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Presentación de la Virgen en el Templo (Giotto), c. 1303-1306.1​
© José Luiz Bernardes Ribeiro /
Capella dei Scrovegni – Padua

El origen de la festividad fue la dedicación de la iglesia de Santa María la Nueva de Jerusalén, en el año 543; conmemorada en Oriente desde el siglo VI, de lo que hay referencias en una Constitución de un emperador Comneno.5​ Un gentilhombre francés, canciller en la corte del rey de Chipre, habiendo sido enviado a Aviñón en 1372, en calidad de embajador ante el papa Gregorio XI, describió la magnificencia con que en Grecia celebraban esta fiesta el 21 de noviembre. Se introdujo entonces en la ciudad papal; posteriormente Sixto V la impuso en todo Occidente.

Bartolo di Fredi, ca. 1360
Bartolo di Fredi – Honolulu Academy of Arts

 

VII 1. Y los meses se sucedían para la niña. Y, cuando llegó a la edad de dos años, Joaquín dijo: Llevémosla al templo del Señor, para cumplir la promesa que le hemos hecho, no sea que nos la reclame, y rechace nuestra ofrenda. Y Ana respondió: Esperemos al tercer año, a fin de que la niña no nos eche de menos. Y Joaquín repuso: Esperemos.
2. Y, cuando la niña llegó a la edad de tres años, Joaquín dijo: Llamad a las hijas de los hebreos que estén sin mancilla, y que tome cada cual una lámpara, y que estas lámparas se enciendan, para que la niña no vuelva atrás, y para que su corazón no se fije en nada que esté fuera del templo del Señor. Y ellas hicieron lo que se les mandaba, hasta el momento en que subieron al templo del Señor. Y el Gran Sacerdote recibió a la niña, y, abrazándola, la bendijo, y exclamó: El Señor ha glorificado tu nombre en todas las generaciones. Y en ti, hasta el último día, el Señor hará ver la redención por Él concedida a los hijos de Israel.
3. E hizo sentarse a la niña en la tercera grada del altar, y el Señor envió su gracia sobre ella, y ella danzó sobre sus pies y toda la casa de Israel la amó.
VIII 1. Y sus padres salieron del templo llenos de admiración, y glorificando al Omnipotente, porque la niña no se había vuelto atrás. Y María permaneció en el templo del Señor, nutriéndose como una paloma, y recibía su alimento de manos de un ángel.
2. Y, cuando llegó a la edad de doce años, los sacerdotes se congregaron, y dijeron: He aquí que María ha llegado a la edad de doce años en el templo del Señor. ¿Qué medida tomaremos con ella, para que no mancille el santuario? Y dijeron al Gran Sacerdote: Tú, que estás encargado del altar, entra y ruega por María, y hagamos lo que te revele el Señor.
3. Y el Gran Sacerdote, poniéndose su traje de doce campanillas, entró en el Santo de los Santos, y rogó por María. Y he aquí que un ángel del Señor se le apareció, diciéndole: Zacarías, Zacarías, sal y reúne a todos los viudos del pueblo, y que éstos vengan cada cual con una vara, y aquel a quien el Señor envíe un prodigio, de aquel será María la esposa. Y los heraldos salieron, y recorrieron todo el país de Judea, y la trompeta del Señor resonó, y todos los viudos acudieron a su llamada.Tiziano, Albergo de la Scuola della Carita (hoy Academia de Venecia), ca. 1534-1539.4​
Tiziano – “Présentation de la Vierge au Temple” de Titien (Accademia, Venise); Jean-Pierre Dalbéra from Paris, France; Tomada el 19 de octubre de 2012
il torso antico visibile all’estrema destra e la vecchia venditrice di uova in primo piano rappresentano verosimilmente il paganesimo e la religione ebraica che precedettero l’era cristiana, mentre la piramide raffigurata sullo sfondo è un’allusione all’eternità della Vergine

Paolo Ucello, 1435.
Paolo Uccello – Web Gallery of Art: Image Info about artwork

Presentación de María o de la Virgen, o Consagración de la Virgen María, son denominaciones​ de una festividad litúrgica cristiana (21 de noviembre, particularmente importante en Oriente, al ser una de las “doce fiestas” que marcan el año litúrgico), basada en un episodio de los evangelios apócrifos y la Vida de María de Epifanio el Monje; y un tema artístico relativamente frecuente en el arte cristiano.

El origen de la piadosa tradición surge del llamado Protoevangelio de Santiago, según el cual la Virgen María fue llevada a la edad de tres años por sus padres, San Joaquín y Santa Ana, al Templo de Jerusalén, junto a otras doncellas. Se describe la entrada de las niñas en el templo, portando lámparas, y la particular recepción de María por el sumo sacerdote (denominado Yodae o Baraquías en la Vida de la Virgen de Epifanio el Monje), que profetiza su misión en la redención y la sitúa en un lugar de privilegio (“la tercera grada del altar”), donde la niña baila. La estancia de María en el templo, que se describe como un hecho milagroso (su alimentación “como una paloma” por un ángel -prefiguración de la escena de la Anunciación-), se inicia en un momento distinto en la narración de Epifanio (“regresaron a Nazaret y, cuando la niña tuvo siete años, de nuevo sus padres la condujeron a Jerusalén y la ofrecieron al Señor, consagrada para todos los días de su vida”), pero en cualquier caso se prolonga hasta los doce años; momento en el que, para evitar la contaminación que supondría la presencia de una mujer, el sumo sacerdote, a quien se en esta ocasión se nombra como Zacarías (identificado como hijo de Baraquías en el texto de Epifanio), convoca un concurso para decidir con quién se casará, lo que ya constituye otro episodio evangélico (los Desposorios de la Virgen). 

Wikipedia

Las muy ricas horas del duque de Berry, 1458.
Jean Colombe

 

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BONDAD

La bondad es el valor otorgado a una acción de un individuo, es una inclinación natural a fomentar lo deseable, motivado por una comprensión del entorno, de las personas (por ejemplo a través de un profundo ejercicio de la empatía) y/o de uno mismo.

 

Establece que las personas amables deben de ser:

1.- Empáticas: Que significa intentar comprender lo que motiva la actitud de los demás.

2.- Modestas: Al no presumir de nuestros éxitos ante los demás.

3.- Pacientes: Para no enfadarnos frente a las acciones de los que nos rodean.

4.- Generosas: Al ofrecer nuestro tiempo y comprensión.

5.- Respetuosas: Escuchando sin juzgar.

6.- Leales: Ante nuestros ideales y ante las demás personas.

 

Citas


“Hay que despertar en el prójimo un franco deseo. Quien puede hacer esto tiene el mundo entero consigo. Quien no puede hacerlo, marcha solo por el camino.”
Dale Carnegie

 


“El único símbolo de superioridad que conozco es la bondad.”
Ludwig van Beethoven

 

“La bondad es la cadena de oro que enlaza a la sociedad.”
Goethe

 


“La bondad, entre más comunicativa, crece con mayor rapidez.”
John Milton

 


” La ciencia moderna aún no ha producido un medicamento tranquilizador tan eficaz como lo son unas pocas palabras bondadosas.”
Sigmund Freud

 


“La confianza en la bondad ajena es testimonio no pequeño de la propia bondad.”
Michel de Montaigne

 


“La conmiseración con los animales está íntimamente unida con la bondad de carácter; de tal manera que se puede afirmar, de seguro, que quien es cruel con los animales no puede ser buena persona.”
Arthur Schopenhauer

 


«La culpa la tiene el tiempo. Todos los hombres se tornan buenos pero ¡tan despacio!»
Robert Browning

Nota: J.M. Sarmiento atribuye esta cita a Cornelio.

 


«Todo acto de bondad es una demostración de poderío.»
Miguel de Unamuno

 


Bene facere et male audire regium est.
Traducción: Es de reyes hacer el bien y ser criticado.
Fuente: Anotado en Federico el Grande, Clarlyle, XV. 13. Se puede ver inscrita en el ayuntamiento de Zittau, Sajonia.

 

 


«El bien es difícil: Dios nos ha dado los Diez Mandamientos, mientras que Satanás solo uno: haz lo que quieras.»
Andrzej Majewski

 


«For the Lord Jesus Christ’s sake,
Do all the good you can,
To all the people you can,
In all the ways you can,
As long as ever you can.
»


Traducción: «Por el amor del Señor Jesucristo,
haz todo el bien que puedas,
a toda la gente que puedas,
de todas las maneras que puedas,
y todo el tiempo que puedas.»
Inscripción en una lápida en Shrewsbury, Inglaterra.

 


«Por lo que se refiere al hombre no importan ni sus tierras, ni su dinero, ni sus clientes, ni la cama en que duerma o el vaso en que beba, lo que importa es cuánta sea su bondad pues ella es el sumo bien del hombre.»
Séneca

 


«El hombre sólo es bueno cuando está solo, es decir, privado de toda víctima posible.»
Tony Duvert (1945-2008), escritor francés..
Fuente: Abécédaire malveillant




EL AMOR DESINTERESADO DE LOS PERROS

LOS MEJORES AMIGOS DEL HOMBRE



{7 noviembre, 2017}   Joni Mitchell

1974 Joni Mitchell.jpg

Roberta Joan Anderson, conocida artísticamente como Joni Mitchell (Alberta, Canadá, 7 de noviembre de 1943), es una cantante y pintora canadiense. Comenzó su carrera musical en Toronto y en el oeste de Canadá, se relacionó luego con la floreciente escena de folk de Nueva York de mediados de los sesenta. A lo largo de los años 70 amplió sus horizontes musicales, dirigiendo su interés hacia el pop y el jazz, para convertirse en una de las cantantes y compositoras más respetadas de finales del siglo XX. Es la autora de la canción Woodstock. Mitchell es también una exitosa artista plástica; las portadas de casi todos sus álbumes han sido creadas por ella misma. Insiste a menudo en que la pintura era su vocación original, auto describiéndose como una “pintora descarrilada por las circunstancias”

Inicios
Desde muy joven se interesó tanto por la pintura como por instrumentos musicales como el piano, la guitarra y el ukelele. El apellido Mitchell procede de su breve matrimonio con el cantante folk Chuck Mitchell, en 1965. Comenzó su carrera musical actuando en pubs y bares, y se hizo famosa por la calidad de sus letras y su innovador estilo con la guitarra. Personales y a veces conscientemente poéticas, sus canciones se vieron reforzadas por la calidad de su voz, extraordinariamente amplia en registros (con una amplitud de tono que cubre al mismo tiempo más de cuatro octavas), y por su estilo único de guitarra, que hace un uso frecuente de afinaciones alternativas. Ha sido fumadora desde los 9 años, lo que puede explicar por qué su voz es tan singular. Esto se ha hecho especialmente evidente en sus álbumes posteriores. Ella misma dice que ha sido adicta al cigarrillo desde que tomó su primera bocanada. En la época en que abandonó su hogar en Saskatoon, Saskatchewan, quedó embarazada. Al no ver otra alternativa, dio a su hija en adopción. Mitchell mantuvo esto en secreto durante la mayor parte de su exitosa carrera musical. Una noche, tocando en un club de Nueva York, un joven David Crosby presenció su actuación y quedó impresionado por su habilidad y sus dotes como artista, y decidió tomarla bajo su protección.

Los comienzos de su éxito se debieron en gran medida al hecho de que otros intérpretes versionaran sus temas: su canción “Urge for Going” fue un éxito en las interpretaciones del cantante country George Hamilton IV, del intérprete folk Tom Rush y, muchos años después, de la banda escocesa Travis. También la irlandesa Luka Bloom grabó la canción. La versión original de este tema, grabada por Joni Mitchell en 1967, no vio la luz hasta 1972, como cara B del single de 1972 “You Turn Me On I’m A Radio”, y no fue editada en álbum hasta el recopilatorio “Hits”, en 1996.

Otros intérpretes lograron éxitos con canciones de Joni Mitchell: Judy Collins, a principios de 1968, grabó “Both Sides Now” y el grupo de folk rock británico Fairport Convention incluyó “Chelsea Morning” y “I Don’t Know Where I Stand” en su álbum de debut, grabado a finales de 1967, y “Eastern Rain” en su segundo álbum al años siguiente.

Las canciones de los primeros dos álbumes de Joni Michell, “Song To A Seagull” (de 1968, también conocido como “Joni Mitchell”), y “Clouds” (de 1969) eran arquetipos del movimiento de cantautores emergente en ese momento.

Joni Mitchell 1983.jpgJoni Mitchell, performing in 1983
Capannelle – originally posted to Flickr as Joni Mitchell

El tercer disco significó la madurez: “Ladies of the Canyon” (1970) es un disco imbuido del espíritu de la vida en California (el “cañón” del título del álbum hace referencia a Laurel Canyon,1​ en Los Ángeles, donde en esa época vivían diversos artistas como Carole King, James Taylor, Crosby, Stills & Nash, Jackson Browne, The Mamas & the Papas o John Mayall), que contenía su primer gran éxito, “Big Yellow Taxi” y su recordada canción “Woodstock”, acerca del festival (que luego sería un éxito en las voces de Crosby, Stills, Nash and Young). Mitchell escribió la canción luego de habérselo perdido y escuchar diversas historias glorificables sobre éste. Ella había cancelado su aparición en el festival por consejo de su mánager por miedo a perder una aparición en “The Dick Cavett Show”. Desde entonces ha dicho que la decisión de cancelar el concierto ha sido uno de sus más grandes arrepentimientos. “For Free” es la primera de muchas de sus canciones que hablan sobre la dicotomía entre los beneficios de su estrellato y sus costos, tanto su presión como la pérdida de libertad y privacidad que representa.


Joni Mitchell (1975).png

 

Éxito en los años 1970
El enfoque confesional de Mitchell se notó más en álbum Blue (1971), ampliamente considerado el mejor de este período. Explorando las múltiples facetas de las relaciones, desde el encaprichamiento (en “A Case of You”2​) hasta la inseguridad (en “This Flight Tonight”), las canciones se caracterizaron por un uso creciente de piano y dulcimer apalache en “Carey”, “California” y “All I Want”. Otras canciones se basaban en el piano, y algunas exhibían ritmos asociados con el Rock and roll.

Su influencia más directa con el rock fue bastante fuerte en sus siguientes dos álbumes, grabados para su nueva discográfica Asylum. “For The Roses” (1972), cuya canción titular continuó con su exploración de la temática de “For Free”, se vendió bien, gracias en parte al exitoso single “You Turn Me On, I’m A Radio”, influenciado por la música country. Pero fue “Court And Spark” (de 1974), un híbrido de pop, rock y folk con toques de jazz, el que tuvo un mayor éxito, produciendo clásicos como “Free Man In Paris” (inspirada por las historias contadas por su productor y amigo David Geffen), “Car On A Hill”, y en especial “Help Me”, que sigue siendo su single más vendido (y que llegó a los primeros 10 puestos).

Court and Spark también fue notable por los primeros ecos de la influencia de jazz en la obra de Mitchell, y quizás por el éxito comercial de ese álbum, y del siguiente álbum en vivo “Miles of Aisles”, (en el que fue acompañada por el conjunto de pop-jazz de los 70 LA Express), ella pasaría el resto de la década creando música con elementos de jazz.

El período de Jazz
El primero de esos álbumes, The Hissing of Summer Lawns (1975), marcó un cambio en cuanto a las letras, en el que su estilo confesional fue reemplazado por una serie de viñetas, desde bailarines de clubes nocturnos (“Edith and the Kingpin”) a las mujeres con maridos ricos aburridas (“The Hissing of Summer Lawns” y “Harry’s House/Centerpiece”). El álbum fue diverso estilísticamente, con complejas armonías vocales acompañadas de percusión africana (los Tambores de Burundi inventados por la fundación “The Jungle Line”). Aunque muchos fans y otros artistas consideran a Hissing… como su obra favorita de Mitchell, el álbum no fue muy bien recibido cuando fue lanzado. Rumores dicen que la revista Rolling Stone lo declaró “The Worst Album of The Year” (el “Peor Álbum del Año”); pero en realidad sólo fue denominado “el peor título” para un álbum . Mitchell y Rolling Stone no tuvieron una buena relación desde que, unos años antes, la revista publicase un “árbol” que ilustraba todos los supuestos amantes de la artista, principalmente compuesto por otros músicos.

 

Durante 1975, participó en muchos conciertos en las giras Rolling Thunder Revue, y en 1976, actuó para “The Last Waltz” de The Band.

Hejira (1976) continuó la tendencia de Mitchell con el jazz, con varias canciones lideradas por el Bajo fretless, (es decir, sin traste) de Jaco Pastorius (músico de jazz). Sin embargo, las canciones en sí presentaban letras densamente metafóricas y melodías vocales complejas que contrastaban y proveían contrapunto a los ritmos de jazz de los arreglos. Además, este álbum resaltó como nunca antes por la inusual afinación “abierta” de la guitarra de Mitchell.

Don Juan’s Reckless Daughter (1977) fue un álbum que se alejaba más del pop para adentrarse en la libertad y abstracción del jazz, un renombrado doble álbum por la larga parte improvisada “Paprika Plains”. El álbum recibió diferentes críticas: algunos disfrutaban su originalidad y experimentación, inesperados por muchas de las estrellas y celebridades del ámbito musical en ese entonces. Otros argumentaron que este estilo de música ya se había implementado, citando el hecho de que numerosas bandas de jam ya tocaban para estudiantes colegiales en un estilo similar y frecuentes veces con un similar grado de convicción. La tapa del álbum creó su propia controversia; Mitchell figuraba en muchas fotografías de la portada, incluyendo una en la que ella estaba disfrazada como un hombre negro.

El siguiente trabajo de Mitchell tuvo la colaboración del bajista Charles Mingus, que murió antes que el proyecto terminase en 1979. Mitchell terminó las canciones con una banda que incluía a Pastorius, Wayne Shorter y Herbie Hancock. Mingus fue mal recibido; las audiencias de rock no fueron receptivas, y los puristas del jazz no estaban convencidos. Sin embargo, la apreciación por este trabajo fue creciendo considerablemente al pasar los años.

La era Geffen
Los años 1980 tuvieron la menor cantidad de álbumes editados por Mitchell desde los inicios de su carrera: sólo aparecieron tres álbumes con material nuevo, y ninguno causó una gran impresión. Wild Things Run Fast (de 1982) fue un intento de volver a escribir canciones pop, e incluía la canción “Chinese Cafe/Unchained Melody” que incorporó el estribillo y partes de la melodía del éxito de los Righteous Brothers, y “(You’re So Square) Baby I Don’t Care”. Fue claramente influenciado por el matrimonio, en 1982, de Mitchell con el productor y bajista Larry Klein – Mitchell se refirió en muchas entrevistas a estas canciones como canciones “amo a Larry”. Aunque sólido compositivamente, fue lanzado en una época en que estaba de moda la música más oscura y con múltiples capas de los movimientos New Wave y New Romantic.

El productor e intérprete británico de synth pop Thomas Dolby, trabajó con ella en Dog Eat Dog (1985), pero los arreglos de sintetizador y de caja de ritmos, junto a las letras más estridentes y enojadas de Mitchell, pasaron de moda más rápidamente que sus primeras obras.

En Chalk Mark in a Rainstorm (1988) Mitchell colaboró con talentos que incluían a Willie Nelson, Billy Idol, Wendy and Lisa, Tom Petty y Don Henley. Las canciones abarcaban diversos géneros, incluyendo un dueto con Peter Gabriel en “My Secret Place” que recordaban el material “clásico” de Mitchell. Aunque había algunas transiciones discordantes de géneros (“Dancing Clown” y “Cool Water”), los sonidos sintetizados de varias capas de “My Secret Place”, “Beat of Black Wings” y “Tea Leaf Prophecy” fueron una mejor unión de la voz de Mitchell con la electrónica.

Tras el lanzamiento de Chalk Mark in a Rainstorm, Mitchell participó en The Wall Live in Berlin, el show de Roger Waters’ de The Wall en Berlín.

Los turbulentos años 1990
Night Ride Home, álbum de 1991 que Mitchell describió como “middle-aged love songs” (“canciones de amor de mediana edad”), tuvo una mejor recepción y marcó un acercamiento a sus raíces acústicas. Pero para muchos, el regreso a la forma llegó con el álbum ganador del Grammy Turbulent Indigo (1994). Para estos, “Indigo” fue el conjunto de canciones más sólido de Mitchell en años. Mitchell lanzó su último grupo de nuevas canciones ‘originales’ en Taming The Tiger (1998).

“Odio la música”: 2000-2006
Both Sides Now (2000) fue un álbum conformado en su mayor parte por versiones de canciones clásicas, ejecutadas con una orquesta. El mismo recibió críticas muy favorables y vendió una cantidad importante de copias. El álbum contenía nuevas versiones de “A Case Of You” y la pista titular “Both Sides Now,” dos éxitos tempranos ejecutados con su actual y conmovedor registro contralto. Su éxito la llevó a crear Travelogue, una colección de nuevas versiones de sus viejas canciones, acompañadas por arreglos de orquesta. Mitchell afirmó que éste sería su último álbum.

Recientemente, Joni Mitchell mencionó su descontento con el estado actual de la industria, diciendo que había caído en un gran “pozo negro”, y afirmando que “odia la música” y que quisiera recordar lo que alguna vez le gustó de ella. Expresó su aversión hacia el dominio de la industria discográfica, y su deseo de controlar su propio destino, posiblemente lanzando su propia música por internet.

En los últimos años se lanzaron una serie de compilados temáticos de canciones de sus primeros álbumes: “The Beginning Of Survival” (2004), “Dreamland” (2004) y “Songs of a Prairie Girl” (2005), que ella editó tras aceptar una invitación para participar en el concierto Saskatchewan Centennial en Saskatoon, frente a la reina. En las notas de esta última compilación, Mitchell escribió que la colección es su contribución a las celebraciones.

Su álbum “Both Sides Now” aparece en la película “Love Actually”, en la que varios de los protagonistas escuchan el disco.

2007: Regreso
En octubre de 2006, Joni Mitchell comunicó que en los últimos meses se vio componiendo y grabando material para un nuevo trabajo discográfico. En julio de 2007, luego de varias semanas de rumores, se oficializó que el flamante sello discográfico Hear Music, con el que Paul McCartney publicó su exitoso álbum Memory Almost Full en junio de ese año, estaría publicando el nuevo álbum de Joni Mitchell, titulado Shine, en septiembre de 2007. Sería este el primer álbum de nuevo material de Joni en 9 años.

En estos últimos años Mitchell vive como una reclusa, dividiendo su tiempo entre la casa que ha construido en un área remota de la British Columbia y la villa en Bel Air, California, sobre Los Angeles. És muy negativa en su juicio sobre la norteamérica actual: ‘En America todo ha sido homogeneizado. Su música ha sido homogeneizada, su cerveza está aguada, sus bellezas son todas iguales. La música és siempre la misma canción’.

El 31 de marzo de 2015 sufrió un aneurismo cerebral en su casa de Los Angeles por el cual tuvo que ser hospitalizada y del que se recuperó satisfactoriamente en unos meses pudiendo volver a caminar y a desarrollar sus actividades preferidas como la pintura.

Estilo
Casi todas las canciones que ella compuso con su guitarra usan una afinación abierta, o no estándar; ella ha escrito canciones en alrededor de 50 afinaciones diferentes. El uso de afinaciones alternativas permite una mayor variedad y complejidad de armonías que pueden ser producidas con la guitarra, sin la necesidad de combinaciones de acordes difíciles. De hecho, muchas de las canciones de Mitchell usan combinaciones muy simples, pero su uso de afinaciones alternativas y su estilo de rasgueo altamente rítmico crea un sonido rico y único. Su estilo ha evolucionado con los años, desde un estilo intrincado, tipificado por las canciones de guitarra de su primer álbum, a uno más holgado y rítmico, a veces incorporando “slaps” percusivos, como en sus más recientes álbumes.

Influencia
Mitchell puede ser considerada una “música de los músicos”; su obra ha tenido una enorme influencia en una gran cantidad de artistas; no sólo ha influenciado a cantautores similares como Sheryl Crow y Shawn Colvin, sino a un número importante de artistas en diversos géneros, como Pink Floyd, Led Zeppelin, K.D. Lang, Elvis Costello, PM Dawn, Janet Jackson, Agnes Chan, y Prince.

Por ejemplo, la canción de Prince llamada “The Ballad of Dorothy Parker” (de su álbum Sign ‘O’ the Times), debe mucho a Mitchell, tanto por sus armonías evocadoras del estilo de Mitchell como por el uso de técnicas propias de ella: como en la canción de Mitchell “This Flight Tonight”, Prince hace referencia a una canción en su letra (“Help Me”, de Joni) mientras que la música emula los acordes y melodías de esa canción.

Janet Jackson usó un sample de “Big Yellow Taxi” en un single de 1998, “Got ‘Til It’s Gone” (al parecer, a Mitchell le agradó, por lo que apareció en MTV/VH1 en un clip corto en el que aprobaba la canción). Counting Crows tuvo un hit en 2002 con una versión de “Big Yellow Taxi”. La banda norteamericana Sonic Youth, homenajeó a Mitchell en su disco Daydream Nation de 1988, dedicándole la canción “Hey Joni”. Aunque Mitchell usualmente evita hablar sobre otros artistas, en especial de aquellos a los que influyó, ella ha quedado impresionada por dos artistas de jazz que interpretaron parte de su obra, Cassandra Wilson y Diana Krall. Aunque la mayoría de los oyentes tienden a recordar los éxitos tempranos de Mitchell (de sus álbumes más comerciales), muchos músicos se inspiraron en sus trabajos más experimentales, particularmente en The Hissing of Summer Lawns y Hejira. Ella también elogió a los New Radicals.

Mitchell fue añadida al Canadian Music Hall of Fame (o “Salón de la Fama de la Música Canadiense”) en 1981 y en el Rock and Roll Hall of Fame (o “Salón de la Fama del Rock and Roll” en 1997. En 1995 recibió el “Century Award” de Billboard. El primero de mayo de 2002 recibió el nivel Companion de la Order of Canada (“Orden de Canadá”). También recibió el premio “Grammy Lifetime Achievement Award” en 2002, acompañado de una mención que la describía como “una de las artistas femeninas más importantes de la era del rock” y “una poderosa influencia en todos los artistas que adoptan la idea de la diversidad, imaginación e integridad.”

Mitchell recibió un doctorado honorario de la McGill University el 27 de octubre de 2004 (Wikipedia)

 INDIGO

Joni Mitchell in 1974.jpgJoni Mitchell – Court and Spark tour March 5, 1974 Anaheim Convention Center w/Tom Scott & The LA Express Frame 18 Crop 8000dpi slide scan (original)
Matt Gibbons – http://www.flickr.com/photos/ultomatt/3126812062/

2013 Joni Mitchell (cropped).jpgPhotograph provided by Jörn Weisbrodt’s assistant, Mark Rochford. Taken on 16 June 2013 at the Luminato Festival. SongsforLulu (talk) 09:14, 29 June 2014 (UTC)
David Leyes – Own work



{3 noviembre, 2017}   Laurel Burch

Laurel Burch (31 diciembre 1945 a 13 septiembre 2007) era un americano artista, diseñador y de negocios.

Primeros años de vida
Ella Laurel Anne Harte nació en el Valle de San Fernando , California , en la víspera de Año Nuevo de 1945. Aunque los padres de Laurel Ann y Russell Harte se divorciaron, Ann una costurera y diseñadora se encargó de sus dos hijas, Suzi y Laurel como mamá soltera. Sin embargo, una brecha creció entre Laurel y su madre cuando Laurel era adolescente. Vivió un tiempo con su padre, pero eso terminó abruptamente. Se mantuvo trabajando como cocinera, limpiadora de casas y niñera

Cuando tenía 19 años se casó con un músico de jazz, Robert Burch. Se separaron después de unos años juntos, Laurel se convirtió en madre soltera con dos hijos que cuidar. Se mantuvo a sí misma reclamando pagos de bienestar y haciendo joyas y ayuda ocasional de Ann. Al igual que su madre, también hizo muñecas excepcionales y arte cosido. El trasfondo de este regalo textil fue un aspecto curioso de la infancia de Laurel. Su madre era costurera y diseñadora de la cantante Peggy Lee y su hija. Ann describió un extraño momento en el que había pasado semanas comprando zapatos, cintas, sombrero y telas para hacer un traje de Pascua para la hija de Peggy. Ella cosió toda la noche antes de la mañana de Pascua y condujo el hermoso atuendo hasta la casa de Peggy en Beverly Hills, arrastrando a Laurel y Suzi fuera de la cama antes del amanecer. Cuando regresó al automóvil y vio a sus hijas sabiendo que no tenían ropa de Pascua esperándolas, su cabello estaba desordenado por el sueño y Ann estaba desconsolada. Uno puede reconocer que allí estaba el amor y el dolor de una madre soltera. Laurel creció con una mezcla de amor y pérdida, pero también con un brillante ojo artístico de sus padres.

Carrera
Burch continuó a lanzar su negocio, ahora llamado Laurel Burch Artworks , el 24 de febrero de 1960. Comenzó a hacer pinturas y fue encargada por restaurantes, negocios y coleccionistas privados. “Encontré metal en un depósito de chatarra y lo golpeé en la parte posterior de una sartén vieja”, afirmó durante una entrevista con el Marin Independent Journal en 2005.

Ella comenzó a hacer joyas y venderlas en las calles de San Francisco desde cajas de aparejos. Algunas tiendas locales comenzaron a almacenar sus creaciones, y un hombre de negocios, Shashi Singapuri, llevó muestras de su trabajo a China . Ella fue a China en 1971 y descubrió cloisonné , una especie de trabajo de esmalte, con el que diseñó pinturas y tenía los diseños realizados en pendientes.

Con la manufactura de respaldo financiero del Sr. Singapuri comenzó. Burch continuó trabajando en metales de fundición y madera, e incluyó productos derivados en papel, porcelana y tela. En 1979 se separó de Singapuri e inició Laurel Burch Inc. Fue presidenta y diseñadora en jefe. En la década de 1990, licenció sus diseños en una docena de empresas que ahora fabrican y distribuyen sus creaciones en todo el mundo.

Vida personal
El segundo matrimonio de Burch, con Jack Holton, también terminó en divorcio. Su tercer marido fue Rick Sara.

Ella apoyó a su madre durante los últimos años de su vida en un hogar de ancianos cerca de Carmel California.

Murió el 13 de septiembre de 2007, a los 61 años, en su casa en Novato, California por complicaciones de la osteopetrosis ,  una extraña y dolorosa enfermedad ósea que tuvo toda su vida, y como resultado sufrió más de 100 fracturas óseas. Además de Rick Sara, ella sobrevivió a su hija, Aarin; su hijo, Jay; y dos nietas, Soffiya y Karly. (wikipedia)

cloisonné  o esmalte alveolado

cloisonne




Superficie topográfica en 3D de la isla de Tenerife en donde destaca la silueta del Teide.
Asybaris01 – Topographic data SRTM from NASA and World Imagery

Orotavatal.jpg

Vista desde el mirador de El Valle de la Orotava

Entre abril y mayo de 2004, unos 200 pequeños seísmos (5 sentidos por la población) en la isla provocaron gran interés de geólogos y vulcanólogos. Todos los sismos detectados fueron de baja intensidad en la zona de Teide-Pico Viejo aparentemente producidos por movimiento de magma. Durante este intervalo, se produjo un incremento anómalo del nivel de gases volcánicos. Finalmente, la crisis vulcanosísmica cesó seis meses más tarde sin producirse erupción volcánica alguna.

Un reciente estudio, realizado por la Universidad de Granada, prevé que en un futuro el Teide podría tener erupciones violentas, dado que su estructura está muy consolidada. Además dicho estudio desveló que el Teide tiene una estructura prácticamente idéntica al Vesubio y al Etna.

El Teide ha sido designado como uno de los 16 Volcanes de la Década por las Naciones Unidas, es decir, como uno de los volcanes más peligrosos del mundo.​ Rango que comparte con otros grandes volcanes del mundo como los ya mencionados Vesubio y Etna, además del Mauna Loa y el monte Merapi entre otros.

Lugar de interés científico
La similitud entre las condiciones ambientales y geológicas del Parque nacional del Teide y las del planeta Marte han convertido este enclave volcánico en punto de referencia para estudios relacionados con el planeta rojo.

Las analogías existentes entre el planeta rojo y algunas zonas de Tenerife convierten a la isla en el lugar idóneo para las pruebas de los instrumentos que viajarán a Marte y que revelarían vida pasada o presente en ese planeta. En 2010 un equipo investigador probó en Las Cañadas del Teide, el instrumento Raman que se enviará en la próxima expedición al planeta rojo, ESA-NASA Exomars, de 2016-2018.

En 2011 un equipo de investigadores del Reino Unido visitó en junio el parque nacional para ensayar un método para la búsqueda de vida en Marte y dar con lugares para probar, en 2012, nuevos vehículos robotizados.

El Teide visto desde San Sebastián de La Gomera, capital de la isla homónima.
Andree Stephan – Trabajo propio

Montaña de La Luna
En La Luna existe una cordillera llamada “Montes Tenerife”,​ en donde se encuentra un monte llamado “Mons Pico” (el Pico de Tenerife) en clara referencia al Teide, situados ambos en el llamado mare Imbrium. Esto se debe en honor de los primeros astrónomos que visitaron el Archipiélago Canario.

A mediados del siglo XIX, un científico alemán llamado Johann Schröter, especialista en estudios lunares, decidió dar el nombre de Teide a una montaña descubierta en el satélite terrestre, que, a diferencia del volcán tinerfeño, mide unos 2.400 metros de altitud y se extiende en un área de unos 15 por 25 kilómetros.

Posteriormente, el científico británico William Radcliffe Birt determinó llamar Montes Tenerife a una cordillera de sección triangular, de 56 por 100 kilómetros y máximas de 2.400 metros, en recuerdo a la expedición de Charles Piazzi Smyth, que se desplazó a la isla en el verano de 1856.

Actualmente el semáforo de  actividad volcánica se encuentra en color verde, es decir se desarrolla con normalidad según Involcan (Informativo de actividad sísmica-volcánica en la Isla de Tenerife.

Más detalles aquí en el enlace:

Involcan

Guayota

FUENTE: INVOLCAN Informativo gráfico semanal sobre la actividad sismo-volcánica de la isla de Tenerife

Desde este organismo han llevado tranquilidad a la población aludiendo a que son enjambres normales ya que esta actividad se está dando en capas poco profundas del volcán, vinculados con los sistemas hidrotermales conectados al volcán que producen fluidos, vapor y agua.

MC






{21 octubre, 2017}   Imágenes-Paisajes

Fuente: bancodeimagenesgratis







Fuente: wikipedia.org/RT

El misterio concierne a un orbe de cristal que sostiene en su mano izquierda Cristo, retratado en una obra que se tuvo por perdida y cuyo valor se estima en 100 millones de dólares.

Origen: La ‘desconcertante anomalía’ en una pintura de Leonardo da Vinci



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