Espacio de María del Carmen "sphínx" difusión de contenidos












El Día Mundial de la Salud Mental se conmemora todos los 10 de octubre, con una campaña que busca concentrar la atención mundial en la identificación, tratamiento y prevención de algún trastorno emocional o de conducta destacado para ese año.

Por ejemplo, el tema del Día Mundial de la Salud Mental 2003 se centró en los trastornos emocionales y de conducta de niños y adolescentes. Enfocó la atención mundial hacia los efectos que provocan en el bienestar mental y emocional de los jóvenes los traumatismos y la violencia.

Conmemoración
El Día Mundial de la Salud Mental se celebra el 10 de octubre. Las cifras disponibles muestran que, en las Américas, la mayoría de los niños que necesitan atención de salud mental no reciben el tratamiento necesario. Desde una perspectiva financiera, está claro que el tratamiento temprano de niños y adolescentes puede reducir los costos de la atención en años posteriores así como también los costos sociales, por los comportamientos antisociales que pueden ser resultado del fracaso del tratamiento en la temprana edad.

Además, el suicidio en los jóvenes es un problema de salud mental generalizado y es la tercera causa de muerte entre los adolescentes en todo el mundo, según esta investigación. El abuso de sustancias en adolescentes también es un problema mundial. La Organización Panamericana de la Salud (OPS) está trabajando con los países para elaborar programas especiales para niños y adolescentes. La elaboración de estrategias apropiadas que enfoquen a la salud mental de los niños, además del mejoramiento de los servicios especializados puede tener un impacto positivo muy fuerte. La OPS fue establecida en 1902 y es la organización de salud pública más antigua del mundo. Es la Oficina Regional para las Américas de la Organización Mundial de la Salud (OMS) y trabaja con los países para mejorar la salud y elevar la calidad de vida de sus habitantes

El Día Mundial de la Salud Mental 2019 se centrará en la prevención del suicidio

Cada 40 segundos se suicida una persona

Le invitamos a prepararse para dedicar «40 segundos para actuar» durante el Día Mundial de la Salud Mental del próximo 10 de octubre.

El Día Mundial de la Salud Mental, que se celebra el 10 de octubre, es una oportunidad para concienciar y movilizar a la población acerca de cuestiones relativas a la salud mental. En esta ocasión, la jornada se centrará en la prevención del suicidio.

Cada año, cerca de 800 000 personas fallecen por esta causa, y otras muchas intentan suicidarse. Cada suicidio es una tragedia que afecta a una familia, a una comunidad o a todo un país y que tiene consecuencias duraderas en las personas cercanas a la víctima. El suicidio no respeta edades y es la segunda causa de defunción entre los jóvenes de 15 a 29 años.

Descargar el folleto si quiere participar:Organización Mundial de la Salud







136° aniversario del nacimiento de Georgios Papanikolaou

 

El Doodle de hoy celebra a Georgios Papanikolaou, el citopatólogo griego que trabajó con su esposa para desarrollar la prueba médica para salvar vidas conocida como la prueba de Papanicolaou.

Nacido en la isla griega de Eubea en este día de 1883, Papanikolaou creció como hijo de un médico. Aunque inicialmente estudió música y humanidades, más tarde decidió seguir los pasos de su padre e ingresar en el campo de la medicina.

Papanikolaou comenzó la escuela de medicina a los 15 años y, después de graduarse, se desempeñó como cirujano del ejército en las guerras de los Balcanes. En 1913, emigró a los Estados Unidos con su esposa, Andromachi Mavroyenis. Inicialmente, la pareja luchaba por ganarse la vida (Georgios vendía alfombras y tocaba el violín en restaurantes y Mary cosía botones por $ 5 por semana) hasta que fue reclutado como investigador en la Universidad de Cornell. Allí, Georgios trabajó junto a su esposa, que se desempeñó como técnico y, a veces, como sujeto de prueba.

El avance científico de las parejas se produjo después de reclutar a un grupo de amigos cercanos para participar en un estudio para su investigación, que involucró la prueba de Papanicolaou. Durante el estudio, Papanikolaou detectó células malignas en una muestra de un huésped, diagnosticando a un amigo de su esposa con cáncer cervical. Todavía ampliamente utilizado en la actualidad, la simple “prueba de Papanicolaou” de bajo costo hace posible la detección temprana del cáncer cervical en las mujeres, reduciendo las muertes a la mitad (según algunas estimaciones).

Nominado dos veces para el Premio Nobel, Papanikolaou recibió el Premio Albert Lasker para Investigación Médica Clínica en 1950 y su retrato apareció en el billete de 10.000 dracmas griegos, así como en un sello postal de 1978 en los Estados Unidos. Un instituto de investigación del cáncer de Miami que lo contrató al final de su carrera también fue renombrado en su honor.



{13 mayo, 2019}   *Poema

                                              “Aunque,

         mucho se ha gastado mucho queda aún; y si bien
no tenemos ahora aquella fuerza que en los viejos tiempos
movía tierra y cielo, somos lo que somos:
corazones heroicos de parejo temple, debilitados
por el tiempo y el destino, más fuertes en voluntad
para esforzarse, buscar, encontrar y no rendirse”.


Ulises,Tennyson

 

Fragmento del poema que recita M en la película Skyfall.






{10 mayo, 2019}   Lucy Wills – Natalicio

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Lucy Wills (10 de mayo de 1888 – 16 de abril de 1964) fue una hematóloga británica, que a fines de los años 20 y principios de los 30 del siglo XX condujo una investigación en la India sobre la anemia macrocítica en el embarazo. Su trabajo la llevó a descubrir un factor nutricional que sirvió para prevenir y curar esos desórdenes.

Las mujeres en Inglaterra recién tuvieron la posibilidad de convertirse en profesionales hacia los años XIX. Lucy Wills perteneció a una generación que se benefició de las reformas victorianas, y tres de los establecimientos a los que concurrió surgieron en consecuencia. Asistió al Cheltenham Ladies’ College, un internado británico pionero en formación de mujeres para ciencias y matemáticas. Finalmente se graduó en Botánica y Geología en el Newnham College de la Universidad de Cambridge, previo paso por la London School of Medicine for Women.

Eligió en 1928 la India para sus investigaciones cuando le llamó la atención la gran cantidad de casos de anemia en los trabajadores textiles en Bombay y creía que la causa debiera ser la nutrición. Tras comprobarlo descubrió, previa práctica en monos y ratones, descubrió que el ácido fólico de la levadura llevaba a la mejoría, que contenían, por ejemplo, la crema para untar británica Marmite. Aquel factor de la levadura comenzó a ser conocido como el Factor Wills

Today’s Doodle celebra a la hematóloga inglesa Lucy Wills, la investigadora médica pionera cuyo análisis de la anemia prenatal cambió el rostro de la atención preventiva prenatal para las mujeres de todo el mundo.

Nacida en este día en 1888, Lucy Wills asistió al Cheltenham College for Young Ladies, uno de los primeros internados británicos en capacitar a estudiantes femeninas en ciencias y matemáticas. En 1911, obtuvo los primeros honores en botánica y geología en el Newnham College de la Universidad de Cambridge, otra institución a la vanguardia de la educación de mujeres, seguida de la London School of Medicine for Women, la primera escuela en Gran Bretaña para capacitar a mujeres médicas.

Wills viajó a la India para investigar una forma grave de anemia potencialmente mortal que afecta a las trabajadoras textiles embarazadas en Bombay. Sospechando que la mala nutrición era la causa, descubrió lo que se conoció como el “Factor de testamentos” cuando la salud de un mono de laboratorio mejoró después de que se alimentara con el desayuno británico Marmite, un extracto de levadura. Investigaciones posteriores demostraron que el factor era el ácido fólico, que ahora se recomienda a las mujeres embarazadas de todo el mundo.




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“La experiencia de escribir un libro es impresionante, te da la posibilidad de la palabra perfecta. Me pareció que tenía que escribir cosas que nos sirvieran para reconocernos en la historia que vivimos como argentinos y argentinas”, dijo Cristina Fernández de Kirchner en el acto de presentación de su libro.  

Acompañada por María Teresa Carbano, Presidenta de la Fundación El Libro y Juan Ignacio Boido, Director Editorial de Penguin Random House Argentina.
El acto de la senadora nacional atrajo la atención de miles de lectores que colmaron el Predio Ferial La Rural y sus cercanías.

La presentación de Sinceramente, el libro de Cristina Fernández de Kirchner, convocó a miles de asistentes a la 45.ª Feria Internacional del Libro de Buenos Aires este jueves. Los lectores y simpatizantes llegaron desde temprano para seguir el acto que se realizó en la sala Jorge Luis Borges y se transmitió en vivo a través de pantallas ubicadas en la Feria, sus inmediaciones sobre Av. Sarmiento y por redes sociales de la autora.

En primer lugar, habló María Teresa Carbano, quien dio la bienvenida en nombre de la Fundación El Libro, felicitó a Cristina Fernández de Kirchner por el éxito editorial de su libro y destacó el espíritu de la Feria del Libro de Buenos Aires: “Este es un espacio para múltiples voces, nosotros consideramos que eso es bienvenido y han pasado debates con distintas formas de pensar”.

En segunda instancia, habló Juan Ignacio Boido, Director Editorial del grupo Penguin Random House quien remarcó: “En la primera hora se agotaron 60.000 ejemplares, llevamos 300.000 impresos hasta ahora, está al tope la capacidad de la imprenta con la que estamos haciendo el libro. Estas ventas son muy bienvenidas, el libro ha vuelto a tomar un protagonismo”.

“La experiencia de escribir un libro es impresionante, te da la posibilidad de la palabra perfecta. Lo mirás, lo corregís, lo pensás, lo volvés a leer. El libro se independiza de quien lo escribe y empieza a demandar otras cosas.Lo empecé a escribir en abril del año pasado y recién en diciembre tomé la decisión de terminarlo y presentarlo hoy 9 de mayo”, contó Fernández de Kirchner.

Además, agregó: “Me pareció que tenía que escribir cosas que nos sirvieran a todos, para reconocernos en la historia que vivimos como argentinos y argentinas, desde distintos lugares que siempre tenemos. No soy neutral, nunca lo fui, no lo voy ser”, dijo.

Al evento asistieron reconocidos personajes de la vida política y artística argentina. Algunos de ellos fueron: Estela de Carlotto, Adolfo Pérez Esquivel, Nora Cortiñas, Teresa Parodi, José Luis Gioja, Felipe Solá, Alberto Fernández, Victoria Donda, Cecilia Roth, Carolina Papaleo, Arturo Bonín, Cristina Banegas, Mariano Recalde, Verónica Magario, Aníbal Fernández, Pino Solanas, Pablo Echarri, Tute, Raúl Zaffaroni, Sergio Olguín, Daniel Vila, Romina Manguel, Diego Iglesias, Maria O´Donnell, Roberto Navarro, Hinde Pomeraniec, Carlos Tomada, Roberto Baradel, Luis Beder Herrera, Fernando Espinosa, Agustín Rossi, Horacio González, Alberto Sileoni, Nilda Garré.

La edición 45 de la Feria Internacional del Libro ha tenido dentro de su programación una importante participación de políticos argentinos con la presentación de sus libros. En días anteriores pasaron Axel Kicillof, Martín Lousteau, José Luis Espert, Chiche Duhalde, Waldo Wolff, entre otros.






{8 mayo, 2019}   *Met Gala 2019

Met Gala Lady Gaga Transformation




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Crédito imagen: EOA – Trabajo propio

Carlos Cuevas Sisó, conocido  como Carlos Cuevas (Montcada i Reixac, Barcelona, 27 de diciembre de 1995) es un actor español de televisión, cine y teatro, conocido principalmente por su papel de Biel Delmàs en la serie de televisión Ventdelplà y por interpretar a Pol Rubio en Merlí y su continuación, Sapere Aude.

Biografía
Empezó a actuar en el mundo publicitario cuando tenía cinco años. En 2002, debutó como actor en una película producida por TVC, La mujer de hielo, dirigida por Lídia Zimmerman y protagonizada por Marc Cartes y Natasha Yarovenko. Desde 2004 ha trabajado como actor de doblaje para campañas publicitarias de televisión y radio, además de películas. Se inició en el mundo televisivo en 2003 con un capítulo de Trilita, serie de TV3 dirigida por El Tricicle.

En 2005, y con tan solo 9 años, se dio a conocer al público catalán gracias al papel de Biel Delmàs en la serie Ventdelplà de TV3, donde estuvo trabajando hasta 2010 durante 330 capítulos en las siete temporadas que duró la serie.

El 2009 hizo su primera incursión en el cine con el papel de Dani en la película Cruzando el límite, de Xavi Giménez y producida por Filmax.

En 2011 subió a los escenarios del Teatro Borràs para protagonizar junto con Clara Segura y Montse Vellvehí la obra teatral Madame Melville, de Richard Nelson, dirigida por Àngel Llàcer.

En 2012 formó parte del elenco de la primera temporada de la serie de misterio de Antena 3 Luna, el misterio de Calenda, donde interpretó a Tomás y compartió escenas con Olivia Molina y Álvaro Cervantes entre otros.

A finales de ese año volvió a subirse a los escenarios del Teatro Nacional de Cataluña para protagonizar junto a Andreu Benito, Ángela Jové, Francesc Garrido, Jaume Madaula, Joan Carreras, Andrés Herrada, Mikel Iglesias, Albert Espinosa, Daniel Sicart, Andreu Rifé, Albert Baró, Clara de Ramón y Òscar Blanco la obra Els nostres tigres beuen llet, donde Albert Espinosa dice haber creado su familia ficticia con lo bueno y lo mejor del teatro catalán.

Desde el 8 de mayo al 22 de junio de 2013, estuvo trabajando otra vez en el TNC, junto con Emma Vilarasau, Míriam Iscla, Anna Moliner, Jordi Banacolocha, Pep Planas, Pepa López y Joan Carreras, realizando la obra Barcelona, dirigida por Pere Riera, que trata sobre la guerra civil española, justo en el día que Barcelona fue bombardeada por las tropas franquistas.

En 2015 estrenó la película Ahora o nunca dirigida por María Ripoll y protagonizada por Dani Rovira y María Valverde. También ese año se unió al reparto de la serie de TV3 Merlí, donde interpretó a Pol Rubio. La serie, debido a su gran aceptación entre el público, fue emitida posteriormente doblada al castellano en la cadena de ámbito nacional laSexta.

En 2016 hizo una pequeña aparición en la serie de Televisión española El Ministerio del Tiempo, donde interpretó a un ficticio youtuber de éxito.En mayo se subió de nuevo a las tablas para protagonizar el clásico de Shakespeare Romeo y Julieta en el Espai La Seca de Barcelona junto a Clàudia Benito y bajo la dirección de Marc Chornet.​ En septiembre de ese año volvió a meterse en la piel del joven Pol Rubio en la serie de televisión catalana Merlí.

En octubre de 2016 se anuncia su fichaje para la decimoctava temporada de la serie de televisión española Cuéntame cómo pasó, donde interpreta a Marcos.

Junto a su compañera de reparto en la serie Merlí, Elisabet Casanovas, es el encargado de dar las campanadas y recibir al 2017 en la televisión pública catalana.

En 2019 se estrenará la serie de Bambú Producciones para Antena 3 45 revoluciones, en la que el actor da vida a Rober, y el spin-off de Merlí, Sapere Aude, en Movistar+

Fuente biográfica: wikipedia.

 






{27 abril, 2019}   Madonna, Maluma – Medellín







(Ica, 1888 – Ayacucho, 1919) Narrador peruano que encarnó el tránsito definitivo del modernismo a las vanguardias y que es considerado, junto con los poetas José María Eguren y César Vallejo, uno de los forjadores de la literatura peruana contemporánea.
Abraham Valdelomar

Pocas veces en el Perú un escritor ha merecido como él el calificativo de “integral” con el que lo define la crítica. Ello se debe, fundamentalmente, a la enorme coherencia estética e ideológica que gobierna la totalidad de su obra como narrador, poeta y periodista. Nunca ocultó su entusiasmo por las vanguardias, al mismo tiempo que muchos aspectos de su producción revelan la añoranza de la vida provinciana, aunque sus evocaciones rurales eluden todo exotismo o abundancia de colorido local.

Máximo animador cultural del postmodernismo peruano (fundó en 1916 la revista Colónida, difusora de un novedoso espíritu artístico), Abraham Valdelomar ostentó ciertamente un talento polifacético: fue poeta prevanguardista, croniqueur refinado, agudo ensayista, dramaturgo frustrado y, primordialmente, un cuentista versátil y sumamente expresivo que, tras algunos relatos decadentes al gusto modernista, inauguró con el cuento El Caballero Carmelo (1913, que daría título al extraordinario volumen de cuentos que publicó en 1918) el abandono del exotismo y el artificio modernistas, orientándose hacia una narrativa genuinamente peruana.

Aunque su producción es variada (desde relatos que presagian los experimentos vanguardistas hasta los que rinden tributo a la temática incaica y criolla) y su calidad es dispar, Valdelomar fue, en efecto, el pionero del cuento moderno en el Perú al superar el artículo de costumbres, las «tradiciones» inventadas por Ricardo Palma o la narración maniquea y sin matices que había dominado la escena literaria del país desde mediados del siglo XIX. En los relatos que él mismo llamó «criollos», los más logrados según consenso de la crítica, así como en su poesía, Valdelomar compaginó una visión trágica de la vida con su extremo opuesto, además de presentar, como motivo principal, la armonía del mundo familiar en la provincia a través de la memoria de la infancia.

Biografía

Hijo de Anfiloquio Valdelomar Fajardo y de Carolina Pinto, Abraham Valdelomar siguió sus estudios primarios en la ciudad de Pisco y en la Escuela Municipal Nº 3 de Chincha, y los secundarios en el Colegio Nacional de Nuestra Señora de Guadalupe de Lima (1900-1904), donde fundó la revista La Idea Guadalupana (1903) junto con su compañero Manuel A. Bedoya. En 1905 ingresó en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, pero dejó las clases al año siguiente para emplearse como dibujante en las revistas Aplausos y silbidos, Monos y Monadas, Actualidades, Cinema y Gil Blas, donde también trabajó como director artístico.

En 1909 publicó sus primeros versos (en la línea del todavía triunfante modernismo) en la revista Contemporáneos, y al año siguiente decidió reanudar sus estudios; la universidad, sin embargo, nunca llegó a interesarle mucho, y en 1913 terminó por abandonarla definitivamente. En 1910, a raíz de un conflicto con Ecuador, Abraham Valdelomar sentó plaza de soldado como integrante del Batallón Universitario, formado por estudiantes de San Marcos. Durante el acuartelamiento escribió una serie de crónicas bajo el título “Con la argelina al viento”, que fueron publicadas en El Diario y La Opinión Nacional de Lima entre abril y junio de 1910, y que le valieron un premio por parte del Municipio de Lima; posteriormente viajó con una delegación universitaria al sur del país, visitando Arequipa, Cuzco y Puno.

El mismo año de 1910 aparecieron publicados los primeros cuentos de Valdelomar en las revistas Variedades e Ilustración Peruana, y al año siguiente aparecieron por entregas en las mismas revistas sus novelas cortas La ciudad de los tísicos y La ciudad muerta (en las que se manifiesta la influencia del escritor italiano Gabriele D’Annunzio), iniciando también su colaboración con el diario La Prensa de la capital peruana. En 1912 participó en la campaña presidencial de Guillermo Billinghurst, siendo elegido presidente del Centro Universitario billinghurista. Después del triunfo de su candidato, Abraham Valdelomar fue nombrado administrador de la Imprenta del Estado y director del diario oficial El Peruano (desde octubre de 1912 hasta mayo de 1913).

Valdelomar renunció a ambos cargos luego de ser nombrado Segundo Secretario de la Legación del Perú en Italia (12 de mayo de 1913), embarcándose con destino a Europa el 30 de mayo. Después de pasar por Panamá, Cuba y Nueva York, llegó a Roma el 7 de agosto, asumiendo inmediatamente sus funciones. Su estancia en esta ciudad la aprovechó para escribir una serie de artículos que, bajo el nombre de “Crónicas de Roma”, publicó en los diarios limeños La Nación (desde noviembre de 1913 hasta enero de 1914) y La Opinión Nacional (entre mayo y julio de 1914), pero definitivamente lo más importante de su estancia en Italia fue su participación en el concurso literario organizado por La Nación con el cuento “El Caballero Carmelo”, que resultó ganador del primer premio (3 de enero de 1914). Tras recibir la noticia del derrocamiento del presidente Billinghurst, el 6 de febrero del mismo año renunció a su cargo diplomático y regresó a Lima.

De nuevo en la capital peruana, y luego de una fugaz detención por conspirar contra el nuevo gobierno (junio de 1914), Valdelomar comenzó a trabajar como secretario personal del polígrafo peruano José de la Riva Agüero (1914-1915). Bajo la influencia de Riva Agüero escribió su primer libro, La Mariscala (Lima, 1914), biografía novelada de Francisca Zubiaga (1803-35), esposa del presidente Agustín Gamarra y figura importante de la política peruana durante algunos años. Para entonces Valdelomar ya era un colaborador frecuente de numerosas publicaciones limeñas como los diarios El Comercio y La Crónica, y las revistas Balnearios, Mundo Limeño y Variedades, en las que publicaba sus poemas, cuentos y artículos.

Sin embargo, su labor como periodista estuvo ligada principalmente al diario La Prensa, donde tuvo a cargo la sección “Palabras” desde julio de 1915 hasta su alejamiento del diario en 1918. También publicó en La Prensa sus “Crónicas frágiles”, donde hizo conocido su seudónimo de El Conde de Lemos; y los “Diálogos máximos”, a manera de conversaciones entre dos personajes, Manlio y Aristipo, a través de los cuales descubrimos las personalidades de Valdelomar y del escritor José Carlos Mariátegui. En el mismo diario publicó sus crónicas tituladas “Impresiones”; la columna “Fuegos fatuos”, donde desplegó todo su humorismo e ironía; y finalmente sus comentarios sobre la Primera Guerra Mundial, aparecidos en 1917 bajo el rótulo de “Al margen del cable”. En 1917 ganó el concurso organizado por el Círculo de Periodistas del Perú con su artículo “Ensayo sobre la psicología del gallinazo”.

Valdelomar, quien a su regreso de Europa se había convertido en el líder de un grupo de jóvenes escritores, decidió fundar su propia revista literaria para exponer los trabajos que sentía acordes con los gustos literarios de la nueva generación que representaba. Así, el 15 de enero de 1916 apareció el primer número de Colónida, revista dirigida por Valdelomar que, a pesar de su corta duración (sólo se publicaron cuatro números, el último en mayo de 1916) tuvo una gran repercusión en el ambiente cultural peruano, hasta el punto de que comenzó a hablarse de un “movimiento Colónida”. Sin embargo, la importancia de esta publicación no puede ser magnificada. Se ha sostenido que la revista pretendía ser una bandera de revolución estética y un intento de dar a conocer a los nuevos escritores provincianos, pero es indudable que sus resultados no fueron siempre los deseables. A pesar de todo, habría que reconocerle el mérito de rescatar del olvido la figura de José María Eguren (1874-1942), el primer escritor peruano que merece con justicia el calificativo de poeta.

El mismo año se publicó el libro Las Voces Múltiples (Lima, 1916), que reunía poesías de ocho escritores vinculados a Colónida, entre ellos Valdelomar. El libro recoge los poemas “El hermano ausente en la cena de Pascua” y “Tristitia”, considerados los mejores de su producción poética, donde se describe el ambiente familiar y la sensación de ausencia y soledad que embarga al poeta. Posteriormente publicó los que serían sus últimos libros: Belmonte, el trágico: ensayo de una estética futura a través del arte nuevo (Lima, 1918), sobre la filosofía estética del toreo en Juan Belmonte (tema sobre el que confiesa no encontrarse versado), y su exitoso primer volumen de cuentos bajo el título de El Caballero Carmelo (Lima, 1918).

En enero de 1918 renunció a su puesto de redactor en La Prensa y comenzó una breve colaboración con la revista Sud América. Es entonces cuando el escritor decide recorrer el territorio peruano como conferenciante, para lo cual emprendió un viaje al norte del país (entre mayo y diciembre de 1918) visitando las ciudades de Trujillo, Cajamarca, Chiclayo y Piura, así como diversos pueblos en los cuales dio charlas sobre temas estéticos, patrióticos y sociales. Mientras tanto se había postulado a la diputación regional de Ica y, al ser elegido para el cargo (24 de agosto de 1919), viajó a la ciudad de Ayacucho, sede del Congreso Regional del Centro.

El 1º de noviembre de 1919 Abraham Valdelomar sufrió un accidente mientras participaba en la segunda sesión preparatoria del Congreso, a consecuencia del cual murió al cabo de dos días, siendo trasladados sus restos a Lima, luego de ser embalsamados. Póstumamente se publicaron Los hijos del sol (cuentos incaicos), conjunto de relatos escritos alrededor del año 1910 e impresos en Lima en 1921, y Tríptico heroico (Lima, 1921), libro de poemas patrióticos dedicados a los niños de las escuelas del Perú. Su obra literaria, formada por los pocos libros que publicó y sus trabajos desperdigados en numerosas publicaciones periódicas, ha sido objeto de diversas recopilaciones, la última (y también la más completa) con el título de Obras (dos volúmenes, Lima, 1988).

Abraham Valdelomar es un caso excepcional dentro de la literatura peruana. Elogiado y atacado en vida como ningún otro autor de su país, estuvo decidido a triunfar en su medio, para lo cual no dudó en adoptar posturas desafiantes y escandalosas a la manera de Oscar Wilde, a quien seguramente quiso imitar. Sin embargo, detrás del decadentismo que solía mostrar en público y su apego a las frases brillantes e irónicas, se descubre un auténtico temperamento artístico, lleno de sentimiento y nostalgia, que se manifiesta en sus mejores poemas y en los cuentos criollos que forman su libro El Caballero Carmelo, que contiene algunos de los mejores relatos escritos en el Perú.

Fuente: Biografías y Vidas

131º aniversario del nacimiento de Abraham Valdelomar




Se inauguró la fiesta del libro más importante de América Latina, con seis discursos el último a cargo de Rita Segato. Tres semanas serán con casi mil quinientos actos culturales, la presencia de 40 países, Barcelona como Ciudad Invitada de Honor y 45.000 metros cuadrados de predio expositor.

Rita Segato se refirió a las “Virtudes de la desobediencia” en un discurso ovacionado.

El sábado 27 será La Noche de la Feria con la presentación de la cantante catalana Silvia Pérez Cruz en la pista central del predio ferial La Rural. Entrada gratuita desde las 20 hs.

Inició formalmente la 45ª Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, organizada por la Fundación El Libro. Alrededor de ochocientas personas asistieron a la gran ceremonia inaugural que se realizó en la sala Jorge Luis Borges -Pabellón Frers- del predio ferial La Rural. El acto contó con la presencia de autoridades de la Ciudad, de la Nación y de Barcelona, Ciudad, Invitada de Honor 2019. Una 800 personas presenciaron el acto.

“Tratamos de apelar con calidad y atractivo a los numerosos públicos lectores que existen y asisten, a quienes les interesan tanto la literatura en todas sus manifestaciones, como la ciencia, la historia, la política, la educación, los temas espirituales, las cuestiones de género, el cómic, convocándolos con propuestas específicas. Y también pensamos en los intereses por edad, sobre todo en el caso de niños y jóvenes”, destacó María Teresa Carbano, Presidenta de la Fundación El Libro.

En representación de Barcelona, Iolanda Batallé, Directora del Instituto Ramon Llull, leyó las palabras de Mariàngela Vilallonga Vives, Consejera de Cultura de la Generalitat de Catalunya, en las que destaca los lazos entre la capital argentina y la catalana: “Nunca olvidamos que fue aquí, en Buenos Aires, donde muchos catalanes exiliados después de la Guerra Civil española, encontraron no sólo cobijo, sino un entorno de oportunidades. Queremos subrayar una simetría indiscutible: tanto Barcelona como Buenos Aires, cada ciudad desde su entorno continental específico, juegan un importantísimo papel catalizador en materia cultural y literaria”.

La vocería del Ayuntamiento de Barcelona la tomó Joan Subirats Humet, su Comisionado de Cultura. “Buenos Aires y Barcelona son ciudades cercanas por condiciones históricas, la relación literaria y cultural entre ellas ha sido muy importante. Tuvimos el reto de trasladar la densidad cultural de Barcelona, capital editorial de la lengua castellana, a un estand hecho con muchísima emoción. Traemos, de la mano del libro, una Barcelona que nos enorgullece mostrar al mundo: un espacio de libertad, una ciudad abierta, de diálogo, un espacio generador de cultura y de literatura”, dijo. 

Enrique Avogadro, Ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, felicitó a la organización de la Feria. “Debemos agradecer a todos los que hacen que esta sea una gran ciudad de editores y escritores, un lugar que es una síntesis de la cultura diversa de Buenos Aires”.

“Mis felicitaciones a la Fundación El Libro, a las cámaras que la integran, felicitaciones por haber elegido a una ciudad como Barcelona, deseo que tengan una muy buena feria”, expresó a su vez Pablo Avelluto, secretario de Cultura de la Nación.

Posteriormente en el Pabellón Blanco en el 1er piso en la sala Adolfo Bioy Casares se realizó un debate Deuda y Violencia a través de la Fundación Rosa de Luxemburgo, donde notables mujeres realizaron un debate sobre economía, deuda, sociedad, capitalismo y violencia…Con la presencia de Rita Segato, Lucy Caballero, Verónica Gago, Eva Reynoso… a propósito del libro …“Una lectura feminista de la deuda. Vivas, libres y desendeudadas nos queremos”

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EN VIVO AGENCIA EFE

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Del 25 de abril al 13 de mayo en La Rural.

Contará con la presencia, entre otros, Arturo Pérez-Reverte, Rosa Montero, Santiago Posteguillo, Gael Faye, Sandro Veronelli, Carlos Fonseca, Anselm Grun, Sergio Ramírez, Bryce Echenique, Gioconda Belli, Laurence Debray, Jul, Carlos Zanón, Paula Bonet, entre otros.

El discurso inaugural estará a cargo de la reconocida antropóloga argentina Rita Segato.

Barcelona será la Ciudad Invitada de Honor 2019 con una comitiva de primer nivel.

Habrá nuevas ediciones del Diálogo de Escritores Latinoamericanos, Diálogo de Escritores Argentinos y por quinto año el Encuentro Internacional de Booktubers.

Crédito imagen: © Cortesía FEL Buenos Aires/Oscar A. Verdecchia

La reconocida antropóloga argentina Rita Segato tendrá a su cargo el discurso inaugural de la Feria que se llevará a cabo el jueves 25 de abril a las 18hs. en la Sala Jorge Luis Borges de La Rural.

 

Organizada por la Fundación El Libro, la edición 45.° contará con la presencia de prestigiosos escritores internacionales como Arturo Pérez-Reverte, Julia Navarro, Rosa Montero, Santiago Posteguillo, Gael Faye, Sandro Veronelli, Carlos Fonseca, Anselm Grun, Sergio Ramírez, Bryce Echenique, Gioconda Belli, Laurence Debray (hija de Regis Debray, autora de una biografía de su padre), Jul (dibujante de Lucky Luke desde 2016), Victoria Schwab, Mackenzi Lee, Sara Búho, entre muchos otros.

María Teresa Carbano, presidenta de la Fundación El Libro, dice: “Somos una feria internacional por estas presencias autorales, por la veintena de stands del exterior que el gran público conoce y por los cada vez más numerosos profesionales del libro que confluyen a las Jornadas Profesionales en los días previos a la apertura al público, que este año incluyen un día más”.

Por su parte, Oche Califa, Director Cultural e Institucional de la Fundación El Libro asegura: “Desde hace varios años los invitados internacionales superan el centenar, sin contar el aporte de la Ciudad Invitada de Honor. Ese número expresa, también, una pluralidad que nos importa mucho, más allá de que se destaquen figuras de convocatoria masiva, como ocurre con autores de gran prestigio o con los del mundo juvenil. Nos enorgullece que aún en un contexto difícil podamos mantener este atractivo especial, dentro de un programa cultural que apela a todos los públicos lectores”.

Este año Barcelona será la Ciudad Invitada de Honor 2019, que contará con una variada programación y un stand de 200 metros cuadrados en el pabellón amarillo. Traerá a más de 60 autores españoles: Carlos Zanón (autor de novela negra, ganador del Premio Hammett en 2015), Héctor Lozano (creador de la serie Merlí), Jordi Sierra i Fabra (prolífico autor juvenil), Horacio Altuna (ilustrador argentino en Cataluña desde 1980), Paula Bonet (autora e ilustradora de gran éxito) son algunos de ellos. Además, en la Noche de la Feria, el sábado 27 de abril a partir de las 20 hs., la Feria adquiere carácter festivo y abre sus puertas al público para presentar el show en vivo de la artista catalana Silvia Pérez Cruz.

Dentro de la variada y nutrida propuesta cultural, se destacan nuevas ediciones del Diálogo de Escritores Latinoamericanos, donde autores de todo el continente se reunirán para debatir sobre diversos temas y del Diálogo de Escritores Argentinos con narradores, poetas y ensayistas de todo el país, y el Festival Internacional de Poesía, un espacio clásico de lectura poética.

Además, y por quinto año consecutivo, se realizará el Encuentro Internacional de Booktubers, con la participación de lectores activos de países habla hispana, que este año cuenta con la participación de los mexicanos Claudia Ramírez y Alberto Villarreal. También habrá actividades especiales que reunirán a bloggers y bookstagrammers.

Por último, por segundo año la Feria del Libro contará con Orgullo y Prejuicio, el espacio dedicado a diversidad sexual y cultura. Con el fin de recoger e impulsar sin censuras todo lo plural y rico de nuestra cultura, cuenta con una librería especializada en cuestiones de género, culturas de la disidencia sexual y feminismos, más un auditorio.

Del 25 de abril al 13 de mayo, en el predio ferial La Rural y en 45mil mts2 de exposición, se llevará a cabo el evento más convocante de América Latina: la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires.

Del 25 de abril al 13 de mayo en La Rural.

Horarios:
De lunes a viernes de 14 a 22.
Sábados, domingos y lunes 1° de mayo de 13 a 22.

Noche de la Feria: sábado 27, de 13 a 00, con entrada gratuita a partir de las 20.

Valor de la entrada:
Lunes a jueves: $120.
Viernes, sábados, domingos y feriados: $180.
Pase promocional por 3 visitas: $270.




La Doctora Zaida Juárez, ciudad natal Santiago del Estero, abogada, escritora, poeta y trovadora internacional, presentó su libro HORIZONTES Trova & Poesía en el Stand Santiago del Estero en la 45º Feria Internaccional del Libro Buenos Aires y nos deleitó con la explicación a cerca de qué es la trova, cómo se compone y cómo se inició.

Zaida Juárez:

Escritora, poeta y trovadora internacional; estudió abogacía en la Universidad Nacional de Córdoba, ex defensora en el Poder Judicial de Córdoba, con una Maestría en integración, Mercosur, y desarrollo regional UNSE, estudió Diplomatura en Derecho de Daños en la Universidad Católica de Córdoba, Funcionaria en el Poder Judicial de Santiago del Estero.

De una sensibilidad única sabe transmitir ante los espectadores atentos, la magia de la trova y la poesía.

Nombrada Consejero Cultural por la Asociación Académica de Historiadores Iberoamericanos,  Antorcha Cultural Hispana, Acapulco , México, 08 de Abril de 2018

Zaida Juárez en FIL presentando su libro
Crédito foto Maricarmen Husson

Zaida Juárez presentando su libro en Feria Internacional del Libro 2019 Buenos Aires
Crédito foto Maricarmen Husson



La Resurrección de Cristo de Noël Coypel, 1700, usando una representación ascendente de Jesús.

 

Regina Caeli (o Regina Coeli) es el nombre de una de las antífonas marianas y oración cristológica de la Iglesia católica en honor de la Virgen. Las otras tres antífonas marianas son: Ave Regina Caelorum, Alma Redemptoris Mater y Salve Regina. Son las palabras latinas con que abre el himno pascual a la Santísima Virgen María que traducidas al español son “Reina del cielo”, es una composición litúrgica a manera de felicitación a María por la resurrección de su Hijo Jesucristo.

El Regina Caeli sustituye el rezo del Angelus durante el tiempo pascual. Así lo estableció El rezo de la antífona de Regina Coeli el Papa Benedicto XIV en 1742. Litúrgicamente está prescrita en el Breviario Romano desde las completas del Sábado Santo hasta la hora nona del domingo de Pentecostés. Debe ser cantado o rezado en coro y de pie.

Aunque no se conoce el autor, ya se rezaba en el siglo XII y los frailes menores (OFM) lo rezaban después del oficio de Completas ya en la primera mitad del siglo XIII y gracias a la misma actividad de los frailes franciscanos se popularizó y expandió por todo el mundo cristiano.

Si bien esta oración es de autor desconocido, la tradición se la atribuye a San Gregorio Magno, el cual escuchó los tres primeros versos cantados por ángeles mientras caminaba descalzo una mañana en una procesión en Roma, a las que él agregó la cuarta línea. Sin embargo también ha sido atribuido a Gregorio V, aunque sin sólido fundamento.

El himno no parece caer en desuso en la Iglesia, siendo uno de los más populares y rezado -incluso fuera del preceptivo tiempo pascual- por los católicos hasta el día de hoy.

Latín 
V/
Regina caeli, laetare, alleluia.
R/
Quia quem meruisti portare, alleluia.
V/
Resurrexit, sicut dixit, alleluia.
R/
Ora pro nobis Deum, alleluia.
V/
Gaude et laetare Virgo María, alleluia.
R/
Quia surrexit Dominus vere, alleluia.
V/
Oremus:
Deus, qui per resurrectionem Filii tui, Domini nostri Iesu Christi, mundum laetificare dignatus es: praesta, quaesumus; ut, per eius Genetricem Virginem Mariam, perpetuae capiamus gaudia vitae. Per eundem Christum Dominum nostrum. Amen.

V/
Alégrate, reina del cielo, aleluya.
R/
Porque el que mereciste llevar en tu seno; aleluya.
V/
Ha resucitado, según predijo; aleluya.
R/
Ruega por nosotros a Dios; aleluya.
V/
Gózate y alégrate, Virgen María; aleluya.
R/
Porque ha resucitado verdaderamente el Señor; aleluya.
V/
Oremos:
Oh Dios, que por la resurrección de tu Hijo, nuestro Señor Jesucristo, te has dignado dar la alegría al mundo, concédenos que por su Madre, la Virgen María, alcancemos el gozo de la vida eterna. Por el mismo Cristo Nuestro Señor. Amén.

Ricci, Sebastiano – The Resurrection
Ricci, Sebastiano (1659 – 1734)









{16 abril, 2019}   Petorutti

Arlequin - Emilio Pettoruti.jpg

Arlequín es un óleo sobre tela ejecutado por Pettoruti en 1925. En él podemos percibir a un arlequín, uno de los temas que identifican al pintor.

Autorretrato - Emilio Pettoruti.jpg

Autorretrato    Emilio Pettoruti

Pettoruti

Pettoruti1916.jpg

Biografía
Emilio Pettoruti nació en la ciudad de La Plata, Argentina, el 1 de octubre de 1892, hijo de inmigrantes italianos,en el seno de una familia de doce hermanos, de los que fue el mayor. Autodidacta, que no sigue estudios regulares en ninguna disciplina, desde pequeño es alentado por su abuelo en el dibujo y la pintura. Estudió Bellas Artes en su ciudad natal,1​ con maestros como Atilio Boveri y Emilio Coutaret, con quien aprende la perspectiva, y comienza una carrera como caricaturista. En el año 1911 participó en una exposición de caricaturas, gracias a una que representaba a Rodolfo Sarrat. Dos años después, una beca del gobierno de la provincia de Buenos Aires le permitió viajar a Europa.

 



{16 abril, 2019}   Tintoretto

El Lavatorio Tintoretto (Museo del Prado)

Crucificción   Tintoretto

Moisés golpeando la roca    Tintoretto

La Ascención de Cristo  Tintoretto

 

Cristo en el Lago Tiberíades Tintoretto Washington National Galery Art

Tintoretto

Biografía

Años de aprendizaje
Nació en la ciudad de Venecia, República de Venecia, hacia 1518; su fecha de nacimiento no es cierta debido a que el acta de nacimiento se perdió en el incendio de los archivos de San Polo, pero el acta de defunción indica que Tintoretto murió en 1594 a la edad de 75 años.

Era el mayor de 21 hermanos. Su padre, Giovanni, Battista para la enciclopedia Treccani, era un tintorero; de ahí que su hijo tuviera el apodo de Tintoretto, pequeño tintorero, o hijo del tintorero. La familia era originaria de Brescia, una ciudad-estado a unos 170 kilómetros de Venecia. Otros estudios posteriores indican la ciudad toscana de Lucca como origen de la familia.

En su infancia Jacopo, un pintor innato, comenzó a pintarrajear sobre las paredes de la tintorería; su padre, dándose cuenta de esta inclinación, lo llevó al taller de Tiziano a ver si podía aprender a ser artista. Cabe suponer que esto ocurrió en torno a 1533, cuando Tiziano tenía ya (de acuerdo con el cálculo usual) cincuenta y seis años de edad.

Alumno de Tiziano aunque no por mucho tiempo, se dice que aprendió de su maestro el arte del color y las sombras. Las relaciones entre Tiziano y Tintoretto fueron distantes a lo largo de su vida, siendo de hecho Tintoretto un admirador profeso y ardiente de la obra de Tiziano, pero nunca un amigo, mientras que Tiziano y sus partidarios le volvieron la espalda. No faltó tampoco una abierta denigración, pero Tintoretto no le prestó atención. No buscó otro maestro, sino que estudió por cuenta propia con celo laborioso; vivió pobremente, coleccionando moldes, bajorrelieves, etc. para practicar con su ayuda. Observando un cuadro del Tintoretto se puede ver que, en comparación con obras de Tiziano, su objetivo era transimitir emociones más que adaptarse a los cánones de belleza de la época.

Se interesó por las corrientes manieristas toscanas, romanas y emilianas, difundidas en Venecia por artistas como Jacopo d’Antonio Sansovino, Francesco Salviati y Andrea Schiavone. Su gran modelo en el dibujo fue Miguel Ángel. Estudió especialmente los modelos de la Capilla funeraria de los Médicis (Florencia): la Aurora, el Día, el Crepúsculo y la Noche.

Su noble concepción del arte y su alta ambición personal quedaron evidenciadas en la inscripción que colocó sobre su taller: Il disegno di Michelangelo ed il colorito di Tiziano («El diseño de Miguel Ángel y el colorido de Tiziano»). Sin embargo, hay que aclarar que hay controversias acerca de este dato. Sentía pasión por los efectos de las luces. Hacía figuras de cera o arcillas de sus modelos y experimentaba con ellas colocándolas en distintos ángulos para ver el efecto de la luz antes de pintarlos. Como resultado de estas pruebas, algunas figuras aparecen en más de una de sus obras, siempre pintadas con diferente iluminación. A veces tomaba como modelos a muertos diseccionados o estudiados en escuelas de anatomía; algunos estaban envueltos en telas, otros desnudos. Con frecuencia trabajaba tanto por el día como durante la noche. Debido a su trabajo, vivía de la manera más retirada, e incluso cuando no estaba pintando solía permanecer en su taller, rodeado por moldes. Aquí rara vez admitía a alguien, ni siquiera a amigos íntimos, y mantenía sus técnicas de trabajo en secreto, excepto para sus asistentes.




Celebración internacional de las artes, la cual fue declarada por la Asociación Internacional del Arte (IAA, por sus siglas en inglés) con el fin de promover conciencia de la actividad creativa en todo el mundo.

La fecha se eligió en honor al día del nacimiento de Leonardo da Vinci. Da Vinci fue seleccionado como un símbolo mundial de paz, libertad de expresión, tolerancia, fraternidad y multiculturalismo, así como el arte también es importante en otros campos.



{15 abril, 2019}   Notre Dame

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La catedral a finales del siglo xix según un grabado de Alfred-Alexandre Delauney
Alfred-Alexandre Delauney

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Y la catedral no era sólo su compañera, era el universo; mejor dicho, era la Naturaleza en sí misma. Él nunca soñó que había otros setos que las vidrieras en continua floración; otra sombra que la del follaje de piedra siempre en ciernes, lleno de pájaros en los matorrales de los capiteles sajones; otras montañas que las colosales torres de la iglesia; u otros océanos que París rugiendo bajo sus pies.


Víctor Hugo, Nuestra Señora de París, 1831.

Catedral de Notre Dame

Patrimonio de la Humanidad



{15 abril, 2019}   Notre Dame

El incendio en la Catedral de Notre-Dame de París es un violento incendio de causas aún desconocidas, que alcanzó la Catedral de Notre Dame de París. Se inició al final de la tarde del 15 de abril de 2019, en el techo del edificio, causando daños considerables al edificio. La aguja de la catedral y el techo colapsaron, y el interior y los artefactos que albergaba fueron gravemente dañados.

Crédito imagen:
LeLaisserPasserA38 – Own work
Feu dans la charpente de Notre Dame.



{11 abril, 2019}   Nature

La belleza de la naturaleza (10 paisajes naturales)La belleza de la naturaleza (10 paisajes naturales)La belleza de la naturaleza (10 paisajes naturales)La belleza de la naturaleza (10 paisajes naturales)La belleza de la naturaleza (10 paisajes naturales)La belleza de la naturaleza (10 paisajes naturales)La belleza de la naturaleza (10 paisajes naturales)La belleza de la naturaleza (10 paisajes naturales)La belleza de la naturaleza (10 paisajes naturales)La belleza de la naturaleza (10 paisajes naturales)

Fuente imágenes: bancodeimagenes gratis.



{10 abril, 2019}   Stendhal

«Había llegado a ese punto de emoción en el que se encuentran las sensaciones celestes dadas por las Bellas Artes y los sentimientos apasionados. Saliendo de Santa Croce, me latía el corazón, la vida estaba agotada en mí, andaba con miedo a caerme»  

Stendhal

Henri Beyle (Grenoble, 23 de enero de 1783-París, 23 de marzo de 1842), más conocido por su seudónimo Stendhal, fue un escritor francés.

Valorado por su agudo análisis de la psicología de sus personajes y la concisión de su estilo, es considerado como uno de los primeros y más importantes representantes literarios del realismo. Es conocido sobre todo por sus novelas Rojo y negro (Le Rouge et le noir, 1830) y La cartuja de Parma (La chartreuse de Parme, 1839).

Stendhal

Sabías que……Síndrome de Stendhal…

Se denomina así por el famoso autor francés del siglo XIX, Stendhal (seudónimo de Henri-Marie Beyle), quien dio una primera descripción detallada del fenómeno que experimentó en 1817 en su visita a la basílica de la Santa Cruz en Florencia, Italia, y que publicó en su libro Nápoles y Florencia: Un viaje de Milán a Reggio

Más allá de su incidencia clínica como enfermedad psicosomática, el síndrome de Stendhal se ha convertido en un referente de la reacción romántica ante la acumulación de belleza y la exuberancia del goce artístico.

Aunque ha habido muchos casos de gente que ha sufrido vértigos y desvanecimientos mientras visitaba el arte en Florencia, especialmente en la Galleria degli Uffizi desde el principio del siglo XIX en adelante, no fue descrito como un síndrome hasta 1979, por la psiquiatra italiana Graziella Magherini.

Ella observó y describió más de cien casos similares entre turistas y visitantes en Florencia, la cuna del Renacimiento, y escribió acerca de él.

El síndrome de Stendhal (también denominado síndrome de Florencia o estrés del viajero) es una enfermedad psicosomática que causa un elevado ritmo cardíaco, vértigo, confusión, temblor, palpitaciones, depresiones e incluso alucinaciones cuando el individuo es expuesto a obras de arte, especialmente cuando estas son particularmente bellas o están expuestas en gran número en un mismo lugar. También suele suceder ante escenarios históricos, como campos de batalla, palacios, ruinas históricas o lugares en los cuales se hayan producido hechos muy importantes.




“Aire, espacio y luz, son las necesidades esenciales humanas”

Jean Baptiste Andre Godin

 

El antiguo Familisterio Godin, actualmente Centro Godin, en el quai des Usines.

Nacimiento de los familisterios

El proceso descrito arranca en Inglaterra con el surgimiento de las utopías de Owen y Fourier, que desembocaron en el auge de las construcciones de ciudades y viviendas obreras promovidas no sólo por utópicos, sino también por industriales cercanos al socialismo, como Jean Baptiste Andre Godin

Desde pequeño, Godín convencido de que las condiciones habitables de los obreros debían mejorar se puso en contacto con la escuela fourierista del socialismo en 1854 cuando su condición social había mejorado con la invención de la estufa de hierro, luego, al realizar su proyecto se convierte en arquitecto, pues el mismo dibuja los planos de su ciudad, donde planificaba cada detalle.

La revolución industrial trajo al mundo nuevas formas de trabajo, de comercialización y transporte. Esto llevo a un crecimiento demográfico altísimo y por lo tanto, hacinamiento y formas de vivir deplorables en las clases proletariadas.

El Familisterio es un vasto complejo de viviendas fundado en Guissa Departamento de Aisse, a pocos kilómetros de Belgica, en 1859 en relación con la industria de fabricación de estufas. Hasta 1968, este palacio social era el teatro de una singular experimentación social en el mundo industrial: el Familisterio era una especie de utopía para una sociedad industrial compuesta como una transición urbana entre el parque y la ciudad (aislada por entonces).

El familisterio logró albergar a 2,000 personas dotadas de los servicios que antes solo eran para la clase burguesa. Contando con un total de 350 apartamentos

Este le ofrecía a su población obrera, no solo el confort de espacios habitacionales, sino un grupo de servicios únicos para esa época, ya que el capitalismo y la revolución industrial fomentaron la insalubridad y la miseria del proletariado.

Godin hizo su fortuna con la invención de la estufa de hierro, luego, al realizar su proyecto se convierte en arquitecto, pues el mismo dibuja los planos de su ciudad, donde planificaba cada detalle.

Fuertemente influenciado por Fourier, se inspira en el palacio de Versalles y su disposición de volúmenes. Esto, raramente fue hecho para obreros, ingenieros y hasta para el mismo, por eso el nombre de familisterio.

Arquitectura

Esto se proyectó en ladrillo, aunque en un principio recubierto de yeso blanco. La estructura era muy similar a los edificios modernos del siglo XX. Losas unas sobre otras, divididos por paredes. Cada habitación medía 20 metros cuadrados y tres metros desde el piso al cielorraso. Los espacios eran flexibles y podían modificarse y también estaban aireados e iluminados. En planta baja de los bloques existían espacios como bibliotecas, negocios, cafés y baños. Las circulación median 1.3 metros para una circulación libre y con iluminación. La altura del piso con el cielorraso era de 3metros. A las personas que infringían las normas se las multaban o expulsaban. También diseño espacios ajenos a los bloques de vivienda, como negocios, escuela, guardería, teatro y piscina.

Para evitar el efecto invernadero bajo las vidrieras que cubrían el patio, invento un sistema de climatización de aire. El aire entra al sótano por las ventilaciones y genera una reserva de aire fresco para el verano y cálido para el invierno. Luego el aire era dirigido por conductos laterales que llegan al patio y sale por las aberturas del techo.

Aire, espacio y luz, eran las necesidades esenciales humanas, que definió Godin para su arquitectura y un siglo después Le Corbusier retomaría y los revolucionaria. Los desarrollos tecnológicos que el aporto, junto con sus ideologías, son factores vigentes. Tanto es así que son departamentos habitados por personas que valoran esta arquitectura.

Es el modelo de arquitectura más efectivo y longevo, ya que este hombre entendió que la higiene y el confort, llegarían a cambiar al hombre.

El Familisterio Godin, en Belgica es un falansterio creado en 1880 por Jean-Baptiste André Godin y emplazado originalmente en Laeken, un municipio belga que en 1921 fue anexado a Bruselas.
Historia
Fábrica
En 1854, Jean-Baptiste André Godin (1817-1888), industrial y socialista fourierista francés, fundó en la localidad belga de Forest una sucursal de las fundiciones de Guisa (Aisne, Francia). En 1858, trasladó esta unidad de producción a lo largo del canal de Willebroek, en el quai des Usines («Muelle de las Fábricas») de Laeken.

Familisterio Godin

El antiguo Familisterio Godin, actualmente Centro Godin, en el quai des Usines.
En 1880, Godin fundó la Asociación Cooperativa del Capital y del Trabajo del Familisterio de Guisa. Los trabajadores belgas obtuvieron los mismos derechos y deberes que los empleados franceses. Participaron en la experimentación práctica de la utopía fourierista revisitada por Godin, aunque no se viesen inmediatamente beneficiados por los equivalentes de la riqueza dispensados por el «Palacio Social» edificado en Guisa de 1859 a 1884. En 1887-1888 se construyó finalmente una unidad habitacional compuesta por 72 viviendas al lado de la fábrica, y construidas especialmente para los obreros de la misma. El familisterio contenía un patio central destinado a las actividades colectivas y que comunicaba con las viviendas situadas en la planta baja y tres pisos. La arquitectura recuerda un poco a la de las antiguas piscinas o prisiones.

El familisterio de Laeken no tuvo un desarrollo comparable al de Guisa. En 1891, la cooperativa contaba 263 asalariados en Laeken y 1177 en Guisa.

Final del familisterio
La Sociedad del Familisterio cesó sus actividades en 1968 y se disolvió. El inmueble de Bruselas fue vendido y convertido en oficinas.

Reconversion
El familisterio fue reconvertido en «hotel de empresas», pero no tuvo éxito. El edificio fue catalogado en 1988. Posteriormente, fue rehabilitado en un conjunto de unas cincuenta viviendas denominación Centro Godin,  perteneciente al Centro Público de Acción Social (CPAS) de Bruselas. Su dirección actual está en los números 155-157 de la Quai des Usines de Bruselas. El CPAS lo puso a la venta pública programada para enero de 2018.

Jean-Baptiste André Godin
Jean-Baptiste André Godin Esquéhéries, 1817 – Guisa, 1888), industrial acaudalado, filántropo y reformador social francés.

Fundó en 1877 su familisterio en Guisa (Aisne) para 1200 personas, una reducción del falansterio de Charles Fourier.

En 1882 y 1883 construyó otros dos grupos para 600 personas cada uno, equipados con tienda cooperativa, guardería de niños, escuela, hospital, dispensario y teatro, con seguros de enfermedad y pensiones de retiro.

Antes había instituido la participación en los beneficios para todos los obreros, y en 1880 formalizó con ellos el contrato de copropiedad dando por resultado una de las más poderosas empresas cooperativas de Francia y la fábrica más importante de productos de hierro esmaltado de aquel país.

El éxito de su iniciativa se atribuye a dos innovaciones:

El carácter industrial, no agrícola, de la empresa productiva.
La renuncia a la vida en común en el Falansterio, ya que cada familia tiene su propia vivienda, protegiendo su autonomía, asegurándole los servicios comunes y facilitando sus relaciones.

Fuente: Wikipedia

 




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Hedwin Kohn

132.º aniversario del nacimiento de Hedwig Kohn

Homenaje Doodle de Google

5 de abril de 2019
132.º aniversario del nacimiento de Hedwig Kohn

Llevándonos al interior del laboratorio de Hedwig Kohn, la artista invitada Carolin Löbbert de Doodle, realizada hoy en Hamburgo, celebra la vida y la ciencia del físico pionero. Después de obtener su doctorado en 1913, Kohn se convirtió en una de las tres mujeres certificadas para enseñar física en una universidad alemana antes de la Segunda Guerra Mundial.

Como mujer judía que vive en la Alemania nazi, a Kohn se le impidió su puesto de docente en 1933. Pasó los siguientes años cumpliendo contratos de investigación en física industrial antes de huir a los EE. UU. En 1940. Allí, volvió a su pasión, enseñando en el El Colegio de Mujeres de la Universidad de Carolina del Norte y el Colegio de Wellesley en Massachusetts hasta 1952. Después de retirarse del aula, Kohn asumió una posición de investigador asociado en Duke. En el sub-sótano del edificio de física de la escuela, donde se encontraba su laboratorio, dirigió a los estudiantes de doctorado en su investigación mientras continuaba su propio trabajo en espectroscopia de llamas, algo que había comenzado en 1912.

A lo largo de los años, el trabajo de Kohn dio como resultado más de 20 publicaciones, una patente y cientos de páginas de libros de texto que se utilizaron para introducir a los estudiantes en el campo de la radiometría (un conjunto de técnicas destinadas a medir la radiación electromagnética, incluida la luz visible) en todo el mundo. Años 60.




Alberto Cortez.JPGStars Glitter gifs Q.E.P.D.

José Alberto García Gallo (Rancul, La Pampa, 11 de marzo de 1940-Móstoles, Madrid, España, 4 de abril de 2019),​ más conocido como Alberto Cortez, fue un cantautor y poeta argentino.Considerado uno de los cantaautores más importantes de Latinoamerica.

Biografía
José Alberto García Gallo, nombre real de uno de los más destacados autores contemporáneos, con canciones basadas en hechos y personajes reales, así como en sentimientos y adversidades de su vida, nació el 11 de marzo de 1940 en Rancul, provincia de La Pampa (Argentina).

A los 12 años compuso una de sus primeras piezas, la cual se titula “Un cigarrillo, la lluvia y tú”. En Mendoza realizó sus estudios de secundaria e ingresó al Conservatorio Chopin de San Rafael, donde se integró como cantante a la orquesta Arizona, dirigida por Ricardo Ortiz y Luis Pasquier.

En 1957 se da a conocer en aquella ciudad como “Chiquito García”, y es invitado a formar parte del conjunto folclórico Los Andariegos, pero su padre le niega el permiso por sus malas calificaciones en el colegio.

Un año después ingresó a la Facultad de Derecho y Ciencias Sociales, en tanto cantaba con su guitarra en lugares de moda para ayudarse económicamente. Por esas fechas, la Orquesta de Jazz San Francisco lo contrató como vocalista e inició una gira por el país.

En Santiago del Estero conoció a Hugo Díaz, quien le propuso integrarse a su grupo y viajar a Europa con un contrato de seis meses, motivo por el que termina su relación con la orquesta y deja por completo la universidad.

Años más tarde, luego de que en 1960 fracasó en Génova con el espectáculo “Argentino International Ballet Show”, Alberto visitó Bélgica, donde colocó el disco “Sucu sucu” como número uno.

Su éxito lo llevó por Canadá y Estados Unidos para cosechar más triunfos con temas como “Renata” y “La escalera”, este último lo grabó en francés bajo la dirección de Paul Muriat. Además, realizó su primer disco acompañado por Waldo de los Ríos y su orquesta.

Asimismo, participó como autor en el Festival de Mallorca con la canción “Me lo dijo Pérez”, y aunque no ganó, el tema interpretado por cantantes como Karina, Micky o Los Tres Sudamericanos, se convirtió en un éxito universal.

El 2 de junio de 1964 contrajo matrimonio con Renée Govaerts, en Aarschot, Bélgica, ciudad natal de la novia. La pareja se instaló en Madrid. España.

Posteriormente, editó dos discos con el repertorio que interpretó en los dos recitales del Teatro de la Zarzuela, Madrid, titulados “Poemas y canciones, vol. 1 y 2”. Compuso y grabó el disco “El compositor, el cantante”, con temas que también fueron grandes éxitos como “Cuando un amigo se va”, “El abuelo” y “Hay un Madrid”.

Después viajó por primera vez a México, donde se presentó en algunos programas de televisión, entre ellos “Siempre en Domingo” de Raúl Velasco. Fue aclamado en diversos foros y recibió el apodo “La Voz de la Amistad”, y en 1973 recibió su primer Disco de Oro por “Mi árbol y yo”, que se sumaría a muchos otros premios.

De 1982 a 1992 realizó giras por América Latina. Actuó en Chile, Perú, Colombia, Venezuela, Costa Rica, El Salvador, Guatemala y, por supuesto, México y Estados Unidos. En Nueva York se presentó por primera vez en el Carnegie Hall (1992). Ese mismo año grabó en Los Ángeles, California, su disco “Aromas”, bajo la dirección de Bebú Silvetti.

En 1994 con Facundo Cabral inició una temporada con un espectáculo creado para ambos artistas llamado “Lo Cortez no quita lo Cabral”. Se estrenó en México en el Teatro de la Ciudad, donde cumplieron con éxito 100 representaciones.

En el verano de 1996 en Mar del Plata, Argentina, sufrió un ataque cerebral y el 18 de enero fue operado de una obstrucción de la carótida. Salió airoso de la intervención, pero le quedan secuelas que no le permiten volver a tocar la guitarra.

En 1998 grabó en su estudio de Madrid una colección de 70 de sus canciones con el pianista Ricardo Miralles. Obra única por su alto valor artístico, editada en México por Azteca Music con el título “Cortez al desnudo”.

En 2000, su trascendencia en el ámbito musical es constatada una vez más con las canciones “Cuando un amigo se va”, “Alfonsina y el mar” y “Gracias a la vida”, las cuales son consideradas, según una encuesta de un periódico chileno, como las tres mejores canciones en castellano del siglo XX.

Un año después volvió a México y se presentó en diversos teatros del país llevando como invitados a Estela Raval y Los 5 Latinos, con el espectáculo “En un rincón del alma”, durante esos conciertos se grabó en vivo un disco doble, a manera de documento, bajo ese título.

En 2004 salió a la venta “Alberto Cortez sinfónico”, grabado en directo con la Orquesta Sinfónica de Houston, y un año después lanzó su trabajo discográfico “Identidad”, con el que recorrió el mundo.

En 2007, recibió el premio Emmy a la Excelencia Musical, y dos años más tarde puso a la venta en España su biografía “Alberto Cortez: La vida”. Un año después, participó en el homenaje que el mundo del futbol le rindió al ex jugador Alfredo Di Stéfano en la ciudad deportiva del Real Madrid.

Además, presentó sus libros “Cortez por los cuatro costados”, en el Salón de la Ciudad de Guayaquil, y “Alberto Cortez. La vida”, en la Ciudad de México.

En 2009, lanzó “Alberto Cortez. Íntimo”, un disco doble con 32 canciones grabadas en vivo en diferentes teatros de España y América Latina.

Asimismo, en noviembre del mismo año brindó el espectáculo “Alberto Cortez Sinfónico”, en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, acompañado por la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de Veracruz (OSJEV), el cual fue grabado y cuyas ventas fueron destinadas a la Fundación Hermes Music, que ayuda a niños desamparados de México.

El año pasado realizó una extensa gira por México, con actuaciones en Chihuahua, Tamaulipas, Sinaloa, Jalisco, Michoacán, Guanajuato, Querétaro, Puebla y Distrito Federal.

En 2011 emprendió una gira por su país natal donde dio a conocer en vivo los temas de “Tener en cuenta” producción que incluye temas inéditos y una nueva versión del clásico “Mi árbol y yo”, que grabó junto al cantante guatemalteco Ricardo Arjona.

En marzo de 2012 se presenta en escenarios españoles con el espectáculo “Alberto Cortez en estado puro”, mientras que en abril participa en el Festival Cultural de Zacatecas, en México.

Después regresa a España, y durante mayo se presenta en Bilbao, en el Teatro Fernando Fernán Gómez de Madrid y el Teatro Rojas de la ciudad de Toledo.

En julio, el intérprete viaja a Ecuador, para presentar en el Centro Cívico de Guayaquil su espectáculo “Alberto Cortez Sinfónico”.

Su exitosa carrera musical lo llevó a recibir varios reconocimientos, como la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes, en España, en la modalidad de música, en 2015, y dos años después obtuvo la Gramola de Oro, en el Primer Festival Internacional de bolero “Ciudad de Madrid”.

Entre sus más grandes éxitos se encuentran “Cuando un amigo se va”, “En un rincón del alma”, “No soy de aquí”, “Callejero”, “Mi árbol y yo”, “A partir de mañana”, “Te llegará una rosa”, “Castillos en el aire” “Camina siempre adelante” y “El abuelo”.

Alberto Cortez construyó poemas de lo cotidiano en su música

La amistad, la vida de los perros callejeros, la muerte de un amigo, cómo los adolescentes dejan sus hogares y la añoranza hacia sus orígenes, fueron entre otros los temas cotidianos que el poeta Alberto Cortez convirtió en himnos.

Aunque comenzó a escribir canciones desde los 12 años, fue hasta 1961 cuando publicó su primer disco “Welcome to the Latin Club”, que incluyó 12 temas tanto en inglés como en español. Destacan “Mañana”, “Amapola”, “April in Portugal”, “La paloma” y “Oh – Mari”.

En su larga trayectoria, Cortez, quien falleció este jueves a los 79 años, grabó cerca de 40 álbumes de estudio, logrando cuatro Discos de Oro.

Conocido como “el cantor de las cosas simples”, Alberto Cortez destacó por su estilo desgarrado, intenso y belleza poética.

De una sensibilidad envidiable, tocó corazones con temas como “Carta a mi viejo”, en la que le cuenta a su padre las cosas que le habían pasado en el tiempo que había estado lejos de casa, y “Callejero”, canción que se basa en la vida de un perro de la calle.

Pero no sólo los perros fueron su inspiración, también las cigarras, insectos que fueron motivo para la creación de “La canción de las cigarras” y “A partir de mañana”.

Como buen poeta que retrata la cotidianidad de la vida, también añadió contenido social a sus temas, como en el caso de “Instrucciones para ser un pequeño burgués”.

Otros de sus temas más emblemáticos son “Mi árbol y yo”, “A partir de mañana”, “Te llegará una rosa”, “Castillos en el aire” y “El abuelo”, los cuales están basados en hechos y personajes reales, que le ocurrieron a él mismo o a gente cercana a él.

Falleció por causa de una hemorragia gastrointestinal, el 4 de abril de 2019, en el Hospital Universitario HM Puerta del Sur, en Móstoles, en la Comunidad de Madrid, España, a los 79 años de edad

Alberto Cortez



{4 abril, 2019}   Hug Masekela 80º natalicio

80.º aniversario del nacimiento de Hugh Masekela

Homenaje Doodle de Google

80.º aniversario del nacimiento de Hugo Masekela

” Mi mayor obsesión es mostrar a los africanos y al mundo quiénes son realmente los pueblos de África”.
—Hugh Masekela

Today’s Doodle celebra al mundialmente famoso trompetista, cantante, director de orquesta, compositor y defensor de los derechos humanos, Hugh Masekela, de renombre mundial. Nacido hace 80 años en la ciudad minera del carbón de Witbank, Sudáfrica, Masakela obtuvo su primer cuerno a los 14 años. Luego pasó a tocar con un grupo muy popular conocido como Jazz Epistles , la primera banda de jazz completamente negra en Grabar un disco en la historia sudafricana. Sin embargo, en el transcurso del año, sus miembros fueron expulsados ​​del país por el gobierno del apartheid.

A la edad de 21 años, Masakela comenzó un exilio de 30 años, viajando a Nueva York donde se inscribió en la Manhattan School of Music y se sumergió en la escena de jazz de la ciudad, observando a gigantes del jazz como John Coltrane, Thelonious Monk, Charlie Mingus y Max. Cucarachas todas las noches. “Sólo vas a ser una estadística si tocas jazz”, le aconsejó Miles Davis, “pero si pones algunas de las cosas que recuerdas de Sudáfrica, serás diferente a todos”.

Animada por artistas como Dizzy Gillespie y Louis Armstrong, Masakela profundizó en sus propias influencias únicas para crear su álbum debut de 1963, titulado Trumpet Africaine . A fines de los años 60, se mudó a Los Ángeles y actuó en el Festival Pop de Monterrey con un proyecto de ley que incluía a Jimi Hendrix, Ravi Shankar y The Who. Su single de 1968 “Grazin ‘in the Grass” llegó al número 1 en las listas de éxitos estadounidenses.

Masakela continuaría colaborando con personas como Fela Kuti, Bob Marley, Marvin Gaye, Paul Simon y Stevie Wonder. En 1990, “Bra Hugh” regresó a Sudáfrica a tiempo para ver su canción “Bring Him Back Home (Nelson Mandela)” hecha realidad. Cuando el líder del ANC fue liberado de la prisión y eligió al primer presidente negro de Sudáfrica, la música de Masakela fue la banda sonora.

 

Biografía
Empezó su carrera musical como miembro de la Huddleston Jazz Band. Masekela abandonó Sudáfrica en 1961 instalándose en Estados Unidos, donde su carrera profesional despegó. Allí, su estilo musical, mezcla de pop y jazz africano, tuvo buena acogida, llegando a fundar su propio sello discográfico con el nombre de Chisa. A finales de los años sesenta, su canción «Grazing in the Grass» de su disco The Promise of a Future tuvo gran éxito y difusión, llegando al número uno de la lista estadounidense de Billboard en julio de 1968 y siendo nominado a los Premios Grammy.

Masekela colaboró, entre otros, con Fela Kuti y Paul Simon.

Casado entre 1964 y 1966 con Miriam Makeba (1932-2008), la legendaria cantante, actriz y activista, una de las más importantes representantes de la lucha contra el régimen del apartheid fuera de Sudáfrica. Masekela, también lucho contra el apartheid. De hecho, uno de sus éxitos más conocidos, “Bring Him Back Home” (Traedlo de vuelta a casa), aparecido en 1987, se convirtió en la canción utilizada por Nelson Mandela, durante la gira mundial que realizó tras su salida de prisión.

Masekeba falleció tras una larga batalla contra el cáncer de próstata



{4 abril, 2019}   *Rembrandt

El regreso del hijo pródigo, hacia 1669
Rembrandt – Hermitage Torrent (.torrent with info-hash)

 

Rembrandt

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Acerca de este sonido [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin] Leiden, 15 de julio de 1606-Ámsterdam, 4 de octubre de 1669) fue un pintor y grabador neerlandés. La historia del arte lo considera uno de los mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado, siendo con seguridad el artista más importante de la historia de los Países Bajos. Su aportación a la pintura coincide con lo que los historiadores han dado en llamar la edad de oro neerlandesa, el considerado momento cumbre de su cultura, ciencia, comercio, poderío e influencia política.

Habiendo alcanzado el éxito en la juventud, sus últimos años estuvieron marcados por la tragedia personal y la ruina económica. Sus dibujos y pinturas siempre fueron muy populares, gozando también de gran predicamento entre los artistas y durante veinte años se convirtió en el maestro de prácticamente todos los pintores neerlandeses.2​ Entre los mayores logros creativos de Rembrandt están los magistrales retratos que realizó para sus contemporáneos, sus autorretratos y sus ilustraciones de escenas bíblicas. En sus autorretratos, especialmente, se observa siempre la mirada humilde y sincera de un artista que trazó en ellos su propia biografía.

Rembrandt tenía un profundo conocimiento de la iconografía clásica y en sus pinturas y grabados solía interpretarla libremente para ajustarla a su propia experiencia. Así, en la representación de una escena bíblica Rembrandt solía combinar su propio conocimiento del texto con su particular concepto de la composición clásica y algunas observaciones anecdóticas de la población judía de Ámsterdam​ Por la empatía con que retrató la condición humana, Rembrandt ha sido considerado «uno de los grandes profetas de la civilización».

Ningún artista combinó nunca tan delicada habilidad con tanta energía y poder. Diccionario Biográfico Chambers.

Rembrandt

 

Las tres cruces, grabado de Rembrandt, 1653, estado 3 de 5.
Rembrandt – http://www.rijksmuseum.nl

Descendimiento de la cruz. 1634.

Cristo resucitado se aparece a María la Magdalena, 1638
Rembrandt van Rijn (1606, Leiden – 1669, Amsterdam) –



{3 abril, 2019}   *El Bosco

Cristo con la cruz a cuestas, 1505-1507; óleo sobre tabla de roble, 142,3 × 104,5 cm, Patrimonio Nacional, Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

Cristo con la cruz a cuestas, óleo sobre tabla, 76,8 × 83,1 cm, Gante, Museum voor Schone Kunsten.

Ecce Homo, óleo sobre tabla de roble, 71,1 x 60,5 cm, Fráncfort del Meno, Städel Museum.

 

 

El Bosco

Cornelis Cort (grabador), retrato de Jheronimus Bosch; estampa en Pictorum Aliquot Celebrium Germaniae Inferioris Effigies, Amberes, 1572, con un epigrama latino de Dominicus Lampsonius cuya traducción podría decir: «¿Qué ven, Jheronimus Bosch, tus ojos atónitos? ¿Por qué esa palidez en el rostro? ¿Acaso has visto aparecer ante ti los fantasmas de Lemuria o los espectros voladores de Érebo? Se diría que para ti se han abierto las puertas del avaro Plutón y las moradas del Tártaro, viendo como tu diestra mano ha podido pintar tan bien todos los secretos del Averno».
Jheronimus van Aken (Bolduque, c. 1450-1516), llamado familiarmente Joen y conocido como Jheronimus Bosch o Hieronymus Bosch,2​ en España el Bosco, fue un pintor nacido al norte del Ducado de Brabante, en los actuales Países Bajos, autor de una obra excepcional tanto por la extraordinaria inventiva de sus figuraciones y los asuntos tratados como por su técnica, al que Erwin Panofsky calificó como artista «lejano e inaccesible» dentro de la tradición de la pintura flamenca a la que pertenece.3​

El Bosco no fechó ninguno de sus cuadros y son relativamente pocos los que llevan una firma que pueda considerarse no apócrifa. Lo que se conoce de su vida y de su familia procede de las escasas referencias que aparecen en los archivos municipales de ‘s-Hertogenbosch y, en especial, en los libros de cuentas de la cofradía de Nuestra Señora, de la que fue miembro jurado. De su actividad artística tan solo se documentan algunos trabajos menores no conservados y el encargo de un Juicio Final que en 1504 le hizo Felipe el Hermoso. De ninguna de las obras que actualmente se le atribuyen ha llegado documentación producida en vida del pintor y las características de su singular estilo se han podido fijar únicamente a partir de un reducido número de obras mencionadas en las fuentes literarias, posteriores todas ellas a la muerte del pintor y, en algún caso, de dudosa fiabilidad, al no distinguirse desde muy pronto las obras del Bosco de las de sus imitadores.4​ El Bosco adquirió fama aún en vida como inventor de figuras maravillosas y de imágenes llenas de fantasía y no tardaron en salirle seguidores y falsificadores que harían de sus temas e imaginaciones un verdadero género artístico, difundido también a través de estampas —muchas de ellas firmadas por Hieronymus Cock— y tapices bordados en Bruselas.5​

Felipe II, entre los primeros y más insignes coleccionistas de sus obras, pudo reunir un importante número de ellas en el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial y el palacio de El Pardo. En su entorno surgieron también los primeros críticos e intérpretes de la obra del Bosco. El jerónimo fray José de Sigüenza, historiador de la fundación escurialense, resumió las razones de esa preferencia en la singularidad y profundidad del pintor, que lo hacían diferente de cualquier otro, pues, según decía:

la diferencia que […] hay de las pinturas de este hombre a las de los otros, es que los demás procuraron pintar al hombre cual parece por defuera; este solo se atrevió a pintarle cual es dentro.

EL BOSCO

 

Seguidor del Bosco: La visión de Tundal, óleo sobre tabla, 54 x 72 cm, Madrid, Museo Lázaro Galdiano.

Extracción de la piedra de la locura, óleo sobre tabla de roble, 49 × 34,5 cm, Madrid, Museo del Prado.

Mesa de los pecados capitales, óleo sobre tabla de chopo, 119,5 × 139,5 cm, Madrid, Museo del Prado.



{27 marzo, 2019}   *Raúl Soldi- Natalicio 114º

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Raúl Soldi (Buenos Aires, 27 de marzo de 1905 – 21 de abril de 1994) fue un artista plástico argentino de reconocida trayectoria internacional.
Inició sus estudios de arte en la Academia Nacional de Bellas Artes, donde más adelante fue designado miembro de número.

En el año 1921 viajó a Europa: vivió en Alemania hasta 1923, año en que se trasladó a Italia, ingresando en la Academia de Brera (Milán) donde permaneció hasta el año 1932. En Italia se relaciona con un grupo de artistas de vanguardia. En 1933 regresa a Argentina y es becado por la Comisión Nacional de Cultura y recorre Estados Unidos, donde trabaja como escenógrafo en Hollywood.

Desde 1930 presenta obras en el Salón Nacional de Cultura y en diversos salones provinciales, en la Exposición Internacional de París (1937), en Nueva York (1941-1943) y, tras el reconocimiento logrado, a partir de 1934 comienzan sus muestras individuales.

Los temas que trató son variados: paisajes, retratos, temas relativos al teatro y al circo, naturalezas muertas, etc. Ilustró también libros de poesía.

 

Obras famosas

Paisaje de Villa Ballester (1935).
Sus obras figuran en mucpinta en la Basílica de la Anunciación de Nazareth, un mural inspirado en el milagro de la Virgen de Luján.

Los Museos Vaticanos en Roma incorporaron en 1987 una obra suya titulada “La Virgen y el Niño”: con esta última suman dos los cuadros de Soldi que posee la Santa Sede, la anterior se titula “Santa Ana y la Virgen Niña”.

Una de sus obras más notables es la secuencia de frescos pintados en la Iglesia de Santa Ana de la localidad bonaerense de Glew, a la que dedicó casi treinta veranos.

A partir de ese último año hasta la fecha de su fallecimiento, realizó varias exposiciones, la más destacada en el Museo de Arte Decorativo. La Galería de Arte Moderno de Milán incorpora a su colección un autorretrato.

En 1989, creó el mosaico Camerata Bariloche, para el Museo del Parque de Portofino, Italia.

Participó en 1993, un año antes de su fallecimiento, de una gran muestra que se realizó en el Salón Nacional de Exposiciones (llamado también Palais de Glace). Expuso allí parte de su obra, convocando a millares de visitantes que disfrutaron de obras del pintor.

 

Homenaje de el Doodle de Google:

 

114º aniversario del nacimiento de Raúl Soldi




MEMORIA ARTÍSTICA

CICLO DE ALTA COMEDIA TRAILER

La Comedia no tiene actos ni escenas. La representación se interrumpirá una primera vez, sin bajar el telón, cuando el Director de la Compañía y el primero de los Personajes se retiran para concertar la escenificación, desalojando entonces los actores el escenario; y una segunda vez, cuando por error, el maquinista dejará caer el telón.

Seis personajes en busca de un autor

Argumento

Cuando se representaba “El juego de los papeles”, comedia del mismo autor; se presentan en el escenario sus personajes: el padre, un cincuentón; la madre, muy afligida; la hijastra, rebelde; el hijo, soberbio; el niño y la niña.

Sorprendido, el director de la obra escucha al padre lo siguiente: ellos vienen en busca de un cualquiera que quiera darles realidad en su obra ya que su problema radicaba en que todos ellos procedían de la fantasía del escritor quien después de concebirlos en su imaginación, no los pasó al papel, no los inscribió en una obra. Por eso están allí, anhelando existir, consumar y manifestar su propio destino; y como en el teatro no hay ningún autor, insisten para que el director de la compañía los vea y les ayude a dar forma en su drama. Con dicha finalidad, le relatan sus propias historias, cada uno reviviéndola a su manera, compadeciéndose sólo de sí mismos: el padre y la madre habían procreado en el matrimonio un hijo, pero tiempo después había surgido un romance entre la madre y el secretario del padre, por lo que el esposo los había dejado “libres”. En esta segunda relación, la madre tendría tres hijos con el secretario, pero una vez fallecido éste, la madre hubo de retomar a la ciudad en busca de trabajo. Entretanto la hijastra, la primera habida con el secretario, obligada por la necesidad, trabajaba con Madama Pace, que era dueña de una casa de citas y de la que el padre era cliente por sus asiduas visitas. En estas circunstancias, por esas casualidades de la vida y sorpresivamente, la madre encuentra al padre y a la hijastra antes de que compartan el lecho. Afligido, el padre decide acoger en su casa a toda la familia. Allí el hijo mayor los trata con indiferencia, como a intrusos, por lo que la madre suplica que frene su hostilidad. Simultáneamente a estos episodios, la niña cae en la fuente del jardín y el niño se mata con un revólver en el escenario, en tanto que la hijastra huye lanzando una amarga risotada.

Personajes
Compañía de teatro
El director, quien está a cargo de la producción teatral de El juego de los papeles, es exigente y busca llevar a cabo el ensayo de su obra, que cuando sus intentos de retomar sus ensayos son frustrados él se altera e intenta expulsar a los personajes de el escenario; aunque posteriormente es conmovido por la historia de los personajes y accede a llevar a cabo su petición.
Primer actor, uno de los talentos que será parte de la obra, quien luego tendrá que personificar a El padre.
Primera actriz, una diva a quien le tocará interpretar a La hijastra, parece tener una relación con el Primer actor.
Joven actor, le tocará ser el personaje de El hijo.
Joven actriz, será La madre.
Director de escena, conserje,etc…, ayudantes del director.
La familia[editar]
El padre, quien arrastra a todos para buscar a alguien que escriba su historia.
La madre, esposa de El padre, que después se fue con otro hombre.
La hijastra, hija de La madre con su segunda pareja.
El hijo, único hijo de El padre y La madre; hermanastro de La hijastra, El muchacho y La niña.
El muchacho, hermano de La hijastra.
La niña, la más pequeña de la familia, hermana de La hijastra y de El muchacho.
Madama Pace, quien le ofrece trabajo a La hijastra cuando su padre muere.

Luigi Pirandello
(Agrigento, Italia, 1867 – Roma, 1936) Escritor italiano. Hijo de un rico comerciante, estudió en las universidades de Palermo, Roma y Bonn. Tras graduarse en ésta última en 1891, regresó a Italia. En 1894, una vez hubo concluido su primera novela, L’esclusa, contrajo matrimonio y publicó su primer libro de relatos, Amores sin amor.
Luigi Pirandello

En 1897 fue contratado como profesor de literatura italiana, y en 1904 apareció su novela El difunto Matías Pascal, que recogía muchos elementos biográficos del autor y constituyó un enorme éxito. A la publicación del ensayo L’umorismo siguieron el drama Pensaci, Giacomino!, el volumen de relatos La trampa, y la novela Si gira…

Con la representación, en 1917, de la pieza teatral Así es si así os parece, se decantó claramente por el género dramático, en el cual creó escuela por su peculiar construcción de la pieza teatral, sus recursos escénicos y la complejidad de sus personajes. A partir de 1920 publicó varias comedias, entre ellas La señora Morli, que abordaba el tema de la doble personalidad, y Seis personajes en busca de autor, que fue un fracaso clamoroso. Con Enrique IV, puesta en escena en 1922, recuperó el favor del público.

Tras abandonar la enseñanza para dedicarse por entero a la creación literaria, y reconocido ya en todo el mundo, en 1925 asumió la dirección del Teatro d’Arte de Roma y cuatro años después fue nombrado miembro de la Academia de la Lengua de Italia. A esta época pertenecen los dramas Esta noche se improvisa, Lázaro, Como tú me quieres y No se sabe cómo.

La obra dramática de Pirandello extrema los elementos en plena disolución de un realismo en crisis y la ficción teatral en varios planos para romper el espacio escénico tradicional; tal orientación lo vincula a las figuras clave (Alfred Jarry, Bertolt Brecht, Antonin Artaud) de las que arranca el teatro del siglo XX. En 1934 le fue otorgado el Premio Nobel de Literatura.

Fuente biográfica: Biografías y vidas



{22 marzo, 2019}   Boccaccio, Boccaccino.

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Mujer gitana

Boccacio Boccaccino (Ferrara, antes de 1466 – Cremona, 1525), fue un pintor renacentista italiano.

Su primer aprendizaje lo realizó probablemente bajo Domenico Panetti. Encontramos atestiguada su presencia en Génova hacia 1493, donde fue contratado para pintar una tabla de altar (perdida) para la iglesia de Santa Maria della Consolazione. En 1497 fue liberado de prisión en que se encontraba en Milán por un agente de Hércules I de Este, duque de Ferrara, para quien trabajó hasta 1500. Probablemente a causa de un asesinato tuvo que marchar a Venecia, donde residía en 1505. Después se trasladó a Cremona, donde se conserva un ciclo de frescos de su mano en la catedral, representando Escenas de la Vida de la Virgen. Murió en dicha ciudad en 1525.

 

Luigi Lanzi destaca su obra por la riqueza de sus drapeados, la variedad en el color, la espiritualidad y gracia de sus figuras, así como la harmonía de sus paisajes. Muchos trabajos anteriormente atribuidos a artistas como Perugino, Pinturicchio y Garofalo le son ahora adjudicados.

Hijo y pupilo suyo fue el también pintor Camillo Boccaccino. Fueron sus alumnos Garofalo y Galeazzo Campi.

 

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Cristo llevando la Cruz

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Virgen con el niño

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Matrimonio místico de Santa Catalina con los Santos Rosa, Pedro, Juan el Bautista, anuncio a los pastores, la huida de Egipto y los magis a caballo.

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Piedad



{21 marzo, 2019}   *Bienvenido Otoño!

 

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Follaje otoñal visto desde la montaña Hogback, Wilmington.
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Giuseppe Arcimboldo – Autumn, 1573

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Antoni Viladomat – Autumn – Google Art Project

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This picture was in a series – ‘Autumn in my hometown Dalian and beside my feet’ made for my… memory-store of autumn and free-time outdoor hiking to feel healthy. It’s the head of a red-seeded dandelion (Wikipedia introduction: https://en.wikipedia.org/wiki/Taraxacum_erythrospermum), with the nickname in my family – ‘Umbrellas Mother’. You knew, every seed-son is carrying an ‘umbrella’ for travelling to a place named ‘Unknown Far-land’. In the imagination of autumn, when you blow one gently after a small prayer, those umbrellas usually carried your dreams and good wishes to somewhere your feet couldn’t touch or reach again, or to some people living in ‘Far-land’ whom you couldn’t see again… Sons of ‘Umbrellas Mother’: in autum breeze, please bring my missing and best wishes to those living in ‘Far-land’. Hopefully, you can hear its voices in the wind crossing the sea and remember a dream of mine in heart……

Jason M. C., Han – Own work

 

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Clifden, Southland, New Zealand
Alvin Feng from Seattle – Fall Foliage

180° Eifel Herbst.jpg

 

Equinoccio de Otoño 2019

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{21 marzo, 2019}   * Johann Sebastian Bach

 

Johann Sebastian Bach

El Doodle de Google le rinde homenaje

¡Hoy celebramos el compositor y músico alemán de renombre mundial Johann Sebastian Bach con nuestro primer Doodle basado en AI! Hecho en colaboración con los equipos Google Magenta y Google PAIR, el Doodle es una experiencia interactiva que anima a los jugadores a componer una melodía de dos medidas de su elección. Con solo presionar un botón, el Doodle utiliza el aprendizaje automático para armonizar la melodía personalizada con el estilo de música de Bach (o un híbrido de estilo rock de los 80 de Bach si encuentras un huevo de Pascua muy especial en el Doodle … :)) .

¿El primer paso para desarrollar el Doodle? Creando un modelo de aprendizaje automático para potenciarlo. El aprendizaje automático es el proceso de enseñar a una computadora a encontrar sus propias respuestas al mostrarle muchos ejemplos, en lugar de darle un conjunto de reglas a seguir, como se hace en la programación tradicional de computadoras. El modelo utilizado en el Doodle de hoy fue desarrollado por Anna Huang, residente de Magenta Team AI, quien desarrolló Coconet: un modelo versátil que se puede usar en una amplia gama de tareas musicales, como armonizar melodías o componer desde cero (consulte más de estas técnicas). Detalles en la publicación del blog Magenta de hoy).

Específicamente, Coconet recibió capacitación en 306 de las armonizaciones de coral de Bach. Sus corales siempre tienen cuatro voces, cada una con su propia línea melódica, mientras crean una rica progresión armónica cuando se tocan juntas. Esta estructura concisa los convirtió en buenos datos de entrenamiento para un modelo de aprendizaje automático.

Luego vinieron nuestros socios en PAIR que usaron TensorFlow.js para permitir que el aprendizaje automático ocurriera completamente dentro del navegador web (en lugar de hacerlo utilizando toneladas de servidores, como tradicionalmente lo hace el aprendizaje automático). Para los casos en que la computadora o el dispositivo de una persona no sean lo suficientemente rápidos para ejecutar el Doodle con TensorFlow.js, el Doodle también se entrega con las nuevas Unidades de Procesamiento de Tensor (TPU) de Google, una forma de manejar rápidamente las tareas de aprendizaje automático en los centros de datos. Doodle primero!

Estos componentes, combinados con el arte y la ingeniería del equipo de Doodle, ayudaron a crear lo que se ve hoy.

Johann Sebastian Bach nació en la pequeña ciudad alemana de Eisenach en este día en 1685 (bajo el antiguo calendario juliano). Creció en una gran familia musical: su padre tocaba múltiples instrumentos y también trabajó como director de los músicos de la ciudad. Su hermano mayor, también músico, crió a Bach joven a partir de los 10 años después de la muerte de su padre. Conocido principalmente como un organista excepcional durante su vida, Bach también entendió cómo construir y reparar los complejos mecanismos internos de los órganos tubulares (que se muestran en el Doodle interactivo de hoy).

Bach fue un hombre humilde que compuso música a un ritmo prolífico (¡a veces al ritmo de una cantata por semana!), Y atribuyó su éxito a la inspiración divina y una ética de trabajo estricta. Vivió para ver solo un puñado de sus obras publicadas, pero más de 1,000 que sobrevivieron en forma de manuscrito ahora se publican y realizan en todo el mundo.

La reputación de Bach se disparó después del “resurgimiento de Bach” del siglo XIX, a medida que el mundo de la música adquiría un nuevo aprecio por su uso innovador de la armonía de cuatro partes, las modulaciones de la clave y el dominio del contrapunto y la fuga. Quizás la mejor medida de su legado es su impacto en otros artistas, que van desde lo clásico hasta lo contemporáneo a lo largo de los siglos.

Sin embargo, los músicos no fueron los únicos afectados por la música de Bach. Después del lanzamiento de la sonda de espacio profundo Voyager 2, el científico y autor Lewis Thomas sugirió que la raza humana transmita su música a los confines más alejados del sistema solar. “Votaría por Bach, toda Bach”, escribió. “Estaríamos jactándonos, por supuesto”.



{12 marzo, 2019}   World Wide Web

30º aniversario de la World Wide Web

“Vago pero emocionante”.

Así fue como el jefe de Sir Tim Berners-Lee respondió a su propuesta titulada “Gestión de la información: una propuesta”, presentada este día en 1989, cuando el inventor de la World Wide Web era un ingeniero de software de 33 años. Inicialmente, Berners-Lee imaginó “una gran base de datos de hipertexto con enlaces mecanografiados”, llamada “Malla”, para ayudar a sus colegas del CERN (un gran laboratorio de física nuclear en Suiza) a compartir información entre varias computadoras.

El jefe de Berners-Lee le dio tiempo para desarrollar el humilde diagrama de flujo en un modelo funcional, escribiendo el lenguaje HTML, la aplicación HTTP y WorldWideWeb.app, el primer navegador web y editor de páginas. En 1991, los servidores web externos estaban en funcionamiento.

La Web pronto revolucionaría la vida tal como la conocemos, iniciando la era de la información. Hoy en día, hay casi 2 mil millones de sitios web en línea. Ya sea que lo use para correo electrónico, tareas, juegos o ver videos de lindos cachorros, es probable que no pueda imaginar la vida sin Internet.

Para no confundirse con Internet, que había evolucionado desde la década de 1960, la World Wide Web es una aplicación en línea basada en innovaciones como el lenguaje HTML, las “direcciones” de URL y el protocolo de transferencia de hipertexto o HTTP. La Web también se ha convertido en una comunidad descentralizada, basada en los principios de universalidad, consenso y diseño ascendente.

“Hay muy pocas innovaciones que realmente lo han cambiado todo”, dijo Jeff Jaffe, CEO de World Wide Web Consortium. “La web es la innovación más impactante de nuestro tiempo”.

¡Feliz 30 aniversario de la World Wide Web!

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WWW




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Debut cinematográfico de Niní Marshall, en el rol de Catita. Filmada en Lumiton y estrenada el 6 de Julio de 1938 en el cine Monumental. Elenco: Mecha Ortiz, Tito Lusiardo, Alicia Barrié, Pepita Serrador, Sabina Olmos, Fernando Borel, Alita Román, Enrique Roldán, Hilda Sour y Alimedes Nelson. Libro y dirección de Manuel Romero.










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Faces Graphics Facebook graphics Nice day

*MUJER*

MUJER DECIDIDA, INTUITIVA, AMOROSA, GUERRERA, LUCHADORA, SENSIBLE, EMPRENDEDORA, INCANSABLE, CREATIVA, FUERTE COMO UN ROBLE PERO A LA VEZ FLEXIBLE COMO EL BAMBÚ.

*FELIZ DÍA DE LA MUJER!!!

 

 






{6 marzo, 2019}   Carnaval Gualeguaychu







Dirigida por Juan Sires sobre guión de Julio Porter y Raúl Gurruchaga. Se estrenó el 20 de septiembre de 1956 y tuvo como protagonistas principales a José Cibrián, Ana María Campoy, Francisco Álvarez y Tito Gómez.

Una pareja de actores argentinos que hacían una comedia “Ana y Pepe” similar a “Yo amo a Lucy”.



{28 febrero, 2019}   Olga Ladyzhenskaya

97.º aniversario del nacimiento de Olga LadyzhenskayaDoodle de Google homenaje

 

7 de marzo de 2019
97.º aniversario del nacimiento de Olga Ladyzhenskaya

El Doodle de hoy celebra a Olga Ladyzhenskaya, una matemática rusa que triunfó sobre la tragedia personal y los obstáculos para convertirse en uno de los pensadores más influyentes de su generación.

Nacida en la ciudad rural de Kologriv en este día de 1922, Ladyzhenskaya se inspiró para amar el álgebra por su padre, un matemático descendiente de la nobleza rusa. Tenía solo 15 años cuando su padre fue encarcelado y ejecutado por las autoridades soviéticas que lo acusaron de ser un “enemigo del estado”. Posteriormente, su madre y sus hermanas vendieron vestidos, zapatos y jabón para llegar a fin de mes. A pesar de graduarse de la escuela secundaria con excelentes calificaciones, más tarde se le negó la admisión a la Universidad Estatal de Leningrado debido a su apellido.

Después de años de enseñar matemáticas a estudiantes de secundaria, Ladyzhenskaya finalmente tuvo la oportunidad de asistir a la Universidad Estatal de Moscú, estudiando con el reconocido matemático Ivan Petrovsky. Allí, obtuvo su doctorado y luego dirigió el Laboratorio de Física Matemática en el Instituto Matemático Steklov. Más tarde, ella eligió quedarse en Rusia a pesar del colapso de la Unión Soviética y las presiones económicas que siguieron.

Autor de más de 250 artículos, los métodos de Ladyzhenskaya para resolver ecuaciones diferenciales parciales siguen siendo profundamente influyentes. Miembro de la Sociedad Matemática de San Petersburgo desde 1959, se convirtió en su presidenta en 1990. Más allá de las matemáticas, también era una amante de la naturaleza y las artes.

Reconocida por numerosas instituciones internacionales, fue galardonada con la Medalla de Oro de Lomonosov por la Academia de Ciencias de Rusia en 2002 por sus impresionantes contribuciones al mundo de las matemáticas.

Olga Ladyzhenskaya




218º aniversario del nacimiento de Joseph Antoine Ferdinand Plateau
Homenaje Doodle de Google
Joseph Plateau.jpg

Joseph-Antoine Ferdinand Plateau (Bruselas, Bélgica, 14 de octubre de 1801 – Gante, Bélgica, 15 de septiembre de 1883) fue un físico belga que definió en 1829 el principio de la persistencia de la visión. En 1832 inventó el fenaquistiscopio, uno de los precursores del cinematógrafo. Llevó a cabo investigaciones sobre la capilaridad entre láminas delgadas líquidas y en 1861 demostró que las superficies resultantes son mínimas. La generalización de estos resultados la enunció mediante las leyes de Plateau.

El problema en matemática de obtener la superficie que contiene a una curva cerrada dada en el espacio, tal que el área abarcada por la curva sea mínima, es conocido como problema de Plateau en su honor.

https://es.wikipedia.org/wiki/Joseph-Antoine_Ferdinand_Plateau




 

Se realizó en el marco de la ley 27.337, que desde 2016 establece la obligatoriedad del debate presidencial previo a las elecciones generales.

Origen: Los momentos clave del primer debate presidencial en Argentina







Fuente: http://www.facebook.com/moantiquities  /RT

Elaboraban los objetos destinados para la colocación en los enterramientos de la élite de los siglos XVI-XIII a. de C.

Origen: “No tiene precedentes”: Hallan en Egipto una ‘zona industrial’ de hace más de 3.000 años (FOTOS)




FOTOS: Imágenes aéreas evidencian el deshielo masivo del Mont Blanc en los últimos 100 años

Fuente:   Bibliothek Zürich, Bildarchiv / University of Dundee/RT

Investigadores escoceses fotografiaron desde un helicóptero una perspectiva de la montaña captada fotográficamente por un piloto suizo en 1919 y compararon las dos imágenes.

Origen: FOTOS: Imágenes aéreas evidencian el deshielo masivo del Mont Blanc en los últimos 100 años




El 10 de octubre se celebra el Día mundial de las personas sin hogar, que pretende llamar la atención sobre la población en riesgo del llamado ‘cuarto mundo’: los pobres que viven en los países desarrollados.

Origen: Marginación, vulnerabilidad, agresiones: la realidad de millones de personas sin hogar alrededor del planeta

https://es.wikipedia.org/wiki/Sinhogarismo




FOTOS: Arqueólogos encuentran el esqueleto de una mujer acaudalada de hace más de 4.500 años en Grecia

Complejo de excavación en Sisi, en la isla de Creta, Grecia.
Fuente: Belgian School at Athens/RT

Los restos casi intactos yacían en una tumba de piedra junto a un collar con cuentas de oro, un espejo de cobre con mango de marfil y otros objetos de valor.

Origen: FOTOS: Arqueólogos encuentran el esqueleto de una mujer acaudalada de hace más de 4.500 años en Grecia




Un astrónomo ruso descubrió el objeto interestelar con un telescopio de fabricación propia.

Origen: Descubren dónde se originó el primer cometa proveniente del exterior del Sistema Solar




"De momento, la tormenta más potente en la Tierra": "Violento" supertifón Hagibis se dirige hacia Japón (FOTO, VIDEOS)

Fuente: CIRA/RT

Los meteorólogos predicen que la tormenta, que ahora se mueve con vientos de 240 kilómetros por hora, se debilitará antes de tocar el territorio del país asiático este fin de semana.

Origen: “De momento, la tormenta más potente en la Tierra”: “Violento” supertifón Hagibis se dirige hacia Japón (FOTO, VIDEOS)



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