principalmente a la escultura. Durante su vida tuvo poco éxito y no fue sino posteriormente que su obra fue apreciada logrando sus trabajos un alto precio. Murió de una meningitis ocasionada por la tuberculosis.

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Modigliani




Es casi tres veces más grande que sus pares del Triásico. Se creía que los primeros de ese tamaño habían aparecido 30 millones de años después.

Hallaron en San Juan al “Ingentia prima”, el dinosaurio gigante más antiguo conocido hasta ahora.  Fuente: (Crédito Foto: Agencia CTyS-UNLaM)

Investigadores argentinos presentaron a Ingentia Prima, el primer dinosaurio gigante que habitó el planeta hace más de 200 millones de años. El hallazgo se produjo en el yacimiento de Balde de Leyes, al sudeste de la provincia de San Juan. Y revolucionó las teorías existentes sobre cuándo fue que los dinosaurios comenzaron a volverse gigantescos.

Según un estudio publicado este lunes en la revista Nature Ecology and Evolution y dado a conocer por la Agencia de Divulgación Científica CTyS de la Universidad de La Matanza, la especie es de una antigüedad de entre 237 y 201 millones de años, y está entre los primeros saurópodos gigantes. Con un peso de diez toneladas y 8 a 10 metros de largo, es cerca de tres veces el tamaño de los dinosaurios más grandes de su período, el Triásico.


“Me sorprende la repercusión que tuvo la noticia, el interés que despiertan los dinosaurios y los gigantes en particular. Es impresionante cómo a la gente le gusta saber de los dinos”, expresó la paleontóloga Cecilia Apaldetti (36), autora principal del artículo, quien atendió a Clarín desde la ciudad de San Juan, donde vive. “No hay explicación de por qué al mundo científico y no científico le gusta mucho saber de estos animales que habitaron la Tierra hace muchos millones de años”.

El estudio estuvo liderado por la investigadora de la Universidad Nacional de San Juan, en Argentina, en colaboración con los investigadores Ricardo Martínez, Ignacio Cerda, Diego Pol y Óscar Alcober. “Lo revelador es que encontramos un dino gigante en una época impensada. Hasta ahora el mundo creía que el gigantismo había aparecido a mediados del Mesozoico, la era fuerte de los dinosaurios en la que fueron reyes, amos y señores del planeta”, ilustra Apaldetti, que agrega: “La aparición del Ingentia muestra una estrategia de crecimiento desconocida hasta ahora e indica que el origen del gigantismo se produjo mucho antes de lo que se pensaba”.

Hallaron en San Juan al "Ingentia prima", el dinosaurio gigante más antiguo conocido hasta ahora. (Foto: Agencia CTyS-UNLaM)

Hallaron en San Juan al “Ingentia prima”, el dinosaurio gigante más antiguo conocido hasta ahora. (Foto: Agencia CTyS-UNLaM)

Sobre el momento del inesperado hallazgo, en mayo de 2015, en Balde de Leyes -uno de los lugares más ricos en “niveles triásicos” después de El Valle de la Luna-, Apaldetti confiesa que cuando vieron los primeros huesos, semienterrados entre los arbustos, los vincularon “a una vaca” porque eran grandes y blancos: “Pero a medida que íbamos notando su tamaño, nos empezamos a cebar, el corazón se me salía por la boca… y dijimos ‘¡Esto es un dino, esto va a dar que hablar!’. Y bueno, no me equivoqué”.

Ingentia Prima, que en latín significa la “primera inmensa”, es una especie 30 millones de años más longeva que sus primos los titanosaurios, “un hallazgo fantástico que modifica las ideas que se tenían sobre cómo estas criaturas, con rasgos que no conocíamos de ninguna otra especie, hicieron para ser gigantes si aún no estaban anatómicamente preparadas para serlo. Este dinosaurio pegó el estirón en una época impensada, es un adelantado, sin duda”.

¿Motivos del “estirón impensado”? “Una tasa de crecimiento altamente acelerada, un sistema respiratorio mejorado de estilo aviar y modificaciones en la musculatura epaxial vertebral y extremidades posteriores”, enumera la especialista del Conicet.

“Antes de este descubrimiento, se consideraba que el gigantismo había surgido durante el período Jurásico, hace 180 millones de años aproximadamente, pero Ingentia Prima vivió a fines del Triásico (entre los 210 y 205 millones de años), período al que yo llamo el laboratorio de los vertebrados”, precisó.

Hallaron en San Juan al "Ingentia prima", el dinosaurio gigante más antiguo conocido hasta ahora. (Foto: Agencia CTyS-UNLaM)

Hallaron en San Juan al “Ingentia prima”, el dinosaurio gigante más antiguo conocido hasta ahora. (Foto: Agencia CTyS-UNLaM)
La teoría más extendida afirmaba que la adquisición del “cuerpo gigante” se produjo durante el Jurásico y se relacionó con numerosos cambios esqueléticos presentes en la rama de Eusauropoda. Sin embargo, el nuevo hallazgo revela que el primer pulso hacia el gigantismo en los dinosaurios ocurrió más de 30 millones de años antes de la aparición de los primeros saurópodos modernos.

Para Apaldetti es su trabajo más importante y, humildemente, cree que es la noticia más importante en lo que va del año en el mundo de la paleontología. “Ojo, no es ningún eslabón perdido, aunque sé que al periodismo le encanta decirlo. Pero lamentablemente no lo es. Sí es una información valiosa, que muestra un camino nuevo, impensado y evolutivo hacia el gigantismo que no conocíamos”.

¿Qué podría decirse de la vida del Ingentia? “Que fue un herbívoro que supo tener la inteligencia de crecer rápido, como ningún otro dinosaurio, y también como estrategia de defensa para no resultar tan vulnerables de los carnívoros, los antecesores de los cocodrilos, que eran los patrones de la época”, explica.

Hallaron en San Juan al "Ingentia prima", el dinosaurio gigante más antiguo conocido hasta ahora. (Foto: Agencia CTyS-UNLaM)

Hallaron en San Juan al “Ingentia prima”, el dinosaurio gigante más antiguo conocido hasta ahora. (Foto: Agencia CTyS-UNLaM)
A la hora de explicar cómo sigue su labor a partir del resonante descubrimiento, Apaldetti sonríe con timidez y responde: “Hasta aquí llegué”. “Ahora doy vuelta la página, porque este yacimiento sanjuanino (Balde de Leyes) espera por la investigación de cientos de otras especies. Hay otras Ingentias por descubrir. Eso sí, antes me voy a tomar una cervecita y festejar”, cerró.

Fuente: Clarín



{6 julio, 2018}   *Frida Kahlo

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Magdalena del Carmen Frida Kahlo Calderón, más conocida como Frida Kahlo (Ciudad de México; 6 de julio de 1907 – 13 de julio de 1954) fue una destacada pintora mexicana.

 

Frida Kahlo, by Guillermo Kahlo, 1932
Guillermo Kalho – Sotheby’s

Frida Kahlo, 1919
Guillermo Kahlo (October 26, 1871 – April 14, 1941) – Photographer Born in Baden,

“Si de algo quiero tener el gusto antes de morir es de no volver a ver tu horrible y bastarda cara de malnacido rondar por mi jardín.”
Fragmento de carta de Frida Kahlo para Diego Rivera, 1953.
“Donde no puedas amar, no te demores.”
“Yo solía pensar que era la persona más extraña en el mundo, pero luego pensé, hay mucha gente así en el mundo, tiene que haber alguien como yo, que se sienta bizarra y dañada de la misma forma en que yo me siento. Me la imagino, e imagino que ella también debe estar por ahí pensando en mí. Bueno, yo espero que si tu estás por ahí y lees esto sepas que, sí, es verdad, yo estoy aquí, soy tan extraña como tú.”
“Pies, ¿para qué los quiero si tengo alas pa’ volar?”

Extraído del diario de Frida Kahlo
“Quizá esperen oír de mí lamentos de ‘lo mucho que se sufre’ viviendo con un hombre como Diego. Pero yo no creo que las márgenes de un río sufran por dejarlo correr…”
“No hablaré de Diego como de mi “esposo” porque sería ridículo. Diego no ha sido jamás ni será “esposo” de nadie. Tampoco como de un amante, porque él abarca mucho más allá de las limitaciones sexuales, y si hablara de él como de mi hijo, no haría sino describir o pintar mi propia emoción, casi mi autorretrato y no el de Diego.”
“A veces prefiero hablar con obreros y albañiles que con esa gente estúpida que se hace llamar gente culta”
“Intenté ahogar mis dolores, pero ellos aprendieron a nadar”
“Nunca pinto sueños o pesadillas. Pinto mi propia realidad.”
“Amurallar el propio sufrimiento es arriesgarte a que te devore desde el interior”
“Hay algunos que nacen con estrella y otros estrellados, y aunque tú no lo quieras creer, yo soy de las estrelladísimas…”
Carta a Alejandro Gómez Arías, martes 29 de mayo de 1927.
“Árbol de la esperanza, mantente firme.”
Extraído del cuadro “Arbol de la Esperanza, mantente firme”, 1946
“Espero que la salida sea alegre, y espero no volver nunca más”,
Refiriéndose a su inminente muerte al final de sus días.

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Niños estadounidenses de muchos orígenes étnicos celebran ruidosamente en 1902 dibujos animados de Puck

Día de la Independencia ( coloquial : el cuatro de julio , cuarto de julio , la Cuarta ) es un día de fiesta federal en los Estados Unidos que conmemora la adopción de la Declaración de Independencia el 4 de julio de 1776. El Congreso Continental declaró que las trece colonias americanas se consideraban una nueva nación, los Estados Unidos de América , y ya no eran parte del Imperio Británico . El Congreso realmente votó para declarar la independencia dos días antes, el 2 de julio.

Originalmente titulado Yankee Doodle , esta es una de las varias versiones de una escena pintada por A. M. Willard que llegó a conocerse como The Spirit of ’76 . A menudo imitado o parodiado, es un símbolo familiar del patriotismo estadounidense

Durante la Revolución Americana , la separación legal de las Trece Colonias de Gran Bretaña en 1776 ocurrió en realidad el 2 de julio, cuando el Segundo Congreso Continental votó para aprobar una resolución de independencia que había sido propuesta en junio por Richard Henry Lee de Virginia declarando el Estados independientes del gobierno de Gran Bretaña. [5] [6] Después de votar por la independencia, el Congreso dirigió su atención a la Declaración de Independencia , una declaración explicando esta decisión, que había sido preparada por un Comité de los Cinco , con Thomas Jefferson como su autor principal. El Congreso debatió y revisó la redacción de la Declaración, y finalmente la aprobó dos días después, el 4 de julio. Un día antes, John Adams le había escrito a su esposa Abigail :

El segundo día de julio de 1776 será la época más memorable en la historia de América. Estoy dispuesto a creer que será celebrado por las generaciones venideras como el gran festival de aniversario. Debe ser conmemorado como el día de la liberación, mediante solemnes actos de devoción al Dios Todopoderoso. Debería solemnizarse con pompa y desfile, con espectáculos, juegos, deportes, armas de fuego, campanas, hogueras e iluminaciones, de un extremo a otro de este continente, a partir de este momento para siempre. 

La predicción de Adams estaba apagada por dos días. Desde el principio, los estadounidenses celebraron la independencia el 4 de julio, la fecha que aparece en la muy publicitada Declaración de Independencia, en lugar del 2 de julio, la fecha en que se aprobó la resolución de la independencia en una sesión cerrada del Congreso. 

Los historiadores han disputado durante mucho tiempo si los miembros del Congreso firmaron la Declaración de Independencia el 4 de julio, aunque Thomas Jefferson, John Adams y Benjamin Franklin escribieron más tarde que la habían firmado ese día. La mayoría de los historiadores han llegado a la conclusión de que la Declaración se firmó casi un mes después de su adopción, el 2 de agosto de 1776, y no el 4 de julio, como comúnmente se cree. 

Coincidentemente, tanto John Adams como Thomas Jefferson, los únicos firmantes de la Declaración de Independencia que sirvieron posteriormente como Presidentes de los Estados Unidos , murieron el mismo día: 4 de julio de 1826, que fue el 50 ° aniversario de la Declaración. Aunque no es signatario de la Declaración de Independencia, James Monroe , otro Padre Fundador que fue elegido como presidente, también murió el 4 de julio de 1831. Fue el tercer presidente que murió en el aniversario de la independencia.  Calvin Coolidge , el 30 ° presidente, nació el 4 de julio de 1872; hasta el momento, es el único presidente de los Estados Unidos que nació el Día de la Independencia

Fuegos artificiales del 4 de julio detrás del Monumento a Washington, 1986.jpg

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{1 julio, 2018}   *Bienvenido Julio!

Julio en Las muy ricas horas del duque de Berry, principios s. XV.
Hermanos Limbourg – R.M.N. / R.-G. Ojéda

Julio triguero, septiembre uvero.
Julio los prepara, agosto se los lleva.
En Argentina se refiere a que el mes de julio prepara a los Ancianos, enfermos e indigentes y agosto, habitualmente los meses más fríos y lluviosos de cada año, los matan.

El mes de julio es el séptimo mes del año en el calendario gregoriano y tiene 31 días.

Originalmente este mes era el quinto del primitivo calendario romano y se llamaba Quintilis. En un principio, comprendía 36 días pero fue cambiado a 31 por Rómulo y reducido a 30 por Numa, señalándose finalmente los 31 que tiene ahora por Julio César. En honor del mismo (Iulius Caesar, en latín) que había nacido el día 13 del mes, fue renombrado a “Julius” de donde deriva “Julio”.

En iconografía se le representaba bajo la figura de un joven de carnes bronceadas por el sol y con los cabellos coronados de espigas.

 

JULIO MES DE LA DULZURA Y LA AMISTAD

Retrato de dos amigos del artista italiano Pontormo , c. 1522




Bled, iglesia en la isla
Michielverbeek – Trabajo propio

Bled, Castillo
Michielverbeek – Trabajo propio

Escalera de la isla
Žiga – Trabajo propio

Bled es una población situada a orillas del lago Bled y ubicada en los Alpes Julianos en la zona noroccidental de Eslovenia. Se encuentra a pocos kilómetros al sur de la frontera con Austria y a unos 50 kilómetros al noroeste de la capital del país, Liubliana. Bled tiene 11.300 habitantes, según el censo de 2002, 5.164 en el pueblo mismo.

Bled es especialmente famoso por su lago glacial, el cual atrae a numerosos turistas durante todo el año. En los bosques circundantes hay varios castillos e iglesias. Desde el castillo de Bled, se puede tener una vista panorámica muy disfrutada por los turistas.

Como centro turístico ofrece en la actualidad una gran variedad de actividades deportivas, como el golf, la pesca, la equitación y el senderismo en las montañas de los alrededores.

La presencia cercana al norte de los Alpes Julianos, además de favorecer tanto el turismo estival como el de invierno, posibilita un clima más suave, al proteger la zona de los vientos fríos del norte. Debido a su agradable clima la región ha sido históricamente un importante centro de recreo y salud, siendo visitada con frecuencia por la aristocracia europea.

Obcine Slovenija 2007 Bled.svgUbicación de Bled en Eslovenia

Bled, Iglesia en la ciudad
Michielverbeek – Trabajo propio

Vista de Bled desde el Castillo
Mihael Grmek – Trabajo propio

 

Blejsko jezero.jpg

Blejsko jezero (Bled lake)

Sunset over a misty valley (Unsplash).jpg

Bled, Slovenia
Neven Krcmarek nevenkrcmarek – https://unsplash.com/photos/xcbnx5M6XPM



{28 junio, 2018}   *Poemas

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La copa de las hadas

¿Fue en las islas de las rosas,
en el país de los sueños,
en donde hay niños risueños
y enjambre de mariposas?
Quizá.
En sus grutas doradas,
con sus diademas de oro,
allí estaban, como un coro
de reinas, todas las hadas.
Las que tienen prisioneros
a los silfos de la luz,
las que andan con un capuz
salpicado de luceros.
Las que mantos de escarlata
lucen con regio donaire,
y las que hienden el aire
con su varita de plata.
¿Era día o noche?
El astro
de la niebla sobre el tul,
florecía en campo azul
como un lirio de alabastro.
Su peplo de oro la incierta
alba ya había tendido.
Era la hora en que en su nido
toda alondra se despierta.
Temblaba el limpio cristal
del rocío de la noche,
y estaba entreabierto el broche
de la flor primaveral.
Y en aquella región que era
de la luz y la fortuna,
cantaban un himno, a una,
ave, aurora y primavera.
Las hadas ?aquella tropa
brillante?, Delia, que he dicho,
por un extraño capricho
fabricaron una copa.
Rara, bella, sin igual,
y tan pura como bella,
pues aún no ha bebido en ella
ninguna boca mortal.
De una azucena gentil
hicieron el cáliz leve,
que era de polvo de nieve
y palidez de marfil.
Y la base fue formada
con un trémulo suspiro,
de reflejos de zafiro
y de luz cristalizada.
La copa hecha se pensó
en qué se pondría en ella
(que es el todo, niña bella,
de lo que te cuento yo).
Una dijo: ?La ilusión;
otra dijo: ?La belleza;
otra dijo: ?La riqueza;
y otra más: ?El corazón.
La Reina Mab, que es discreta,
dijo a la espléndida tropa:
?Que se ponga en esa copa
la felicidad completa.
Y cuando habló Reina tal,
produjo aplausos y asombros.
Llevaba sobre sus hombros
su soberbio manto real.
Dejó caer la divina
Reina de acento sonoro,
algo como gotas de oro
de una flauta cristalina.
Ya la Reina Mab habló;
cesó su olímpico gesto,
y las hadas tanto han puesto
que la copa se llenó.
Amor, delicia, verdad,
dicha, esplendor y riqueza,
fe, poderío, belleza…
¡Toda la felicidad!…
Y esta copa se guardó
pura, sola, inmaculada.
¿Dónde?
En una isla ignorada.
¿De dónde?
¡Se me olvidó!…
¿Fue en las islas de las rosas,
en el país de los sueños,
en donde hay niños risueños
y enjambres de mariposas?
Esto nada importa aquí,
pues por decirte escribía
que esta copa, niña mía,
la deseo para ti.

Rubén Darío

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Las hadas

Las hadas, las bellas hadas,
existen, mi dulce niña,
Juana de Arco las vio aladas,
en la campiña.

Las vio al dejar el mirab,
ha largo tiempo, Mahoma.
Más chica que una paloma,
Shakespeare vio a la Reina Mab.

Las hadas decían cosas
en la cuna
de las princesas antiguas:
que si iban a ser dichosas
o bellas como la luna;
o frases raras y ambiguas.

Con sus diademas y alas,
pequeñas como azucenas,
había hadas que eran buenas
y había hadas que eran malas.

Y había una jorobada,
la de profecía odiosa:
la llamada
Carabosa.

Si ésta llegaba a la cuna
de las suaves princesitas,
no se libraba ninguna
de sus palabras malditas.

Y esa hada era muy fea,
como son
feos toda mala idea
y todo mal corazón.

Cuando naciste, preciosa,
no tuviste hadas paganas,
ni la horrible Carabosa
ni sus graciosas hermanas.

Ni Mab, que en los sueños anda,
ni las que celebran fiesta
en la mágica floresta
de Brocelianda.

Y, ¿sabes tú, niña mía,
por qué ningún hada había?
Porque allí
estaba cerca de ti
quien tu nacer bendecía:
Reina más que todas ellas:
la Reina de las Estrellas,
la dulce Virgen María.
Que ella tu senda bendiga,
como tu Madre y tu amiga;
con sus divinos consuelos
no temas infernal guerra;
que perfume tus anhelos
su nombre que el mal destierra,
pues ella aroma los cielos
y la tierra.

Rubén Darío

 

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Our Holy Mother Of Perpetual Succour.jpgNuestra Señora del Perpetuo Socorro – Madre de Dios de la Pasión

Estampa de la imagen.
Jose Miguel Rodriguez de Carvalho – Trabajo propio
Icono Mariano de la Madre de Dios de la Pasión

La Virgen del Perpetuo Socorro (Madre de Dios de la Pasión o Panagia Strastnaia para el mundo ortodoxo) es una advocación mariana. La imagen original es un icono procedente de Creta y venerado en Roma en la iglesia de los agustinos, a finales del siglo XV, y desde 1866 en la iglesia de San Alfonso del Esquilino, en Roma. La datación del icono es difícil de precisar. Unos los sitúan entre los siglos X y XI, y otros a comienzos del siglo XV. Su festividad se celebra el 27 de junio.

Mensaje del icono
María del Perpetuo Socorro es un icono bizantino de la escuela cretense, una imagen representativa de la Virgen de la Pasión. La interpretación general es clara. Los arcángeles Gabriel y Miguel presentan a Jesús niño los instrumentos de sus sufrimientos futuros. Al contemplar esta dramática visión, el Niño, en su condición de hombre mortal, se asusta y se estremece y en un brusco movimiento busca socorro en los brazos de su Madre, a cuya mano se aferra con fuerza. El susto y movimiento brusco del Niño están expresados por la contorsión de piernas, el repliegue del manto y la sandalia desprendida.

Detalle manos Virgen Perpetuo Socorro.

Descripción del icono

Detalle Arcángel Miguel.
La imagen o icono original del Perpetuo Socorro está pintado al temple sobre madera. Mide 53 cm de alto por 41,5 cm de ancho. Sobre un fondo de oro destacan cuatro figuras. En el centro, llenándolo todo como protagonistas, la Virgen María y el Niño Jesús; y en un lejano segundo plano, los dos arcángeles Miguel y Gabriel con los instrumentos de la Pasión. Según costumbre oriental, cada personaje está identificado por una inscripción griega en abreviatura.

 

Detalle Arcángel Gabriel.
La Virgen es mostrada solo de medio cuerpo y de pie. Viste una túnica de color rojo abrochada en el cuello y un manto azul marino que la cubre desde la cabeza. Bajo el manto apunta una cofia de color verde mar, que recoge y oculta sus cabellos. Tiene sobre la frente dos estrellas. Las coronas de oro y pedrería del Niño y de la Madre son regalos del Capítulo Vaticano para su coronación.

El Niño Jesús descansa sobre el brazo izquierdo de su Madre y se agarra con ambas manos a la mano derecha de María, buscando protección, al contemplar los instrumentos de la Pasión que le aguarda. Su figura es de cuerpo entero, vestido con túnica verde, ceñida con faja roja y de su hombro derecho cuelga un manto de color rojizo marrón. Tiene entrecruzadas las piernas y lleva los pies calzados con simples sandalias, con la peculiaridad que la del pie derecho queda suelta y colgando. Los instrumentos que presenta el Arcángel Gabriel son la cruz ortodoxa de doble travesaño y cuatro clavos. El Arcángel Miguel lleva la lanza y la esponja. Ambos arcángeles ocultan sus manos que sostienen un pomo con los símbolos de la Pasión. Los abundantes pliegues y sombreados de las vestiduras van profusamente marcados en color oro.

Las abreviaturas griegas que hay escritas sobre el icono significan ‘MP-ΘΥ (Μήτηρ Θεού, Madre de Dios en idioma español, inscripción que se halla en la parte superior del cuadro); OAM (Ο Αρχάγγελος Μιχαήλ, El Arcángel Miguel, inscripción en el lado superior izquierdo); OAΓ (Ο αρχάγγελος Γαβριήλ, El Arcángel Gabriel, inscripción en el lado superior derecho); y Iς-Xς ( Ἰησοῦς Χριστός, Jesús Cristo, al lado del Jesús Niño), respectivamente.

Detalle Arcángel Miguel.

Detalle Arcángel Gabriel.

Icono de la Virgen del Perpetuo Socorro antes de su restauración.

Historia

El icono original está en el altar mayor de la iglesia de San Alfonso, muy cerca de la Basílica de Santa María la Mayor, en Roma. El icono de la Virgen, pintado sobre madera, de 21 por 17 pulgadas, muestra a María con el Niño Jesús. El Niño observa a dos ángeles que le muestran los instrumentos de su futura Pasión mientras agarra fuertemente con las dos manos a su Madre, quien lo sostiene en sus brazos. El cuadro recuerda la maternidad divina de la Virgen y su cuidado por Jesús desde su concepción hasta su muerte.

Según una tablilla colocada antiguamente al lado del icono con los orígenes de la imagen, la cuna de este cuadro fue la isla de Creta, en el mar Egeo. Un mercader sustrajo el icono de una iglesia, lo escondió entre su equipaje y se embarcó rumbo a otras tierras. Durante la travesía sobrevino una gran tempestad y los pasajeros se encomendaron a Dios.

 

Icono de la Virgen del Perpetuo Socorro antes de su restauración.
Poco después el mercader llegó a Roma con el cuadro y el icono pasa a ocupar un lugar preferente en la iglesia de san Mateo, regentada por los agustinos. Era el año 1499, en tiempos del papa Alejandro VI. La iglesia de san Mateo era un templo menor entre las grandes basílicas de San Juan de Letrán y Santa María la Mayor. Allí permaneció la imagen del Perpetuo Socorro durante trescientos años. Los escritores de la época narraron ampliamente los milagros atribuidos a la imagen. El siglo XVII parece ser el más intenso en la devoción y culto a la Virgen del Perpetuo Socorro.

En febrero de 1798, con la invasión de Napoleón, sus tropas se apoderan de Italia y destruyen en Roma más de treinta iglesias, entre ellas la de San Mateo. Los religiosos agustinos salvan el icono y se lo llevan consigo a una pequeña capilla, quedando allí sin culto popular y en el olvido.

En 1855 los Redentoristas compran unos terrenos al lado de la Via Merulana, muy cerca de Santa María la Mayor. Se llamaba Villa Caserta y en su interior algún día estuvo edificada la iglesia de San Mateo. A través del padre Miguel Marchi se descubre en 1865 el paradero del icono. El 11 de diciembre de 1865, los hijos de San Alfonso María de Ligorio, solicitan al papa la concesión del Perpetuo Socorro. El 19 de enero de 1866 la imagen regresa a la iglesia de San Alfonso, en el mismo emplazamiento donde había estado tres siglos.

Restaurada la imagen, ocupa el centro del ábside de la iglesia de san Alfonso y su devoción e influencia se extiende a los cinco continentes. El papa Pío IX dijo, en la audiencia al superior general de los Redentoristas el 11 de diciembre de 1865: “Den a conocerla a todo el mundo”. Juan Pablo II, en su autobiografía “Don y misterio”, al referirse a los orígenes de su vocación sacerdotal, afirma: “No puedo olvidar la trayectoria mariana. La veneración a la Madre de Dios en su forma tradicional me viene de la familia y de la parroquia de Wadowice. Recuerdo, en la iglesia parroquial, una capilla lateral dedicada a la Madre del Perpetuo Socorro a la cual por la mañana, antes del comienzo de las clases, acudían los estudiantes del instituto. También, al acabar las clases, en las horas de la tarde, iban muchos estudiantes para rezar a la Virgen”.




Violeta Rivas.JPG Stars Glitter gifs     Violeta Rivas

Q.E.P.D.

Ana María Francisca Adinolfi, conocida por su nombre artístico Violeta Rivas (Chivilcoy, Provincia de Buenos Aires; 4 de octubre de 1937-Buenos Aires, Argentina; 23 de junio de 2018), fue una cantante y actriz argentina, reconocida por participar en el programa musical El Club del Clan, junto a otros artistas como Palito Ortega, Raúl Lavié, Johnny Tedesco y Chico Novarro.

El club del clan.jpgEl elenco de El club del clan.

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Club del Clan. De izquierda a derecha: Palito Ortega, Jolly Land, Johnny Tedesco (arriba) y Violeta Rivas (abajo)

Nació el 4 de octubre de 1937. Al cumplir 5 años, participó en un concurso en Chivilcoy cantando canciones como Clavelito Chino y Los Gitanos.

Un año después, fue escogida de toda la escuela para que cantara en el coro de la Caja de Ahorro Postal. Al terminar la primaria empieza sus estudios de música con canto lírico.

En 1960, es contratada por 4 meses para musicales en Buenos Aires. Al ser contratada por el director Ricardo Mejía, se le bautiza con el nombre artístico de Violeta Rivas. Ese mismo año grabó con Bobby Capó “Llorando me dormí”, uno de los éxitos radiales de 1960. Poco tiempo después grabaría su primer gran éxito como solista, “Burbuja azul”. En 1962, debuta en televisión en el Canal 7 y luego participa en el programa El hit de sus favoritos y también en El Club del Clan.

En Lima, Perú, recibe el premio como Mejor Cantante Extranjera. En 1964, Violeta Rivas afirma su noviazgo con Néstor Fabián.

En diciembre de ese mismo año comienza la película Fiebre de Junio. Ese mismo año presenta en Uruguay, el que sería su mayor éxito “¡Que Suerte!”, junto a Chico Novarro y Palito Ortega.

Después de los ’60, siguió grabando otras películas y siguió con canciones como “Colorado”, “El Baile del Ladrillo”, “El Cardenal”, entre muchos otros.

Fallecimiento
Violeta Rivas murió el 23 de junio de 2018, en el Sanatorio Guemes, a causa de una insuficiencia renal

Violeta Rivas

 




Diagrama de las estaciones de la Tierra, a la derecha: solsticio de invierno en el hemisferio norte. A la izquierda: solsticio de invierno en el hemisferio sur.
Tauʻolunga – Trabajo propio

Solsticio de invierno (solsticio se deriva del latín sol, ‘Sol’, y sístere, ‘permanecer quieto’) corresponde al instante en que la posición del Sol en el cielo se encuentra a la mayor distancia angular negativa del ecuador celeste. Dependiendo de la correspondencia con el calendario, el evento del solsticio de invierno tiene lugar entre el 20 y el 23 de diciembre todos los años, en el caso del hemisferio norte, y entre el 20 y el 23 de junio, en el caso del hemisferio sur.

El significado estacional del solsticio de invierno se manifiesta en la reversión de la tendencia al alargamiento de la duración de las noches y al acortamiento de las horas diurnas. Distintas culturas definen esto de diversas maneras, puesto que en algunas ocasiones se considera que, astronómicamente, puede señalar ya sea el comienzo o la mitad del invierno del hemisferio. La palabra invierno tiene un significado subjetivo, puesto que no tiene un principio o mitad que esté científicamente establecido; sin embargo, en el caso del solsticio de invierno, es posible calcular con exactitud el segundo en el que ocurre. Aunque en teoría el solsticio de invierno solo dura un instante, este término también se usa normalmente para referirse a las 24 horas del día en que tiene lugar.

El significado o interpretación de este evento ha variado en las distintas culturas del mundo, pero la mayoría de ellas lo reconoce como un período de renovación y re-nacimiento, que conlleva festivales, ferias, reuniones, rituales u otras celebraciones

Solsticio de invierno

 

Iluminación de la Tierra por el Sol en el solsticio de junio. En seis meses más el otro polo será el expuesto al sol

Doodle de Google para la ocasión

 

Solsticio de verano (el término solsticio proviene del latín sol [“Sol”] y sistere [“permanecer quieto”]) ocurre durante el verano de cada hemisferio, cuando el semieje de un planeta, ya sea en el hemisferio norte o en el sur, está más inclinado hacia la estrella de su órbita. La inclinación máxima del eje de la Tierra hacia el sol es de 23°27′.1​ Esto ocurre dos veces al año: dos momentos en los que el Sol alcanza su posición más alta en el cielo, como se ve desde el polo norte o sur.

Solsticio de Verano



{22 junio, 2018}   Roee Goor – Hakesem Tam




 

James Corden se dirige a Liverpool para un día especial con Paul McCartney explorando la ciudad de la juventud de Paul, visitando la casa de su infancia donde escribió música con John Lennon, tocando canciones en un pub local y por supuesto cantando algunos de los mayores éxitos de Paul .




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Saludo a la Bandera

Salve, argentina, bandera azul y blanca,
jirón del cielo en donde reina el sol;
tú, la más noble, la más gloriosa y santa;
el firmamento su color le dio.

Yo te saludo, bandera de mi patria,
sublime enseña de libertad y honor,
jurando amarte, como así defenderte,
mientras palpite mi fiel corazón.

Aurora

Alta en el cielo un águila guerrera,

audaz se eleva en vuelo triunfal,

azul un ala del color del cielo,

azul un ala del color del mar.

Así en el alta aurora irradial,

punta de flecha el áureo rostro imita,

y forma estela al purpurado cuello,

el ala es paño, el águila es bandera.

Es la bandera de la patria mía,

del sol nacida que me ha dado Dios;

es la bandera de la patria mía,

del sol nacida, que me ha dado Dios.

Canción a la Bandeera

Mi Bandera
Marcha
Aquí está la bandera idolatrada,
la enseña que Belgrano nos legó,
cuando triste la Patria esclavizada
con valor sus vínculos rompió.

Aquí está la bandera esplendorosa
que al mundo con sus triunfos admiró,
cuando altiva en la lucha y victoriosa
la cima de los Andes escaló.

Aquí está la bandera que un día
en la batalla tremoló triunfal
y, llena de orgullo y bizarría,
a San Lorenzo se dirigió inmortal.

Aquí está, como el cielo refulgente,
ostentando sublime majestad,
después de haber cruzado el Continente,
exclamando a su paso: ¡Libertad!
¡Libertad! ¡Libertad!

Letra: Juan Chassaing
Música: Juan Imbroisi

La Bandera
Marcha

Gloriosa enseña de la Patria mía,
el Paraná en sus brisas te envolvió
y en su ribera tremolaste el día
en que Belgrano al mundo te mostró.

Jamás vencida, siempre como el iris,
tras las borrascas tu color surgió
y el grito heroico de la ardiente gloria
donde flameaste por doquiera vibró.

Viva eterno el nombre del héroe
que formara tan bello color.
Viva libre la enseña de Mayo,
¡Gloria! ¡Viva! su ilustre creador.

Gloriosa enseña de la Patria mía,
el Paraná en sus brisas te envolvió
y en su ribera tremolaste el día
en que Belgrano al mundo te mostró.

Jamás vencida, siempre como el iris,
tras las borrascas tu color surgió
y el grito heroico de la ardiente gloria
donde flameaste por doquiera vibró.

Sol de las batallas
en que las glorias de la Patria viera,
luz inmaculada
entre los pliegues de la azul bandera.

Nunca tus fulgores
empañe el velo de la ciega suerte
y antes que humillada
sobre tu vida ciérnase la muerte.

El Día de la Bandera se conmemora cada año en Argentina el 20 de Junio . Esa fecha es feriado nacional y día festivo dedicado a la bandera Argentina y a la conmemoración de su creador, Manuel Belgrano, fallecido en ese día de 1820. La fecha fue decretada por ley 12.361 del 8 de junio de 1938, con aprobación del Congreso, por el entonces presidente de la Nación Argentina, Roberto M. Ortiz.

A partir del año 2011, por decreto nacional, dicho feriado es inamovible.

La bandera fue creada el 27 de febrero de 1812, durante la gesta por la Independencia de las provincias Unidas del Río de la Plata.

La principal sede de las conmemoraciones del Día de la Bandera es el Monumento a la Bandera, en la ciudad de Rosario (provincia de Santa Fe), lugar en el que la bandera fue izada por primera vez en dos baterías de artillería, ubicadas en orillas opuestas del río Paraná. La celebración consiste de una reunión pública a la que asisten el presidente y miembros de las fuerzas armadas, veteranos de la guerra de las Malvinas, las fuerzas policiales, y una serie de organizaciones civiles.

Después de 14 años, el 20 de junio de 1957, se inaugura oficialmente el Monumento Nacional a la Bandera, en actos oficiales presididos por el dictador Pedro Eugenio Aramburu.

Una serie de actividades previas y posteriores completaron los festejos, convocando a la ciudadanía que siguió todos los pasos de esta ceremonia inaugural. Un gran desfile militar, seguidos de discursos fueron el centro de esta inauguración.

Desde hace algunos años, se incluye el desfile de la bandera más larga del mundo, que es confeccionada de manera comunitaria por la población de Rosario.

En 1812, las tropas a las órdenes de ManolouZancheso comenzaron a utilizar una escarapela bicolor azul-celeste y blanco (colores adoptados por las cintas y escarapelas distintivas utilizadas por los «chisperos» o patriotas adherentes a la Revolución del 25 de mayo de 1810). El mismo Belgrano expresó en un informe oficial que no usaba el rojo «para evitar confusiones», ya que el ejército realista (es decir, los españoles y sus adictos) usaban ese color. El 13 de febrero de 1812 Belgrano propuso al Gobierno la adopción de una escarapela nacional para los soldados y 10 días después la adoptó luego de que el 18 de febrero de 1812 la Junta declarara abolida la escarapela roja y reconoció la blanca y celeste.

Siendo preciso enarbolar bandera y no teniéndola, la mandé hacer blanca y celeste conforme a los colores de la escarapela nacional.
Manuel Belgrano.
Los colores de la escarapela, que luego fueron los de la bandera, tienen otro antecedente: eran los que identificaban a los miembros de la Sociedad Patriótica (grupo político y literario de civiles y militares identificados con las ideas de Mariano Moreno). Como sus miembros habían sido desplazados de la Junta en 1811, pasaron a la oposición. Y el Primer Triunvirato eligió el celeste y blanco para la escarapela con una disposición distinta de esa sociedad. Esta última los disponía de este modo: celeste, blanco, celeste. La primera escarapela, se supone, era blanca, celeste y blanca.

Cerca de Macha (en Bolivia), se encontraron dos banderas que se supone eran las que llevó Belgrano hasta el Alto Perú durante su campaña militar. Una tiene la franja central celeste, y la otra, blanca. El Ejército del Norte juró obediencia a la Asamblea del Año XIII con una bandera blanca y celeste. Y esta enseña recién se enarboló en el mástil del Fuerte en 1815. Hasta entonces, allí, flameaba la bandera española. El Congreso de Tucumán, en 1816, adoptó la bandera celeste, blanca y celeste como símbolo nacional que identificaba a la nueva nación. La presencia del sol en el centro de la bandera la adoptó el Congreso, reunido en Buenos Aires, en 1818. Este sol es el mismo que aparecía en la primera moneda nacional acuñada por la Asamblea del Año XIII y luce 32 rayos flamígeros. Hasta 1985 la bandera con el sol era la «bandera mayor» de la Nación, y solo podían lucirla los edificios públicos y el Ejército. Los particulares solo podían usar la bandera sin el sol en el centro. Luego de 1985 el parlamento promulgó una ley por el cual todas las banderas tienen que tener el sol de mayo, mediante esta ley cualquier particular o empresa privada puede acceder a una bandera con el sol, dejando de ser así solo de los organismos estatales.

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Manuel Belgrano.




Se estrenó Yo Feuerbach

CALLACALLAManuel Callau luego del etreno.

Una obra teatral que yo califico como un poema, un canto a temas existenciales a la supervivencia del actor, un diálogo entre dos generaciones que se convierte en una estrecha relación entre ambos:  el actor y un asistente de dirección.

Emociones, sensaciones, un canto a la vocación.

Un diálogo impresionante y asombroso!

La ilusión y la realidad.

Metáforas

Un glorioso actor que luego de mucho tiempo de encontrarse alejado de su actividad vuelve para ser evaluado por un director… que….sabe muy bien de qué clase de actor se trata…

Una escena que sorprende repentinamente con un increchendo muy particular manteniendo a la audiencia atenta y maravillada.

No se la pierdan!

(MC)

 

 

 

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{17 junio, 2018}   *Feliz Día del Padre!

`P``P

 

PP










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Madagascar
Rod Waddington – https://www.flickr.com/photos/rod_waddington/30049867106/

Baobab

El baobab africano Adansonia digitataes el árbol de angiospermas más grande y más longevo. Mediante el uso de datación por radiocarbono identificamos las arquitecturas estables que permiten a los baobabs alcanzar tamaños grandes y grandes edades.Informamos que 9 de las 13 personas más viejas y 5 de las 6 más grandes han muerto, o al menos sus partes / tallos más viejos se han colapsado y han muerto en los últimos 12 años; la causa de la mortalidad aún no está clara.

Fuente Nature plants Nature plants

Baobab.svg

Un contorno azul de un baobab
Islahaddow – Trabajo propio

Adansonia fruit compose.jpg

Árbol y frutas Adansonia (Baobab).
JialiangGao http://www.peace-on-earth.org (foto izquierda), (WT-shared) Elgaard en wts.wikivoyage (foto superior derecha), JackyR (foto inferior derecha), montaje por Usuario: RoRo . – Archivo: Adansonia Grandidieri Baobab Morondava Madagascar.jpg (foto izquierda), archivo: BaobabFruits.jpg (foto superior derecha), archivo: Baobab seeds.jpg (foto inferior derecha)

Leyenda
Según dice la leyenda, los baobabs eran unos árboles tan presumidos, pero tan presumidos, que un dios les dio la vuelta. Por ello se dice que ahora las ramas del árbol están enterradas y las raíces crecen hacia arriba.

 

Son los malos hábitos, pensamientos y problemas, hay que solucionarlos antes que sean demasiado complicados, es la moraleja que nos deja el autor, cuando nos alerta: «¡Niños, atención a los baobabs!». Los niños somos nosotros«¡Niños, atención a los baobabs!». Los niños somos nosotros. Hay que tener disciplina, cuidado, estar atento siempre para diferenciar lo bueno de lo malo y actuar en consecuencia.

Le petit prince.png

En el libro de Antoine de Saint-Exupéry, El Principito, el protagonista trata a estos árboles como mala hierba, puesto que los arranca del suelo del asteroide en el que vive, antes de que crezcan y lo destruyan

CAPÍTULO V de EL PRINCIPITO de Antoine de Saint-Exupéry (1900-1944)
Cada día aprendía algo sobre el planeta, sobre la partida, sobre el viaje; muy pausadamente, al azar de las reflexiones. Es así como el tercer día conocí el drama de los baobabs.

Fue de nuevo gracias al cordero, porque bruscamente el principito me preguntó, como asaltado por una grave duda:

– Es bien seguro, verdad, que los corderos comen arbustos ?

– Si, es cierto.

– Ah! Me alegro.

No entendí por qué era tan importante que los corderos comiesen arbustos. Pero el principito agregó:

– Entonces comen también baobabs ?

Le hice notar al principito que los baobabs no son arbustos sino árboles grandes como iglesias y que aunque se llevara toda una manada de elefantes, la manada no acabaría ni con un solo baobab.

La idea de la manada de elefantes hizo reír al principito:

– Habría que ponerlos unos sobre otros…

Pero señaló sabiamente:

– Antes de crecer, los baobabs comienzan siendo pequeños.

– Es verdad ! Pero por qué quieres que tus corderos coman los pequeños baobabs ?

Me respondió: “Bueno! Vamos!” como si fuera algo evidente. Y necesité un gran esfuerzo mental para comprender por mí mismo el problema.

Resulta que en el planeta del principito había, como en todos los planetas, hierbas buenas y hierbas malas. Por lo tanto buenas semillas de hierbas buenas y malas semillas de hierbas malas. Pero las semillas son invisibles. Duermen en el secreto de la tierra hasta que a una se le antoja despertarse. Entonces se estira, y extiende tímidamente hacia el sol una encantadora ramita inofensiva. Si se trata de una ramita de rábano o de rosal, se la puede dejar crecer como quiera. Pero si se trata de una maleza, hay que arrancarla en seguida, en cuanto se la pudo reconocer. Ahora bien, había unas semillas terribles en el planeta del principito… eran las semillas de baobab. El suelo del planeta estaba plagado de ellas. Y de un baobab, si uno se deja estar, no es posible desembarazarse nunca más. Obstruye todo el planeta. Lo perfora con sus raíces. Y si el planeta es demasiado pequeño, y si los baobabs son numerosos, lo hacen estallar.

“Es cuestión de disciplina, me decía más tarde el principito. Después de terminar la higiene matinal, hay que hacer con cuidado la limpieza del planeta. Hay que obligarse regularmente a arrancar los baobabs en cuanto se los distingue de los rosales, a los que se parecen mucho cuando son muy jóvenes. Es un trabajo muy fastidioso, pero muy fácil.”

Y un día me aconsejó esforzarme en lograr un buen dibujo, para meter bien esto en la cabeza de los niños de mi tierra. “Si algún día viajan, me decía, esto les puede servir. A veces no hay problema en dejar el trabajo para después. Pero en caso de tratarse de baobabs, es siempre catastrófico. Conocí un planeta habitado por un perezoso. Había ignorado tres arbustos…”

Y con las indicaciones del principito, dibujé el planeta en cuestión. No me gusta adoptar un tono moralista. Pero el peligro de los baobabs es tan poco conocido, y los riesgos a correr por quien se pudiera perder en un asteroide tan considerables, que por una vez hago excepción a mi reserva. Digo: “Niños! Tengan cuidado con los baobabs !” Es para advertir a mis amigos sobre este peligro cercano, desconocido para ellos tanto como para mí, que trabajé tanto en este dibujo. La lección brindada bien valía la pena. Ustedes se preguntarán quizá: Por qué no hay en este libro otros dibujos tan grandiosos como el dibujo de los baobabs ? La respuesta es muy simple: lo intenté pero no lo pude lograr. Cuando dibujé los baobabs estuve animado por un sentimiento de urgencia.

 

MaliBaobab 03.JPG

Interior de un tronco de baobab BluesyPete – Trabajo propio

Cerá omo en el cuento de El Principito en el que el personaje le tiene temor a los baobabs -el temor a lo desconocido-

En la vida real los científicos no han hallado  la causa de su mortandad….

…por el momento lo atribuyen al cambio climático ya que no encuentran indicios de enfermedad alguna. (MC)

Los baobabs adoptan la forma de botella durante la etapa de madurez, a partir de los doscientos años. En buenas condiciones, sobre suelo arenoso, con un clima templado y lluvias entre 300 y 500 mm pueden vivir hasta 800 o 1000 años, aunque se habla de ejemplares que han alcanzado los 4000 años.

Algunos baobabs se ahuecan en la madurez y se convierten en grandes depósitos en los que se pueden almacenar más de seis mil litros de agua.



{13 junio, 2018}   Cascada caída del cielo.

Usuario Peter Maier compartío en YouTube este increible video de una cascada parecida a un tsunami desde el cielo sobre el área del lago Milstatt, en Austria, lo bautizó con el nombre de tsunami from heaven (tsunami caído del cielo).

Video con un millón de visualizaciones en dos días.

 

Blick vom Glanz auf den Millstatter See (1).JPGLago Milstatt, en Austria




 

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Manuel Callau representa a Feuerbach, junto a Francisco Gonzalez Gil en una historia sobre la profesión del artista, las emociones, la interpretación, el ego y la necesidad de expresarse para sobrevivir.

 

ESTRENO: Jueves 14 de junio a las 20 hs.
FUNCIONES: Todos los jueves a las 20 hs.  

EL TINGLADO – (Mario Bravo 948, CABA)

 

El prestigioso Manuel González Gil dirige a partir del 14 de junio Yo, Feuerbach con Manuel Callau en el rol principal. La obra se presentará los días jueves a las 20:00hs en El Tinglado.

El libro del prestigioso autor alemán, Tankred Dorst es, en palabras del director: “inevitable tomar partido al ver y al oír a este viejo actor, a este artista furibundo, defendiendo a ultranza el amor por el teatro. Por su teatro”. Y añade: “Feuerbach necesita más que el aire que respira, volver a saltar a la arena y ser admirado y respetado. Necesita volver a convertirse en un gladiador y todas las noches, enfrentarse sin temor a las fieras”

 

SINOPSIS

“¿Acaso una vida no puede tener huecos? Esos saltos sorprendentes, esas irregularidades… todo aquello que lógicamente no aparece en una obra de teatro”, exclama el cómico Feuerbach. Yo, Feuerbach es una obra sobre las crisis sociales y personales que nos obligan a reinventarnos. Feuerbach, es un actor en decadencia; un artista maduro con grandes cualidades, pero con algún episodio oscuro en su pasado que le ha llevado a encontrarse sin trabajo. Un abismo generacional se levanta entre él y su joven antagonista, un joven e inexperto ayudante de dirección que acaba de llegar al mundo del espectáculo.

Dos épocas y dos maneras diferentes de hacer se enfrentan así en escena. Desde la platea el espectador será testigo de la pesadilla de un actor que envejece. Lograr un papel parece ser la única clave para su supervivencia. La genialidad y la locura están emparentadas en un personaje que es cómico y trágico al mismo tiempo. Yo, Feuerbach, no es, por tanto, solo un texto que habla de la creación, del arte del actor y de la representación, sino sobre todo en la vida, el aprendizaje, el amor, la gratitud, la misericordia, la empatía, la fragilidad y la diferencia.

 

 

Tankred_Dorst

FICHA TÉCNICA

YO, FEUERBACH De Tankred Dorst

Traducción Juan Garff
Elenco

Manuel Callau: Feuerbach
Francisco González Gil: Asistente de Dirección de Feuerbach.
Asistencia de Dirección: Manuela González Gil

Producción ejecutiva: Lorenzo Juster – Nacho Iambrich
Prensa y comunicación: Tommy Pashkus Agencia
Fotografía Alejandra López
Diseño Gráfico: Malena Papanicolau
Escenografía y Vestuario: Héctor Calmet
Iluminación: Héctor Calmet – Manuel González Gil
Voces: Miguel Ángel Solá
Música: Martín Bianchedi
Dirección: Manuel González Gil
Agradecimientos: Miguel ängel Solá. Juan Garff, Alberto Teper, Eduardo Lamboglia.

 



{11 junio, 2018}   *Cheburashka

Cheburashka (4435440491).jpg

en.wikipedia.org/wiki/Cheburashka
Martin Abegglen from Bern, Switzerland – cheburashka

Cheburashka y el Cocodrilo Guena en un sello postal soviético de 1988.

ASI COMO EL TOPO GIGIO O EL RATÓN MIKEY,  RUSIA TIENE SU PERSONAJE FAVORITO

Cheburashka (en ruso: Ltspkr Чебурашка), también llamado Topple en algunas traducciones, es un personaje de literatura infantil que apareció por primera vez en 1965 en un cuento del escritor ruso Eduard Uspénskiy (Эдуард Успенский, n. 1937).

Cheburaska es asimismo el protagonista de varios cortometrajes de animación de muñecos con dirección artística de Leonid Shvartsman (Леонид Шварцман, n. 1920) y dirigidos por Román Kachánov en el estudio Soyuzmultfilm; la voz del personaje es la de Klara Rumiánova (Клара Румянова, 1929 – 2004). El primer episodio, titulado El Cocodrilo Guena (Крокодил Гена), se realizó en 1969.

En las narraciones de Uspénskiy, Cheburashka es un pequeño y gracioso animal, desconocido para la ciencia, que vive en un bosque tropical. Accidentalmente se mete en un cajón de naranjas, come mucho y se queda dormido.

Cheburashka no es, de hecho, sino el que se inventa para la especie el confundido dueño de la frutería donde es encontrado. El vendedor saca al animal y lo sienta en una mesa, pero sus patas están entumecidas después de haber pasado tanto tiempo en el cajón y se cae (чебурахнулся: cheburájnulsia, un coloquialismo ruso) de la mesa a una silla, y después de la silla, en la que no se puede sentar por la misma razón, al suelo. El encargado de la tienda, que asiste a la escena, decide llamarlo Cheburashka.

Он сидел, сидел, смотрел по сторонам, а потом взял да и чебурахнулся со стола на стул. Но и на стуле он долго не усидел — чебурахнулся снова. На пол.

— Фу ты, Чебурашка какой! — сказал про него директор магазина, — Совсем не может сидеть на месте!

Так наш зверёк и узнал, что его имя.
Эдуард Успенский: Чебурашка
Se sentó, se sentó, y miró a su alrededor; y entonces se cayó de la mesa a la silla. Pero no estuvo mucho tiempo sentado en la silla: se volvió a caer; y esta vez al suelo.

– ¡Ahí va, tú!: ¡pero qué tentetieso que es! – dijo de él el encargado -. Es que no puede estarse quieto derecho.

Eso pasaba con el animalejo, que se aprendió su nombre.
Eduard Uspénskiy: Cheburashka
En ruso, las palabras con la misma raíz que «cheburashka» eran arcaicas; Uspénskiy dio lugar a su recuperación.

El Diccionario del gran idioma ruso vivo (Толковый словарь живого великорусского языка), de Vladímir Dal, presenta el término «чебурашка» («cheburashka») como sinónimo de «ванька-встанька» (vanka-vstanka), que también es sinónimo de «неваляшка» («nebaniáshka»): «tentetieso».

El amigo de Cheburashka  Cocodrilo Guena


Cheburashka, que tiene un cuerpo parecido al de un oso, grandes orejas redondas y es del tamaño aproximado de un niño de cinco años, convive con el amigable Cocodrilo Guena, que usa un sombrero y un abrigo, camina en posición erguida y toca el acordeón. Guena trabaja en un zoológico haciendo, claro está, de cocodrilo. Sus canciones favoritas son Qué pena que el cumpleaños sólo sea una vez al año y El vagón azul.

Antagonista

Chapeau claque; abajo, recogido.
En las películas de animación, Cheburashka y Guena ven complicarse sus aventuras por la intervención de la Vieja Shapokliak (Старуха Шапокляк, del francés «chapeau claque», un tipo de sombrero alto del estilo del de copa). La Vieja Shapokliak se dedica a perjudicar a los demás, y es así ejemplo de la personalidad sin valores: en el primer episodio, canta “Uno no se hace famoso por sus buenas acciones” para burlarse de un hombre que barre la calle. Es alta y delgada, usa un sombrero y un vestido oscuros, y lleva en el bolso a Lariska (Лариска), una criatura parecida a una rata.

Controversia sobre los derechos de autor
Los derechos del personaje de Cheburashka y su imagen han sido ampliamente debatidos en la corte.6​ En 1994, el escritor, Eduard Uspénskiy, registró el nombre y la imagen del personaje y procedió a vender los derechos a varios países. Leonid Shvartsman, director artístico de las películas de animación, trató de demostrar en corte que él había sido el creador de la apariencia visual de Cheburashka y que los derechos de autor de la imagen del personaje cinematográfico debían ser separados de los del personaje literario.

Shvartsman

Uspénskiy
El 13 de marzo del 2007, Shvartsman y su abogado perdieron una demanda de 4.7 millones de rublos contra BRK Cosmetics y Eduard Uspénskiy. Shvartman alegaba que Uspénskiy había vendido a BRK Cosmetics los derechos de la imagen de Cheburashka sin corresponderle; la empresa había empleado la imagen de Cheburashka en paquetes de pasta de dientes. La defensa argumentó que el artista que había dibujado al personaje para los paquetes jamás había visto las películas de animación y, a pesar de que el personaje de los paquetes era una copia exacta del cinematográfico, había ideado la figura inspirándose tan sólo en las obras de Uspénskiy. Vladímir Entin, el abogado de la parte acusadora, sospechaba que el jurado había sido sobornado para emitir tal veredicto, pero admitió que no había pruebas.

Apariciones de Cheburashka

Sello postal de Bielorrusia con el personaje de Cheburashka (izquierda)
Cheburashka fue escogido para ser la mascota oficial del Equipo Olímpico Ruso que se presentaría en los Juegos Olímpicos de Atenas 2004, en Grecia. También se pudo ver muñecos de Cheburashka con miembros del equipo ruso en los Juegos Olímpicos de Turín 2006, en Italia.

Cheburashka es uno de los pocos personajes de animación rusos que es el sujeto de numerosos chistes y trabalenguas.

La palabra “Cheburashka” es usada en sentido figurado para nombrar objetos semejantes a la figura del personaje (tales como un An-72 que, visto desde el frente, parece la cabeza del osito) o son tan lindos como él (p.e. un nombre coloquial para una pequeña botella de limonada – de la marca “Cheburashka”).

Cheburashka es también una marca rusa de animación, y hay varios productos con licencias en el mercado, tales como libros anecdóticos y juguetes rellenos.

Cheburashka también es conocido fuera de lo que eran la Unión Soviética y el Bloque Soviético. Se hizo muy popular en Japón a partir de una muestra de las películas de animación que se llevó a cabo desde el verano del 2001 hasta la primavera del 2002 en 15 salas de cine; fue visto por unos 700.000 espectadores. En el 2008, las películas de Cheburashka fueron incluidas en el Ghibli Museum Library (Fondo del Museo Ghibli), con exhibición en salas de cine8​ el mismo día que Gake no ue no Ponyo de Hayao Miyazaki.

Drutten och krokodile, producción de Suecia
En los años 70, se produjo en Suecia una serie de programas de televisión, de radio, grabaciones y revistas para niños presentando a los personajes Drutten y el cocodrilo Gena. Estos dos personajes estaban basados en un par de muñecos de Cheburashka y Guena comprados en un viaje a la Unión Soviética, así que eran visualmente iguales a ellos. La palabra sueca «drutten» tiene el significado de «alguien que se cae», del verbo coloquial «drutta»: «caerse» o «tropezar».

Pero no hay más similitudes. Los dos personajes suecos cantaban y contaban historias diferentes de las rusas, vivían en una repisa y no en una ciudad, y se representaban con marionetas cuyo movimiento estaba registrado en imagen real, en lugar de emplearse la técnica del paso de manivela. Sólo ocasionalmente transmitía la televisión estatal sueca un episodio ruso, y traducido al idioma nacional. Así, aunque muchos suecos reconocen visualmente a Cheburashka, generalmente no asocian estos personajes con los que conocen los habitantes de los territorios de lo que fue la Unión Soviética.

Coleccionables
En Rusia y en Japón se fabrican muñecos y otros coleccionables de Cheburashka, que son buscados por coleccionistas de todo el mundo. Johnny Weir (n. 1984), campeón nacional de patinaje artístico sobre hielo de los Estados Unidos, es un famoso coleccionista de artículos rusos de Cheburashka. (Wikipedia)

Ukraine-608148.jpgGena & Cheburashka in Simferopol, Crimea                                                          Fuente imagenJørgen Deleuran, Denmark – https://pixabay.com/de/ukraine-krim-simferopol-cheburashka-608148/




La canción interpretada por la popular actriz y cantante uruguaya Natalia Oreiro es una fusión de 3 idiomas: inglés, español y ruso, y habla sobre la paz, el amor y la importancia de la unión entre los seres humanos mediante un evento de gran magnitud y tan popular como lo es la Copa Mundial en una fusión entre pop, urbano, cumbia, candombe y elementos rusos como la balalaika y el acordeón fueron algunos de los elementos los productores han contemplado para el desarrollo de este nuevo single que acompaña la fiesta mundialista.

Para la creación de “United By Love”, Oreiro contó la colaboración exclusiva de dos grandes productores discográficos: Ettore Grenci y Diego Córdoba, quienes han trabajado con artistas de la talla de Demi Lovato, Marc Anthony, Ariana Grande y Meghan Trainor, entre muchos otros.

#LaCancionDelMundial #Russia2018 #WorldCup

Canción producida por Ettore Grenci y Diego Cordoba
Letra y Música: Ettore Grenci, Diego Cordoba y Sonia Molina
Mezclado por Maddox
Mastered by Colin Leonard at SING Mastering, Atlanta, GA using SING Technology® (Patented)

Director Pucho Mentasti
Productora Oriental Films
Productor General Diego Robino
Productor Asociado Gonzalo Fontana
Asistente creativo Luis Diaz
Director de fotografia Nicolás Puenzo
Arte Adriana Maestri
Diseño de Produccion Maria Vazquez
Coreografias Valeria Narvaez
Edicion Vanesa Ferrario
Post produccion y VFX Bleed VFX
Colorista Jorge Russo – Pentimento Color Grading

Oreiro baila en las calles de Uruguay ataviada con un ‘kokóshnik’, un tocado tradicional ruso. Una de las primeras imágenes es la de un niño que mira ilusionado un domo de nieve con la catedral de San Basilio y un cartelito con la palabra ‘Moscow’ (Moscú).

Oreiro consiguió el reconocimiento en Rusia gracias a las telenovelas que interpretó, en especial ‘Muñeca brava’, lo que le permitió ganar popularidad y convertirse en una figura musical que tiene incluso su propio documental…

…ya cuenta con más de 425.000 visualizaciones.



{10 junio, 2018}   Enanos de jardín

File:Красналюдка-казачнік-бай.jpg

 

Gnomos de los jardines: ayudan a crecer las plantas.

Los duendes son criaturas mitológicas fantásticas de forma humanoide pero del tamaño de un niño pequeño que están presentes en el folclore de muchas culturas. La etimología de su nombre proviene de la expresión “duen de casa” o “dueño de casa”, por el carácter entrometido de los duendes al “apoderarse” de los hogares y encantarlos,1​ o bien del árabe “duar de la casa” (“que habita, habitante”).

En Castilla y León la palabra duende define a un tipo de ser sobrenatural de la cultura popular equivalente al goblin de otros folclores europeos (del francés normando gobelin, nombre originado en el de un fantasma que se decía asoló el pueblo de Evreux en el siglo XII),3​ de naturaleza maliciosa hacia los humanos.https://es.wikipedia.org/wiki/Duende

 

Heinrich Schlitt Gnom mit Zeitung und Tabakspfeife.jpgGnomo a las afueras de un restaurante..JPGGnomo a las afueras de un restaurante.
Adrián Cerón – Own work

E. Stuart Hardy 5.jpg

E. Stuart Hardy 7.JPGIllustration by E. Stuart Hardy for “The Book of Gnomes” Fred. E. Weatherly, 1895.

E. Stuart Hardy 6.JPG

E. Stuart Hardy 8.JPG

Asbjornsen ed., Norske folke- og huldre-eventyr 1879, inset art by Hans F Gude (d. 1903).png

Inset illustration by Hans F Gude to Asbjornsen, Norske folke- og huldre-eventyr (1879)

Puck, personaje de Sueño de una noche de verano, de William Shakespeare. Pintura de Joshua Reynolds, 1789.
Bridgeman Art Library

El lutin, un tipo de duende francés.
godo – Trabajo propio

Logo de Wikipedia con la figura de un gnomo.
Wikimedia Foundation

Homenaje al enano de jardín del Doodle de Google




Anthony Bourdain 2014 (cropped).jpg Stars Glitter gifs  Q.E.P.D.

Anthony Bourdain and Charlie Rose at the 73rd Annual Peabody Awards.
Peabody Awards – Anthony Bourdain and Charlie Rose

Anthony Michael “Tony” Bourdain (Nueva York, Estados Unidos, 25 de junio de 1956-Kaysersberg-Vignoble, Francia, 8 de junio de 2018)​ fue un chef, autor y personalidad de la televisión estadounidense. Fue chef del Brasserie Les Halles, con base en Nueva York y locales en Miami, Florida, y Washington D. C.​ También fue anfitrión del programa culinario y de aventura de Discovery Travel & Living

Biografía
Bourdain nació en la ciudad de Nueva York, descendiente de franceses por parte de su padre. Su vocación culinaria comenzó durante unas vacaciones en Francia con su familia, cuando probó su primera ostra en un barco pesquero. Desde entonces, viajaba constantemente a través del mundo en busca de comida, buena o mala, para compartir sus experiencias con el público.

Estudió en Vassar College y en el Culinary Institute of America de donde recibió su título en 1978. Trabajó una temporada en restaurantes de marisquerías de Provincetown, Massachusetts y ha dirigido las cocinas del Supper Club de Nueva York, One Fifth Avenue y Sullivan’s.

Fue escritor de gastronomía, publicó sus trabajos en el The New York Times, The Times, The Observer, Scotland on Sunday, The Face, Limb by Limb, Black Book, el The Independent, y en la revista Food Arts.

Fue descubierto sin vida por su amigo Éric Ripert en su cuarto de hotel en Francia el 8 de junio de 2018 víctima de suicidio. Tenía 61 años.

 




Escultura romana de Hécate triple, copia de un original griego (Museo Chiaramonti)

Hécate (en griego antiguo Ἑκάτη Hekátē o Ἑκάτα Hekáta) fue originalmente una diosa de las tierras salvajes y los partos, nacionalizada primero en la Grecia micénica​ o en Tracia, pero originada entre los carios de Anatolia,​ la región donde se atestiguan la mayoría de sus nombres teofóricos, como Hecateo o Hecatomno,​ y donde Hécate permaneció como Gran Diosa hasta tiempos históricos, en su inigualable4​ lugar de culto en Lagina (Muğla, Turquía). William Berg señala que «dado que los niños no son bautizados en honor de espectros, es seguro asumir que los nombres teofóricos carios que incluyen hekat- aluden a una deidad importante libre de los oscuros y desagradables lazos con el inframundo y la brujería que tuvo Hécate en la Atenas clásica».Los monumentos a Hécate en Frigia y Caria son numerosos pero tardíos.6​ Los cultos populares que la veneraban como diosa madre hicieron que fuese integrada en la mitología griega. En la Alejandría ptolemaica terminaría adquiriendo sus connotaciones de diosa de la hechicería y su papel como «Reina de los Fantasmas», bajo cuyo aspecto triplicado fue transmitida a la cultura post-renacentista. Uno de sus aspectos es representado en la Trivia romana.

Las inscripciones más antiguas se han encontrado en el Mileto arcaico tardío, cerca de Caria, donde Hécate es una protectora de las entradas

 

Hecate, or The Night of Enitharmon's Joy, Butlin 316.jpg

Hecate, o La noche de la alegría de Enitharmon, Butlin 316 Título: Hecate, o La noche de la alegría de Enitharmon Originación: William Blake: inventor, delineador, impresor, colorista Fecha de composición: 1795 Fecha de impresión: 1795 Nota: Las características de la impresión en color indican que esta impresión es la primera impresa en 1795. La segunda impresión en esa sesión de impresión es Hecate, o La noche de Enitharmon’s Joy en la Biblioteca y Galería de Arte de Huntington (Butlin 318); la tercera impresión del diseño está en la Galería Nacional de Arte de Edimburgo (Butlin 317). Número de objetos: 1 Tamaño del objeto: 43.9 x 58.1 cm. Cantidad de hojas: 1 Tamaño de hoja: 54.5 x 77.0 cm. Medio: impresión de color planográfica con color de agua y adición de pluma y tinta a la impresión. Estilo de impresión: planográfica. Soporte: tejido de papel. Marca de agua: 1794. JWhatman Números encerrados: ninguno. Líneas del marco: ninguna. Encuadernación: suelta. Agujeros de punzón: ninguno Nombre de procedencia: Tate Fecha de colección: 1939 Distribuidor: ninguno Precio: obsequio Nota: Adquirido por Thomas Butts de Blake, posiblemente c. 1805; Thomas Butts, Jr., aparentemente por herencia en 1845; Frederick J. Butts, aparentemente por herencia en 1862; su viuda, c. 1905, por herencia; vendió 1906 a través de Carfax and Co., Londres, a W. Graham Robertson; dado en 1939 por Robertson a la Tate Gallery (ahora Tate Collection). Ubicación actual Tate Collection Millbank London SW1P 4RG Reino Unido

Jusepe de Ribera - Hecate, procesión a un Witches 'Sabbath.jpg

Jusepe de Ribera – Hecate, procesión a un sábado de brujas

Wenceslas Hollar - The Greek gods. Diana.jpg

Wenceslao Hollar – Los dioses griegos. Diana
Wenceslaus Hollar – Obra de arte de la Universidad de Toronto Colección digital Wenceslaus Hollar Escaneada por la Universidad de Toronto Versión de alta resolución extraída utilizando la herramienta personalizada del usuario: Dcoetzee

T16.5Hekate.jpghecate con perro

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Francesco Salviati – Hecate (la luna) – Google Art Project

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Hécate, ilustración de Stéphane Mallarmé.

Las primeras representaciones griegas de Hécate son simples y no triples. Lewis Richard Farnell afirma:

La evidencia de los monumentos sobre el carácter y la importancia de Hécate es casi tan completa como la de la literatura. Pero solo fue en el periodo tardío cuando llegó a expresar su naturaleza múltiple y mística. Antes del siglo V hay pocas dudas de que solía ser representada bajo una forma simple como la mayoría de las demás divinidades, y que fue así como el poeta beocio (Hesíodo) la imaginó, pues nada en sus versos alude a una diosa triple.
El monumento más antiguo conocido es una pequeña terracota hallada en Atenas con una dedicatoria a Hécate en el estilo de escritura del siglo VI. La diosa aparece sentada en un trono con una corona de flores alrededor de su cabeza, careciendo totalmente de atributos y personalidad, siendo el único valor de esta obra, que evidentemente es de un tipo bastante general y recibe una referencia y nombre especiales solo por la inscripción, el demostrar que la forma simple era la original y que su conocimiento en Atenas era anterior a la invasión persa

Triple Hécate y las Cárites, Ática, siglo III a. C. (Gliptoteca de Múnich).

El viajero del siglo II a. C. Pausanias afirmó que Hécate fue representada triple por vez primera por el escultor Alcámenes en el periodo griego clásico de finales del siglo V a. C. Las convenciones antropomórficas del arte griego se resistían a representarla con tres caras: una escultura votiva del siglo III a. C. procedente del Ática la muestra como tres imágenes diferentes contra una columna, alrededor de la cual bailan las Cárites. Algunos retratos clásicos la muestran como una diosa triple sosteniendo una antorcha, una llave y una serpiente. Otros continuaron mostrándola en su forma simple.

En los escritos esotéricos griegos de inspiración egipcia relacionados con Hermes Trimegisto y en los papiros mágicos de la Antigüedad Tardía era descrita con tres cabezas: una de perro, otra de serpiente y otra de caballo. La triplicidad de Hécate se expresaba de una forma más helénica, con tres cuerpos en lugar de cabezas, como aparece tomando parte en la batalla con los Titanes en el vasto friso del gran altar de Pérgamo (actualmente en Berlín). En la Argólida, cerca del altar de los Dioscuros, Pausanias vio el templo de Hécate frente al santuario de Ilitía: «La imagen es obra de Escopas. Es de piedra, mientras las de bronce de enfrente, también de Hécate, fueron hechas respectivamente por Policleto y su hermano Naucides, hijo de Motón».9​

Un relieve en mármol del siglo IV a. C. en Cranón (Tesalia) le fue dedicado por el dueño de un caballo de carreras.10​ Muestra a Hécate, con un perro a su lado, poniendo una corona sobre la cabeza de una yegua. Su ayudante y representación animal era la perra, y la forma más común de ofrenda era dejar carne en las encrucijadas. Algunas veces incluso se le sacrificaban perros (una buena indicación de su origen no helénico, pues los perros, como los burros, muy rara vez jugaban este papel en el genuino ritual griego).

En las Argonáuticas, una épica alejandrina del siglo III a. C. basada en material más antiguo, Jasón aplaca a Hécate mediante un ritual prescrito por Medea, su sacerdotisa: tras bañarse a medianoche en una corriente de agua y vestido con una toga oscura, Jasón cava un pozo y ofrece una libación de miel11​ y sangre de la garganta de una oveja, que se quema en una pira junto al pozo como holocausto, retirándose entonces del lugar sin mirar atrás.12​ Todos estos elementos señalan los ritos observados a una deidad ctónica.

Mitología
Hécate no fue originalmente una diosa griega. Sus raíces parecen estar entre los carios de Asia Menor. Aparece en el himno homérico a Deméter y en la Teogonía de Hesíodo, donde es fuertemente promocionada como una gran diosa. El lugar de origen de su culto es incierto, pero se cree que tuvo numerosos seguidores en Tracia.​ Su santuario más importante estaba en Lagina, una ciudad-estado teocrática en la que la diosa era atendida por eunucos.Lagina, donde el famoso templo de Hécate atraía grandes reuniones festivas cada año, quedaba cerca de la colonia originalmente macedonia de Estratonicea, ciudad de la que era patrona.En Tracia desempeñó un papel similar al del menor Hermes, es decir, gobernadora de los puntos liminares (tránsitos o umbrales) y de lo salvaje, guardando poco parecido con la vieja paseante nocturna en la que se convirtió. Adicionalmente, esto llevó a su papel como ayudante de las mujeres en los partos y la crianza de los jóvenes.

 

También había un templo consagrado a Hécate en el recinto del templo de Artemisa en Éfeso, donde oficiaban los sacerdotes eunucos o megabyzi.Hesíodo registra que estaba entre la descendencia de Gea y Urano, la Tierra y el Cielo. En la Teogonía le atribuyó tan amplios y fundamentales poderes que resulta difícil resistirse a verla como una figuración de la Gran Diosa, aunque como buen olímpico Hesíodo atribuye sus poderes a un «regalo» de Zeus:

Hécate, a la que Zeus Crónida honró sobre todos y le procuró espléndidos regalos, la suerte de participar en la tierra y el mar estéril. Ella también obtuvo en lote la dignidad que confiere el estrellado cielo y es especialmente respetada por los dioses inmortales. […] En nada la maltrató el Crónida ni tampoco le quitó nada de lo que recibió en suerte entre los primeros dioses, los Titanes; sino que sus atribuciones son las mismas que tuvo desde el principio.
Sus regalos a los humanos abarcan todo, según Hesíodo:

Al que ella quiere, grandemente le asiste y ayuda; en el juicio se sienta junto a los venerables reyes, y en el ágora hace destacar entre la gente al que ella quiere. O cuando armados de coraza marchan los varones hacia la guerra destructora de hombres, allí la diosa asiste a los que quiere decididamente concederles la victoria y encumbrarles de gloria. Es capaz de asistir a los nobles que quiere y con igual capacidad, cuando los jóvenes compiten en juegos, allí los asiste y ayuda la diosa; y el vencedor en fuerza y capacidad, fácilmente y contento se lleva un magnífico premio y proporciona gloria a sus padres. A los que trabajan en el mar intransitable y elevan sus súplicas a Hécate y al resonante Ennosigeo, fácilmente la ilustre diosa les concede pesca abundante y fácilmente se la quita cuando parece segura si así lo desea su corazón. Es capaz de aumentar el ganado en los establos junto con Hermes, y en cuanto a las manadas de bueyes, los extensos rebaños de cabras y las majadas de lanudas ovejas, si así lo desea en su corazón, multiplica los pequeños y disminuye los numerosos

 

Hécate era cuidadosamente servida:

Todavía ahora, cuando alguno de los hombres de la tierra los propicia, celebrando magníficos sacrificios según costumbre, invoca repetidamente a Hécate. Muy fácilmente obtiene gran honor aquél cuyas súplicas acepta complaciente la diosa, y le concede prosperidad puesto que está en su mano.
Hesíodo enfatiza que Hécate era la única hija de Asteria, una diosa de las estrellas hermana de Leto, a su vez madre de Artemisa y Apolo. La abuela de estos tres primos era Febe, la anciana titánide que personificaba la luna. Hécate era una reaparición de Febe, y por tanto diosa lunar, que se manifestaba en la oscuridad de la luna.

 

La inclusión y alabanza de Hécate en la Teogonía son problemáticas para los investigadores, ya que Hesíodo parece elogiar en demasía sus atributos y responsabilidades en el antiguo cosmos a pesar de ser en aquella época una diosa relativamente menor y extranjera. Se ha propuesto que en la población de origen de Hesíodo hubo una devoción substancial hacia Hécate y que su inclusión en la Teogonía fue su propia forma de promover a la diosa local entre el público no familiarizado.16​

A medida que su culto se extendió a zonas de Grecia se presentó un problema, dado que el papel de Hécate ya estaba cubierto por otras deidades más prominentes del panteón griego, particularmente Artemisa, y por personajes más arcaicos como Némesis.

Emergen entonces dos versiones de Hécate en la mitología griega. La menos conocida es un claro ejemplo de intento por integrarla sin disminuir a Artemisa. En ella,16​ Hécate es una sacerdotisa mortal comúnmente asociada con Ifigenia, que desdeña e insulta a la diosa, lo que la lleva finalmente a suicidarse. Artemisa adorna entonces el cadáver con joyas y susurra para que su espíritu se eleve y se convierta en la diosa Hécate, que actúa de forma parecida a Némesis como espíritu vengador, pero únicamente para mujeres heridas. Este tipo de mitos en el que una deidad local patrocina o «crea» a una deidad extranjera era popular en las culturas antiguas como forma de integrar sectas extranjeras. Adicionalmente, a medida que la adoración de Hécate crecía, su figura fue incorporada al mito posterior del nacimiento de Zeus como una de las comadronas que escondieron al niño,16​ mientras Crono consumía la roca falsa que le había dado Rea.

La segunda versión ayuda a explicar cómo Hécate se ganó el título de «Reina de los Fantasmas» y su papel como diosa de la hechicería. De forma parecida a como las hermas (tótems de Hermes) se ponían en las fronteras como protección frente al peligro, imágenes de Hécate, como diosa liminar, podían también jugar dicho papel protector. Se hizo común poner estatuas de la diosa en las puertas de las ciudades, y finalmente en las puertas de las casas. Con el tiempo, la asociación con el alejamiento de espíritus malignos llevó a la creencia de que ofender a Hécate también los atraía. Así surgieron las invocaciones a Hécate como gobernadora suprema de las fronteras entre el mundo normal y el de los espíritus.

La transición de la figura de Hécate puede seguirse hasta la Atenas del siglo V. Aparece como una gran diosa en dos fragmentos de Esquilo. En Sófocles y Eurípides se ha convertido en la señora de la brujería y las Keres.

El poder de Hécate terminó pareciéndose al de la hechicería. Medea, que era una de sus sacerdotisas, practicaba la brujería para manipular con destreza hierbas mágicas y venenos, y para poder detener el curso de los ríos[cita requerida] o comprobar las trayectorias de las estrellas y la luna.

La implacable Hécate ha sido llamada «la de tierno corazón», un eufemismo quizás para enfatizar su preocupación por la desaparición de Perséfone, cuando se dirigió a Deméter con dulces palabras en un momento en que la diosa estaba afligida. Más tarde se convirtió en la asistente de Perséfone y su íntima compañera en el Inframundo.

Aunque nunca fue incluida entre los dioses olímpicos, la compresión moderna de Hécate procede de la cultura helenística sincrética de Alejandría. En los papiros mágicos del Egipto ptolemaico, se le llama la Perra, y su presencia era indicada por los ladridos de los perros. Mantuvo un gran número de seguidores como diosa de la protección y los partos. En la imaginería posterior también tiene dos perros fantasmales como sirvientes a su lado.

En la época moderna Hécate se ha hecho popular en las religiones neopaganas de inspiración feminista y la wicca gracias en gran parte a su asociación como diosa de la hechicería.

Relaciones en el panteón griego
Hécate es una diosa ctónica preolímpica, y no fue fácilmente asimilada en el panteón posterior de la Grecia clásica. Más allá de la Teogonía, las fuentes griegas no ofrecen una historia sobre su parentesco, ni de sus relaciones en el panteón: a veces es considerada una titánide, hija de Perses y Asteria, y una poderosa ayudante y protectora de los humanos. Su presencia continua se explicaba asegurando que, debido a que fue la única titánide que ayudó a Zeus en la Titanomaquia, no fue desterrada a los dominios del Inframundo tras su derrota por los olímpicos, en lo que supone otro indicio de la persistencia de los cultos en los que era adorada.

También se contaba que era la hija de Deméter o Ferea. Hécate, como Deméter, era una diosa de la tierra y la fertilidad. Una versión poco difundida la hacía incluso la hija menor de Zeus, un rasgo que sin embargo comparte con Atenea y Afrodita, como aspectos de antiguas deidades que tampoco pudieron ser eclipsadas por los olímpicos debido a que su adoración era tan dominante.

Un mito cuenta que había robado el pote de carmín de su madre y huido a una casa donde una mujer estaba de parto. Zeus la envió al reino de Hades para ser purificada. En él gozaba de gran autoridad, pues era conocida como la reina invencible y presidía las ceremonias de penitencia y purificación de las sombras en las que se permitía concertar las malas acciones de sus vidas pasadas.

Por lo demás, su papel en los mitos es secundario: ayudó a Deméter a parir cuando Perséfone fue raptada (en algunas versiones del mito fue ella quien la rescató del Inframundo), y se opuso a Heracles cuando este intentó enfrentarse a Cerbero.

Consortes y descendencia
Como muchas antiguas diosas madre o de la tierra, Hécate permaneció sin casarse y no tuvo consorte habitual, diciéndose a menudo que se reproducía por partenogénesis.

Se consideraba que todos los grandes magos y hechiceros mitológicos eran descendientes suyos, especialmente los hermanos Circe y Eetes, hijos suyos y, por tanto, abuela de Medea.

Por otra parte, es la madre de muchos monstruos, como Escila, que representaba los aspectos pavorosos de la naturaleza que producían miedo y sobrecogimiento.

Otros nombres y epítetos
Ctonia (Χθονια, ‘de la tierra’)
Crateis (‘poderosa’)
Enodia (Ενοδια, ‘de los caminos’)
Antania (‘enemiga de la humanidad’)
Curótrofa (Κουροτροφος, ‘niñera de los jóvenes’)
Artemisa de las encrucijadas
Propylaia (‘[la que está] delante de la puerta’)
Propolos (‘la que dirige’)
Phosphoros (‘que trae la luz’)
Soteira (‘salvadora’)
Prytania (‘reina de los muertos’)
Trioditis (griego) o Trivia (latín, ‘de los tres caminos’)
Klêidouchos (‘guardiana de las llaves’)
Tricéfala o Tríceps (‘de tres cabezas’)
Triformis (‘de tres formas’)
Diosa de las encrucijadas
Hécate tenía un papel especial en las encrucijadas de tres caminos (o trivios), donde los griegos situaban postes con máscaras de cada unas de sus cabezas mirando en diferentes direcciones.

La función de Hécate en las encrucijadas proviene de su esfera original como diosa de las tierras salvajes y las zonas inexploradas. Esto llevaba a realizar sacrificios para viajar con seguridad por estos territorios. Este papel tiene relación con el de Hermes, dios de las fronteras.

Hécate es la versión griega de la Trivia (‘tres caminos’) de la mitología romana. En el siglo VII, Elegio acostumbraba a recordar a su recién convertida congregación de Flandes que «ningún cristiano debería prestar o guardar devoción alguna a los dioses de los trivios, donde tres caminos se cruzan, a los fanos o las rocas, o fuentes o arboledas o esquinas».

Hécate era la diosa que aparecía con más frecuencia en textos mágicos como los papiros mágicos griegos y las defixios, junto con Hermes.

Reina de las brujas
En los oráculos caldeos que fueron editados en Alejandría, fue también asociada con un laberinto serpentino alrededor de una espiral, conocido como rueda de Hécate (el «Strophalos de Hécate», verso 194 de la traducción de 1836 de Isaac Preston Cory). El simbolismo alude al poder de la serpiente para renacer, al laberinto de conocimiento a través del cual Hécate guía a la humanidad y a la llama de la propia vida: «Los senos productores de vida de Hécate, esa Llama Viviente que se viste a sí misma de Materia para manifestar la Existencia» (verso 55 de la traducción de Cory de los oráculos caldeos).

En El evangelio de las brujas compilado por Charles Leland (1899) se describen los remanentes de una tradición de brujería italiana, incluyendo un culto a Diana parecido al de Hécate. Es discutible si la Diana representada en la obra de Leland es en realidad Hécate o no. Aunque Diana suele ser muy identificada con Artemisa, no se representa en El evangelio como la del culto romano. Por ejemplo, dice que «Diana siempre tiene un perro a su lado»,​ siendo Hécate famosa por su relación con los perros.

Reina de los muertos
«Reina de los Fantasmas» es un título asociado con Hécate debido a la creencia de que podía tanto evitar que el mal saliese del mundo de los espíritus, como también permitir que dicho mal entrase. Hécate, pues, tenía un papel y poder especial en los cementerios.[cita requerida] Guarda los «caminos y senderos que se cruzan».[cita requerida] Su asociación con los cementerios también tuvo mucha importancia en la idea de Hécate como diosa lunar.

Las hojas del álamo blanco, populus alba son oscuras por una cara y claras por la otra, lo que simboliza el límite entre los mundos. El tejo ha estado asociado desde hace mucho con el Inframundo.

Animales
La perra es el animal más comúnmente asociado a Hécate, quien a veces es llamada la «perra negra»,[cita requerida] y alguna vez se sacrificaron perros negros a ella en rituales de purificación. En Colofón (Tracia) Hécate podía manifestarse como perro. Los ladridos de los perros eran la primera señal de su cercanía en la literatura griega y romana.

La rana, significativamente una criatura que puede cruzar dos elementos, está también consagrada a Hécate.

Como diosa triple, a veces aparece con tres cabezas: de perro, caballo y oso, o de perro, serpiente y león.

En el Malleus maleficarum (1486) se afirma que Hécate fue adorada por brujas que adoptaron partes de su mito como su diosa de la hechicería. Debido a que Hécate ya había sido muy difamada a finales del periodo romano, a los cristianos de la época les resultó fácil envilecer su imagen. De esta forma todas sus criaturas fueron también consideradas «criaturas de la oscuridad»; sin embargo, la historia de animales tales como cuervos, búhos nocturnos, serpientes, escorpiones, asnos, murciélagos, caballos, osos y leones como criaturas suyas no es siempre oscura y aterradora.

Plantas y hierbas
El tejo, el ciprés,​ el avellano, el álamo blanco, el cedro y el sauce estaban consagrados a Hécate. https://es.wikipedia.org/wiki/%C3%81rbol_sagrado

El tejo tiene fuertes asociaciones con la muerte y el renacimiento. Un veneno preparado a partir de sus semillas se usaba en las flechas, y su madera se usaba comúnmente para fabricar flechas y empuñaduras de dagas. https://es.wikipedia.org/wiki/Taxus_baccata La poción del caldero de Hécate contiene «esquejes de tejo». Las bayas del tejo llevan el poder de Hécate, y pueden dar sabiduría o la muerte. Las semillas son muy venenosas, pero las carnosas bayas rojas que las rodean no.

Muchas otras hierbas y plantas están asociadas a Hécate, entre ellas el ajo, las almendras, la lavanda, el tomillo, la mirra, la artemisia, el cardamomo, la menta, el diente de león, el eléboro, el milenrama y la celidonia menor. Varios venenos y alucinógenos están vinculados a la diosa, como la belladona, la cicuta, la mandrágora, el acónito (conocido como hecateis) y el opio. Muchas de las plantas de Hécate eran aquellas que podían ser usada por los chamanes para lograr diversos estados de consciencia.

Lugares
En diversos momentos se han asociado con Hécate las zonas salvajes, bosques, fronteras, murallas y puertas de las ciudades, encrucijadas y cementerios.

A menudo se afirma que la luna está consagrada a Hécate, contra lo que argumentó Farnell:

Algunos de los antiguos escritores sobre mitología, tales como Cornuto y Cleomedes, y algunos de los modernos, como Preller, el del diccionario de Roscher y Petersen, explican las tres figuras como símbolos de las tres fases de la luna. Pero muy poco puede decirse en favor de esto, y muchísimo en contra. En primer lugar, la estatua de Alcámenes representó a Hécate Επιπυργιδια, a quien el ateniense de ese periodo consideraba la guardiana de la puerta de su Acrópolis, y como tal relacionada en este punto particular con las Cárites, deidades de la vida que florece y da fruto. Ni en este lugar ni ante la puerta de las casas de la ciudad aparecía como una diosa lunar.
También podemos preguntar: ¿por qué deberían darse a una divinidad a veces considerada como lunar pero con muchas otras y más importantes conexiones tres formas para señalar las tres fases de la luna, y por qué la escultura griega ha sido en este insólito caso culpable de un frígido simbolismo astronómico, mientras Selene, que era obviamente la luna y nada más, nunca tratada de esta manera? De esta misma forma Helios debería haber recibido doce cabezas.
Sin embargo, en los papiros mágicos del Egipto grecorromano​ se conservan varios himnos que identifican a Hécate con Selene y la luna, ensalzándola como suprema diosa, madre de los dioses. De esta forma, como diosa triple, Hécate sigue teniendo seguidores en algunas tradiciones neopaganas. https://es.wikipedia.org/wiki/Neopaganismo

 

Fiestas
Hécate era adorada tanto por los griegos como por los romanos, y tenían sus propias fiestas dedicadas a ella. Según Ruickbie, los griegos guardaban dos días consagrados a Hécate, uno el 13 de agosto y otro el 30 de noviembre, mientras los romanos consideraban el 29 de cada mes consagrado a ella.

Paralelismos en otras culturas

Hécate, por William Blake
La figura de Hécate puede relacionarse a menudo con la Isis egipcia, gracias principalmente a su papel de hechicera.Ambas eran símbolos de los puntos liminares. Lucio Apuleyo asocia a Hécate con Isis en su obra El asno de oro:

Aquí me ves, Lucío, en respuesta a tu plegaria. sepas que yo soy madre y natura de todas las cosas, señora de todos los elementos, principio y generación de los siglos, la mayor de los dioses y relina de todos los difuntos, primera y única gola de todos los dioses y diosas del cielo, que dispenso con mi poder y mando las alturas resplandecientes del cielo, y las aguas saludables de la mar, y los secretos lloros del infierno. A mí sola y una diosa honra y sacrifica todo el mundo, en muchas maneras de nombres. […] Otros me llaman Juno, otros Bellona, otros Hecates, otros Ranusia. Los etíopes, ilustrados de los hirvientes rayos del sol, cuando nace, y los arrios y egipcios, donde nació mi doctrina, cuando me honran y sacrifican con mis propios ritos y ceremonias, me llaman mi verdadero nombre, que las reina Isis.
Antes de que llegase a estar asociada con la mitología griega, tuvo muchas similitudes con Artemisa (tierras salvajes, vigilancia de las ceremonias de boda) y Hera (crianza de los niños, protección de los adolescentes o héroes, y vigilancia de las ceremonias de boda).http://es.mitologia.wikia.com/wiki/H%C3%A9cate

En la literatura
Hécate es un personaje de la tragedia de William Shakespeare Macbeth, representada por vez primera hacia 1606, donde manda sobre las tres Nornas, aunque no se sabe si ella es una bruja, un demonio o una diosa. Hay algunas evidencias que sugieren que el personaje y las escenas o partes de las mismas en las que aparece (Acto III, Escena V y una parte del Acto IV, Escena I) no fueron escritos por Shakespeare, sino que añadidos durante una revisión de Thomas Middleton,​ quien usó material de su propia obra The Witch, producida en 1615. La mayoría de las ediciones modernas de Macbeth indican estas interpolaciones

Hécate

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ALGO DE ASTROLOGÍA DURANTE EL MES QUE TRANSITAMOS

LUNA NUEVA EN EL SIGNO DE GÉMINIS EL TRECE DE JUNIO

ESTA LUNA TE TRAE SUTILEZA UNA GRAN VISIÓN RELACIONADA CON EL ECLIPSE SOLAR DEL TRECE DE JULIO SINTONIZADA CON EL INCONSCIENTE COLECTIVO TRANSITA HASTA EL DOS DE SETIEMBRE TE AYUDA A TRANSITAR CON EL MISTERIO DEL NACIMIENTO MUERTE Y RESURRECCIÓN, REPRESENTA AL NUMERO 9 EL NUMERO MAS SUTIL

OCHO ESTRELLAS FIJAS DISECTANDO MINTACA  Y NATH, RELACIÓN CON MARTE, LA NOSTALGIA, MEMORIAS RECUERDOS PARA LA POSTERIDAD-

DESEO DEL HOGAR EL CONFORT EN CONTRAPOSICIÓN CON NUEVOS CAMBIOS DURANTE ESTABILIDAD DE SIETE AÑOS LLEVANDO A ALGO DE INCOMODIDAD

LA LLAVE DE LO DESCONOCIDO LO TRASCENDENTE DIOS EL FUTURO INCIERTO

PERMITE ACCEDER A LA INFORMACIÓN CONOCIMIENTO ADQUIRIDO PARA DAR INFORMACIÓN QUE VIENE DE LO SUTIL AL QUE NO PUEDES ACCEDER EN SU TOTALIDAD QUE PERMITE INNOVAR LO QUE ANTES FUNCIONABA PERO QUE AHORA EN ESTE PRESENTE NO TE FUNCIONA  OPORTUNIDAD PARA TRABAJAR Y OPTIMIZAR .

TE LLEVA A PONER ORDEN DURANTE CINCO MESES EN ESENCIA PERFECCIONISMO AUTO-EXIGENCIA EN CONTACTO CON LA RESPONSABILIDAD LOS LÍMITES Y HACER PREVISIÓN (MC)




Primer número de la “Gazeta de Buenos Aires”.
Mariano Moreno (1778 – 1811) – Scanned from the original newspaper

 

Argentina: 7 de junio. Establecido en 1939 por el Primer Congreso Nacional de Periodistas celebrado en la provincia de Córdoba en homenaje a la publicación de la “Gazeta de Buenos Ayres”, primer periódico de la etapa independentista argentina fundado por Mariano Moreno en 1810, en el que también escribieron Manuel Belgrano Juan José Castelli Marcos Farfan.​

“¿Por qué se han de ocultar a las Provincias sus medidas relativas a solidar su unión, bajo nuevo sistema? ¿Por qué se les ha de tener ignorantes de las noticias prósperas o adversas que manifiesten el sucesivo estado de la Península?… Para el logro de tan justos deseos ha resuelto la Junta que salga a la luz un nuevo periódico semanal, con el título de la Gaceta de Buenos Aires.”
Mariano Moreno, Gaceta de Buenos Aires del 7 de Junio de 1810

 

Bolivia: 10 de mayo. En conmemoración de la promulgación de un decreto de 1938, con el que el gobierno de Germán Busch Becerra reivindicaba los derechos de los trabajadores de prensa. Ese día, pero de 1865, era asesinado el periodista Cirilo Barragán.
Brasil: 7 de abril. Celebrado en homenaje al médico y periodista João Batista Líbero Badaró, asesinado en São Paulo el 7 de abril de 1830 durante una marcha de estudiantes que apoyaban los ideales libertarios de la Revolución francesa. ​El mismo día pero de 1908 fue creada por Gustavo de Lacerda la Asociación Brasileña de Prensa.

Parque de los Periodistas, en Bogotá.
Colombia: 9 de febrero y 4 de agosto (no está unificado). El 9 de febrero de 1791 comenzó a circular el semanario “Papel Periódico de Santafé de Bogotá”. La ley 918 de 2004 declaró el 4 de agosto como el Día del Periodista y Comunicador.
Rica Costa Rica: 30 de mayo. Instaurado por decreto de 2010 del presidente Óscar Arias Sánchez en recuerdo del atentado terrorista de La Penca de 1984.
Cuba: 14 de marzo. El primer número del periódico Patria, fundado y dirigido por José Martí, corresponde al 14 de marzo de 1892. Cuenta con los artículos de fondo redactados por Martí. Entre sus colaboradores se encuentraban Tomás Estrada Palma, Manuel Sanguily, Gonzalo de Quesada, Manuel de la Cruz y Federico Sánchez. Su administración corrió a cargo de J. A. Agramonte, Gonzalo de Quesada, Enrique José Varona y Manuel Moré.
Con la muerte del Apóstol el periódico dedicó un número a su figura y en lugar de él ocupó la dirección Enrique José Varona. A partir del número 176 fue Organo Oficial del Partido Revolucionario Cubano. Su último número es el 522 del 31 de diciembre de 1898. Para honrar la fecha de aparición de este importante periódico, desde los primeros años de la década de 1990 se celebra el 14 de marzo como Día de la Prensa Cubana.|idioma=español|editado por Pietro Sánchez Quesada.

 

Chile: 11 de julio. Establecido en recuerdo de la promulgación de la Ley de la República 12.045, del 11 de julio de 1956, que resolvió la creación del Colegio de Periodistas de Chile.
Ecuador: 5 de enero. Instaurado en homenaje a la publicación del primer número de “Primicias de la cultura de Quito”, el 5 de enero de 1792, periódico dedicado a exaltar las ideas libertarias y fundado por Eugenio de Santa Cruz y Espejo, precursor y prócer de la Independencia americana. El Congreso Nacional, el 29 de mayo de 1992 y con ocasión del segundo centenario de la aparición del “Primer Periódico Ecuatoriano”, dictó el acuerdo que estableció la fecha del Día del Periodista Ecuatoriano.
El Salvador: 31 de julio. Se celebra ese día a instancias de un decreto del 29 de mayo de 1969 de la Asamblea Legislativa, rindiendo homenaje a la aparición del primer periódico editado en el país, el “Semanario Político Mercantil”, donde escribió quien es llamado el primer periodista salvadoreño, el religioso Miguel José Castro.
Guatemala: 30 de noviembre. La Asociación de Periodistas de Guatemala se reunió el 4 de agosto de 1948 para determinar una fecha conmemorativa por el Día del Periodista en el país. La intención era celebrarlo el 21 de agosto, en honor a la fecha de nacimiento del patrono de los escritores y periodistas, San Francisco de Sales, pero luego se estableció en homenaje al primer tiraje de “La Gaceta de Guatemala”, en 1729. Si bien ese periódico se publicó el 1 de noviembre de ese año, se conmemora el 30 de noviembre en virtud de que aquella edición fue para todo el mes. El Congreso nacional emitió en 1972 el decreto 47-72 que ratificó la fecha.

Honduras: 25 de mayo. En 1830 se publicó el primer periódico impreso en el país, “La Gaceta del Gobierno”. Exactamente cien años más tarde, el 25 de mayo de 1930, se celebró el Primer Congreso Nacional de Periodistas. Pocos días después y a instancias del encuentro de periodistas, el entonces presidente Vicente Mejía Colindres firmó un acuerdo de la Secretaría de Instrucción Pública creando el Día del Periodista, que señalaba entre sus considerandos que “la Prensa es un factor de positiva importancia para la cultura de los pueblos, el afianzamiento de la paz y el prestigio de las instituciones”, además de argumentar que “es deber del Gobierno perpetuar los sucesos que marcan una era de engrandecimiento en la evolución social del país y estimular la labor de los que ejercen la noble profesión de periodistas”.
México: 4 de enero. Aunque es difícil encontrar información oficial sobre esta celebración en México, algunas fuentes están de acuerdo en señalar que obedece a Manuel Caballero, fallecido el 4 de enero de 1826 en la ciudad de México. Caballero es considerado “el iniciador del reporterismo” en el país.


Nicaragua: 1 de marzo. En recuerdo de la fecha de salida al público del primer periódico de frecuencia diaria, “Diario de Nicaragua”, fundado el 1 de febrero de 1884 por Rigoberto Cabezas. Fue fijado por decreto número 904, aprobado el 28 de febrero de 1964 y publicado en La Gaceta Diario Oficial número 51 del 29 de febrero del mismo año.
Panamá: 13 de noviembre. Se eligió ese día en honor a Gaspar Octavio Hernández, jefe de redacción del diario “La Estrella de Panamá”, decano de la prensa nacional. Hernández murió el 13 de noviembre de 1918 cuando escribía un editorial en defensa de los símbolos patrios y el idioma español.
Paraguay: 26 de abril. Fecha elegida por el Sindicato de Periodistas por la publicación del primer periódico del país, “El Paraguayo Independiente”, el 26 de abril de 1845, redactado íntegramente por el entonces presidente de Paraguay Carlos Antonio López. Coincidentemente, ese mismo día pero de 1991, fue asesinado en plena vía pública, en la ciudad Pedro Juan Caballero, el periodista Santiago Leguizamón.
Perú: 1 de octubre. Ese día de 1790 fue puesto en circulación el primer diario del país, bajo la dirección del español Francisco Antonio de Cabello y Meza, que escribía con el seudónimo Jaime Bausate y Meza. La fecha fue propuesta en el Congreso Nacional de la Federación Peruana de Periodistas de 1950, solicitud enviada al gobierno nacional, que oficializó la celebración en 1953 mediante el Decreto Supremo 2521.
República Dominicana: 5 de abril. En homenaje a la publicación, en 1821, del primer periódico dominicano, “El Telégrafo Constitucional”.
Bandera de Uruguay Uruguay: 23 de octubre. Día de 1815 en el que José Artigas pidió al Cabildo de Montevideo que apoyara la publicación “Prospecto Oriental”, de Mateo Vidal, calificada por el prócer como “herramienta fundamental”, oficio en el que también reclamaba promover la libertad de prensa en la nación. El 3 de diciembre de 1990 se promulgó la ley 16.154, que oficializó el día de la celebración.

Portada de “Correo del Orinoco” del 27 de junio de 1818.
Venezuela: 27 de junio. Día elegido en conmemoración del primer número del “Correo del Orinoco”, creado por Simón Bolívar en 1818. La fecha de homenaje fue acordada por la Asociación Venezolana de Periodistas tras el pedido de Guillermo García Ponce, quien hizo llegar su propuesta en 1964 desde el Cuartel San Carlos, donde se encontraba detenido por rebelión militar. La ley de Ejercicio del Periodismo, de 1994, ratificó al 27 de junio como “Día del Periodista Venezolano”

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Un periodista afgano firma una lista de asistencia durante el entrenamiento de fotoperiodismo en Farah, Afganistán, 10 de febrero de 2013. Los miembros del Equipo de Reconstrucción Provincial de Farah (PRT) enseñaron el curso para desarrollar la capacidad de los medios. La misión de Farah PRT era entrenar, aconsejar y ayudar a los líderes del gobierno afgano a nivel municipal, distrital y provincial. El equipo estaba compuesto por miembros de los Marineros y Soldados de los EE. UU. Y representantes del Departamento de Estado de EE. UU. Y la Agencia para el Desarrollo Internacional. (Foto del Departamento de Defensa del Jefe del Cuerpo de Médicos del Hospital Josh Ives, US Navy / Released)

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Otorgado a Peter  Shellem el 16 de abril de 2010
Alekazam6 – Trabajo propio

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Andrés Mendieta entrevista en el diario Intransigente
Santiago Mendieta – Trabajo propio

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Opal3irl – Own work

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CO-HOST Y REPORTERA PRINCIPAL DE “EL GORDO Y LA FLACA“
Toddy Holland – Tanya Charry provide this photo for professional in Wikipedia and her website

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Dante Alimenti intervista Giovanni Paolo II
Edoardo farneti – Own work

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Diario El Universo
Alfredo Molina – Own work

 

 



{7 junio, 2018}   Virginia Apgar

 

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Virginia Apgar, American physician who introduced the Apgar Score.

Virginia Apgar (7 de junio de 1909 – 7 de agosto de 1974) fue una médica estadounidense que se especializó en anestesia y pediatría. Fue líder en el campo de la anestesiología y la teratología, y fundó el campo de la neonatología. Para el público general, sin embargo, es más conocida por haber creado el test de Apgar, el método utilizado para evaluar la salud de los recién nacidos que ha reducido considerablemente la mortalidad infantil en todo el mundo.

Biografía
Virginia Apgar se graduó en el Colegio Mount Holyoke en 1929, y en el Columbia University College of Physicians and Surgeons (Columbia P&S) en 1933.

En 1949, Apgar se convirtió en la primera mujer profesora de tiempo completo en Columbia P&S,​ y también realizó trabajo clínico y de investigación en el Hospital Sloane para Mujeres.En 1959 obtuvo el grado de maestría en salud pública en la Universidad Johns Hopkins.

La prueba Apgar
En 1953 estudió, desarrolló y publicó la primera escala de valoración de la vitalidad de los recién nacidos, denominada prueba Apgar.​ Este test se aplica a todos los bebés en dos momentos, inmediatamente tras el parto: un minuto y, nuevamente, a los 5 minutos después del nacimiento (en ocasiones también a los 10 minutos). Esta prueba (escala) evalúa, puntuando de cero a diez, cinco aspectos simples de los recién nacidos: frecuencia cardiaca, esfuerzo respiratorio, presencia de reflejos, tono muscular y color.

Intentando transformar la palabra prueba Apgar en un retroacrónimo, se ha propuesto: apariencia, pulso, gesticulación, actividad y respiración (denominados así en muchos idiomas en honor de su creadora: es un acrónimo generado por el doctor Joseph Butterfield, pediatra norteamericano, en 1963, con las cinco letras del apellido de la doctora). El puntaje resultante va del cero al 10. Si el bebé obtiene un puntaje de 3 o menos, se considera que su estado de salud es crítico; si el puntaje es entre 4 y 6, se clasificará como “bastante bajo”; si el puntaje es de 7 a 10, se considerará que el estado de salud es “normal”.

Si bien la doctora Apgar fue en muchas ocasiones “la primera mujer” o “la única mujer” en el departamento en ocupar algún puesto o en ganar reconocimiento, evitaba al movimiento feminista organizado, afirmando que “las mujeres están liberadas desde el momento en que salen del útero”.4​

Apgar nunca se casó, y falleció el 7 de agosto de 1974 debido a un fallo hepático en el Centro Médico Presbiteriano de Columbia.

Virginia Apgar

Homenaje  Doodle de Google

109º aniversario del nacimiento de la Dra. Virginia Apgar




Pintura del Sagrado Corazón de Jesús en óleo sobre lienzo de la escuela portuguesa, siglo XIX.

En la Iglesia católica, el Sagrado Corazón de Jesús es la devoción referida al corazón de Jesucristo, como un símbolo de amor divino. La devoción al Sagrado Corazón tuvo su origen en una corriente mística centrada en la persona de Jesucristo, que concebía el corazón como centro vital y expresión de su entrega y amor total.1​ En tal sentido, la devoción al Sagrado Corazón refiere en particular a los sentimientos de Jesús, y en especial a su amor por la humanidad, según lo resume el Evangelio de Juan:

Antes de la fiesta de la Pascua, sabiendo Jesús que había llegado su hora de pasar de este mundo al Padre, habiendo amado a los suyos que estaban en el mundo, los amó hasta el extremo.
                                                                                                    Evangelio de Juan 13:

Esta devoción insta a quienes la practican a tener, en palabras de Pablo de Tarso, «los mismos sentimientos que Cristo Jesús» (Epístola a los filipenses 2:5).2​ Un número importante de congregaciones y de familias espirituales se conformaron en torno a la devoción al Sagrado Corazón

La aparición del Sagrado Corazón de Jesús a Bernardo de Hoyos.
Claudio claudio claudio – Trabajo propio

Pintura con la visión del Corazón de Jesús por la Beata María del Divino Corazón Droste zu Vischering.

ZimatlanSagradoCorazon.jpgEl Sagrado Corazón de Jesús, in the Church of San Lorenzo Zimatlán, Oaxaca, Mexico
Claire and Richard Stracke – Own work

Wüger Steiner Herz-Jesu-Bild.jpg

Gabriel Wüger/Lukas Steiner: Herz-Jesu-Bild

FDC-emb.jpgEmblem of the Daughters o Charity of St. Vincent of Paul

El Sagrado Corazón en el Magisterio de la Iglesia

Beata María del Divino Corazón. Peticionó al papa León XIII para que consagrara todo el mundo al Sagrado Corazón de Jesús, lo que el pontífice hizo en 1899.
En su encíclica papal Auctorem Fidei, Pío VI mencionó la devoción al Sagrado Corazón.

Después de las cartas de la Beata María del Divino Corazón Droste zü Vischering (1863-1899) con la petición, en el nombre del propio Cristo, para que el papa León XIII consagrara el mundo entero al Sagrado Corazón de Jesús, el pontífice designó comisiones de grupos de teólogos para examinar su petición sobre la base de la revelación mística y la tradición sagrada. Esta investigación resultó positiva. Siguiendo la revisión teológica, León XIII, en su encíclica Annum Sacrum (25 de mayo de 1899) dijo que la humanidad en su totalidad debía ser consagrada al Sagrado Corazón de Jesús, declarando su consagración el 11 de junio del mismo año.

Pío XII desarrolla en su encíclica Haurietis Aquas el culto al Sagrado Corazón que queda en parte plasmado en el siguiente punto del Catecismo de la Iglesia Católica:

En el punto 478 que “Jesús, durante su vida, su agonía y su pasión nos ha conocido y amado a todos y a cada uno de nosotros y se ha entregado por cada uno de nosotros: “El Hijo de Dios me amó y se entregó a sí mismo por mí” (Ga 2, 20). Nos ha amado a todos con un corazón humano. Por esta razón, el sagrado Corazón de Jesús, traspasado por nuestros pecados y para nuestra salvación (cf. Jn 19, 34), “es considerado como el principal indicador y símbolo…del amor con que el divino Redentor ama continuamente al eterno Padre y a todos los hombres” (Pio XII, Enc.”Haurietis aquas”: DS 3924; cf. DS 3812).

Sagrado Corazón de Jesús




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Kate Spade New York Madison Avenue Store
KateSpade1993 – Own work

Katherine Noel Brosnahan (24 de diciembre de 1962 – 5 de junio de 2018), conocida profesionalmente como Kate Spade o Kate Valentine, era una diseñadora de modas y empresaria estadounidense.1​2​ Fue la fundadora y ex copropietaria de la marca de diseñador Kate Spade New York.

Después de trabajar en el departamento de accesorios en la revista de moda Mademoiselle, Brosnahan y esposo Andy Spade fundaron el negocio en 1993, identificando un mercado de bolsos elegantes y de calidad. Aquellos que ella diseñó y produjo rápidamente se hicieron populares, y la compañía se expandió a otras líneas de productos. En 1999 vendió una participación del 56% de Kate Spade New York a Neiman Marcus Group; en 2006 vendió el resto de sus acciones.3​ En 2016, ella y sus socios lanzaron una marca de moda nueva llamada Frances Valentine.4​ El 5 de junio de 2018 la encontraron muerta de un aparente suicidio colgando en su departamento de Manhattan.

Brosnahan nació en Kansas City, Missouri, hija de June (Mullen) y Earl Francis Brosnahan. Ella era en su mayoría de origen irlandés.Se graduó de la Academia de Santa Teresa, una escuela secundaria católica para niñas. Asistió a la Universidad de Kansas y luego se transfirió a la Universidad Estatal de Arizona, se unió a Kappa Kappa Gamma y se graduó con un título en periodismo en 1985.

En 1986, Spade trabajó en el departamento de accesorios en Mademoiselle en Manhattan, donde se le nombra en el encabezado de la revista por su nombre de soltera, como Katy Brosnahan. Mientras estuvo en Mademoiselle, se mudó con Andy Spade, oriundo de Scottsdale, Arizona. Los dos habían trabajado codo a codo como vendedores en una tienda de ropa para hombres, Carter’s Men Shop, en Phoenix.

Dejó Mademoiselle en 1991, teniendo el título de editora de moda senior/directora de accesorios.8​ Mientras trabajaba para Mademoiselle, se dio cuenta de que el mercado carecía de bolsos de mano elegantes, y decidió crear su propia línea.

Carrera

Una tienda de Kate Spade en Nueva York.
Kate y Andy Spade lanzaron en enero de 1993 la empresa de diseño “Kate Spade Handbags” con sede en Nueva York. La empresa vendió principalmente bolsos al principio, pero pronto se extendió a prendas de vestir, joyas, calzado, artículos de papelería, artículos para bebés, fragancias, tableros de mesa, ropa de cama y regalos. En 1996, la marca Kate Spade abrió su primera boutique, una tienda de 400 pies cuadrados ubicada en el moderno distrito SoHo de Manhattan, y trasladó su sede a un espacio de 10,000 pies cuadrados en West 25th Street.

En 2004, se lanzó “Kate Spade at home” como marca de colección hogareña. Ofrecía ropa de cama, artículos de baño, porcelana, papel tapiz y varios artículos para el hogar. También compartió sobre su estilo personal y pensamiento en sus tres libros: Maneras, Ocasiones y Estilo. En 2004 se abrió una tienda en Aoyama, Tokio, Japón.

Neiman Marcus Group compró el 56% de la marca Kate Spade en 1999 y el 44% restante en 2006. Neiman Marcus vendió la designación Kate Spade en 2006 por $124 millones de dólares a Liz Claiborne Inc., que más tarde fue rebautizada como Fifth & Pacific.14​ En febrero de 2014, Fifth & Pacific cambió su nombre a Kate Spade & Company.15​ Coach, Inc. adquirió Kate Spade por $2.4 mil millones de dólares en mayo de 2017.

Frances Valentine
Después de vender la porción restante de su participación en la marca Kate Spade en 2006, Spade se tomó un tiempo libre para cuidar de su hija. En 2016, ella y sus socios lanzaron una nueva marca llamada Frances Valentine, una colección de calzado y bolsos de lujo. El nombre de la nueva marca se deriva de Frances, un apellido de toda la vida en su lado paterno. La hija de Spade se llama Frances, al igual que su abuelo, padre y hermano. El nombre de Valentine vino del lado materno de Spade; era el segundo nombre de su abuelo, que nació el día de San Valentín. En 2016, Spade cambió su apellido a Valentine.

Vida personal y fallecimiento
Spade se casó con Andy Spade, hermano del actor y comediante David Spade, en 1994. La pareja tuvo una hija, Frances Beatrix Spade, nacida en 2005.La actriz Rachel Brosnahan es sobrina de Spade.

Un ama de llaves encontró a Spade muerta de un aparente suicidio, colgando en su apartamento de Manhattan el 5 de junio de 2018. La policía dijo que había dejado una nota dirigida a su hija.

Premios
En 1996, el Consejo de Diseñadores de Moda de Estados Unidos (CFDA) nombró a Spade como “El Nuevo Talento de Moda de Estados Unidos en Accesorios” por sus diseños clásicos. En 1998, CFDA volvió a honrarla como “Mejor diseñadora de accesorios del año”.

Su colección para el hogar ganó tres premios de diseño en 2004, incluyendo el “Giants of Design Award” por creación de tendencias, de la revista House Beautiful, el “American Food and Entertaining Award” por diseñadora del año, de la revista Bon Appétit y el “Elle Decor International Design Award” para ropa de cama, de la revista Elle Decor.

En 2017, fue incluida en el Salón de la Fama del Emprendedor en la Escuela de Administración Henry W. Bloch en la Universidad de Missouri, Kansas City.

También en 2017, la revista Fast Company la nombró una de las personas más creativas en los negocios












{1 junio, 2018}   *Bienvenido Junio!

Flaming June (1895) por Lord Leighton

Junio , Leandro Bassano

A principios de junio, el sol sale en la constelación de Tauro ; a finales de junio, sale el sol en la constelación de Géminis . Sin embargo, debido a la precesión de los equinoccios, junio comienza con el sol en el signo astrológico de Géminis , y termina con el sol en el signo astrológico de Cáncer

Bajo el calendario de la antigua Roma, el festival de Ludi Fabarici tuvo lugar el 29 de mayo, el 1 de junio, Kalendae Fabariae tuvo lugar el 1 de junio, el Festival de Bellona tuvo lugar el 3 de junio, Ludi Piscatorii tuvo lugar el 7 de junio y Vestalia tomó lugar del 7 de junio al 15 de junio. El 20 de junio se celebró una Rosalia . Los Juegos Seculares se celebraron aproximadamente cada 100 años en mayo o junio. Estas fechas no corresponden al calendario gregoriano moderno .

Junio, de Très Riches heures du duc de Berry

Junio es el sexto mes del año en los calendarios juliano y gregoriano , el segundo de cuatro meses en tener una duración de 30 días y el tercero de cinco meses en tener una duración inferior a 31 días. Junio ​​contiene el solsticio de verano en el hemisferio norte , el día con más horas de luz diurna y el solsticio de invierno en el hemisferio sur , el día con la menor cantidad de horas de luz diurna (excluidas las regiones polares en ambos casos). Junio ​​en el hemisferio norte es el equivalente estacional a diciembre en el hemisferio sur y viceversa. En el hemisferio norte, el comienzo de la astronomía tradicionalel verano es el 21 de junio (el verano meteorológico comienza el 1 de junio). En el hemisferio sur, el invierno meteorológico comienza el 1 de junio.

El nombre latino de junio es Junius . Ovidio ofrece múltiples etimologías para el nombre en el Fasti , un poema sobre el calendario romano . El primero es que el mes lleva el nombre de la diosa romana Juno , la diosa del matrimonio y la esposa de la deidad suprema Júpiter ; el segundo es que el nombre proviene de la palabra latina iuniores , que significa “jóvenes”, en oposición a maiores (“ancianos”) para los cuales se puede nombrar el mes precedente de mayo ( Maius ) 

Otra fuente afirma que junio lleva el nombre de Lucius Junius Brutus, fundador de la República romana y antepasado de la gens romana Junia http://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k1203334d/f27

Las piedras de nacimiento de junio son perla , alejandrita y piedra lunar .
Las flores de nacimiento son rosa y madreselva .
Los signos del zodíaco para el mes de junio son Géminis (hasta el 20 de junio) y Cáncer (desde el 21 de junio en adelante)

madreselva .rosa

Alexandrite 1(Zimbabwe).jpgMoonstone.JPG

perla , alejandrita y piedra lunar .

Geminis, Blanco y Negro, de Arija, 07-05-1904 (cropped).svgArchivo:Cáncer, Arija, Blanco y Negro, 04-06-1904.svg

 

“Busca rosas en diciembre o hielo en junio; espera encontrar constancia en el viento o grano en la paja; cree en una mujer o en un epitafio,  o en  cualquier  otra cosa  que sea     falsa, pero no te fíes de los críticos.”
Gordon Byron, Lord Byron



{31 mayo, 2018}   Volcán Kilauea

https://e.infogram.com/14858bdb-d0f6-4079-88e5-db904e0fffe8?src=embed

Volcán Kilauea
Infogram
Kilauea
Kīlauea ubicada en Hawái
Scientist collecting pahoehoe, Kilauea.jpg
Photo by R.L. Christiansen, February 12, 1972.

Lava saliente de una fisura en Hoʻokāpu Street en la subdivisión Leilani Estates (5 de Mayo de 2018)

 



{31 mayo, 2018}   Iglesias de madera – Rusia

Iglesia de madera Kizhi Pogost

Kizhi 06-2017 img08 Pogost view.jpgView of the Pogost on Kizhi Island, Republic of Karelia (Russia).
A.Savin (Wikimedia Commons · WikiPhotoSpace) – Trabajo propio

Kishi church detail roof 02.jpgКупола церкви в деталях.
User:MatthiasKabel – Own work

Kizhi Pogost (en ruso: Кижский Погост)? es un sitio histórico que data del siglo XVII en la isla de Kijí. La isla se encuentra en el lago Onega en la en la República de Carelia, Rusia. El pogost es el área dentro de una valla que incluye dos grandes iglesias de madera (la Iglesia de la Transfiguración de 22 bóvedas y la Iglesia de la Intercesión de 9 cúpulas) y un campanario. El pogost es famoso por su belleza y longevidad, a pesar de que está construido exclusivamente de madera. En 1990, fue incluido en la lista de la UNESCO de sitios del patrimonio mundial y en 1993 se enumeró como sitio del patrimonio cultural ruso.

Como señala este organismo internacional, el recinto de Kizhi «se encuentra en una de las muchas islas del lago Onega, en Carelia. Pueden verse en él dos iglesias de madera del siglo XVII y un campanario octogonal, también de madera y construido en 1862. Estas inusuales construcciones, en la que los carpinteros crearon una audaz arquitectura visionaria, perpetúan un antiguo modelo de espacio parroquial y están en armonía con el paisaje que las rodea»

Según dice una leyenda, la Iglesia de la Transfiguración fue construida por el maestro carpintero Néstor utilizando una sola hacha, herramienta que luego lanzó simbólicamente al lago Onega mientras pronunciaba las palabras “No la hubo, y no habrá otra iglesia como esta”.3​ Actualmente, es uno de los destinos turísticos más populares de Rusia, pues reúne un conjunto fabuloso de iglesias, capillas y casas construidas con madera encastrada.

Kizhi tiene una longitud de 7 kilómetros y mide 500 metros de ancho. Se encuentra rodeada aproximadamente por 5.000 islas, las cuales en su mayoría son pequeñas (algunas tienen un diámetro de tan sólo 2 metros, sin embargo, otras alcanzan una longitud de 35 kilómetros). El pogost de Kizhi es un asentamiento que unificó a más de 100 pueblos en el siglo XVI.

La edificación más importante de la isla es la Iglesia de la Transfiguración, la cual fue terminada de construir en 1722; cuenta con 22 cúpulas encastradas y con un hermoso iconostasio. Al lado de ésta se encuentra la iglesia de la Intercesión (9 cúpulas) construida en 1764 y una torre con un enorme reloj en forma octagonal (1874). Sin embargo, lo más asombroso de estas edificaciones es que fueron erigidas sin utilizar un solo clavo.

En el año 1960 las autoridades soviéticas crearon un museo de arquitectura de madera rusa en la isla de Kizhi e instalaron otras edificaciones que trasladaron desde diversas partes de Carelia. Una de esas edificaciones fue la iglesia de Lázaro que data del siglo XIV. Dicho monumento es la iglesia de madera más antigua de Rusia y fue transportada desde el Monasterio de Múromsky. Otras muestras de la arquitectura de madera rusa se pueden encontrar en Kondopoga y Kem.

20:00, 7 June 2006 Thumbnail for version as of 20:00, 7 June 2006 1,751 × 1,456 (160 KB) Gérard Janot (talk | contribs)

Tipos de iglesias rusas de madera

Las viejas iglesias de madera rusas crearon la impresión de monumentalidad en un tamaño relativamente pequeño. La gran altura de las varillas de madera está diseñada exclusivamente para la percepción desde el exterior porque su interior tenía una altura relativamente pequeña, porque estaba limitada desde arriba por un techo suspendido (“cielo”).

Tipos de iglesias rusas de madera

La Iglesia de la Deposición de la aldea de Borodava es el monumento de madera preservado más antiguo en el territorio de Rusia con una datación exacta. [2] Foto de mayo de 2009. Según estudios recientes, los capítulos de la iglesia de la Deposición estaban ausentes.
AlexVish – trabajo propio

Museo de la arquitectura folclórica de madera de la iglesia de la Trinidad Vitoslavlitsa Kletskaya (1672-1676)

Iglesia de la Transfiguración (1707) en el AHM “Khokhlovka”

Iglesia de San Basilio del siglo XVI., Región de Ivano-Frankivsk, distrito de Rogatinsky, con. Churche

Iglesia de la Natividad de la Virgen (1695) en el pueblo de Gimreka en el distrito de Podporozhsky de la región de Leningrado

El templo de Klet

Templo Kletoky: una o varias jaulas de troncos rectangulares, cubiertas con techos a dos aguas . El más antiguo de ellos, al que pertenecía en particular la Iglesia de la Deposición de la aldea de Borodava , tenía una construcción anodina de las pendientes del techo y no tenía cabezas. Las “iglesias decapitadas” en Rusia existieron hasta el siglo XVII. 

Hasta el siglo XX fueron los más comunes. Su arquitectura tenía mucho en común con los edificios residenciales . Estaban hechos de varios niveles cortados el uno al otro: un altar , una sala de oración, un refectorio, una capilla, pórticos , porches y un campanario . El número de cabañas de madera a lo largo del eje Este-Oeste podría ser grande. Entonces los templos se llamaron el “paquete” picado (la iglesia en la aldea de Skorodum). Los volúmenes principales de los templos fueron cortados en oblov con el resto, altares – en la pata.

Anteriormente se pensaba que el más antiguo que sobrevive monumento de madera en el territorio de Rusia – Iglesia de la resurrección de Lázaro de Murom , ahora en la Kizhi , que tiene fecha del final del siglo XIV , sin embargo, una amplia evidencia de su edad, y no hay expertos modernos han datado del siglo XVI. El monumento más antiguo de madera de sobrevivir en el territorio de Rusia con la datación exacta – Iglesia de la Deposición del Manto de la localidad de Borodava ( 1485 ), se trasladó a la ciudad de Kirillov en el territorio de la Monasterio de San Cirilo-Belozersky . Uno de los templos supervivientes más antiguos es la Iglesia de San Jorge en la aldea de Yuxovichi ( aldea Rodionovo ), fechada en 1493 . Los tres templos tienen un tipo de jaula.

 

Iglesia de la Ascensión de Kushereka (Malye Korely)

 

File:Malye Korely.jpg13:06, 12 September 2006 Thumbnail for version as of 13:06, 12 September 2006 1,600 × 1,200 (469 KB) Nesusvet

Iglesia de madera Suzdal, en la región Vladimir

Imagen Antonio Bonanno

Monasterio-Catedral de Valaam.
Иерей Максим Массалитин Posición de la cámara 61° 23′ 15,05″ N, 30° 56′ 24,89″ E Ubicación de esta y otras imágenes en: OpenStreetMap – Google Earth – originally posted to Flickr as Преображенский собор

View on Valaam Monastery
Sunnykarelia – Own work

Iglesia de la Natividad de Nuestra Señora de Peredki, en Vitoslavlitsy

 

Часовня из деревни Кашира Маловишерского района.jpgEsta es una fotografía de un objeto de patrimonio cultural en Rusia, número:
Belliy – Trabajo personal

Con una perfección estructural, la iglesia de madera en Vitoslavlitsy se conserva desde el siglo XVI. Hoy, es un museo de arquitectura en Madera.

Una de las iglesias de madera del museo.

Vitoslavlitsy es un museo de arquitectura de madera ubicado en el territorio del Monasterio de San Jorge de Yuriev , a 4 kilómetros de la ciudad de Novgorod , en la orilla sur del lago Miatchino .

Iglesia de madera de San Profeta Eliseo

St Prophet Elisha church, Leningrad oblast, Russia view 2

Foto: roving-wiretrap .

La iglesia de madera de San Profeta Eliseo se encuentra en una aldea abandonada de Yakovlevskaya de la zona de Podporozhsky ( oblast de Leningrado ) en la orilla del lago Sidozero. La iglesia construida en 1899 y cerrada en 1939 está ahora en un estado de deterioro significativo.

 

 




Las iglesias stavkirke (Noruega)

Iglesia de Borgund

Ximonic (Simo Räsänen) – Fotografía propia
Borgund Stave Church in Lærdalen in Lærdal municipality, Sogn og Fjordane, Norway in 2013 June. & Svein Harkestad – Trabajo propio
Borgund stavkirke

Picture taken by myself (Glaurung) in July 2005

La Iglesia de madera de Borgund es un antiguo templo del tipo stavkirke de la localidad de Borgund (municipio de Lærdal, provincia de Sogn og Fjordane), en Noruega. Su construcción data de finales del siglo XII. Actualmente sólo funciona como museo.

Es la obra maestra de las treinta stavkirke medievales que han sobrevivido hasta la actualidad. Presenta un diseño monumental, con su característico techo de escalonamiento séxtuplo con decoración en forma de cabezas de dragones. Es también la mejor conservada, la más conocida y una de las más visitadas.

Su buen estado de conservación la ha convertido en la mejor representante de las stavkirke, y varias reconstrucciones de otras iglesias de este tipo se han apoyado en ella.

Stavkirke con sala central de techo elevado (Borgund). Dibujo de Håkon Christie.
Håkon Christie; Original uploader was Nina

En la actualidad, todavía su base de piedras es tratada con alquitrán como en aquel entonces para evitar su deterioro.

Origen de las stavkirke
Han existido varias teorías sobre el origen de las stavkirke, pero de ellas las dos más comunes son la teoría basilical y la teoría pagana. El debate no ha quedado completamente resuelto y es aún tema de investigaciones. Sin embargo, queda claro que las stavkirke son una expresión artística europea, apoyada en las costumbres locales.

Detalle del portal de la iglesia de madera de Urnes, en Luster, Sogn og Fjordane.
Andreas Tille – Trabajo propio

Iglesia de madera de Eidsborg

La iglesia de madera de Eidsborg.
haade – Trabajo propio
Eidsborg Stavkirke, Telemark, Norway

la iglesia de madera de Eidsborg es una stavkirke noruega de mediados del siglo XIII. Se ubica en el poblado del mismo nombre, en el municipio de Tokke, en Telemark. Está dedicada a San Nicolás de Bari.

Actualmente es una de las stavkirke mejor conservadas. Aunque fue parcialmente reconstruida en el siglo XIX, la reconstrucción no afectó mayormente la estructura ni la forma medieval de la iglesia. Una nueva restauración ocurrió en la década de 1920.

 

Fotografía de Axel Lindahl, entre 1880 y 1890. Se aprecia el corredor fragmentado.
Es una iglesia tipo A («de una sola nave»). La nave rectangular fue extendida hacia el oriente entre 1845 y 1850, por lo que el coro tuvo que ser derribado y vuelto a construir en esa misma época.

La iglesia está rodeada en los cuatro costados por un corredor, que proporciona protección y soporte adicional; de éste son originales algunas partes de los costados norte y sur. Con la introducción de ventanas laterales, el corredor se fragmentó, pero la reconstrucción del siglo XX modificó las ventanas y reconstruyó totalmente el corredor.

La torre, en la parte occidental del caballete del techo de la nave, es una reconstrucción de 1693.

En el interior de las paredes de la nave hay pinturas renacentistas del siglo XVII, que fueron restauradas en 1929. Hay también rastros de pintura medieval, y dos paneles originales de la desaparecida stavkirke de Lårdal.

La mayor parte del inventario es de tiempos posteriores a la reforma protestante, salvo un crucifijo medieval de madera.

Aún es empleada como el templo parroquial luterano de Eidsborg.

Iglesia de madera de Flesberg

16:43, 26 October 2007 Thumbnail for version as of 16:43, 26 October 2007 1,150 × 1,212 (911 KB) Hydro (talk | contribs)

Actualmente tiene planta de cruz griega, con cuatro brazos equiláteros. El brazo occidental corresponde a la nave, y posee un pequeño vestíbulo, donde se halla la entrada principal; el brazo oriental es el coro (sin ábside), y los brazos norte y sur corresponden al transepto, un elemento extravagante del siglo XVII construido en una técnica diferente al de las stavkirke medievales. Hay una torre central, pero no se sitúa sobre el crucero, sino sobre el caballete del techo de la nave. El techo, que en un principio era escalonado, hoy no es más que un sencillo techo de dos aguas.

Conserva pocas partes originales, entre ellas los cuatro postes esquineros de la nave, una parte de las vigas de madera de los cimientos, así como algunos tablones del muro de la nave.

El portal occidental, aunque parcialmente reconstruido, es el original. Destacan sus columnas con capiteles en forma de leones y su rica decoración de arte vikingo con elementos vegetales y animales, como dragones y serpientes entrelazados. La mayor parte del portal está pintada de azul, pero la parte superior permanece al natural, debido a que anteriormente el vestíbulo occidental tenía una techumbre interior que cubría la parte superior del portal.

 

La iglesia de madera de Heddal

Heddal stave church, Norways largest stave church located at Heddal in Notodden municipally. Photo taken by Jørgen Larsen, 2006-08-15.

La iglesia de Urnes, dibujada por Johan Christian Dahl.

La Iglesia de Urnes en su aspecto actual. Foto de Nina Aldin Thune

La iglesia de madera de Eidsborg.
haade – Trabajo propio

La iglesia de madera de Eidsborg es una stavkirke noruega de mediados del siglo XIII. Se ubica en el poblado del mismo nombre, en el municipio de Tokke, en Telemark. Está dedicada a San Nicolás de Bari.

Actualmente es una de las stavkirke mejor conservadas. Aunque fue parcialmente reconstruida en el siglo XIX, la reconstrucción no afectó mayormente la estructura ni la forma medieval de la iglesia. Una nueva restauración ocurrió en la década de 1920.

iglesia de madera de Garmo 

La iglesia de madera de Garmo en invierno.

Conserva buena parte de la madera original, pero su planta de cruz griega es una característica totalmente ajena a las stavkirke medievales. Consiste de nave con vestíbulo occidental, un coro de menor anchura y un transepto; este último es una intrusión de 1730 y aunque de madera, fue construido en una técnica diferente. El coro no tiene ábside, en vez de ello hay una sacristía anexa al costado oriente.

Además de la planta, su techo en dos aguas, la torre del crucero con su agudo chapitel y sus pináculos, y la decoración de dragones en el caballete del techo recuerdan a la iglesia de madera de Lom, aunque en una versión de menor tamaño.

Iglesia de madera de Gol

Iglesia de madera de Gol.
Peulle – Trabajo propio

La Iglesia de madera de Gol es una iglesia de madera medieval construida entre los siglos XII y XIII en el pequeño pueblo de Gol, provincia de Buskerud, en Noruega y localizada en esta misma localidad de Gol a 192 km. de Oslo. Tras ser desmontada en 1884 fue reconstruida en 1885 en el Museo del Pueblo Noruego, donde permanece en la actualidad. Oficialmente pertenece al Rey de Noruega.

Detalle del interior, mostrando los postes de la sala central con arcaturas, cepos y cruces de San Andrés.
I, T. Bjørnstad
in the Norwegian Directorate for Cultural Heritage database.

Réplica en Orlando (EEUU)

Réplica en Gol (Noruega)

Réplica en Minot (EEUU)

Réplica en Beiarn (Noruega)

Iglesia de madera de Grip

Altar

Exterior de la iglesia.
http://www.kirkenorge.no
Grip Stavkirke

Iglesia de madera de Haltdalen

La iglesia de madera de Haltdalen, en Trondheim.
J. Morten Dreier – Trabajo propio

La iglesia de madera de Haltdalen es un stavkirke originalmente erigida en Haltdalen (actual municipio de Holtålen), en Noruega, hacia la década de 1170. Actualmente se localiza en el Museo Popular de Trøndelag, en Trondheim.
Es una stavkirke de tipo A, y se la considera como la más sencilla, junto con la iglesia de madera de Hedared, en Suecia. Consiste únicamente de una sencilla nave rectangular y en el oriente un pequeño coro cuadrado. El techo es de dos aguas y su armadura corresponde a un típico sistema de stavkirke.

Réplica en Heimaey (Islandia)
Martin Peeks from UK – Oldest chruch
Stafkirkjan, the old church of Heimaey, gift to Iceland from the norvegian government in 2000 in order to celebrate the 1000th anniversary of the arrival of Christianity. File:Stafkirkjan, old church of Heimaey.jpg
Creado el: 2 de abril de 2007

Iglesia de madera de Hedal.

Iglesia de madera de Hedal.

credit the photo John Erling Blad

La iglesia de madera de Hedal es una stavkirke localizada en Hedal, un pequeño valle en el municipio de Sør-Aurdal, Noruega.

Históricamente, la construcción de la iglesia ha sido datada en la segunda mitad del siglo XII. Recientes investigaciones por dendrocronología confirman esa hipótesis, pues demostraron que la madera más antigua fue cortada en el invierno de 1161-1162.

La iglesia se halla bastante modificada. Las partes medievales de la iglesia consisten únicamente de la parte occidental de la nave. En un inicio fue una stavkirke de tipo A (llamada impropiamente «de nave única»), con un coro ligeramente menor a la nave y tal vez un ábside. El muro occidental de la nave, así como algunas vigas de tijera y otras partes del techo de la parte occidental es todo lo que ser conserva de la construcción primitiva.

La primera referencia de la iglesia es una relación del nuncio papal de 1397.

La transformación en una iglesia de planta de cruz se realizó probablemente en 1699. El antiguo coro fue demolido y sustituido con uno nuevo de construcción lafteverk. En 1738 fue construida la torre del crucero. El entablillado del techo fue reemplazado con pizarra en 1902. Una restauración completa se realizó en 1902 bajo la dirección de Carl Berner.

Iglesia de madera de Heddal

Vista simétrica frontal de la iglesia de madera de Heddal.
Delabat – Trabajo propio

La iglesia de madera de Heddal es una stavkirke —una iglesia medieval cristiana de Noruega construida en madera— de la primera mitad del siglo XIII en el municipio de Notodden, en Telemark.

Es la más grande entre todas las stavkirke conservadas y un importante centro turístico. Mantiene las funciones litúrgicas de un templo luterano.

Presenta un aspecto monumental, es una stavkirke de tipo B cuya planta consiste de una nave, un coro con ábside semicircular, y un corredor que rodea toda la iglesia. Tanto la nave como el coro se dividen en una sala central de techo elevado rodeada por un deambulatorio de techo de menor elevación.

En el alzado, la iglesia consiste en su parte más alta —correspondiente a la nave— de un escalonamiento quíntuplo. El primer nivel lo da el corredor, el segundo la parte superior del deambulatorio, el tercero la pared de la sala central, y el cuarto y el quinto la torre central, que en un momento fue el campanario de la iglesia. El coro tiene un escalonamiento cuádruplo, y el ábside uno triple. La iglesia posee tres torres con chapitel: una en el centro de la nave, una en el centro del coro y una más en el ábside; mientras la primera tiene chapitel piramidal, las dos últimas presentan uno cónico. Hay proyecciones en forma de piñones en los techos y muros de los costados sur, norte y occidente del templo

La iglesia de madera de Heddal, vista desde el occidente.
Micha L. Rieser
in the Norwegian Directorate for Cultural Heritage database.
This is a photo of a monument in Norway, number:
84513
in the Norwegian Directorate for Cultural Heritage database.

Attribution: Micha L. Rieser

El campanario.
kirq (Tomasz Halszka) – Trabajo propio
Belltower at stave church in Heddal, Norway

Iglesia de madera de Hegge

La iglesia, desde el este.
Johannes1024 – owm work
Hegge stavkirke

La iglesia de madera de Hegge es una stavkirke de la primera mitad del siglo XIII, en el pequeño poblado de Hegge, municipio de Østre Slidre, Noruega. Actualmente es un templo luterano de la Iglesia de Noruega.

La primera referencia escrita de la iglesia data de 1327, pero la datación dendrocronológica de la madera establece que ésta fue cortada en 1216, por lo que se asume que la construcción ocurrió algunos años después.

Es una stavkirke de tipo A con disposición similar a una basílica. La entrada se realiza a través de un pequeño vestíbulo en el costado occidental de la iglesia. Hay ocho postes circulares (stav) en el interior de la nave, que forman una arcada y delimitan un espacio cuadrado central que posee un techo elevado. Sobre el caballete del techo, en el centro de la nave se erige la única torre.

El coro, en el oriente de la iglesia, es ligeramente de menor anchura y elevación que la nave, y tiene un ábside cuadrado. Es una construcción posterior a la nave, y reemplazó a uno más anterior.

Toda la iglesia se encontraba, en sus inicios, rodeada de un corredor exterior, pero éste fue derribado durante remodelaciones posteriores. Las ventanas, el vestíbulo de la nave y el pequeño vestíbulo del muro sur del coro son obras añadidas durante las remodelaciones a las que estuvo sujeta la iglesia.

El altar es una talla de 1780, obra de un artista local. En una columna del interior hay una inscripción rúnica que reza: Erling Arnson escribió estas runas.

Hegge stavkirke, maske på stav - 1.jpgmask on top of a stave at no:Hegge stavkirke
John Erling Blad – Own work

Iglesia de madera de Hopperstad

Iglesia de Hopperstad.
User:Sveter (Please credit as “Petr Šmerkl, Wikipedia” in case you use this outside WMF projects.) – Trabajo propio
Hopperstad stave church in Vik, Norway.

Hopperstad Stave church.jpg

no: Hopperstad stavkyrkje en: Hopperstad stave church
Peter – originally posted to Flickr as Hopperstad Stave church  Flickr, was uploaded to Commons using Flickr upload bot on 13 August 2008, 22:02 by Jorunn.

Dragon Hopperstad.jpg

Dragon on Hopperstad stave church
Patrick Reijnders – Own work

La iglesia de madera de Hopperstad es una stavkirke medieval de Vikøyri, municipio de Vik, provincia de Sogn og Fjordane, en Noruega. Fue construida hacia el año 1130. Fue reconstruida en gran parte en el siglo XIX en un intento por recuperar su apariencia primitiva. Desde entonces es propiedad de la Sociedad para la Conservación de Monumentos Antiguos Noruegos.

La iglesia de madera de Høre

La iglesia de madera de Høre.
mroach – originally posted to Flickr as IMG_1695.JPG
no: Høre stavkyrkje en: Høre stave church

La iglesia de madera de Høre es una stavkirke noruega de 1179 o 1180 de la pequeña localidad de Ryfoss, municipio de Vang. Es un templo luterano que sirve de parroquia local de la Iglesia de Noruega.

De acuerdo a una inscripción rúnica, fue construida en 1180, fecha que parece confirmarse con la datación dendrocronológica, que señala que la madera fue cortada en el invierno de 1179-1180.

Fue levantada sobre los restos de una iglesia de postes anterior; en investigaciones arqueológicas de 1952, se encontraron restos humanos bajo el suelo, que en un principio sirvieron para datar la iglesia de postes. Hay varias inscripciones rúnicas en su interior; la del púlpito reza así:

El verano en que los hermanos Erling y Audun cortaron madera para esta iglesia, cayó el jarl Erling en Nidaros.

La iglesia de madera de Høyjord.

La iglesia de madera de Høyjord.
I, Besse
Picture of Høyjord stavkirke (Vestfold – Norway)

La iglesia de madera de Høyjord, en el municipio de Andebu, Noruega, es una stavkirke de los siglos XII y XIII. Es la stavkirke más sureña de Noruega y la única de la provincia de Vestfold que sobrevive en la actualidad.Comúnmente, se solía considerar la fecha de su construcción hacia 1300, pero ahora se acepta que fue construida en dos fases. El coro probablemente fue erigido en la segunda mitad del siglo XII, mientras que la nave es de ca. 1275. Esta diferencia de fechas puede indicar que algunas partes de la iglesia original fueron demolidas y vueltas a construir. La iglesia tuvo también, como muchas stavkirke, un corredor exterior hasta 1689, año en que desapareció. Fue reparada y remodelada en más de una ocasión a lo largo de su historia, lo que es causa de la presencia de algunos elementos extravagantes.

Iglesia de madera de Kaupanger

Iglesia de madera de Kaupanger.
Photo by Nina Aldin Thune, Processing by — John Erling Blad, 09:06, 2 January 2006 (UTC) – This photo was taken by Nina-no. Please credit this photo Nina Aldin Thune in the immediate vicinity of the image. Distribution: Creative Commons Kunsthistorie.com Farmasihistorie.com
Kaupanger stave church, Norway

La iglesia de madera de Kaupanger, en la localidad del mismo nombre, en Noruega, es una stavkirke del siglo XII. Es la más grande entre todas las stavkirke de la provincia de Sogn og Fjordane. Aunque pertenece a la Sociedad para la Conservación de Monumentos Antiguos Noruegos, es también una parroquia de la Iglesia de Noruega.

Es una stavkirke de tipo B. Tanto la nave como el coro están divididos cada uno en una sala central y un deambulatorio que rodea a ésta. Esta división es evidente desde el exterior por el escalonamiento del techo: un nivel corresponde al techo de la sala central y el otro, más bajo, al deambulatorio. La nave es rectangular y es soportada por 22 postes (staver), 8 en cado lado largo, y 3 en cada lado corto. El coro es de menor anchura.

Sobre la nave, hay una torre occidental cuadrada de dos cuerpos con un chapitel piramidal rodeado de cuatro pináculos. En el occidente de la nave, en la entrada, hay un pequeño porche (våpenhus).

La iglesia se sitúa sobre las ruinas de lo que podrían haber sido dos iglesias de postes

 

La iglesia de madera de Kvernes

La iglesia de madera de Kvernes, vista desde el oriente. Se aprecian los puntales que soportan a los muros.
Bjørn som tegner – Fotografía propia
Stavechurch, Kvernes gamle kirke på Averøy, Møre og Romsdal

La iglesia de madera de Kvernes es una stavkirke del municipio de Averøy, Noruega, construida en la segunda mitad del siglo XIV.

Es una stavkirke de tipo B, también llamado «de nave única», y pertenece al subgrupo de Møre. Inicialmente fue construida como una iglesia-salón con nave rectangular y coro ligeramente menos ancho que aquélla. En 1633 fue ampliamente remodelada; el coro original de técnica stavverk fue sustituido por uno nuevo en lafteverk, el corredor exterior fue derribado y el portal occidental fue movido hacia el costado meridional de la iglesia. En 1776 fue nuevamente remodelada, y de nuevo en 1810, cuando se añadió la torre sobre la parte occidental del caballete del techo.

La iglesia de madera de Lom

File:Stabkirche Lom.JPG

19:18, 28 December 2005 Thumbnail for version as of 19:18, 28 December 2005 1,200 × 900 (200 KB) Hesse1309

La iglesia de madera de Lom es una stavkirke medieval localizada en el municipio de Lom, en Noruega. Es una de las stavkirke más grandes; fue construida a finales del siglo XII, aunque experimentó cambios y reconstrucciones a lo largo de su historia. En el subsuelo se han encontrado interesantes huellas arqueológicas. 

La iglesia de Lom es una stavkirke de tipo B, con postes centrales que sostienen un techo elevado y delimitan una sala central en la nave. El resto de la nave se compone de un deambulatorio que rodea a la sala central por los cuatro lados y que posee un techo más bajo. El coro, en el oriente, es poco más estrecho que la nave. Desde la Edad Media se añadió un ábside al coro. En un principio, la iglesia tenía un corredor exterior que la rodeaba completamente, tal como aún sucede con la iglesia de madera de Borgund.

Los postes de la sala central de la nave se hallan conectados a los muros exteriores a través de un sistema de vigas y soportes en forma de arcos. Entre los postes hay arcos de madera que recuerdan a las arcadas de las basílicas. Probablemente a causa de cierta inestabilidad inicial, se agregaron desde la Edad Media vigas de madera en forma de cepos, que interconectan a los postes entre sí, además de tirantes en forma de X que constituyen una especie de «triforio». Estas características son típicas de las stavkirke del grupo Borgund, pero como no son parte de la construcción original, la iglesia de Lom se clasifica como una stavkirke del grupo Kaupanger.

 

Una de las pocas -si no es que la única- cabezas de dragón que se conserva en la actualidad de una stavkirke procede de la iglesia de Lom.

Iglesia de madera de Lomen

Vista de la iglesia desde el sur.

This photo was taken by Nina-no.
Please credit this photo Nina Aldin Thune in the immediate vicinity of the image.
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La iglesia de madera de Lomen es una stavkirke medieval de mediados del siglo XII. Se localiza en la pequeña localidad de Lomen en el municipio de Vestre Slidre, Oppland, Noruega.

Las primeras fuentes escritas que citan a la iglesia por su nombre son documentos de 1325 y 1334. Sin embargo, la dendrocronología establece fechas anteriores, que han permitido datar la construcción hacia 1179.

En 1779 ocurrió una restauración, que incluyó el agrandamiento de la iglesia. Pese a tener intrusiones que modificaron su aspecto en cierto modo, conserva elementos originales, como el armazón de la estructura y tres portales medievales artísticamente tallados en la madera.

Es una stavkirke tipo B, con nave dividida en sala central y deambulatorio, piezas divididas entre sí por columnas. El coro es de menor anchura, y en un principio tenía ábside, pero éste fue demolido en la reconstrucción del siglo XVIII. La misma suerte tuvo el corredor exterior.

La iglesia de madera de Nore

File:Nore stave church.jpg12:59, 14 December 2005 Thumbnail for version as of 12:59, 14 December 2005 2,240 × 1,680 (634 KB) Agtfjott~commonswiki

La iglesia de madera de Nore es un stavkirke del municipio de Nore og Uvdal, en Noruega, construida, de acuerdo a la dendrocronología, poco después de 1167.

Tiene planta de cruz griega, pero originalmente fue construida a finales del siglo XII como una stavkirke de tipo A con un mástil central en la nave (midmastkirke).

La nave es la única parte original, construida en la típica técnica de stavverk. El coro y el transepto fueron erigidos con la técnica de lafteverk (técnica originalmente ajena a las stavkirke). Una característica sin paralelo de esta iglesia es que parece haber sido transformada en forma de cruz desde la Edad Media, al contrario de las demás stavkirke con ese tipo de planta (p.e. Lom), que fueron modificadas después de la reforma protestante. Originalmente los brazos del transepto terminaban en un ábside. La torre del crucero es octogonal. En el centro de la nave se conserva el mástil central —característico de este tipo de stavkirke—, que servía de soporte a la primera torre de la iglesia, hoy desaparecida, que se hallaba sobre el caballete del techo.

El transepto fue reconstruido entre 1709 y 1714, y el coro fue expandido en 1683. El porche occidental data de 1723 y la sacristía de mediados del siglo XVIII. Presenta tres galerías elevadas con ventanas, que simulan un triforio. En el interior hay inventario de estilo renacentista y rococó, entre lo que se conservan pinturas murales de 1655.

Funcionó como iglesia parroquial hasta la segunda mitad del siglo XIX. En 1888 Lorenz Dietrichson, estudioso de las stavkirke noruegas, compró la iglesia y dos años después la cedió a la Sociedad para la Conservación de los Monumentos Antiguos Noruegos.

Iglesia de madera de Øye

Archivo:Øye stavkyrkje 01.JPG20:14 23 sep 2007 Miniatura de la versión del 20:14 23 sep 2007 2272 × 1704 (2,01 MB) PerPle

La iglesia de madera de Øye es un templo cristiano medieval de ca. 1200 perteneciente al grupo de las stavkirke. Se localiza en Øye, un pequeño pueblo del municipio de Vang, en Noruega.

Es una reconstrucción de la década de 1950 con la mayor parte del material original. Es una de las stavkirke más pequeñas y también una de las más antiguas. Forma parte de la parroquia de Vang, y es utilizada para efectos eclesiásticos sólo algunas veces en el año.

Se nombra por primera vez en una fuente escrita de 1347, pero es datada en ca. 1200. Se situaba en un principio en un solar justo al lado del fiordo. En 1747 fue derribada, al iniciarse la construcción de una moderna iglesia de piedra en el pueblo. Los restos de la stavkirke fueron escondidos, y su paradero se ignoró hasta 1935, cuando durante las obras de expansión de la nueva iglesia, se hallaron bajo su suelo piezas de madera de la stavkirke.

De las piezas halladas, 156 se conservaron para una eventual reconstrucción de la vieja iglesia de madera. Con fondos recolectados entre los ciudadanos de la parroquia y del Riksantikvarien (departamento del Estado noruego responsable de los monumentos históricos), la iglesia de madera de Øye fue reconstruida en la década de 1950 de acuerdo a los planos del arquitecto Ola Øvergaard de 1950. Se eligió una nueva ubicación cercana a la inicial pero en un terreno más alto. Øvergaard utilizó todo el material original rescatado y algunas piezas nuevas, entre las que se hallaban algunas sobrantes de la reconstrucción de la iglesia de madera de Heddal de 1952.

Se cree que uno de los motivos para no reconstruirla en su su ubicación primitiva, un terreno bajo junto al fiordo, fue que el río se desbordaba continuamente e inundaba el cementerio, provocando la emergencia de cadáveres. El plano de la iglesia es una forma intermedia entre una stavkirke tipo A y una tipo B. Tiene cuatro postes centrales que sostienen el techo sobre la nave. Dos postes más sostienen el techo del coro; éste es de menor anchura que la nave. La sala central de la nave no tiene un techo elevado, como sucede con las stavkirke de tipo B. En el interior de la iglesia hay cuatro postes más, sin ninguna función. Se ha sugerido que éstos sostenían una torre. El doble escalonamiento del techo de la stavkirke se produce por la diferencia de nivel entre el techo del coro y la nave con el de un corredor exterior que rodea totalmente a ambos.

Iglesia de madera de Reinli.

Creator of this photo was Jeblad.
Please credit the photo John Erling Blad in the immediate vicinity of the image.
jeb.no

La iglesia de madera de Reinli es una stavkirke medieval del municipio de Sør-Aurdal, en la provincia de Oppland, Noruega. Ha sido común datarla en la segunda mitad del siglo XIII o a principios del siglo XIV, pero las más recientes investigaciones dendrocronológicas indican que algunas partes son de fechas posteriores a 1326. Aún en la actualidad conserva su antigua función litúrgica, como templo parroquial luterano de la Iglesia de Noruega.

Durante una excavación arqueológica bajo el piso de la iglesia en 1971 y 1972 se localizaron restos de lo que podrían ser dos iglesias más antiguas. También se encontraron monedas del reinado de Haakon IV (1250-1263).

Las primeras fuentes escritas que hacen mención de una iglesia en el lugar son las que narran el viaje de Olaf II a través de Valdres en 1023. El rey podría haber visitado Reinli y, de acuerdo a la tradición, habría hallado un templo pagano en el emplazamiento de la actual stavkirke.

Parte del material de la iglesia ha sido datada por radiocarbono hacia 1190. Aunque tal método de datación no siempre coincide con la dendrocronología, bien podría indicar que se utilizó madera de un templo anterior. El nuncio papal en Valdres menciona a la iglesia de Reinli en una relación de 1327.

La tradición atribuye a un Sira Thord la erección de la iglesia, y tal maestro se encontraría sepultado bajo el portal meridional. Una inscripción en el corredor, cercana a ese portal, reza así: Aquí descansa Sira Thord, quien dejó concluida esta iglesia, pater noster.

El templo fue remodelado probablemente en más de una ocasión desde la Edad Media, y en el siglo XVII y el XVIII. En 1880 se restauró nuevamente, y fe cuando se colocaron crucifijos y cabezas de dragón en el exterior, una característica de las stavkirke medievales y que no se muestran en un dibujo de la iglesia realizado por G.A. Bull en ca. 1855. El interior fue remodelado entre 1884 y 1855. Tanto el exterior como el interior de la iglesia fueron nuevamente restaurados en 1976 y 1977.La mayor parte de la madera es original, y el templo conserva bastante bien sus características medievales. Es una iglesia-salón de Tipo A, con un techo elevado de dos aguas y nave y coro de la misma anchura. Un corredor rodea a la iglesia por los cuatro costados, con techo significativamente más bajo que el del resto del templo y muros con pequeñas aberturas alargadas que permiten la ventilación. En el centro del caballete del techo de la nave hay una pequeña torre central, que funciona de campanario.Reinli forma parte del mismo modelo arquitectónico de las stavkirke de Haltdalen, Undredal, Rollag, Hedalen y Eidsborg.

Iglesia de madera de Ringebu

Iglesia de madera de Ringebu.
Sean Hayford O’Leary – flickr.com: Ringebu stavkirke
Stave church in Ringebu

La iglesia de madera de Ringebu es una de las 28 stavkirke medievales de Noruega, y una de las más grandes. Fue construida cerca de 1220 en el municipio de Ringebu, en la provincia de Oppland.

Fue remodelada significativamente y agrandada en el siglo XVII.

Su diseño original es el de una stavkirke tipo B del subgrupo Borgund. Aunque todavía suele clasificarse como tal, tiene elementos ajenos a la arquitectura de las stavkirke, como la planta en forma de cruz griega, la torre del crucero y la presencia de ventanas, entre otras.

De la iglesia medieval sólo queda la nave, con una sala central de techo elevado rodeada por un deambulatorio de techo de menor elevación -disposición típica de las stavkirke de tipo B-. La división entre sala central y deambulatorio se realiza a través de 12 postes circulares unidos entre sí por medio de tirantes en forma de cruces de San Andrés.

Un transepto atraviesa la nave de la iglesia, y cuenta con un vestíbulo que sirve de entrada en el brazo sur. En el crucero se levanta la única torre, de color rojo, a modo de linterna. El chapitel de la torre es octagonal sobre cuatro triángulos invertidos y cuatro trapecios.

Al este de la nave se localiza el coro, de la misma altura y ancho de la nave. Aunque muy similar a la nave en el exterior, en realidad no fue construido en la técnica de las stavkirke. No cuenta con ábside. Por el lado norte se comunica con la sacristía.

Actualmente: la iglesia de madera de Ringebu ha mantenido su uso eclesiástico desde la Edad Media. Actualmente es la principal iglesia de la parroquia luterana de Ringebu, parte de la Iglesia de Noruega.

Es también sede de conciertos de organistas y de un festival internacional de música durante el verano.

Iglesia de madera de Rødven

La iglesia de madera de Rødven desde el suroeste. Detrás, la iglesia moderna. Foto de Frode Inge Helland
I, Frode Inge Helland
Rødven stave church, Rødvenfjorden, Rauma municipality, Møre og Romsdal county, Norway

La iglesia de madera de Rødven es una stavkirke medieval del pequeño pueblo de Rødven, municipio de Rauma, Noruega.

Se acepta que la iglesia fue construida hacia 1200. Pertenece a las stavkirke de tipo A y junto con la iglesia de madera de Kvernes, es la única sobreviviente del subgrupo de Møre. Posee puntales externos que dotan de rigidez a los muros sur y oriente.

Su aspecto actual corresponde a las obras de remodelación de ca. 1600, cuando se demolió el coro original (menos ancho que la nave) y se suplantó por uno nuevo de mayor anchura, al mismo tiempo que el corredor exterior que rodeaba toda la iglesia fue derribado y se construyó un pequeño vestíbulo en el costado occidental. En los siglos XVII y XVIII fue reparada varias veces; de ese tiempo procede la torre de la nave y las ventanas. De sus elementos decorativos, las pinturas interiores son del los siglos XVII y XVIII. Un crucifijo de madera es de factura medieval.

Durante excavaciones arqueológicas entre 1962 y 1963 se localizaron huellas de postes enterrados en el suelo, lo que prueba la existencia de una iglesia de postes anterior a la actual stavkirke.

En 1906 se levantó la nueva iglesia de la localidad, llamada la capilla de Rødven, que tenía el objetivo de ser el nuevo templo parroquial. Poco después la Sociedad para la Conservación de Monumentos Antiguos Noruegos compró la vieja stavkirke, que permanece en la actualidad como su propiedad.

Iglesia de madera de Røldal

Location Røldal, municipality Odda in the county of Hordaland, Norway
Established ca. 1250
Materials Wood
Seats 130
Info sources Røldal – Stave Church or what…?
Source: Image taken by me, Roar Johansen
Date: 1. August, 2005

La iglesia de madera de Røldal es una stavkirke del siglo XIII en la localidad del mismo nombre, provincia de Hordaland, en Noruega. Ha mantenido su uso litúrgico hasta la actualidad. Es una iglesia luterana, y también un centro de peregrinación para los católicos.

La mayor parte de la construcción medieval de la nave y el coro se ha conservado hasta la actualidad, lo mismo que el techo. De los portales, sólo una parte del portal meridional es original.

La iglesia posee un crucifijo del siglo XIII que se localiza en la entrada del coro. La pila bautismal es de esteatita y se considera que data del siglo XIII o XIV.

En el Museo de Bergen se conservan algunas partes constructivas o mobiliario que formó parte de la iglesia en la Edad Media. Entre ellas se encuentra un frontal y esculturas de madera de la primera mitad del siglo XIII, entre las que se hallan San Olaf, la Virgen con el Niño y el Arcángel Miguel. El frontal muestra una escena de la crucifixión así como a Jesucristo en las puertas del infierno.

Fue construida inicialmente como una iglesia-salón de una sola nave, con la misma anchura para la nave que para el coro. Las excavaciones arqueológicas han descubierto que los postes esquineros reposan directamente sobre un cimiento de piedra; por contraparte, la mayoría de las stavkirke tienen sus postes sobre un marco de vigas soleras, las cuales reposan sobre un cimiento de piedra. Lo anterior ha generado un debate sobre si la iglesia de Røldal es en realidad una iglesia de postes1​ (stolpekirke), un tipo de templos de madera con técnica más antigua que las stavkirke.

Poco después de su construcción, se cambió la conformación de iglesia-salón por una que la asemejaba a las demás stavkirke: una planta con nave de mayor anchura que el coro, y un corredor que rodea a ambos.

En el siglo XVII se añadió nuevo inventario con características renacentistas, los muros interiores fueron pintados y se introdujeron ventanas. En 1844 la nave fue expandida hacia el occidente y los muros fueron revestidos tanto por dentro como por fuera.

Iglesia de madera de Rollag

La iglesia de madera de Rollag.
The original uploader was Jpfagerback de Wikipedia en inglés – Transferido desde en.wikipedia a Commons.
Rollag Stave Church. © 2005 J. P. Fagerback

La iglesia de madera de Rollag es una stavkirke de la localidad del mismo nombre, en Noruega. Su construcción se remonta a la segunda mitad del siglo XIII, pero no se conserva mucho de la madera original. Las referencias escritas más antiguas sobre la iglesia son de 1425.

En un inicio, era una sencilla iglesia de nave rectangular y un pequeño coro sin ábside. Este coro fue sustituido en 1670 por uno mayor construido de troncos (y no con la técnica clásica de las stavkirke). En 1698 la iglesia fue transformada en forma de cruz griega, cuando se construyó un transepto a ambos lados de la nave. En el crucero, está la torre con un chapitel octogonal.

Iglesia de madera de Torpo

La iglesia de madera de Torpo (provincia de Buskerud, Noruega).
Photo by User:ToB (Tom Bjornstad, Norway) – Trabajo propio

La iglesia de madera de Torpo es una stavkirke que data de finales del siglo XII. Se sitúa en la localidad de Torpo en el municipio de Ål, en Noruega.

Es clasificada como una stavkirke de Tipo B del grupo de Borgund. Sólo queda en pie la nave, pues el coro, el ábside y el corredor exterior desaparecieron. Las obras pictóricas de su interior son una valiosa muestra de la pintura en tabla del arte gótico.El techo tiene un escalonamiento triple y estuvo originalmente revestido con tejuelas de madera, que a principios del siglo XIX fueron reemplazadas con lutita. Una torre central cuadrada sobrepuesta al caballete de la nave es rematada en un chapitel piramidal de ocho lados. En la pared de la sala central hay pequeñas claraboyas redondas, que originalmente eran las únicas entradas de luz además de los portales. Las ventanas son estructuras posteriores a la reforma protestante y quizás la más antigua sea la del techo del deambulatorio de la nave.

La iglesia de Torpo es una stavkirke de tipo B, es decir, su nave se divide en una sala central de techo elevado y un deambulatorio de techo bajo, que rodea a aquélla. En el aspecto arquitectónico, Torpo conserva bastante parecido con la derribada iglesia de madera de Ål y con las stavkirke de la región de Sogn, por lo que en ocasiones se le ha llegado a incluir en las atavkirke del grupo Borgund. Los 14 postes de la sala central forman columnas, decoradas con capiteles románicos y se interconectan entre sí a través de cepos y tirantes en forma de cruces de San Andrés estilizadas.

En la pared occidental de la nave hay rastros de que originalmente hubo un primer coro de anchura menor que la nave. Este coro fue sustituido desde la Edad Media por uno casi cuadrado, tan ancho como la nave. Este último, que tenía un ábside en el oriente, fue derribado en 1880.

Alrededor de todo su perímetro, la iglesia tuvo originalmente un corredor externo con arcaturas enanas, como el de la iglesia de Borgund. Este corredor se mantuvo incluso después de que el coro fue agrandado, pero fue demolido definitivamente en el siglo XIX.

Inscripciones rúnicas
En una pieza que una vez estuvo en la pared del coro, está tallada una inscripción rúnica que dice: “Torolf hizo esta iglesia”, y menciona varios nombres más. Torolf tal vez haya sido el maestro de obra y los demás hombres sus ayudantes. Este Torolf fue quizás también el maestro de la destruida iglesia de Ål, donde se halla la misma inscripción que en Torpo, aunque con diferentes nombres de los probables asistentes. De ser real, Torolf sería uno de los pocos nombres que se conocen de los constructores de stavkirke, y habría sido un experto que probablemente viajó por Noruega y recibió la asistencia de carpinteros locales, pues ningún nombre, salvo el de él, es común a Torpo y a Ål.

Sin embargo, hay otra inscripción en un poste del lado sur de la sala central que reza “Tormod S.sson de Torpo me hizo”. Hay también varias inscripciones menores en diferentes puntos de la iglesia.

Iglesia de madera de Undredal

La iglesia, desde el sur.
Aconcagua – Trabajo propio

La iglesia de madera de Undredal es una stavkirke de tipo A erigida durante la segunda mitad del siglo XII en Undredal, Noruega. Es la menor de las stavkirke que permanecen en uso, con espacio para únicamente 40 asientos.

El edificio original ha pasado por diferentes modificaciones a lo largo del tiempo. Por ello, su aspecto exterior poco tiene que ver con las stavkirke medievales. También ha sido cambiada de lugar más de una vez, la última de ellas en 1913.

Su planta consiste, de occidente a oriente, de un vestíbulo, una sencilla nave, y un pequeño coro de la misma anchura que la nave, aunque de menor elevación. Hay rastros de un antiguo corredor alrededor de la nave. Una sola torre, en el centro del costado occidental de la nave, alberga las dos campanas.

La nave es la parte más antigua de la iglesia, y el coro es más reciente. En el siglo XVII se pintó el interior de las paredes y el techo con motivos bíblicos y ángeles. En 1722 se demolió el corredor y se introdujeron las primeras ventanas. Hacia 1850 se expandió la nave por el costado occidental y se erigió el vestíbulo en ese lado, en la entrada principal. En ese tiempo, el interior de las paredes fue blanqueado. Tras una extensa restauración en 1961, se lavó la pintura blanca y reaparecieron los murales del siglo XVII. Una nueva restauración se llevó a cabo en 1984, que renovó el suelo del interior del templo y el revestimiento de tablas en el exterior de los muros. Poco después se repararon el techo y la nave.

Iglesia de madera de Urnes

Stave church Urnes - panorama HDR.jpgAttribution: Micha L. Rieser20:02, 9 January 2011 Thumbnail for version as of 20:02, 9 January 2011 4,255 × 2,831 (3.53 MB) Micha

La iglesia de madera de Urnes, declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, es una stavkirke (iglesia medieval de madera) de las más antiguas de las 28 que se conservan en Noruega. Está situada en el municipio de Luster, en el condado de Sogn og Fjordane.

La iglesia es propiedad de la Sociedad para la Conservación de los Monumentos Históricos de Noruega. Fue declarada Patrimonio de la Humanidad en 1979.

Los análisis realizados a muestras de madera extraídas de la base del edificio indican que los árboles utilizados en su construcción fueron talados entre 1129 y 1131. Pero se sabe que antes del edificio actual hubo otras dos iglesias en el mismo lugar, y ciertos elementos de éstas se reutilizaron, tal como la fachada, algunas planchas exteriores y algunas piezas decorativas talladas.

La iglesia marca la transición desde los métodos de construcción de los vikingos con su típica ornamentación animal, el llamado «estilo de Urnes», y la arquitectura cristiana.

La iglesia está formada por una nave rectangular y un coro más estrecho, ambos con el espacio central elevado. En el siglo XVII se amplió el coro, pero posteriormente se eliminó esta modificación. En el siglo XX, la iglesia fue restaurada, y los tablones decorados de las paredes se cubrieron para detener su deterioro.

Exterior details, Urnes Stave Church-1.jpg

Un capitel de la iglesia de Urnes.Exterior details, Urnes Stave Church.
Bjørn Erik Pedersen – Own work

Urnes stavkirke 2009.JPG

Iglesia de madera de Uvdal

 

La iglesia de madera de Uvdal es una stavkirke de finales del siglo XII en Uvdal, Noruega. Funciona como museo.

Es una stavkirke Tipo A, con un poste o mástil central en la nave. Conserva parte de la estructura de madera original, aunque también claras intrusiones del renacimiento y el rococó. Su planta en forma de cruz griega no corresponde a la construcción medieval, sino es fruto de una remodelación posterior.

Las piezas de madera más antiguas han sido datadas en el año 1168, de acuerdo a la técnica de dendrocronología. Sobre la base de ello se suele datar la erección del templo en unos años más tarde; es decir, a finales del siglo XII.

Una investigación científica realizada en 1878 y 1979 bajo el piso de la nave descubrió rastros arqueológicos de al menos un edificio más antiguo en el mismo lugar, probablemente una iglesia de postes. En uno de los hoyos donde se hallaban enterrados los postes de esa iglesia se encontró una moneda del año 1100. Sin embargo, en las fuentes escritas conservadas, la iglesia de Uvdal se menciona por primera vez hasta 1327.

El edificio original resultó demasiado pequeño para las necesidades litúrgicas y por ello fue agrandado en la edad media y después de la reforma protestante. En la edad media, la nave fue alargada por el occidente, al mismo tiempo que el ábside fue retirado debido al agrandamiento del coro, y se añadió un poste central extra en la nave. En 1684 el coro fue demolido y se levantó uno nuevo de la misma anchura que la nave. Entre 1721 y 1723 se añadió un transepto siguiendo la técnica medieval de la stavverk (típica de las stavkirke) y en el crucero se colocó una torre. La sacristía en el costado norte del coro fue construida en técnica laftverk en 1819.El portal occidental contiene tallas de sarmientos y dragones. La decoración incluye también una versión noruega de la leyenda de Orfeo: el héroe Gunnar tocando el arpa entre serpientes. En el porche occidental hay también un portal con sarmientos de tipo medieval, que quizás estaba originalmente en la entrada interior del coro.

Detalle de la decoración pictórica de una pared, en técnica de rosemaling.This photo was taken by Frode Inge Helland.
Credit this photo Frode Inge Helland in the immediate vicinity of the image.

Los motivos del rosemaling son sobre todo formas florales y foliares planas, que conforman elegantes trazos en forma de S y C, con combinaciones cromáticas fuertes y frecuentemente refinadas. Se emplea en decoración de interiores, en puertas, muebles y diversos utensilios de madera. El estilo de sus formas fue también copiado en joyería y en el bordado de trajes regionales.

Este tipo de decoración se considera hoy día como parte del arte popular noruego, y su tradición se mantiene viva en talleres artesanales de varios pueblos.

Actualmente: la iglesia y su solar fueron empleados con motivos religiosos de manera cotidiana hasta 1893. Ese año fue adquirida por la Sociedad para la Conservación de Monumentos Antiguos Noruegos, quien la administra actualmente como una iglesia-museo abierta a todo público.

Fuente: Wikipedia.




126º aniversario del nacimiento de Alfonsina Storni

El poema de Storni La Loba (La loba, 1916) relata su experiencia de criar a un hijo como madre soltera mientras desafía las normas patriarcales del tiempo:

Yo soy como la loba.

Rompí con el paquete

Tengo un hijo, el resultado del amor sin matrimonio,

Porque no podría ser como los otros, otro buey

Con su cuello en un yugo; ¡Mantengo mi orgullosa cabeza en alto!

Arando entre la maleza con mis propias manos.

AlfosinaStorni.jpgFirma Alfonsina Storni.jpg

ALFONSINA STORNI

Bien pudiera ser que todo lo que en verso he sentido
no fuera más que aquello que nunca pudo ser,
no fuera más que algo vedado y reprimido
de familia en familia, de mujer en mujer.
Dicen que en los solares de mi gente, medido
estaba todo aquello que se debía hacer…
Dicen que silenciosas las mujeres han sido
de mi casa materna… Ah, bien pudiera ser…
A veces en mi madre apuntaron antojos
de liberarse, pero, se le subió a los ojos
una honda amargura, y en la sombra lloró.
Y todo esto mordiente, vencido, mutilado,
todo esto que se hallaba en su alma encerrado,
pienso que sin quererlo lo he libertado yo.


Alfonsina Storni, Bien pudiera ser

ANHELOS
“Bajo el ombú, que eleva majestuoso
su verde copa en la lanosa pampa
he sollozado un día los recuerdos
que viven en el alma.
Bajo el ombú, coloso de lo inmenso,
cuando la noche silenciosa y quieta
iba robando al día sus colores
lloré mi dicha muerta.
Testigo fué del dolorido grito
con que en las horas del dolor pasadas,
el corazón rebelde al sufrimiento
protestas levantara.
Tiempo hacía ya que de la herida abierta
la sangra gota a gota no manada
Tiempo hacía ya de su tronco hermoso
la suerte me alejaba.
Y hoy al mirarlo, siento que de nuevo
acuden en tropel viejas nostalgias
que en el fondo de mi alma dolorida
juzgaba sepultadas.
Más, si el dolor de nuevo en mi provocas
no he de odiarte por eso, árbol querido,
que al cadáver del indio vagabundo
un día diste abrigo.
Y en prueba yo también, como ese ignaro
quiero por cruz tu sombra silenciosa;
y en vez de blanca lápida labrada
el verde de tus hojas.

Dientes de flores, cofia de rocío,

manos de hierbas, tú, nodriza fina,
tenme puestas las sábanas terrosas
y el edredón de musgos escardados.

Voy a dormir, nodriza mía, acuéstame.
Ponme una lámpara a la cabecera,
una constelación, la que te guste,
todas son buenas; bájala un poquito.

Déjame sola: oyes romper los brotes,
te acuna un pie celeste desde arriba
y un pájaro te traza unos compases

para que olvides. Gracias… Ah, un encargo,
si él llama nuevamente por teléfono
le dices que no insista, que he salido…

Alfonsina Storni. También conocida por sus seudónimos Tao-Lao y Alfonsina , Storni fue una prolífica escritora argentina y una importante periodista literaria dedicada a los derechos de las mujeres y la igualdad de género.

Por los 27 años, Storni había sido autor de seis cuentos, dos novelas y una serie de ensayos que incluyen La inquietud del rosal (la inquietud del rosal, 1916), El Dulce Daño ( Dulce Dolor, 1918 ), Irremediablemente (Irremediablemente, 1919) , y Languidez (Languor, 1920), este último ganó el primer Premio Municipal de Poesía y el segundo Premio Nacional de Literatura. Su cuerpo de trabajo posteriormente la llevó a ser conocida como una de las poetas más respetadas de Argentina.

Activa en los derechos de la mujer desde que tenía 16 años, Storni también fue miembro del Comité Feminista de Santa Fe (Comité Feminista de Santa Fe), líder de la Asociación pro Derechos de la Mujer , y ayudó establecer la Sociedad Argentina de Escritores. Hoy, Storni aparece como una de las 999 mujeres en The Heritage Floor , una obra de arte que muestra los nombres de mujeres que han contribuido a la sociedad y la historia, en el Elizabeth Sackler Center for Feminist Art del Museo de Brooklyn.



{24 mayo, 2018}   Xu Bing Art

 

Xu Bing 1-28-2011.jpg

Xu Bing

( chino : 徐冰 / ɕý pīŋ /, nacido en 1955) es un artista chino que vivió en los Estados Unidos durante dieciocho años. Actualmente reside en Beijing , solía servir como vicepresidente de la Academia Central de Bellas Artes . Es más conocido por sus habilidades en grabado y piezas de instalación, así como por su uso artístico creativo del lenguaje, las palabras y el texto, y cómo han afectado nuestra comprensión del mundo. En la actualidad es un profesor de AD White en la Universidad de Cornell .

 

El medio artístico de Xu Bing ha evolucionado a lo largo de los años, evolucionando de un estilo al siguiente: grabado y tallado en bloque de madera, instalación de arte, instalación en vivo, metalistería y escultura, paisajismo e incluso medios virtuales y digitales.

Llevando el arte de la instalación un paso más allá, Xu Bing se enfocó en el arte de la instalación en vivo utilizando animales en sus exhibiciones, como en el caso de Silkworm Series y Case Study of Transfer (usando gusanos de seda y cerdos, respectivamente) en 1994, o exhibiendo ovejas en la red (1997). Más tarde exploró la combinación de medios modernos y tradicionales, como en el caso de Background Story (2004-presente) donde su trabajo imita un rollo chino tradicional de pincel y tinta desde el frente, pero de hecho está diseñado por medio de las sombras proyectadas de plantas y palos. Incluso más recientemente, Xu Bing ha profundizado en la escultura y la metalurgia, como se ve en Monkeys Grasping the Moon (2001) y Phoenix Project (2010). 



{24 mayo, 2018}   Eugène Delacroix

Joven tigre jugando con su madre, 1830
Original uploader was Jonathanriley at en.wikipedia

 

Mujeres de Argel, 1834, Louvre
http://www.abcgallery.com/D/delacroix/delacroix22.html

George Sand, 1838, Ordrupgaard, Copenhague
The Yorck Project (2002) 10.000 Meisterwerke der Malerei (DVD-ROM), distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH. ISBN: 3936122202.

Frédéric Chopin, 1838, Louvre
The Yorck Project (2002) 10.000 Meisterwerke der Malerei (DVD-ROM), distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH. ISBN: 3936122202.

Los Natchez, 1835, Museo Metropolitano de Arte
Web Gallery of Art: Image Info about artwork . Metropolitan Museum of Art, online collection

Colón y su hijo en La Rábida, 1838, Galería Nacional de Arte
Galería Nacional de Arte: online database: entry 1963.10.127
Columbus and His Son at La Rábida

Cristo en el Mar de Galilea, 1854
The Yorck Project (2002) 10.000 Meisterwerke der Malerei (DVD-ROM), distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH. ISBN: 3936122202.

Lucha entre Jacob y el ángel, fresco de la iglesia de Saint Sulpice (París), 1861.
Eugène_Ferdinand_Victor_Delacroix_061.jpg

 

Invierno: Juno y Aeolus, 1856
ArtDaily.com
oil sketch

Eugene Delacroix by Pierre Petit, 1855-63.jpgDelacroix autograph.png

Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix (Charenton-Saint-Maurice, Francia, 26 de abril de 1798-París, 13 de agosto de 1863) fue un pintor francés.

Eugène Delacroix

Citas


“A veces hay que estropear un poquito el cuadro para poder terminarlo”.


“Lo nuevo es viejísimo. Hasta puede decirse que siempre es lo más viejo.”


«Todos los temas se vuelven buenos por mérito del autor ¡Oh, joven artista!, ¿esperas un tema? Todo es tema, el tema eres tú mismo, son tus impresiones, tus emociones frente a la naturaleza. Dentro de ti es donde debes mirar, y no a tu alrededor».

Fuente: Citado en Contra el arte y los artistas, Capítulo 9 El arte por el arte, página 111.


“Trabajamos no sólo para producir, sino para dar valor al tiempo”.


“La música es la voluptuosidad de la imaginación”.

Eugène Delacroix como modelo en el cuadro “La balsa del Medusa” de su maestro Théodore Géricault.
31316121b – Trabajo propio
Fragmento del cuadro de Géricault – La Balsa del Medusa en el que aparece Eugène Delacroix en el que hizo de modelo.

Mefistófeles volando sobre Wittenberg, litografía, 1828
Eugène Delacroix –

Hamlet con Horacio, 1839, Louvre
The Yorck Project (2002) 10.000 Meisterwerke der Malerei (DVD-ROM), distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH. ISBN: 3936122202.

Caza del león, 1861, Instituto de Arte de Chicago.
The Yorck Project (2002) 10.000 Meisterwerke der Malerei (DVD-ROM), distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH. ISBN: 3936122202.

La muerte de Desdémona, 1858



{24 mayo, 2018}   Joan Miró

Mujer botella situada en el Parque Cultural Viera y Clavijo de Santa Cruz de Tenerife. El 28 de enero de 2002 es declarada Bien de Interés Cultural con la categoría de Bien Mueble Enrique Castrillo Núñez –

Pájaro lunar en Madrid (1966).
Joan Miró (sculpture) / soonsoon (photo) – soonsoon

Gran maternidad, escultura en bronce situada en San Francisco.
Pictured by soonsoon – soonsoon

Nada de simplificaciones ni abstracciones. Por ahora lo que me interesa más es la caligrafía de un árbol o de un tejado, hoja por hoja, ramita por ramita, hierba por hierba, teja por teja. Esto no quiere decir que estos paisajes al final acaben siendo cubistas o rabiosamente sintéticos. En fin, ya veremos. Lo que si me propongo es trabajar mucho tiempo en las telas y dejarlas lo más acabadas posible, así es que al final de temporada y después de haber trabajado mucho si aparezco con pocas telas; no pasa nada. Durante el invierno siguiente continuarán los señores críticos diciendo que persisto en mi desorientación.

Lunar Bird by Joan Miró in the Patio of the Reina Sofía National Art Center Museum.jpg

Lunar Bird by Joan Miró in the Patio of the Reina Sofía National Art Center Museum. 2017
Ввласенко – Own work

Escultura de Joan Miró en el Museo Hakone al aire libre, Tokio.
Dan –hakone open air museum (10) sculpture “Personnage”(1972) by Joan Miro in Hakone Open Air Museum/Japan

Intenté plasmar las alucinaciones que me producía el hambre que pasaba. No es que pintara lo que veía en sueños, como decían entonces Breton y los suyos, sino que el hambre me provocaba una manera de tránsito parecido al que experimentaban los orientales

Joan Miro (cropped).jpgMiró, Joan 1893-1983 02 Signatur.jpg

JOAN MIRÓ

Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 20 de abril de 1893-Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) fue un pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En sus obras reflejó su interés en el subconsciente, en lo «infantil» y en la cultura y tradiciones de Cataluña. Aunque se le asocia al arte abstracto por su estilo maduro de formas estilizadas e imaginarias, en su juventud se inició en la figuración, con fuertes influencias fauvistas, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más fantasiosa y onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento.​ En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de “matarlos, asesinarlos o violarlos”, para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.

Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencias del arte contemporáneo, que se constituyó con un gran fondo de obras donadas por el autor. Otros lugares con importantes fondos de sus obras son: la Fundación Pilar i Joan Miró, en Palma de Mallorca; el Museo Reina Sofía y el Espacio Miró en Madrid; el Centro Pompidou, en París; y el MOMA, en Nueva York.

Ruptura con el surrealismo y “asesinato” de la pintura

Entre los años 1928 y 1930, las diferencias dentro del grupo de los surrealistas cada vez se hacen más evidentes, no sólo en la plástica, también ocurría en la parte política. Miró cada vez más individualista se fue distanciando más, a pesar de aceptar los principios de la estética surrealista, no se sintió obligado a ir frecuentemente a participar en todas las manifestaciones. El 11 de marzo de 1929, en una reunión al Bar du Château, Breton ya adherido al partido comunista, el tema de discusión fue el destino de Lev Trotsky; este tema quedó al margen y las discusiones llegaron a clarificar las posiciones. Entre los que se manifestaron en contra de una acción completamente común basado en un programa de Breton, se encontraban Miró, Michel Leiris, Georges Bataille y André Masson entre otros. Miró solo quería defenderse y luchar con la pintura. Entre Marx que abogaba por «transformar el mundo» por medio de la política o el «cambiar la vida» de Rimbaud por medio de la poesía, Miró escogió lo segundo​ Fue entonces cuando Georges Hugnet explicó que Miró solo puede defenderse con las armas propias de él, la pintura:

Sí, Miró ha querido asesinar la pintura, la ha asesinado con medios plásticos, mediante una plástica que es una de las más expresivas de nuestro tiempo. La ha asesinado, quizá, porque no quería doblegarse a sus exigencias, a su estética, a un programa demasiado estrecho para dar vía libre a sus aspiraciones y a su sed

Mural cerámico en Wilhelm-Hack-Museum de Ludwigshafen (1971).
Immanuel Giel – Trabajo propio

Solía recortar diarios en formas no regulares y pegarlas sobre láminas de papel, día tras día acumulé estas formas, Una vez hechos, los collages me servían como punto de partida de las pinturas. No copiaba los collages. Sencillamente dejaba que me sugirieren formas

Mural de Miró en el Palacio de Congresos de Madrid (1980).
Luis García Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid (España). Proyectado por el arquitecto Pablo Pintado Riba y construido de 1965 a 1970. El mural fue realizado en 1980 por Joan Miró (1893–1983).

Mujer y Pájaro (1983) en Barcelona. Maksim (talk | contribs 13:09, 25 March 2006 Thumbnail for version as of 13:09, 25 March 2006 996 × 1,912 (300 KB)

MIRÓ-DELCLAUX 1.jpgMiró, Delclaux i Royo conversant a la fàbrica Aymat, 1970
Carles Cabanas – Arxiu de l’artista Carles Delclaux



{24 mayo, 2018}   Paul Césanne

Bodegón con cortina (1895) ilustra la creciente tendencia de Cézanne hacia la compresión tersa de formas y tensión dinámica entre figuras geométricas.

Una moderna Olimpia, h. 1873-74, obra de Cézanne presentada en la primera muestra impresionista.
Paul Cézanne

Cezanne - Self-portrait - 1879-80.jpgCezanne autograph.png

CESANNE

Paul Cézanne (19 de enero de 1839-22 de octubre de 1906) fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna, cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores», ​que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación.

Botella, garrafa, jarro y limones (1902-1906) Paul Cézanne. Museo Thyssen-Bornemisza

La montaña Sainte-Victoire, 1905.
The Yorck Project (2002) 10.000 Meisterwerke der Malerei (DVD-ROM), distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH. ISBN: 3936122202.

Vista de Auvers (h. 1873).
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El puente de Maincy, 1879-1880.
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La casa del ahorcado, Auvers-sur-Oise (1874).
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El asesinato, h. 1870.
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Los jugadores de naipes (1892-95).17​ Courtauld Institute of Art, London. 4ª versión del mismo tema.
Courtauld Institute of Art

Bodegón con manzanas y naranjas, 1895-1900.

Las grandes bañistas, 1906, Philadelphia Museum of Art: el triunfo del equilibrio geométrico y la estabilidad a la manera de Poussin.
The Yorck Project (2002) 10.000 Meisterwerke der Malerei (DVD-ROM), distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH. ISBN: 3936122202.



{20 mayo, 2018}   Pentecostés

Pentakosta.jpg

Pentecostés (El Greco, 1597).jpg

La obra representa al Espíritu Santo descendiendo en forma de lenguas de fuego sobre los apóstoles de Jesucristo.…50 días despues del Tiempo pascual, su fecha es variable según el computus.(rito romano)

Pentakosta.jpg

Durante Pentecostés se celebra la venida del Espíritu Santo y el inicio de las actividades de la Iglesia. Por ello también se le conoce como la celebración del Espíritu Santo. En la liturgia católica es la fiesta más importante después de la Pascua y la Navidad. La liturgia incluye la secuencia medieval Veni, Sancte Spiritus.

En las Iglesias ortodoxas existen además la celebración de las «Tres Divinas Personas» o de la Santa Trinidad. Las Iglesias occidentales celebran para esta ocasión desde el siglo XIV su propia fiesta llamada «Trinitatis» —la fiesta de la Santísima Trinidad— una semana después del Pentecostés.

En las narraciones sobre Pentecostés de los Hechos de los Apóstoles,a​ se le adjudica al Espíritu Santo (en congruencia con el Antiguo Testamento) características milagrosas (carismas): él ofrece valentía y libertad, posibilita la comprensión (glosolalia), y fortifica una comunidad universal.

Pentecostés

Un solo Cuerpo y un solo Espíritu […]. Un solo Señor, una sola fe, un solo bautismo, un solo Dios y Padre de todos, que está sobre todos, por todos y en todos.
Efesios 4, 4-6

ESI

Pentakosta.jpg




El sobrevuelo de un 'sol intergaláctico' podría haber cambiado la historia del Sistema Solar

Foto ilustrativa
pixabay.com

Fuente:Instituto Max Planck de Radioastronomía de Bonn (Alemania)

RT

Una simulación realizada por investigadores del Instituto Max Planck muestra que el gigante perturbó la evolución de nuestro sistema planetario hace miles de millones de años.

Origen: El sobrevuelo de un ‘sol intergaláctico’ podría haber cambiado la historia del Sistema Solar




Gonzalo Fuentes Reuters

Gonzalo Fuentes

Cada año, Francia conmemora el aniversario de la toma de la Bastilla, un hecho que tuvo lugar el 14 de julio de 1789 y que se considera el inicio de la Revolución francesa. Este año la celebración del Día Nacional de Francia estuvo marcada por un grandioso desfile militar. Le ofrecemos las imágenes más destacadas que nos dejó la conmemoración de ese importante día en la historia francesa.

Origen: Las imágenes más llamativas de la celebración del Día de la Bastilla

Gonzalo Fuentes Reuters

Pascal Rossignol Reuters

Gonzalo Fuentes

Crédito imágenes al pie de cada una

Fuente: RT




Una seguidora de la selección rusa en el partido inaugural del Mundial que enfrentó a Rusia y Arabia Saudita en Moscú, el 14 de junio de 2018.

Kai Pfaffenbach

Un aficionado con una máscara con forma de cabeza de tigre apoya a la selección colombiana en el centro de Moscú, el 14 de junio de 2018.

Sergei Karpukhin Reuters

 

El 15 de julio tocó a su fin el Mundial de Fútbol 2018 con la victoria de Francia ante la selección croata en el estadio Luzhnikí de Moscú. La mayor fiesta del fútbol se ha prolongado por espacio de un mes, dejando a su paso emociones, gestos, goles y jugadas que ya forman parte de la historia del fútbol.

Origen: El Mundial de Rusia en 20 fotos icónicas para recordar (y algunas para enmarcar)

El exfutbolista argentino, Diego Maradona, celebra el gol de su selección ante Nigeria en las gradas del estadio en San Petersburgo, el 26 de junio de 2018.

Sergio Perez Reuters

El delantero portugués Cristiano Ronaldo protesta al árbitro del partido Uruguay–Portugal, Cesar Arturo Ramos, en Sochi, el 30 de junio de 2018.

Toru Hanai Reuters

Hinchas argentinos y brasileños cantan en la calle Nikolskaya, en el centro de Moscú tras ganar Francia la final del Mundial, el 15 de julio de 2018.

Pavel Golovkin AP

Miles de personas celebran el segundo Mundial de Francia junto a Arco de Triunfo de París, el 15 de julio de 2018.

Charles Platiau Reuters

Crédito imágenes al pie de cada una.

Fuente: RT




Cada verano, la ciudad austriaca de Klagenfurt atrae la atención de los aficionados al arte por celebrarse allí el festival de pintura corporal ‘World Bodypainting Festival’, que este año tuvo lugar entre el 12 y el 14 de julio. Alrededor de 30.000 visitantes llegan al lugar para disfrutar de las increíbles y llamativas imágenes que crean virtuosos pintores de más de 40 países del mundo. En esta galería hemos recogido algunos ejemplos de este curioso arte que te dejarán con la boca abierta.

Origen: Alucinantes imágenes del festival internacional de pintura corporal de Klagenfurt

Crédito imágenes Lisi Niesner Reuters

Fuente: RT




VIDEO IMPRESIONANTE: Captan al único sobreviviente de una tribu indígena amazónica

Imagen Ilustrativa
pixabay / stokpic

Fuente:. RT

Se cree que el hombre fue el único que logró sobrevivir a un ataque de granjeros en 1995 y, a pesar de que se quedó completamente solo, no quiere tener nada que ver con la sociedad en general.

Origen: VIDEO IMPRESIONANTE: Captan al único sobreviviente de una tribu indígena amazónica




WhatsApp restringe su servicio de mensajería tras la ola de asesinatos en la India

Foto ilustrativa
Fuente: Dado Ruvic / Reuters

RT

La circulación de videos falsos a través de WhatsApp ha provocado una ola de linchamientos de personas inocentes en la India.

Origen: WhatsApp restringe su servicio de mensajería tras la ola de asesinatos en la India




FOTO: Descubren una nueva especie de dinosaurio acorazado en EE.UU.

Reconstrucción del dinosaurio de la especie Akainacephalus johnsoni.
Fuente: Andrey Atuchin / Reuters/RT

Los restos fueron encontrados en el 2008 en el estado de Utah y datan de hace 76 millones de años.

Origen: FOTO: Descubren una nueva especie de dinosaurio acorazado en EE.UU.



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Ramiro René Rech

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